Расширенный поиск по коллекциям
100 лет СССР
![](/online_resources/art_gallery/100_let_ussr/35659_image_ru.gif)
Выставка заняла второе место в главной номинации премии «Культура онлайн 2023» – «Лучший онлайн-проект 2023».
Виртуальная выставка подготовлена к 100-летию образования Союза Советских Социалистических Республик. В преддверии этой знаменательной даты Государственный Русский музей выступил с инициативой создания международной межмузейной виртуальной выставки, которую поддержали 56 музеев России и стран СНГ. В рамках виртуальной экспозиции можно увидеть более 1300 произведений живописи, графики, скульптуры и декоративно-прикладного искусства из собраний Русского музея, музеев России и стран СНГ – Азербайджана, Беларуси, Казахстана, Кыргызстана и Таджикистана. В ней приняли участие художественные, а также некоторые краеведческие музеи – от Владивостока и Южно-Сахалинска на востоке до Калининграда и Минска на западе, от Мурманска и Салехарда на севере до Баку, Душанбе и городов Казахстана на юге. Выставка продолжает пополняться. 9 февраля 2023 года Русский музей провел онлайн-презентацию этого масштабного межмузейного проекта.
В виртуальной экспозиции, организованной в хронологическом порядке от наиболее ранних произведений 1920-х годов до картин начала 1990-х, выделены тематические разделы, в которых собраны произведения по определенной теме: семья, детство, труд, спорт, культура, праздники, индустриализация, сельское хозяйство, защита Отечества, флот, люди эпохи, события, руководители страны, космос. Советскому дизайну и архитектуре также посвящены отдельные блоки.
Большинство музеев через произведения из своих собраний представили жизнь каждого региона (или республики), показав как важнейшие исторические события, в том числе всесоюзные стройки – от первых гидроэлектростанций до Байкало-Амурской магистрали, так и своих земляков, руками которых в тяжелейших условиях происходило превращение СССР в передовую индустриальную державу. Значительное количество портретов людей созидательного труда, представленных на виртуальной выставке – существенная черта искусства советской эпохи. Это, в первую очередь, – результат государственной политики в сфере культуры, через заказы стимулировавшей художников создавать образы своих современников-тружеников. Именно благодаря этому теперь, в XXI веке, у нас есть счастливая возможность увидеть на картинах советских художников лица людей той эпохи, полные достоинства и уверенности в завтрашнем дне. Среди собранных на выставке произведений можно увидеть яркие и выразительные образы представителей различных профессий, созданные советскими живописцами, скульпторами, графиками в самых разных уголках Советского Союза. Среди них — металлурги Магнитки и шахтеры Донбасса, строители КАМАЗа и нефтяники Каспия, колхозники Кубани и рыбаки Приморья, стахановцы и ударники социалистического труда, геологи и пограничники, спортсмены, инженеры, учителя, врачи, выдающиеся деятели науки и культуры. Немало произведений посвящено героям Великой Отечественной войны, отдавшим свои жизни за мир на советской земле. И, конечно, гордость всей страны – советские космонавты.
Важное место среди собранных произведений занимают картины классиков советского искусства – Ф.С.Богородского, А.А.Дейнеки, А.М. и С.В.Герасимовых, В.П.Ефанова, Д.Д.Жилинского, Б.В.Иогансона, Г.М.Коржева, П.И.Котова, Ю.П.Кугача, А.И.Лактионова, П.П.Оссовского, К.С.Петрова-Водкина, Ю.И.Пименова, В.Е.Попкова, А.А.Пластова, Г.Г.Ряжского, А.Н.Самохвалова, А.П.и С.П.Ткачевых, Т.Н.Яблонской и других мастеров, хранящиеся во многих музеях России.
Именно в советский период происходило формирование региональных школ изобразительного искусства. Большинство музеев предоставили на выставку произведения наиболее ярких представителей региональных школ. Город на Неве представляют классики ленинградской школы живописи и графики – Е.Е.Моисеенко, Б.С.Угаров, Ю.М.Непринцев, А.А.Мыльников, В.Ф.Загонек, Л.В.Кабачек, А.А.Пахомов, Ю.С.Подляский, С.А.Ротницкий, Г.А.Савинов, И.А.Серебряный, А.А.Яковлев, В.А.Ветрогонский, В.С.Вильнер и многие другие авторы; Алтай – А.О.Никулин, В.Ф.Добровольский, Ф.С.Торхов, Г.И.Чорос-Гуркин, В.Н.Костин; Владивосток и Сахалин – Ю.И.Волков, И.А.Ионченков, Г.М.Манткава, Ю.С.Рачев, В.А. Ридель, И.В.Рыбачук, Ю.В.Степанов; Волгоград – И.И.Машков, Ю.И.Боско, А.И.Бородин; Вологду и Череповец – О.А.Бороздин, В.Н.Корбаков, М.А.Ларичев, Д.Т.Тутунджан, В.П.Шварков, Н.М.Ширякин; Красноярск – А.М.Знак, С.Е.Орлов, Т.В.Ряннель; Крым – Н.Я.Бут, В.Д.Бернадский, Ю.В.Волков, Н.Ф.Бортников, Н.С.Самокиш; Мордовию – В.Д.Илюхин, Е.А.Ноздрин, И.И.Сидельников, Ф.В.Сычков, А.П.и В.П.Шадрины, В.Ф.Якуторов; Омск – К.П.Белов, В.Р.Волков, Т.П.Козлов, В.В.Кукуйцев; Республику Марий Эл – А.И.Бутов, Ю.С.Белков, И.В.Ефимов, З.Ф.Лаврентьев; Самару – О.Н.Карташев, В.З.Пурыгин, В.Е.Панкратов; Татарстан – И.К.Зарипов, В.И.Куделькин, Б.И.Урманче, Л.А.Фаттахов, И.М.Халилуллов, Х.А.Якупов; Хакассию – А.М.и В.М.Новоселовы, А.А.Топоев, Г.С.Хлебников; Чеченскую республику – С.Э.-С.Бицираев, О.П.Клюкин, В.К.Мордовин, А.Ш.Шамилов; Якутию – В.Р.Васильев, М.М.Носов, А.Н.Осипов, П.П.Романов, Н.Н.Иннокентьев; Ярославль – А.Н.Веденеев, Г.А.Дарьин, Б.И.Ефремов, Ф.В.Новотельнов, А.Н.Мазитов и другие.
С произведениями художников Донбасса и Украинской ССР можно познакомиться благодаря материалам, которые предоставили Донецкий республиканский художественный музей и Художественный музей «Арт-Донбасс». Жизнь этого региона отразили в своих полотнах Б.И.Вакс, М.Т.Джарты, Г.А.Домненко, В.И.Зарецкий, А.А.Коккель, А.М.Лопухов, С.М.Прохоров, В.В.Терновых, Г.А.Тышкевич, В.М.Черников, В.С.Шендель.
Освоение Севера, его самобытную культуру и быт запечатлели художники из Мурманска, Ненецкого и Ямало-Ненецкого автономных округов, Республики Карелия и Республики Коми, – В.Г.Баранов, А.Н.Безумов, В.Н.Бубенцов, К.Л.Буторов, С.А.Добряков, И.Г.Истомин, В.Г.Игловиков, Э.В.Козлов, П.М.Митюшев, П.Н.Поморцев, Г.С.Райшев, Д.К.Свешников, Г.А.Семаков, Г.А.Стронк, С.А.Торлопов, М.П.Цыбасов, В.С.Чекмасов, Г.А.Шемякин, В.С.Шустов, а также художники, которые приезжали на Север работать, как, например, Ф.А.Модоров, который в 1925 по заданию Ассоциации художников революционной России (АХРР) отправился в Коми с целью изобразить, как народы северных окраин встретили Октябрьскую революцию.
Благодаря сотрудникам Калининградского музея изобразительных искусств, предоставившим на выставку 38 произведений из своей коллекции, можно не только увидеть произведения местных художников (А.Н.Грачева, А.П.Карякина, В.М.Михайловского, М.Г.Пясковского, И.С.Сорочкиной, А.А.Шевченко), воспевших жизнь приморского города и его тружеников, но и познакомиться с творчеством прибалтийских художников — У.Е.Земзариса, И.А.Зариньша, В.М.Вяли, В.Р.Дишлера, произведения которых хранятся в этом собрании.
Интересные произведения декоративно-прикладного искусства прислали Егорьевский историко-художественный музей и Магнитогорская картинная галерея.
Одна из целей выставки – познакомить интернет-пользователей (в первую очередь поколение, которое выросло после распада СССР) с изобразительным искусством республик, входивших в состав СССР, укрепление межнациональных и международных связей в сфере культуры.
Благодаря музеям из Алматы, Атырау, Караганды и Усть-Каменогорска на выставке представлено около семидесяти произведений из музеев Республики Казахстан, в том числе девять произведений основоположника казахского искусства Абылхана Кастеева, в которых прекрасно передан «дух эпохи». Интересные по сюжетам и по художественному воплощению, они отражают характерные явления и важные события тех лет – колхозы, гидроэлектростанции, Турксиб, новостройки Алматы, массовые катания на высокогорном катке Медео. В триптихе «Земля и Время. Казахстан» (1978) из собрания Государственного музея искусств им. А. Кастеева (Алматы) казахский живописец Камиль Муллашев лаконично и содержательно создал романтический образ своей эпохи. Амандос Аканаев в своем полном драматизма триптихе «Поэма о бессмертии» (1985) изобразил известного казахского поэта Олжаса Сулейменова, декламирующего строки своей поэмы о сохранении жизни на земле, о трагических событиях ХХ века, о пережитых народом в течение десятков лет и потрясших мир атомных взрывах и их последствиях.
Антивоенную тематику продолжают картины белорусских художников. Своим трагическим звучанием выделяется полотно И.О.Ахремчика «Защитники Брестской крепости», а также ставшая классикой советского искусства «Партизанская мадонна» М.А.Савицкого (Национальный художественный музей Республики Беларусь, Минск).
Азербайджанский Национальный Музей Искусств (г. Баку) представил произведения классиков азербайджанского искусства – М.Г.Абдуллаева, Б.М.Мирзезаде, Т.Т.Салахова. Чаеводы и ремонтники бакинских нефтепромыслов, деятели культуры и молодые колхозницы ярко и образно представляют жизнь АзССР в советские годы.
Среди произведений киргизского искусства можно выделить полотна его основоположников и первых профессиональных художников – С.А.Чуйкова («Счастливое материнство»), Г.А.Айтиева («На винограднике»), С.М.Акылбекова («На полях Киргизии»), Д.Кожахметова («В отряд к Фрунзе»), хранящимися в Кыргызском национальном музее изобразительных искусств им. Г. Айтиева (Бишкек).
Национальный музей Таджикистана (Душанбе) предоставил на выставку ряд полотен, связанных с важными историческими событиями в жизни республики – картины А.К.Хайдарова «Декрет о земле», «Снятие паранджи» «Физкультурное представление в день провозглашения Таджикской Автономной Советской Социалистической республики 15 марта 1925 г.», а также портреты пионеров и комсомольцев, жанровые произведения о строительстве гидроэлектростанций и уборке хлопка М.А.Абдурахманова, З.Н.Хабибуллаева и других художников.
Благодаря участию музеев из стран СНГ и РФ удалось более полно показать творчество ряда крупных советских художников, наследие которых теперь находится в разных странах. Так, на выставке можно увидеть произведения казахской художницы Г.М.Исмаиловой, которые хранятся в Музее искусств Республики Казахстан им. А.Кастеева (Алматы), Карагандинском областном музее изобразительного искусства, а также в Ярославском художественном музее.
Большинство произведений сопровождаются подробными аннотациями и биографиями художников, подготовленными сотрудниками музеев-участников выставочного проекта. Среди дополнительных материалов к онлайн-экспозиции – виртуальный тур по выставке «Для счастья народа», проходившей в испанском филиале Русского музея в Малаге, на которой были представлены лучшие произведения 1930–1950-х годов из коллекции Русского музея.
Русский музей выражает искреннюю признательность всем музеям, принявшим участие в данном проекте. Отдельная благодарность – музеям, которые предоставили произведения художников тех республик СССР, которые не смогли принять участие в данном проекте. Международная виртуальная выставка «100 лет СССР» продолжает пополняться, но она уже сейчас дает уникальные возможности для исследователей и для всех интересующихся изобразительным искусством этого периода увидеть объединенные в едином цифровом ресурсе произведения из разных уголков Советского Союза, лучше узнать культурное наследие этой уникальной во многих смыслах эпохи в истории не только стран, входивших в это союзное государство, но и всего мира.
МУЗЕИ РОССИИ
Абакан, Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова
Архангельск, Государственное музейное объединение «Художественная культура Русского Севера»
Астрахань, Астраханская государственная картинная галерея имени П. М. Догадина
Барнаул, Государственный художественный музей Алтайского края
Белгород, Белгородский государственный художественный музей
Владивосток, Приморская государственная картинная галерея
Волгоград, Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
Вологда, Вологодская областная картинная галерея
Вольск, Саратовская область, Вольский краеведческий музей
Воронеж, Воронежский областной художественный музей им. И. Н. Крамского
Горно-Алтайск, Национальный музей имени А. В. Анохина
Грозный, Музей Чеченской Республики
Донецк, Донецкий республиканский художественный музей
Донецк, Художественный музей «Арт-Донбасс»
Егорьевск, Московская область, Егорьевский историко-художественный музей
Ижевск, Удмуртский республиканский музей изобразительных искусств
Ирбит, Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
Иркутск, Иркутский областной художественный музей им. В. П. Сукачева
Йошкар-Ола, Республиканский музей изобразительных искусств (Республика Марий Эл)
Казань, Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан
Калининград, Калининградский музей изобразительных искусств
Калуга, Калужский музей изобразительных искусств
Киров, Вятский художественный музей им. В. М. и А. М. Васнецовых
Когалым, Музейно-выставочный центр
Краснодар, Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
Красноярск, Красноярский художественный музей имени В. И. Сурикова
Луганск, Луганский художественный музей
Магнитогорск, Магнитогорская картинная галерея
Майкоп, Республика Адыгея, Северо-Кавказский филиал Государственного музея искусства народов Востока
Мурманск, Мурманский областной художественный музей
Нарьян-Мар, Музейное объединение Ненецкого автономного округа
Нижний Тагил, Нижнетагильский музей изобразительных искусств
Омск, Омский областной музей изобразительных искусств им. М. А. Врубеля
Петрозаводск, Музей изобразительных искусств Республики Карелия
Ростов-на-Дону, Ростовский областной музей изобразительных искусств
Салехард, Ямало-Ненецкий окружной музейно-выставочный комплекс им. И. С. Шемановского
Самара, Самарский областной художественный музей
Санкт-Петербург, Русский музей
Саранск, Мордовский республиканский музей изобразительных искусств имени С. Д. Эрьзи
Саратов, Саратовский государственный художественный музей им. А. H. Радищева
Симферополь, Симферопольский художественный музей
Смоленск, Смоленский государственный музей-заповедник
Сыктывкар, Национальная галерея Республики Коми
Тамбов, Тамбовский областной краеведческий музей
Тверь, Тверская областная картинная галерея
Улан-Удэ, Национальный музей Республики Бурятия /Художественный музей им. Ц. Сампилова
Уфа, Башкирский государственный художественный музей им. М. В. Нестерова
Череповец, Череповецкое музейное объединение
Южно-Сахалинск, Сахалинский областной художественный музей
Якутск, Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
Ярославль, Ярославский художественный музей
МУЗЕИ СТРАН СНГ
Республика Азербайджан
Баку, Азербайджанский национальный музей искусств
Республика Беларусь
Минск, Национальный художественный музей Республики Беларусь
Республика Казахстан
Алматы, Государственный музей искусств Казахстана имени А. Кастеева
Атырау, Атырауский областной музей художественного и прикладного искусства имени Шаймардана Сариева
Караганда, Карагандинский областной музей изобразительного искусства
Республика Кыргызстан
Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
Республика Таджикистан
Детвора
- 1958-1960
- Холст, масло. 121 х 200
- Государственный Русский музей
- Ж-7656
Жизнь ненцев на Маточкином шаре. Чумы
- Период создания: 1959
- Холст, масло. 48,0 x 70,0
- Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
- Ж-136
Илья Константинович (Тыко) Вылка (1886-1960) – общественный, государственный деятель, исследователь Новой Земли, действительный член Географического общества СССР, художник, просветитель, собиратель ненецкого фольклора и автор песен и сказок на родном языке.
Творчество ненецкого художника-самоучки Ильи Константиновича Вылки стоит особняком от общих тенденций развития изобразительного искусства, оно самобытно и неповторимо, искусствоведы относят его к наивному искусству. В конце пятидесятых годов ХХ века Ненецкий краеведческий музей сделал заказ Тыко Вылке, который он выполнил в 1959 году, проживая уже в Архангельске. В этих картинах прослеживается ностальгия по родине и стремление через свои работы поделиться воспоминаниями, познакомить зрителей с Новой Землей, внушить собственное любовное и благоговейное отношение к ней. Для картины «Жизнь ненцев на Маточкином шаре» Илья Константинович взял самые светлые, самые солнечные краски, самые нежные и ясные тона, голубые и золотисто-желтые. Летний день на берегу Ледовитого океана рассказан цветом и кистью. Вот рыбак, кормилец семьи, горделиво показывает выловленных гольцов. Жена выделывает шкуру, рыбаки вяжут и складывают сети. Все заняты делом и потому всем хорошо.
А по небу проплывают нарядные белые облака, свежий ветер гонит синие волны, их пенные гребешки художник изобразил густыми мазками.
Илья Константинович (Тыко) Вылка создал свой собственный, совершенно новый стиль, которым только и можно было передать мироощущение маленького северного народа, живущего в гармонии с пространством и временем.
За нашу партию. Золотая свадьба
- 1959-1960
- Холст, масло. 189,0 х 330,0
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Ж-460
Появившись в 1960 году на республиканской выставке в Москве, работа художника Ахмеда Китаева не осталась не замеченной критиками искусства, вызвав неоднозначные отзывы и оценки. Действительно, картина привлекает своей масштабностью и композиционным мастерством. Сочный колорит, праздничный строй произведения, крепкий живописный мазок воплотились в счастливых образах современников, в ярких красках нарядной одежды и щедро накрытого деревенского стола. Художник не забывает и героев произведения, вкладывая в их образы жизнеутверждающее начало ‑- веру в светлое будущее ‑ необходимое составляющее многих произведений советского периода. Из-за несоответствия идеи, заложенной в названии, и раскрытия темы, главные действующие герои оказались на втором плане, но художник намеренно увел их в глубь картины, стремясь сделать родоначальниками огромной «страны-семьи».
Камчатские рыбаки
- 1959
- Медь. 95 x 105 х 142
- Государственный Русский музей
- СО-870
В «Камчатских рыбаках» нашли отражение впечатления мастера от поездки на Камчатку в 1958 году в составе геологической экспедиции. Скупой пластический язык, выраженный в жестких, рубленых линиях лиц и одежды рыбаков, отражает основные стилистические черты «сурового стиля». В отличие от сталинской эпохи, когда изображали только отлакированную действительность, во времена «хрущевской оттепели» художники стремились показать, в каких непростых условиях и как тяжело приходится работать представителям многих профессий.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 126.
Колхозные ясли
- 1957-1960
- Холст, масло. 140 х 200
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
Основная тема работ М. В. Савченковой это материнство, крестьянский быт и семья. Очень лиричная и светлая работа «Колхозные ясли» с двумя героинями, молодыми женщинами, которые присели в тени дерева в знойный летний день. Они погружены в заботу о своих младенцах и нежно «воркуют» с ними. Одна, почти девочка в светлых одеждах, ее лицо освещено солнечными бликами, она улыбается, глядя на своего карапуза, другая в тени устало смотрит в сторону, о чем-то размышляя, а ребенок, схватившись за бутылочку с молоком, жадно опустошает ее содержимое.
Конюх лесничества Петр Тоньшин
- 1959
- Холст, масло. 107,0 × 66,5
- Самарский областной художественный музей
- Ж-988
Портрет конюха лесничества Петра Тоньшина входит в обширную серию изображений жителей села Прислониха Ульяновской области. В 1951 году Пластов писал его еще ребенком, в портрете же 1959 года мальчик превратился в статного молодого человека, и, хотя в выражении его лица угадываются отголоски прежней душевной ранимости, фигура в целом источает весомость и стабильность. Конечно, наш герой обрел их, прежде всего, за счет повышения своего социального статуса – не случайно же портрет уважительно называется «Конюх лесничества Петр Тоньшин». Обычный бараний тулуп Пластов трактует как некое величественное одеяние. Особо живописны его отвороты. Фигура Тоньшина показана снизу, она занимает значительное место в композиции, в то время как голова составляет лишь четверть всего изображения. Такой прием выделяет эту работу из числа других пластовских портретов односельчан, сообщая ей несколько аристократический оттенок. Невольно приходят в голову ассоциации с портретами мастеров Возрождения, например, Тинторетто, и это не случайно: в 1956 году Пластов с группой художников совершил свою первую поездку в Италию, которая произвела на него огромное впечатление, в некоторой мере определившее развитие его последующего творчества.
Красный дом (г.Нарьян-Мар)
- 1959
- Картон, масло. 33,5 х 39,0
- Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
- Ж-27
Александр Николаевич Безумов оставил после себя большое количество живописных полотен, основной темой которых был Север. В художественной коллекции Музейного объединения г. Нарьян-Мара хранится 37 произведений автора, которые он лично подарил в 1979 году.
Нарьян-Мар привлекал художников всегда: и тогда, когда был «невысоким-нешироким», и сегодня, когда на наших глазах исчезают старые деревяшки, а на их месте вырастают современные многоэтажные здания. Карандашами и красками, на холсте, картоне или просто на бумаге художники во все времена спешили запечатлеть свой город, чтобы мы могли увидеть каким был Нарьян-Мар в прошлом.
Картина «Красный дом» построена на контрасте белого и тёмно-коричневого, красного и синего. Именно контраст придаёт динамику и энергию статичным строениям. Очарованный слепящим весенним солнцем, художник рисует поверхность сугроба с боков словно отполированной, а верхушку рыхлой. Комки снега бросает наверх рабочий, который, стоя между двумя сугробами в человеческий рост, расчищает после метели дорожку у Окружной библиотеки. Акцентируя на красном, Безумов как бы продолжает традицию советской живописи, идущую от художников-единомышленников Петрова-Водкина, с их колористическими и пространственными опытами, за рамки социалистического реализма.
Лето. 1959 год. Город Куйбышев
- 1959
- Холст, темпера. 75,0 × 115,0
- Самарский областной художественный музей
- Ж-1127
Для Олега Картешёва «главная улица России», Волга, – не только водная магистраль. У нее есть и свои «тротуары» – берега, где сбегают к реке села и разрастаются города. В последний период творчества всё внимательнее всматривается художник в то, что происходит на берегах реки, вплетает в пейзажную канву картин рассказ о буднях волгарей.
На картине «Лето. 1959 год. Куйбышев» изображено строительство новой набережной в Куйбышеве. В этой работе больше внимания уделено жанровым моментам, труду волжан; пейзаж как бы отступает на второй план.
Может быть, здесь начиналась новая линия в творчестве мастера, которой не суждено было развиться. Жизнь художника оборвалась в расцвете творческих сил.
На запани
- 1959
- Холст, масло. 96 х 210
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-788 АОМИИ
С именем художника Михаила Сергеевича Баранчеева связана целая эпоха в изобразительном искусстве Севера. Он был первым, кто открыл новый круг тем и сюжетов, новаторским в его картинах стало живое наблюдение жизни. Его творчество было хорошо известно не только в Архангельске, он постоянно участвовал в областных, зональных и всесоюзных выставках.
Впервые в Архангельск Михаил Сергеевич приехал в 1950 году, когда был еще студентом. «Архангельск поразил меня своей колоритностью, своим многообразием, и в 1953 году, после окончания учебы, я приехал сюда работать, – вспоминал художник. – Знаете, здесь все – и Россия, и множество северных народностей – все, что нужно для творческой натуры. Такой он – наш Север. Такой наш Архангельск».
Северный край во всем своем многообразии был главной темой произведений Баранчеева. Старый и новый Архангельск, морские и речные порты, поморские деревни, индустриальные и лирические пейзажи стали предметом подлинного интереса художника.
Особый интерес вызывают созданные художником живые и реалистичные жанровые сцены. Проникнутая воздухом и солнечным светом, живописная работа «На запани» 1959 года увлекает зрителя динамикой композиции и обаянием сюжета, в котором улавливается поэтическая романтика 60-х годов прошлого столетия.
За́пань (За́понь) — инженерное заградительное сооружение (обычно из брёвен), используемое для временного или окончательного задержания твёрдых плавучих объектов (леса и др.) в определённом месте водоёма
На мирной земле
- 1959-1960
- Холст, масло. 240 х 225
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
А. Д. Романычев посвятил теме войны не одно свое произведение. В нашем случае – это жанровое произведение, где главный герой – это крестьянин, вернувшийся после тяжелых военных испытаний, приступает к своему делу. Перед ним – земля, изрытая окопами, но за спиной – мирное небо, завоеванное жизнями миллионов советских людей.
Ополченцы
- 1959
- Холст, масло. 200 x 370
- Государственный Русский музей
- Ж-7585
Автор обращается к глубоко личному, увиденному воочию. С началом войны, приехав из родной деревни Уваровичи в Ленинград, Моисеенко 5 июля 1941 года добровольцем вступил в ополчение, участвовал в боях, под Гатчиной захвачен в плен. В 1945 году освобожден, служил в кавалерийском корпусе Героя Советского Союза генерал-лейтенанта Н. Л. Осляковского. „Ополчение“ — первое произведение (не считая диплома), посвященное Великой Отечественной войне, теме, решаемой им глубоко и многогранно. Картина художественно и исторически достоверна: „Я вспоминал ребят-ополченцев, страшно хотелось показать их реально, сделать психологическую вещь, углубиться в характеры". Действительно, они разные — в трудной боевой работе. Среди них хорошо знакомые художнику люди — фронтовики, ставшие прообразами произведения. Они в краткой передышке между бесконечными боями. Их фигуры заполняют почти весь протяженный холст, оставляя лишь часть задымленного пространства. Так в правдивой картине возникает реальная метафора — они лишь часть тех, кто составляет понятие народ, поднявшийся на борьбу. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 263.
«Герой о героях» (война в произведениях Е. Е. Моисеенко)
Мультимедийный фильм - победитель конкурса мультимедийных ресурсов "Герои и победы в русском искусстве" (2020)
Участник: Кокорева Диана, 13 лет
Руководители: Ольховская Елена Всеволодовна, Безвесельная Марина Вячеславовна
ИОЦ: Центральная районная библиотека им. В. Г. Белинского, ГБОУ СОШ № 96 Калининского района, г. Санкт-Петербург
Портрет М. М. Пришвина
- 1959-1960
- Холст, масло. 119,5 х 134,5
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
Широкую известность А. И. Кириллову принесли жанровые картины, где главными героями были известные писатели и поэты. В портрете известного писателя мастер показал пожилого человека, сидящего среди лесного массива облокотившись на широкий ствол дерева, рядом с ним любимый охотничий пес. Пришвин погружен с вои мысли и является частью той природы, которую воспел в своих произведениях и которую так поэтично и музыкально показал художник.
Михаил Михайлович Пришвин (1873 – 1954) – русский и советский писатель. Родился в селе Хрущёво-Лёвшино Липецкой области. В 1893 году окончил Тюменское Александровское реальное училище, в этом же году поступил на химико-агрономическое отделение химического факультета Рижского политехникума. В 1897 году из-за своей политической деятельности был арестован и отчислен. В 1901 году был зачислен в Лейпцигский университет, который окончил как инженер-землеустроитель. Работал корреспондентом в газетах, общался с Максимом Горьким, А. Н. Толстым, Д. С. Мережковским. Пришвин много путешествовал по России, собирал местные предания. В своих произведениях неизменно обращался к теме взаимодействия человека с природой, К. Г. Паустовский называл его «певцом русской природы».
Портрет бригадира А. И. Перепелкина
- Из серии «Люди колхоза «Гвардеец» Чувашской АССР»
- 1959
- Холст, масло. 172 х 113
- Государственный Русский музей
- Ж-7881
Оба портрета ленинградских художников явились результатом творческих поездок в Чувашию, которые начались в 1959 году. В результате возник цикл произведений, посвященный труженикам колхоза «Гвардеец». Особенностью этих работ являются особая доверительность, естественность, лишенная какого-либо «нажима», героизации, приукрашивания. Это была принципиальная позиция художников той поры в различных видах искусства. Достоверный сюжет, энергичное письмо, определенная суровость цветового решения, стремление к живописному лаконизму у каждого художника проявлялись по-своему. В данном случае эти качества особенно заметны у Кабачека с его крепкой живописной кладкой, резким ракурсом, выразительным использованием фрагментарности, которая сродни кинокадру. Герои Веселовой и Кабачека – люди дела, жизненной реальности. Это люди с выраженным характером, чем-то предвосхищающие образ, созданный М. А. Ульяновым в фильме «Председатель». Сюжет Веселовой вводит в мир каждодневных забот известного человека, депутата Верховного Совета СССР, в его общении с людьми, наделенными, как и сам Долгов, меткими психологическими характеристиками. Острее дан образ бригадира Перепелкина у Л. В. Кабачека. Выбран тот момент краткой остановки, за которым наступит движение. Это состояние акцентировано обликом бригадира, его позой, соотношением крупно взятой первоплановой фигуры с фрагментом тяжелой коричневатой земли и виднеющимися постройками. К такой композиции, выявляющей характер, всегда стремился автор, говоря об «отобранности движений простых и правдивых».
Перепелкин Анатолий Илларионович (род. 1928) – бригадир полеводческой бригады. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 292.
Портрет делегата XXI съезда КПСС А. Ф. Кузьмина
- 1959
- Холст, масло. 124,0 × 99,0
- Самарский областной художественный музей
- Ж-975
Первой важной работой молодого самарского художника Василия Панкратова стал «Портрет делегата XXI съезда КПСС Героя Социалистического Труда А. Ф. Кузьмина» (1959). В 1960 году он экспонировался на республиканской выставке «Советская Россия» в Москве и в том же году был приобретен Куйбышевским художественным музеем.
Герой изображен в заводском цеху, рядом со станком. В этом образе художник стремился раскрыть лучшие черты нашего современника, человека физического труда, наделенного интеллектом. Этим портретом начинается работа художника над произведениями о передовых людях Куйбышевской области – колхозниках, рабочих, ученых. Панкратов всегда изображал их в процессе трудовой деятельности.
В этой работе проявилась важная черта творчества Панкратова – взгляд у всех моделей обращен внутрь себя, нет открытого позирования. Этим портретом началась работа живописца над созданием портретной галереи своих современников.
Портрет медсестры
- 1959
- Бумага, темпера. 64,5 х 45,5
- Сахалинский областной художественный музей
- Ж-1338
В период 1950-х годов начинают свой творческий путь представители старшего поколения приморских художников: Кирилл Иванович Шебеко, Иван Васильевич Рыбачук, Анатолий Васильевич Телешов, Василий Никанорович Доронин, Николай Данилович Волков, Борис Фёдорович Лобас. На некоторых из них повлияла европейская образовательная школа. Им было суждено привнести европейскую художественную традицию в дальневосточную практику.
Самые ранние работы 1950-х годов из музейной коллекции принадлежат владивостокскому художнику Б. Ф. Лобасу. Одна из них – живописная работа «Портрет медсестры» (1959) представляет собой образец воплощения принципов социалистического реализма.
Жизнь и деятельность художника связана с непосредственным участием в процессе становления приморского профессионального искусства. Б. Ф. Лобас был в составе первого выпуска Владивостокского художественного училища, он же вошёл в его первый преподавательский состав. Художник всегда много занимался детским художественным воспитанием.
Портрет председателя колхоза М. Г. Долгова
- Из серии «Люди колхоза «Гвардеец» Чувашской АССР»
- 1959
- Холст, масло. 198 х 115,5
- Государственный Русский музей
- Ж-7839
Оба портрета ленинградских художников явились результатом творческих поездок в Чувашию, которые начались в 1959 году. В результате возник цикл произведений, посвященный труженикам колхоза «Гвардеец». Особенностью этих работ являются особая доверительность, естественность, лишенная какого-либо «нажима», героизации, приукрашивания. Это была принципиальная позиция художников той поры в различных видах искусства. Достоверный сюжет, энергичное письмо, определенная суровость цветового решения, стремление к живописному лаконизму у каждого художника проявлялись по-своему. В данном случае эти качества особенно заметны у Кабачека с его крепкой живописной кладкой, резким ракурсом, выразительным использованием фрагментарности, которая сродни кинокадру. Герои Веселовой и Кабачека – люди дела, жизненной реальности. Это люди с выраженным характером, чем-то предвосхищающие образ, созданный М. А. Ульяновым в фильме «Председатель». Сюжет Веселовой вводит в мир каждодневных забот известного человека, депутата Верховного Совета СССР, в его общении с людьми, наделенными, как и сам Долгов, меткими психологическими характеристиками. Острее дан образ бригадира Перепелкина у Л. В. Кабачека. Выбран тот момент краткой остановки, за которым наступит движение. Это состояние акцентировано обликом бригадира, его позой, соотношением крупно взятой первоплановой фигуры с фрагментом тяжелой коричневатой земли и виднеющимися постройками. К такой композиции, выявляющей характер, всегда стремился автор, говоря об «отобранности движений простых и правдивых».
Долгов Михаил Герасимович (род. 1904). // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 292.
Праздник в Вороново (Чувашия)
- 1959–1960
- Холст, темпера. 240,0 × 304,0
- Самарский областной художественный музей
- Ж-1007
Картина «Праздник в Воронове» – одно из центральных в большом цикле произведений, созданных Леонидом Кабачеком и Ниной Веселовой о быте и труде, буднях и праздниках Чувашии. Село Вороново в Чувашии, расположенное в живописном месте, у моста через реку Цивиль, на старом тракте Нижний Новгород — Казань, всегда было излюбленным местом народных гуляний. На одном из таких событий в 1956 году удалось побывать ленинградским художникам Л. В. Кабачеку и Н. Л. Веселовой во время их творческой экспедиции по Поволжью, Приуралью и Кустанайским степям. Впечатление от увиденного легло в основу картины «Праздник в Воронове».
Композиция строится на перехлесте диагоналей – из верхнего правого угла в нижний левый движется ватага поющих подвыпивших парней с гармошками (важным событием такого праздника в селе Вороново было состязание парней – кто кого перепоет). Другая диагональ, составляемая женской половиной села, изгибается слева направо. На ветру, существуя как бы отдельно, парусят женские юбки. И если характерные фигуры парней вполне трактуются в духе 1950-х, то женщины чувашского села воплощают собой народную стихию. Похоже, что авторы, находясь под впечатлением от работ художников-символистов рубежа XIX–ХХ веков, нагружают особым смыслом женские образы в картине, являя нам основные фазы женского возраста: детство, молодость, старость.
Мы видим здесь наивную маленькую девочку – в нижнем левом углу; чуть выше – серьезную девочку-подростка; вот испуганно глядящая молодуха в платке, повернувшаяся в нашу сторону, именно с ней мы сразу встречаемся взглядом. Правее в рост – женщина в сиреневом сарафане, с заметной болью в глазах, она одинока в этой бурлящем действе и своим интеллигентным видом выпадает из общего «этнографического» фона. Прямо под ней – старуха с благостно-спокойным, лунообразным лицом. Рядом же несколько вполне колоритных веселящихся баб – в совершенно малявинском духе.
Удивительно, что в конце 1950-х Веселова и Кабачек сумели ускользнуть от стереотипов тематической картины в традиционном соцреалистическом духе. Их «Праздник» органично сочетает в себе как некоторые приемы «хоровой композиции» исторических полотен рубежа XIX–ХХ веков, так и явственные особенности декоративного панно стиля модерн. При этом, несмотря на перенасыщенность полотна фигурами, деталями, подчеркнутую экспрессию отдельных форм, «Праздник в Вороново» не воспринимается эклектичным и пестрым, напротив, он привлекает своей целостностью и завершенностью.
Тамара Хатанзейская, заведующая Окружной библиотекой
- 1959
- Картон, масло. 40,5 х 30,0
- Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
- Ж-19
Безумов Александр Николаевич – замечательный мастер портрета. Много и с любовью писал своих земляков и известных людей Ненецкого округа.
К плеяде одаренных и талантливых людей библиотечного дела, безусловно, относится Тамара Тимофеевна Хатанзейская – заведующая библиотекой с 1953 по 1978 годы. Это первая библиотекарь-ненка со специальным высшим образованием. Награждена орденом Трудового Красного Знамени (1967), медалью «За доблестный труд. В ознаменование 100-летия со дня рождения В. И. Ленина (1970).
Именно тогда, в 1953 году, библиотека въехала в специально построенное здание, рассчитанное на 50 тысяч томов, по адресу: г. Нарьян-Мар, улица Тыко Вылки, дом 6А. Здесь имелись абонемент, читальный зал, книгохранение.
В 1960-70-е годы при Тамаре Тимофеевне библиотечная работа наполняется новым содержанием, расширяется зона обслуживания. В 1960-м году появляется должность методиста, в 1961-ом открывается свободный доступ к книжным фондам, в 1965-ом выделен передвижной фонд (через передвижные библиотеки обслуживается население ближайших поселков, рыболовецкие участки, предприятия и учреждения города). В 1972 году организована юношеская кафедра, на которой обслуживали молодежь от 15 до 20 лет. Читатели также получили возможность заказывать литературу по Межбиблиотечному абонементу (МБА).
Молодая женщина изображена в начале своего творческого пути. Она задумчива, ракурс ее головы естественен, лицо доброе, красивое и мудрое с четкой линией тонких светло-алых губ. Тамара Тимофеевна терпеливо ждет окончания сеанса позирования, она позволила себе оторваться от работы, чтобы художник мог выполнить свою работу.
Танец в степи
- Вариант авторский
- 1959
- Холст, масло. 196 х 150
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-108
«Танец в степи» (авторский вариант) относится к позднему периоду творчества московского живописца Самуила Яковлевича Адливанкина. Ему, как и многим другим художникам его поколения, выпала сложная задача поисков образов новой жизни, новых людей. Одно из лучших в его творчестве в плане новаторства и верности образа – полотно «Танец в степи», где чувствуются пространство и душа целины. В этой работе есть и воздух целинных станов, и дух простых советских людей, приехавших по призыву партии «поднимать целину».
Освоение целины – в 1954–1965 годах в СССР комплекс мероприятий по увеличению производства зерна путём введения в оборот обширных целинных земельных ресурсов главным образом в Казахстане, а также в Поволжье, на Урале, в Сибири, на Дальнем Востоке и в Крыму.
Трактористка
- 1959
- Холст, масло. 156 x 90
- Государственный Русский музей
- Ж-7550
Утро
- 1959–1960
- Холст, масло. 160 x 330
- Государственный Русский музей
- Ж-7740
Картина „Утро“ принадлежит к числу живописных шедевров Загонека. Ее замысел связан с впечатлениями художника от окрестностей Онежского озера, которые он посетил в 1955 году. В картине обобщены мотивы встречающихся в онежских произведениях шествующих женщин, плещущихся гусей, отражений в воде с переживанием своеобразия северной русской природы, которые художник преломил в поэтический образ весеннего колхозного утра. На этот единый, цельный образ, отражающий программную для советского искусства идею позитивной демонстрации современной трудовой жизни, работают все художественные приемы — и горизонтальное фризовое решение картины с ее ритмической насыщенностью, и пластико-колористическая изысканность, богатство эмоциональных оттенков. Картина воспринимается как монументальное панно, как своего рода песня о небесных, водных и земных просторах и о жизнерадостности обитателей этого мира.
В отличие от произведения „Гроза прошла“, написанного за исключительно короткий срок (около года), „Утро“ вынашивалось более трех лет, не считая тех заготовок, что присутствовали в работах онежского периода. Художник писал для нее многочисленные этюды и эскизы, решая проблему большеформатной картины и стремясь согласовать свои творческие задачи с контекстом советского искусства, переживавшего на рубеже 1950-1960-х годов энтузиазм „сурового стиля“. На выставке произведений ленинградских художников 1960 года картина стояла особняком, выделяясь своими лирико-поэтическими особенностями. // Тамара Чудиновская. Большая картина. СПб., 2006. С. 273.
Замысел картины "утро" связан с впечатлениями художника после посещения в 1955 году окрестностей Онежского озера. В ней обобщены мотивы, которые художник преломил в поэтический образ весеннего колхозного утра. На этот образ работают все художественные приемы — горизонтальное фризовое решение картины, ритмическая насыщенность, богатство эмоциональных оттенков. Картина воспринимается как монументальное панно, как своего рода песня о жизнерадостности обитателей этого мира.
Каталог выставки в Малаге «Времена года. Произведения из собрания Русского музея». 2015. С. 112.
Штукатуры
- 1959
- Холст, масло, темпера. 67 х 251
- Удмуртский республиканский музей изобразительных искусств, Ижевск
- Ж-677
Труд на благо социалистического общества являлся обязательным условием процветания и развития Советского Союза. Именно благодаря постоянному и, подчас, тяжёлому труду, как производственному в крупных промышленных центрах СССР, так и крестьянскому сельскому, связанному, например, с освоением целинных земель, происходит борьба с послевоенной разрухой, и жизнь простого советского человека постепенно налаживается, поддерживаемая неуклонной верой в светлое и полное новых надежд коммунистическое будущее.
Образ нового советского человека труда ярко отражен в произведении известного московского художника, представителя «сурового стиля» Виктора Попкова «Штукатуры»(1959), где перед зрителем разворачивается групповой портрет настоящих героев современности – молодых, здоровых, полных энтузиазма и уверенности в своих силах «строителей коммунистического общества», представителей разных национальностей СССР.
В 1950-1960-е годы художник много путешествовал по стране. Посетил Иркутск, Братск и другие города и области Сибири, где в это время осуществлялись крупные строительные проекты. По впечатлениям от поездок исполнил ряд картин, в том числе и данное полотно.
В вечерний институт
- 1960–1961
- Холст, масло. 120,0 х 98,0
- Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
- 2240-877ж
В творческом методе киргизского художника Леонида Федоровича Дейманта большое место занимает работа над сюжетной стороной картины. К каждой картине художник разрабатывал развернутый сценарий, где каждому персонажу отведена определенная роль. Художнику была важна повествовательность сюжета.
На картине «В вечерний институт» (1960–1961) изображен зимний, холодный вечер. Замечательная сценка: бабушка и девочка провожают молодую женщину на учебу. С интересом и любопытством наблюдает это старик в огромном тулупе и меховом малахае, явно приехавший в город издалека. Пейзаж очень хорош – деревья в инее, вдали городское этажное здание со шпилем, куда идут люди. Сложный колорит говорит о живописном мастерстве художника.
В детском саду
- ХХ в.
- Холст, масло. 142,0 х 164,0
- Белгородский государственный художественный музей
- Ж-220
В 1950–1960-х годах внимание московской художницы Надежды Дмитриевны Воробьевой было сосредоточено на жанровой живописи с детской и молодежной тематикой. В этот период она создает большую серию работ, посвященную теме «Детский сад» («Детский сад гуляет», «Тихий час», «Обед в детском саду», «Ясли» и др.). Эти работы не были заказными, писались по велению души, поэтому имеют теплую эмоциональную окраску. Впоследствии она продолжает разрабатывать эти композиции. В ее полотнах дети – не только полные очарования, умиляющие создания, это маленькие, но вполне сформировавшиеся самостоятельные личности, со своими размышлениями и радостями.
Картина «В детском саду» (ХХ в.) передана из Республиканского центра художественных выставок и пропаганды изобразительного искусства «Росизопропоганда» в 1985 году. Она вошла в число первых поступлений в собрание Белгородского художественного музея, который был образован в 1983 году. Произведение выполнено в характерной для живописца манере: мягкое колористическое решение фона и яркие динамичные пятна детских фигурок.
Известно несколько вариантов этой композиции с высокой точкой зрения, при которой зритель, словно воспитатель детского сада, охватывает взглядом сразу всех детей. Художница создает целую галерею детских образов, естественность и открытость которых подкупает зрителя. Характерные жесты и позы верно подмечены и очерчены буквально несколькими деталями. Картина полна динамики и в рисунке, и в цвете, благодаря чему возникает ощущение, что слышен стук ложек о тарелки и гомон детей. Будни детского сада в исполнении Надежды Воробьевой наполнены праздничной атмосферой.
В Советском Союзе детей с ранних лет приучали к идее коллективизма, и то, с каким единодушием и аппетитом едят изображенные на этой картине малыши, в некотором роде свидетельствует об успехе этой идеи.
В моем городе
- 1960
- Холст, масло. 95 х 105
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- 1594-ж
Мир горожан, мир алматинского студенчества в полотне «В моем городе» казахского художника Сабура Мамбеева предстает гармоничным и ясным, уверенность в своем завтрашнем дне – характерное социальное явление советского бытия – сквозит в ликах.
Студентки – молодые, полные жизненной силы девушки, представители новой формации, растущей интеллигенции, кото- рой, по убеждениям советского периода, принадлежит будущее. Одетые по моде своего времени, они, как и во всех произведениях мастера, и здесь и где-то в другом пространстве, в мире своих мыслей, их волнует нечто свое.
В картине «В моём городе» главными действующим лицами снова стали две девушки (решительная брюнетка и скромная блондинка), изображенные крупным планом на фоне тёмно-зеленых крон рядом с нежными цветами ириса. Девушки вместе и раздельно: каждая думает о чём-то своём. В отдалении от них куда-то спешит женщина, девочка едва поспевает за братом, мужчина на ходу читает газету, мать шествует с ребенком в коляске ‑ в общем, суета сует. Иерархия традиционной семьи уступила место "хаосу" городского населения. При этом изображена не улица с ее толчеёй, а уголок парка, где человеку удается ещё быть рядом с природой, с её живительной прохладной тенью, ласковым солнечным светом. И хотя в одном пространстве прохожие оказались, пожалуй, случайно, возникает образ счастливого мира, с совместным и параллельным существованием разных людей.
Следуя за логикой иного характера жизни, художник отходит от композиции "предстояние", контрастами в размерах фигур вводит ощущение глубины пространства, сохраняя при этом плоскостное решение холста. Утопические мифы времени, в плену которых находился художник в свое время, двигали рукой мастера, когда он создавал образы молодого поколения шестидесятых годов ХХ века: прямая осанка девушек, чистые одухотворенные лица, умиротворенность в их выражении и в то же время романтический туман во взорах.
Во всем облике девушек просвечивает вера в светлое будущее, они из поколения, не боявшегося трудностей, мечтатели и романтики, просветленность ликов – из системы «воспитания» советских граждан, уверенных, что мир – для них, что они свободны и способны строить свою жизнь своими руками. Вместе с романтическим туманом – и тонкое кружево из «облаков»: мысли девушек далеки от конкретности данного момента.
Художник всегда помещает свои персонажи во вневременное пространство, делает их как бы отсутствующе-присутствующими здесь и сейчас и где-то еще. Но это и объяснимо: советский человек данной эпохи часто вынужден был жить либо в прошлом, либо жил в ожидании грядущего.
Этническая культурная «природа» художника также «требовала» быть «выше» сиюминутного и конкретного, философия номада формировала отношение к действительности как явления части целому: все переходит из одного состояния в другое, все взаимообусловлено.
Образы людей помещены в относительное пространство, хотя и очень узнаваемое, оно все же растворяется в потоке ритма общих цветовых пятен, тем не менее перед зрителем горожанки, они из современного мира казахского этноса.
Обобщенность, плоскостность письма не мешает мастеру соз- давать иллюзию пространства. Локальные тона света и тени передают чувства, залитого солнцем дня, когда ее границы создают особенный ритм состояния природы.
Студенчество, конечно, есть только в городах, и художник будет изображать их в «естественной» городской среде. Но в данном полотне он поместил девушек в минуты самостоятельной учебной работы на фоне предгорной равнины, столь типичной для природы окрестностей Алматы. Внешняя среда по-казахски – «дала», что подразумевает все: «улица», пространство степи или природы, то есть люди в привычной для нашего региона обстановке. Однако ее материальность словно растворяется, теряя свою физическую весомость, но не теряя иллюзии глубины пространственности.
Изображение пейзажа, в который помещены фигуры девушек, воспринимается традиционно бескрайним, просторным и вечным в своем торжественном покое, но меняется человек, устремленный к свету знаний. Раскрытые книги символизируют новый этап освоения будущего молодым поколением, они на переднем плане, доминируют на фоне пронизанного воздухом пейзажа.
Официальная идеология нуждалась в визуальной пропаганде будущих строителей коммунизма, С. Мамбеев видит этих строи- телей в ликах образованных людей новой формации, и эта новая формация начинается с женщины, которая действительно, будучи представительницей традиционной культуры, меняется. Она все та же хранительница очага, целомудренна и женственна, но она же – и новый лик времени. Художник очень точно подметил, что именно на женщине – груз и бремя утверждения иных ценностей.
В облике персонажей не столько импрессионистическая ситуация в изображении, сколько художественная метафора: юность стремится в будущее, которое, если верить пропаганде, сулит лишь свет и блага.
В. И. Ленин с крестьянами
- 1960
- Холст, масло. 198,5 x 299
- Государственный Русский музей
- Ж-8045
Характер решения картины с акцентом лирического начала характерен именно для этого времени, когда во многих видах искусства, в том числе и живописи, стала подчеркиваться не пафосная героизация, а более доверительная интонация в изображении вождя.
Она и звучит в беседе Ленина с крестьянами, в непритязательности обстановки, естественности сюжета. Цветовой решение с доминирующими светлыми тонами, словно напоминающими о близкой весне, весь пейзаж, его состояние как бы вторят атмосфере беседы. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 259.
«Ленин — личность великая и сложная. Он очень прост, человечен, может легко найти общий язык с обыкновенным крестьянином, деревенским мальчишкой, и вместе с тем он гениален, он может не только предвидеть ход событий, но и направить движение истории». Так описывал свое понимание образа Ленина Цыплаков, в творчестве которого лениниана занимала главное место.
В гипотетическом эпизоде посещения Лениным безымянного села художник традиционными живописными средствами воплощает эту всечеловеческую сущность вождя. Спокойная черная фигура Ленина четко выделяется среди ярких красок ясного мартовского дня и пестроты крестьянских одежд. К ней устремлены эмоциональные порывы селян, бросивших повседневные дела, чтобы увидеть простого и великого человека. Работая над пейзажем, над обаятельно простодушными образами крестьян, Цыплаков вспоминал родное рязанское село. // Любовь Шакирова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 415.
Владимир Ильич Ульянов (псевдоним Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Гомер (Рабочая студия)
- 1960
- Холст, масло. 290 х 140
- Государственный Русский музей
- Ж-8119
Левая часть триптиха "Коммунисты".
В ставшем знаменитом триптихе художнику удалось воссоздать эпическую поэму о героизме и самоотверженности людей, завоевывающих свободу и искренне верящих в свое правое дело. В триптихе "Коммунисты" художник воссоздает характерные черты революционной эпохи. С документальной правдивостью передает он почти нечеловеческое усилие рабочего, поднимающего знамя, выпавшее из рук убитого товарища ("Поднимающий знамя"). А рядом один из воевавших недавно красноармейцев пробует себя в роли художника, лепящего голову греческого поэта ("Гомер. Рабочая студия"). Два других воссоздают недавнее "лихое" время революции и ее главные атрибуты: один играет на трубе революционный гимн, другой держит в руке Красное знамя ("Интернационал").
Гости. День рождения
- 1960
- Холст, масло. 150 x 180. (В раме)
- Государственный Русский музей
- Ж-7864
Гроза прошла
- 1960–1961
- Холст, масло. 170 x 267
- Государственный Русский музей
- Ж-8140
Светлая, радостная картина „Гроза прошла“ на Всесоюзной выставке 1961 года была признана и по сей день считается одним из самых значительных и интереснейших произведений Загонека. Колорит строит преимущественно холодная цветовая гамма, придающая картине ощущение влажности, свежести, и вся она, прозрачная, легкая, воздушная, написана будто на одном дыхании, быстрыми и длинными движениями кисти.
Картина буквально пронизана смыслами: она и о красоте, и о свободе, просторе, и об естественной радости и чистоте, об освежающей силе дождя, после которого природа омыта, умыта, очищена, „пахнет озоном“. Природа обновляется — жизнь продолжается. В течение всей своей творческой жизни Загонек писал природу, почитая общение с ней за великое счастье. // Тамара Чудиновская. Большая картина. СПб., 2006. С. 271.
Двадцатипятитысячники
- 1960-е гг
- Картон, масло. 80х68
- Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
- Ж-339
Одним из художественных мастеров, составивших основу изобразительного искусства Мордовии, был М. С. Шанин.
Творчество Марата Семеновича в 1960-х годах завершило свой период становления и перед нами картина уже зрелого живописца. Полотно «Двадцатипятитысячники» повествует нам о промышленных рабочих, которые по решению Ноябрьского пленума ЦК ВКП(б) 1929 года были направлены в деревню на помощь сельским коммунистам для участия в форсированной коллективизации сельского хозяйства. По разным данным общее число двадцатипятитысячников оценивается исследователями в 27–35 тысяч человек. Помимо этого они должны были вести политико-воспитательную и культурно-массовую работу на местах. Яркое отражение образ двадцатипятитысячников нашел в романе Михаила Шолохова «Поднятая целина».
Автор использует высокую линию горизонта, чтобы подчеркнуть масштаб фигур и «приблизить» их к земле. Герои находятся на перепутье, впереди их ждет долгая дорога, полная трудностей и лишений. Образы типизированы: рабочий, красноармеец, революционный матрос и рабфаковка. Это позволяет автору передать героический пафос той непростой эпохи.
Дорога
- Из серии «Ангара отступила»
- 1960
- Холст, масло. 150,0 х 100,0
- Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
- Ж-1068
Виктор Попков – один из ярчайших представителей сурового стиля в живописи и одновременно один из первых советских художников, вышедших за его рамки в сторону инновационных экспериментов. Знаковые работы в русле сурового стиля художник создавал на крупных социалистических стройках. Ещё будучи студентом Художественного училища имени В. И. Сурикова, Попков побывал на строительстве Иркутской ГЭС, сооружении железнодорожной линии Абакан-Тайшет, грандиозной стройке Братской ГЭС и многих других крупных советских индустриальных объектах.
В книге, посвящённой жизни и творчеству В. Е. Попкова, искусствовед П. П. Козорезенко-младший пишет: «Попкова поразил строительный размах Иркутской ГЭС, где приехавшие студенты оказались погруженными в самую гущу рабочей жизни: огромные котлованы, проносящиеся МАЗы, колёса которых превышали человеческий рост, небо, словно ватманский лист, расчерченное гигантскими строительными кранами».
Работа «Дорога» из собрания Астраханской картинной галереи является авторским вариантом картины «На стройке» (1958), одного из знаковых произведений, созданных Попковым на строительстве Иркутской ГЭС. Главным элементом композиции Попков делает дорогу в котловане, которая, причудливо извиваясь, ведёт идущих по ней молодых людей вдаль к новым открытиям, свершениям и достижениям.
Казахстанский мартеновский цех
- 1960
- Холст, масло. 78 х 100
- Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
- ИНВ 1339
В начале 1960 – х годов художник посетил Казахстанскую Магнитку в Темиртау. Художник внутренне готовился к создании. Этого произведения, собирал многочисленный материал, зарисовывал сам процесс производства металла, характерные позы металлургов, детали цеха и оборудования, сложное освещение помещения, когда горячий свет металла соперничает с естественным солнечным светом. Он совершенно точно, почти геометрически, изобразил цех со всеми его коммуникациями, создав достоверную картину промышленного интерьера, строго выстроенного, но достаточно скучного. Жизнь в картину вдохнули изображения рабочих, показанных в разных позах и движениях, полностью захваченных трудовым процессом, вкладывающих душу в свою работу, и светлые отблески солнечного света, связывающие из с жизнью за заводскими пределами.
Кок-пар
- 1960
- . 150 х 325
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- 1347-ж
Канафия Тельжанов является признанным лидером поколения казахских художников 1950-х. Творчество мастера отразило основные стилистические, художественные и идейные установки этого периода, среди которых преобладало обращение к казахстанской тематике с неизменной установкой на академическое искусство. Главным героем произведений Тельжанова является всадник на коне – ключевой атрибут этнической ментальности. За основу сюжета выбран самый увлекательный и напряженный момент игры кокпар, когда игроки стремятся завоевать символическую добычу – тушу козла. В момент кульминации игры напряжение достигает своего апогея – выразительны позы и лица игроков, экспрессивны летящие кони, стремительна вылетевшая из руки камча. Для повышения выразительности использованы все возможные средства – технические, стилистические, колористические. Это и сознательное нарушение академического рисунка, выбор сложных ракурсов, построение композиции с эффектом «погружения зрителя» в эпицентр событий, превращая его из стороннего наблюдателя в непосредственного участника происходящего действия. Важнейшим элементом является свободный экспрессивный цвет – широкие, динамичные, почти хаотичные цветовые мазки становятся неотъемлемой частью всепоглощающего движения. Работа написана в характерной для автора манере соединения реалистического академического письма с импрессионистической свободой и динамикой колорита.
Выбор темы и уровень исполнительского мастерства позволяют отнести данное полотно к числу признанных шедевров казахстанской живописи.
Куйбышевская ГЭС
- 1960-е годы
- Холст, масло. 140 × 200
- Самарский областной художественный музей
- Ж-МП-38
В центре творчества художников конца 1950–1960-х годов – тема преобразования природы, строительства новой жизни, нового города, распространяющегося в пространство окружающей «естественной» природы.
Главной задачей в это время, как формулирует ее коммунистическая партия, становится «изображение трудового подвига советского народа». Все свои силы они должны направить на создание художественной летописи грандиозной «стройки века»: выше по течению, у Ставрополя перекрывается Волга, углубляется котлован будущей Волжской ГЭС им. В. И. Ленина.
На картине Валентина. Пурыгина «Куйбышевская ГЭС» изображен берег нового Жигулевского моря. Вдоль берега растянулись вышки линий электропередач, видно здание ГЭС. Картина написана в период всеобщего энтузиазма, когда художник еще не видел разрушительных шагов цивилизации, он фиксирует происходящее, скорее, как летописец.
Запуск Куйбышевской ГЭС должен был дать стране дешёвую энергию. Поволжье заплатило за неё сполна многочисленными затопленными населенными пунктами, вместе с заливными лугами, ценными сенокосами и плодородными пашнями.
С конца 1960-х красной нитью в творчестве художника проходит тема трагической обреченности живой, естественной природы, которую перемалывают цивилизация, научно-технический прогресс.
На лесах
- 1960
- Холст, масло. 124 х 100
- Национальный художественный музей Республики Беларусь, Минск
- КП-8339
Белорусский художник Павел Гавриленко – автор портретов и пейзажей, работ о революционных событиях, трудовых буднях, о подвигах партизан в годы войны. Работы художника отличаются не только мастерством исполнения, но и точно передают настроение и дух эпохи.
Произведение «На лесах» – живописная поэма возрождающегося Минска – посвящено послевоенному восстановлению города. Художник показывает молодых людей, находящихся на строительной площадке дома в центре столицы. Почти полное отсутствие на полотне мужчин – реалистическая деталь, отражающая специфику времени, когда даже сложные работы могли выполняться исключительно женскими силами.
Герои картины воспринимаются как символы Победы и мирного будущего. За ними простирается панорама города, что убегает к самому горизонту. Яркая и свежая зелень на деревьях, прозрачное голубое небо… Картина искрится, словно пронизанная лучами солнца.
«На лесах» – одно из самых светлых произведений Павла Гавриленко. Оно стало его последней работой, своего рода прощанием. Работая над полотном, художник простудился и после продолжительной болезни умер 4 февраля 1961 года.
На поле
- 1958–1960
- Холст, масло. 170 x 306
- Государственный Русский музей
- Ж-7691
Погрузка «Оби»
- 1960
- Холст, масло. 170 х 232,4
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-567
Михаил Григорьевич Пясковский, в отличие от многих своих современников, трактовал индустриальную тему скорее эмоционально, чем рационально. Композиция некоторых его индустриальных картин построена на контрасте между миром людей и миром техники – и «Погрузка “Оби”» не исключение. Здесь, среди кранов, машин и судов, энергично течёт будничная жизнь портовых рабочих, занимающихся привычными рутинными делами. На представленной картине зритель видит процесс погрузки различных предметов на известный дизель-электроход «Обь», бывшего флагманом Советских Антарктических экспедиций в 1955-1975 годах. Это транспортное судно ледового класса, спущенное на воду 10 октября 1953 года и имевшее портом приписки Мурманск, долгие годы служило плавучим общежитием для исследователей антарктических вод.
Поднимающий знамя
- 1960
- Холст, масло. 174 x 231
- Государственный Русский музей
- Ж-8120
Коржев, как правило, обращается к большим гражданственным темам. Его волнуют узловые моменты истории страны и преломление в них судьбы человека. „Поднимающий знамя“ — центральная часть триптиха. Сюжетная близость этой композиции с известной советской скульптурой И. Д. Шадра „Булыжник — орудие пролетариата“ (1927) — очевидна. Но художник и сам всегда подчеркивал свое внутреннее родство с пластическим решением замечательного произведения и свою попытку подняться на сравнимую с ним художественную высоту. Произведения художника драматичны крупноплановой, подобно кинокадру, композицией, суровой, колористически строгой, даже аскетичной живописью, решены обычно с большим чувством историзма, философской значительностью. Эта работа мастера была оценена художественной общественностью и правительством — за свой триптих в 1966 художник был награжден Государственной премией РСФСР имени И. Е. Репина. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 264.
Центральная часть триптиха "Коммунисты".
В ставшем знаменитом триптихе художнику удалось воссоздать эпическую поэму о героизме и самоотверженности людей, завоевывающих свободу и искренне верящих в свое правое дело. В триптихе "Коммунисты" художник воссоздает характерные черты революционной эпохи. С документальной правдивостью передает он почти нечеловеческое усилие рабочего, поднимающего знамя, выпавшее из рук убитого товарища ("Поднимающий знамя"). А рядом один из воевавших недавно красноармейцев пробует себя в роли художника, лепящего голову греческого поэта ("Гомер. Рабочая студия"). Два других воссоздают недавнее "лихое" время революции и ее главные атрибуты: один играет на трубе революционный гимн, другой держит в руке Красное знамя ("Интернационал").
Портрет Б. И. Россинского
- До 1961
- Холст, масло. 125,0 х 117,0
- Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
- Ж-756
Юрий Леонидович Катц – талантливый московский портретист. В 1950-х – 1960-х годах он выполнил серию портретов своих современников, среди которых драматург В. С. Розов, скрипачка Н. Л. Баршай, физиолог И. М. Сеченов и другие деятели искусства и науки.
В собрании Астраханской государственной картинной галереи хранится написанный Юрием Катцем портрет Б. И. Россинского.
Борис Илиодорович Россинский (1884–1977) – «дедушка русской авиации», вошедший в историю как лётчик, совершивший первый в истории планерный полёт. Осенью 1909 года он перелетел через Клязьму на бамбуковом планёре собственного производства. Прозвище «дедушка русской авиации» было дано Россинскому В. И. Лениным на праздновании 1 мая в 1918 году на Ходынском поле после того, как на удивление толпы лётчик выполнил в воздухе 18 «мёртвых петель». Впоследствии он совершил большое количество полётов, выступал с лекциями по авиации, занимался рационализаторскими разработками. Талантливому авиатору не довелось поучаствовать в сражениях Великой Отечественной войны, и вскоре его имя было надолго забыто. Только в начале 1960-х он сам напомнил о себе, когда написал заявление в ЦК КПСС о приёме в партию, куда и был принят без прохождения кандидатского стажа.
На портрете Б. И. Россинский показан одухотворённым мудрым человеком. Его взгляд не направлен на зрителя, а напротив, устремлён куда-то вперёд, к новым вершинам и открытиям. В центре внимания художника не забытый гений, а прежде всего человек своего дела и эпохи.
Портрет доярки Натальи Клименко
- 1960
- Холст, масло. 184 × 212
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-554
«Портрет доярки Натальи Клименко» украинского художника и педагога Виктора Зарецкого – групповой портрет, являющийся по своей сущности и форме типичной бытовой картиной. Главная героиня, именем которой названа вся картина, изображена в полный рост, широко шагая с полным ведром молока, несколько левее центра. На ней светлая косынка, красное в зеленый горошек платье и белый халат, на нагрудном кармане которого красным вышиты инициалы «Н. К.» - Наталья Клименко. Портрет написан в селе Кураховка Селидовского (ныне – Марьинского) района Сталинской (ныне Донецкой) области.
Портрет художника Г. Нисского
- 1960
- Картон, масло. 70 х 50
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-2344 АОМИИ
Василий Кириллович Нечитайло принадлежит к старшему поколению мастеров советского искусства. Как многие художники своего времени, он начал творческий путь еще в 1930-е годы. Окончил знаменитый Суриковский институт, где его преподавателем был выдающийся художник Сергей Герасимов. Всесоюзную известность художнику принесли картины, связанные с историей своей страны, со становлением советской власти, о чем говорят и сами названия картин «Первая борозда», «В колхозный клуб», «Колхозная молодёжь», «Любочка-почтальон», «Хлеб Родине», «За Советскую власть». Он оставил яркий след в истории советской живописи, был принят Членом-корреспондентом Академии Художеств СССР, удостоен звания Народного Художника РСФСР. В день смерти художника правлением Союза Художников СССР было принято решение о присвоении ему звания Народного Художника СССР. На родине В. К. Нечитайло в г. Сальске открыта художественная галерея его имени. Там же в 1982 г. ему был поставлен памятник.
Помимо исторических полотен значительное место в творчестве художника занимают пейзажи и портреты современников. Перед нами «Портрет художника Г. Нисского» 1960 года создания. Существует несколько вариантов портретов, написанных Нечитайло. Один из них представлен в собрании архангельского музея «Художественная культура Русского Севера». По всей вероятности, Василия Кирилловича привлекал колоритный образ художника, своего современника. Он пишет его раскованно, в расстегнутом полушубке, в глубоко надвинутой на лоб фуражке – все это выдает свободолюбивый и независимый характер, акцент в виде яркого красного шарфа дополняет эти качества.
Нисский Георгий Георгиевич (1903–1987) – известный советский художник-пейзажист, его полотна наполнены динамикой. Поездка в Новороссийск в 1928 году придала новое звучание таланту художника: очарованный красотой моря, он переключается с индустриальных пейзажей на морские, а также создает ряд иллюстраций к литературным произведениям на морскую тематику.
Прачка
- 1960
- Холст, масло. 120 х 98
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- ЖК-59
Одной из целей советской власти было освобождение женщин от «бытового рабства». Еще в 1920-е-1930-е годы по всей стране стали появляться столовые, фабрики-кухни и огромные механизированные прачечные, которые брали на себя домашние заботы. Прачечные были как заводские, которые обслуживали работников предприятия, так и городские для любого желающего. В такую прачечную можно было сдать, например, постельное белье. Услуги общественных прачечных были очень востребованы вплоть до 1990-х годов, пока не появились импортные стиральные машины-автоматы.
В этом полотне уроженка Белоруссии Берта Кузнецова ставит задачу показать зрителю, как технический прогресс облегчил труд человека.
Работа прачки уже не требует тяжёлого изнурительного труда, а сводится к работе управления сложной техникой. В результате эта традиционная профессия возносится на новый, качественно совершенно иной уровень.
Решая задачу соединения в единой живописной системе мира машин, современной техники, и мира человека, молодая художница избрала облегчённый сюжетно-иллюстративный подход. Портрет носит ярко выраженный жанровый характер. Мощные стиральные агрегаты можно увидеть сбоку, на дальнем плане. Работница же в фартуке стоит посреди прачечного цеха, опустив свои, оставшиеся не у дел, натруженные руки.
Рабочее утро
- 1960
- Холст, масло. 282 × 215
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-668
«Рабочее утро» известного украинского художника Михаила Гавриловича Бельского – жанровое произведение на тему труда. На фоне производственных сооружений металлургического комбината и высокого голубого неба в полупрозрачной утренней дымке по эстакаде, ведущей прямо на зрителя, идет группа рабочих. На них щедро льется солнечный свет, и от фигур на бетонные плиты эстакады падают резкие диагональные тени. Картина написана в этюдно-пленэрной манере широкими, свободными мазками.
Ремонтники
- 1960
- Холст, масло. 200 x 320
- Азербайджанский Национальный Музей Искусств (Баку)
- R-1293
Картину «Ремонтники» азербайджанский художник Таир Салахов создал в 1960 году. Она относится к жанровым композициям, посвященным бакинским нефтяникам.
Семья. 1945 год
- 1957–1964
- Холст, масло. 175 x 254
- Государственный Русский музей
- Ж-8141
Виктор Иванов ‒ советский и российский живописец и педагог, академик, народный художник СССР и лауреат ряда государственных премий. Источником вдохновения для Виктора Иванова всегда служила его историческая родина ‒ Рязанская земля.
«Смысл моего творчества, ‒ говорит Виктор Иванович, ‒ не в отстаивании той личной свободы, которую сейчас объявили приоритетной над всем и вся, а в том, чтобы выразить духовно-нравственные устремления народа. А без этого искусство ‒ пустяк. Я изображаю только то, что хорошо знаю. Ищу положительное в людях. Хотя многие мои картины о тяжелой, изнурительной крестьянской жизни. Но посмотрите, какой в этих условиях рождается человек – сильный, красивый, добрый. Этот человеческий идеал я нашёл на Рязанской земле». Через все творчество художника проходит образ простого русского человека, собирательный образ современной русской крестьянки.
Виктор Иванов, обращаясь к теме послевоенной деревни, пишет картину “Семья. 1945 год”. Дав себе слово рисовать только то, что трогает сердце, то, что волнует душу, художник пишет строгий и лаконичный образ. Здесь нет семейной идиллии, на лицах семьи, собравшейся за трапезой, лежит мрачная тень. Их лица не выражают радости возвращения к мирному быту, ликования по поводу победы. Усталые, тяжелые взгляды членов семьи как будто устремлены вглубь себя, в тяжелые воспоминания последних лет. Волевой профиль матери семейства ‒ бледная маска скорби. Отец семейства ‒ изрытый ранними морщинами ветеран, он смотрит поверх головы собственного сына, устремив взор в прошлое. И даже дети здесь сохраняют неподвижность и торжественное молчание.
Е.Б. Могилевский, В.М. Ахунов. Материалы к аудиогиду по выставке «Память» для платформы Izi.travel. 2020
В послевоенное советское время семья была призвана к общественному служению «большой картиной». В конце 1959 — начале 1960-х художники «сурового стиля» и близких к нему течений намеревались пробить стену официоза, ориентированного на коллективного зрителя-государство, и достучаться до личности. Тематически их работы соответствовали государственному заказу: революция, война, трудовые будни современников. Но представление этих событий в зеркале частных, семейных историй должно было разбудить личную память, личные переживания зрителя. Так, Великая Отечественная война в советском искусстве — протяженная череда проводов, ожиданий, встреч и оплакиваний; великие удаленные стройки — место зарождения отношений, становление молодых семей и их проверка на прочность. Ритуальные моменты семейного быта становятся метафорами чего-то большего, отсылают к бытию. Сельские семейные трапезы — диалог поколений, сопричастность прошлому и планы на будущее, сбор урожая в семейном саду — память предков, преемственность поколений, прозрачно завуалированное подключение к долгому ряду библейских архетипов. Любовь Шакирова. Семейный альбом Русского музея // Портрет семьи. СПб, 2014. С. 14.
С именем Виктора Иванова связано представление об образах значительных, мужественных, мудрых, красивых. Именно такие черты воплощают в себе "крестьянская мадонна", собравшая за столом семью после военного лихолетья. Она, все вынесшая, вытерпевшая, дождавшаяся мужа с фронта, – во главе стола, чинной деревенской трапезы. В подобной рельефу композиции картины, строгости силуэтов есть определенная торжественность. В угловатом, словно рубленом рисунке, жестковатых формах – напряженность. Крупнейший мастер русской живописи Павел Корин писал: "Талантлив Виктор Иванов с его лаконичным и вместе с тем умным и простым видением, с мощным цветовым тоном, колоритом, носящим подчас драматический характер".
Уголок Караганды
- 1960
- Холст, масло. 40,8 х 84
- Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
- ИНВ 1348
Автор работы известный казахский художник Гилярий Гилевский является «летописцем» города Караганды. По его произведениям можно проследить историю становления города, почувствовать ее душу. Летнее солнечное утро. Художник изобразил один из уголков молодого города. На переднем плане картины пустырь, по которому едут машины, идут люди. На дальнем плане этажные дома, выкрашенные в охристый тон. Небо синее, безоблачное. Работа отличается тщательным мелким письмом, тонкой нюансировкой цвета, вниманием к свето-воздушной перспективе.
Эскиз декорации к кинофильму «Мирное время». Первое собрание
- Из серии «Таджикистан революционный»
- 1960
- Холст, масло. 60,0 х 120,0 см
- Национальный музей Таджикистана, Душанбе
- ТД-370
В эскизе декорации к кинофильму «Мирное время» «Первое собрание» (из серии «Таджикистан революционный») таджикский художник Давид Ильябаев представляет интерьер зала с тремя большими окнами. Слева на сцене стол, покрытый кумачом, за столом – четверо мужчин. Один, в чалме, держит речь перед собравшимися, которые расположились на длинных скамьях рядами. На первом плане – мужчина в шапке, положившей руку на плечо впереди сидящего; правее – мужчина, повернувший голову к человеку в зеленом халате и чалме, с палкой, сидящему позади. За ним несколько стоящих людей, справа у барьера две переговаривающиеся женщины. Сцена украшена флагами, лозунгами и портретом К. Маркса. Между окнами – два плаката: один с изображением кузнеца и текстом «Каждый удар молота – удар по врагу» и второй «1-е мая – Всероссийский субботник». С потолка свешиваются две горящие керосиновые лампы под круглым абажуром. В цветовой гамме картины преобладают охристо-коричневые, зелено-синие и красные тона.
Ваза «Строительство»
- 1961
- Керамика, роспись подглазурная. Высота - 57 см.
- Магнитогорская картинная галерея
- ДПИ-258
Ваза «Строительство» Антонины Ладур выполнена в бирюзовой гамме и имеет стилизованную форму с глазурованной поверхностью. Роспись отличается особым ритмом, созданным резким пересечением черных стрел башенных кранов, рельефно проработанных по керамической форме, и висящих на крюках коричневых квадратов-панелей. Сквозь них видны плотные ряды деревьев с пышными кронами, благодаря чему стилизованный вид стройки выглядит весьма романтично.
Весна
- 1961
- Холст, темпера. 31 х 79
- Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
- Ж-456
В начале 1960-х годов алтайскими художниками Владимиром Добровольским и Семеном Черновым была создана серия работ «Обь целинная», одна из них – «Весна».
Работы, выполненные в «суровом стиле», образно и ярко рассказывают о человеке-труженике.
Волнующие события
- 1961-1962
- Холст, масло. 180 х 300
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
«...Любой жизненный момент можно просто проиллюстрировать, но можно возвести в рамки жизненного события», — эти слова Голихина дают ключ к пониманию всего его творчества. Именно к обобщению жизненного момента, к возведению его в значительное событие, в котором находят свое выражение главные, кардинальные темы времени, и стремится в своих работах художник. Содержание картин не ограничивается у Голихина одной сюжетно-тематической стороной, оно емче, шире, оно в монументальности композиционного решения, в зорком и точном отборе деталей, определяющих время и место действия, оно и в ритме, и в колорите произведения. Монументальные фигуры художник почти скульптурно лепит с помощью светотеневой моделировки, оттого значимость каждого рабочего становится еще более значительней.
Движущаяся граница города
- 1961
- Холст, масло. 36 x 50
- Государственный Русский музей
- Ж-7610
Пименова очень привлекало, по его словам, «бесконечное рождение нового, это извечное движение», что отразилось в кардинальной перемене к 1950-м годам его творческой манеры и обращения к темам новостроек Москвы — его любимого города.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 123.
Девушка из метро
- 1961
- Холст, масло. 106 х 81
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
Творческий путь Нины Загорской связан с Ленинградом-Петербургом. На картине «Девушка из метро» одна из работниц ленинградского метро – дежурная по станции, молодая девушка. Романтические пряди светлых волос, легкая улыбка, задумчиво отведенный в сторону взгляд и строгая форма создают образ человека нового времени. Она спокойно идет по станции «Пушкинской», одной из самых красивых станций ленинградского метрополитена. Оформление ее главной части решено в яркой пространственной манере: беломраморные пилоны, гранит пола с чёрно-белыми окантовками, хрустальные светильники на чёрных с золотой отделкой основаниях в виде копий и щитов. Цветовая гамма и материалы вносят элемент торжественности и значительности. В светлых, прозрачных тонах художник пишет интерьер и темным силуэтом на его фоне выделяется фигура девушки.
Дневная смена
- 1961
- Холст, масло. 70 х 140
- Атырауский областной музей художественного и прикладного искусства имени Шаймардана Сариева
- инв.№ нқ 1-974
На картине П. М. Попова, с 1938 года жившего и работавшего в Казахстане, изображена группа девушек-строителей, поднимающихся по лестнице недостроенного дома. Их радостные, смеющиеся лица, яркие пятна косынок, фигуры, залитые солнечным светом соответствуют настроению природы за окном, яркому солнечному дню. Красота и духовная цельность человека, разнообразие проявлений нового в повседневной жизни запечатлено в работе художника.
Здравствуй, Земля
- 1961
- Холст, масло. 150,0 х 343,0 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-1477
В полной мере самобытность московского художника Василия Николаевича Басова проявилась в работе над новой темой, которая возникла благодаря техническому прогрессу. 12 апреля 1961 года состоялся полет Юрия Гагарина в космос на корабле «Восток». Это событие имело важное значение для всего человечества. Оно приблизило к реальности мечты о космических путешествиях, открытии новых пространств и возможностей, исследовании ранее неизведанного. Полет Юрия Гагарина вдохновил многих деятелей искусств. Писатели, художники и кинорежиссеры в то время начали создавать произведения, герои которых действуют в масштабах бескрайней Вселенной. Басов подошёл к этой теме иначе. Вместо освоения неизведанных миров он изобразил момент высадки первого космонавта на родную землю.
Картина «Здравствуй, Земля» почти документально воссоздает обстоятельства приземления Гагарина, но при этом Басову удалось создать художественный образ, сопоставив масштаб события и переживания конкретного участника. Фигура космонавта изображена в таком ракурсе, что кажется зрителю огромной и величественной. Таким образом художник подчеркивает важное историческое значение этого человека. Землю художник изображает широким, кажется, почти бескрайним вспаханным полем — родные просторы, знакомые любому русскому человеку. Полотно отражает атмосферу торжества человека над новой стихией. Первые минуты космонавта после возвращения на Землю исполнены радости от достижения заветной цели и гордости за родную страну, ставшую космической державой.
Караван
- 1961
- Холст, темпера. 39 х 41
- Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
- Ж-344
В начале 1960-х годов алтайскими художниками Владимиром Добровольским и Семеном Черновым была создана серия работ «Обь целинная», одна из них – «Караван». Работы, выполненные в «суровом стиле», образно и ярко рассказывают о человеке-труженике.
Карагандинка
- 1961
- Холст, темпера. 160 х 64
- Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
- ИНВ 921
На полотне «Карагандинка» советский и казахский художник Виктор Крылов изобразил молодую женщину – горожанку. Женщина сидит на белой уличной скамье на фоне городского промышленного пейзажа. Ее стройная фигура изображена на переднем плане композиции, почти во всю высоту холста. Взгляд женщины устремлен прямо на зрителя. Выражение лица серьезное. У нее длинная шея, правильные черты лица. Большие, выразительные глаза. На щеках веснушки. Она одета в розово-бежевое платье ниже колен. Прическа высокая, над правым ухом украшена тремя цветущими веточками белой сирени. Обе руки опущены вниз и касаются лавочки. В левой руке, женщина держит опущенную вниз веточку белой сирени. Левая нога выступает чуть вперед правой. На ногах белые туфли в форме лодочки на высоких каблуках.
На дальнем плане холмы разделены на посевные поля разных цветов – зеленые, оранжево-желтые, коричневые. Слева карьер, шахтный копёр – конструкция, установленная на поверхности над шахтой для размещения подъёмной установки. Тут же в виде пирамид изображены три высоких насыпи грунта, высвобождаемого от раскопки шахт. Чуть ближе, на втором плане, расположены многоэтажные дома и площадь, на которой работают люди. На одном из домов монументальное изображение группы людей. Второй и третий план композиции более насыщен в цветовой гамме. Первый план построен на сочетаниях нежных, пастельных тонов – бежевого, розового и светло-серого. В произведении «Карагандинка» художник словно воспевает молодость, красоту, весну и радуется строительству нового города, который стал для него родным.
Каракум
- 1961
- Холст, масло. 130,0 х 129,0
- Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
- Ж-1541
Эдгард Карлович Илтнер по праву считается одним из ярких представителей сурового стиля в живописи Советской Латвии. Высшее художественное образование он получил в Рижской Академии художеств, где обучался в 1949–1956 годах у Э. Ф. Калныньша и К. Е. Миесниека.
В 1960-х годах, следуя веяниям хрущёвской оттепели в искусстве, Эдгард Илтнер, смело экспериментировал с новаторскими для латвийской живописи того времени фактурными эффектами и создал ряд портретов, пейзажей, натюрмортов и полотен, посвящённых советским труженикам, работавшим на крупных социалистических стройках.
Картина «Каракум», также фигурирующая в некоторых источниках под названием «Начало», посвящена строителям Каракумского канала. Каракумский канал стал одной из масштабных строек Советского Союза, так как имел неоценимое стратегическое и промышленное значение. В 1959 году всего за семь месяцев было прорыто 138 километров канала и построено Хаузханское водохранилище.
Работа «Каракум» поступила в Астраханскую картинную галерею из коллекции Международной конфедерации Союзов художников в 2021 году.
Каракум-канал - большой канал, построенный в СССР для водообеспеченности южных и юго-западных районов Туркмении, общая протяжённость 1445 км. Канал начинается от реки Амударьи, далее идёт через пески юго-восточных Каракумов. Ширина до 200 м, максимальная глубина 7,5 м. Первая очередь канала длиной 400 км была построена в 1959 году. Вторая очередь канала длиной 138 км завершена в 1960 году. Третья очередь канала длиной 260 км завершена в 1962 году. Строительство четвертой очереди канала было официально завершено в 1988 году.
Колхозный дом. (Мирные дни)
- 1961
- Холст, масло. 115,0 х 200,0 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-1460
Александр Павлович Бубнов, замечательный советский живописец, окончил московский ВХУТЕИН. Художник является признанным мастером исторической картины, также Бубнов создал большое количество пейзажных и пейзажно-жанровых произведений.
В собрании Тверской картинной галереи находится работа «Колхозный дом (Мирные дни)» (1961) кисти художника. На полотне изображена молодая семья с маленьким ребенком на фоне строящегося собственного бревенчатого дома. Смелым пастозным мазком художник изображает тяжелые желтые бревна сруба – можно на мгновение почувствовать, как пахнет свежим деревом. Но главное, что удалось передать автору в своем произведении, – это атмосфера любви и семейного счастья.
Красные пришли
- 1961
- Холст, масло. 200 x 360
- Государственный Русский музей
- Ж-8470
Картина является существенной составной частью целой серии произведений Моисеенко, созданных в 1950—1980-е годы, посвященных революции и гражданской войне. Автор никогда не считал их иллюстрациями к событиям, тем более пособием по изучению истории, полагая, что искусство в своих образах может воплощать саму ее суть. Такой вехой в творчестве Моисеенко стала картина „Красные пришли“ — исторически достоверной и романтически трактованной. Порыв, определяющее начало холста, переданный в стремительном ритме движения всадников, в экспрессивности цветовых контрастов и характере письма. В этом движении художник будто оставляет мгновенные паузы, чтобы удержать взглядом лица проносящихся конармейцев, запомнить их как реальность, быль и легенду. Картина отражает, казалось бы, „частный“ эпизод, но он и многопланов, по-своему символичен. И эти реальность и одновременно символика рождены жизненными импульсами, давними впечатлениями, которые обогатились затем представлением о том времени, образным размышлением о нем. „В детстве поразили красные конники, словно луч из далекого светлого мира ворвался в наши довольно глухие места <...> Стоя за дощатым забором, я с восторгом смотрел на проносившихся мимо меня всадников-красноармейцев на взмыленных конях, они мне казались гигантами“.
Действительно, эта стремительная лавина словно увидена глазами очевидцев. И эта укрупненность, фрагментарность кадра, выделяя происходящее, пластически будто подчеркивает, что это лишь часть огромного непрекращающегося движения. „Мне хотелось, — писал художник, — показать их крупно, близко, так, чтобы зритель запомнил эти дорогие нам лица, опаленные огнем сражений, терзаемые голодом и тифом, полные веры в справедливое дело революции. Мне хотелось, чтобы зритель не просто видел эпизод прихода красных именно в эту деревню, а почувствовал, что именно эти люди понесут и пронесут Красное знамя победы по всей России. Колористическое и пластическое решение вещи мне хотелось подчинить этой идее". // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 278.
Летят журавли
- 1961
- Холст, масло. 160 х 270
- Красноярский художественный музей имени В. И. Сурикова
- Ж-437
На картине Юрия Ивановича Худоногова «Летят журавли» изображён осенний перелет птиц, который вызывает у зрителя проникновенный, глубокий образ. Величавый покой грандиозного умиротворенного пейзажа, занимающего примерно десятую часть холста, потревожен уплывающим вдаль журавлиным клином на фоне заходящего солнца. Худоногову присущ не только смысловой подход к созданию образа, но и эмоциональный. В данной работе он выражен, в том числе, и через композицию (клин журавлей, летящий по так называемой победной диагонали, и т. п.), и через пластические средства живописи, и через возникающие ассоциации. Линейные и пространственные ритмы, цветовые акценты выявляют символический слой содержания, его подтекст становится созвучен высказанным в других произведениях этого времени темам, волновавшим современников. Вольно или невольно картина навевает воспоминания о широко известном в те годы фильме Михаила Калатозова «Летят журавли» (1957), а также, пусть и позже написанных, строках Расула Гамзатова:
«Мне кажется порою, что солдаты,
С кровавых не пришедшие полей,
Не в землю нашу полегли когда-то,
А превратились в белых журавлей…»
При этом литературные ассоциации не уводят от полотна — они апеллируют к интеллекту зрителя, предполагая особую его реакцию, возникающую как непосредственный отклик на изображенное. Но в результате постижения этого ассоциативного кода, заложенного в самой поэтике произведения, и рождается глубокий художественный образ, будящий воображение, заставляющий думать, сопереживать. Многослойность, ассоциативность и метафоричность исторической картины 1960–1970-х привели к тому, что многое из созданного художниками в те годы мы переживаем сегодня более остро и глубоко, чем в советскую эпоху.
Веселова Нина Леонидовна
1922, Петроград – 1960, ЛенинградСоветский художник, живописец, график, кандидат искусствоведения, член Ленинградской организации Союза художников РСФСР (1950).
Родилась в Петрограде. С 1934 по 1941 обучалась в Средней художественной школе при Всероссийской Академии художеств, по окончании которой была принята на живописный факультет Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры. В 1950 окончила институт в мастерской Б. Иогансона с присвоением квалификации художника живописи.
В годы Великой Отечественной войны и блокады Ленинграда оставалась в осажденном городе, работала на заводе, воспитателем детского сада, на лесозаготовках. После окончания института в 1950–1954 занималась в аспирантуре при творческой мастерской народного художника, профессора А. Герасимова. Кандидат искусствоведения (1954). Впервые участвовала в выставке в 1939. С 1950 постоянный участник городских, республиканских и всесоюзных выставок.
Произведения находятся в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, в музеях и частных собраниях России, Японии, США, Франции, КНР, Германии, Италии и других стран.
Ты́ко Вы́лка (русское имя-Илья Константинович Вы́лка)
1886, становище Белушья Губа на Новой Земле — 1960, г. АрхангельскНенецкий советский художник, сказитель, общественно-политический деятель. Стоял у истоков ненецкой литературы. Автор эпических сказаний.
Тыко Вылка родился 28 февраля 1886 в становище Белушья Губа на Новой Земле, рос среди ненецких охотников. Имя «Тыко» означает «оленёнок», «олешек», а фамилия Вылка происходит от ненецкого слова вы — «тундра» («житель тундры», «тундровик»).
В 1901 на Новую Землю прибывает известный полярный художник Александр Борисов. В путешествие по Новой Земле Борисов взял молодого Вылку. Во время этой поездки по Новой Земле художник делал зарисовки, в результате чего молодой Тыко заинтересовался живописью.
В 1903 на Новую Землю за «неуважительное отношение к власти» был сослан художник и писатель Степан Писахов. Писахов был первым, кто подарил Вылке краски и карандаши.
В 1909 на архипелаг приезжает полярный исследователь Владимир Русанов, с Вылкой они обследовали всю Новую Землю и составили её точное картографическое описание.
В этом же году Вылка уезжает в Москву, где учится живописи у Архипова и Переплётчикова. В 1910 в Архангельске состоялась выставка «Русский Север», где Вылка впервые представил свои работы.
После Октябрьской революции 1917 он был председателем поселкового и Новоземельского островного совета депутатов трудящихся. Кроме того, он возглавлял промысловую артель и занимался охотничьим промыслом. В 1950-х на Новой Земле началось возведение ядерного полигона, всё ненецкое население выселялось с острова. Тыко Вылка с семьёй по распоряжению партии одним из первых перебрался в Архангельск. Он с грустью покидал Новую Землю и до последних дней мечтал увидеть родные места.
Тыко Вылка умер в Архангельске в 1960.
Галимбаева Айша Гарифовна
1917, г. Иссык Алма-Атинской области, Казахстан — 2008, АлматыЖивописец. Заслуженный деятель искусств Казахской ССР (1961). Народный художник Казахской ССР (1967).
Родилась 29 декабря 1917 года в г. Иссык Алма-Атинской области. В 1943 с отличием окончила Алматинское художественное училище им. Н. В. Гоголя, где ее учителями были Л.П. Леонтьев, А.И.Бортников, A.M. Черкасский. Первая профессиональная казахская художница кино, получившая высшее художественное образование в Москве. В 1949 окончила ВГИК (Москва), художественный факультет, училась у Б. Шпенель, К. Морозова. Жила и работала в Алма-Ате с 1949. Участник выставок с 1949. Член СХ Казахстана (с 1951).
Ее работы получили высокую оценку еще в те времена, когда она училась в художественном училище. Затем была успешная дипломная работа во ВГИКе: эскизы декораций, костюмов и раскадровки к киносценарию М. Ауэзова «Песни Абая», но фильму так и не суждено было появиться на экранах. Много времени она посвятила серьезному изучению традиционного казахского искусства, особенностей декоративно-прикладного творчества, национальной одежды казахов. В 1958 вышел ее альбом «Казахский народный костюм», включающий 60 рисунков костюмов для разных случаев.
Заслуженный деятель искусств Казахской ССР (1961). Народный художник Казахской ССР (1967). Лауреат Государственной премии Казахской ССР им. Ч. Валиханова (1972) и . Кавалер орденов «Знак почета» и "Трудового Красного Знамени". Лауреат Независимой Общенациональной премии «Тарлан».
Жилинский Дмитрий Дмитриевич
1927, село Волновка, Краснодарский край — 2015, МоскваЖивописец, монументалист, график.
Учился в Московском институте прикладного и декоративного искусства, далее МИПИДИ (1944–1946), в Московском институте изобразительных искусств, далее МГХИ им. В. И. Сурикова (1946–1951) у Н. М. Чернышева, С. А. Чуйкова, П. Д. Корина, В. Н. Яковлева, А. М. Грицая. Пользовался советами Фаворского. Участник выставок с 1954. Преподавал в МГХИ им. В.И. Сурикова (1951–1974), в МПИ (с 1974). Член Союза Художников с 1956. Состоял в редколлегии журналов «Творчество» (1965–1995), «Юный художник» (с 1990). Народный художник РФ (1987), действительный член Российской Академии художеств (1995).
Загонек Вячеслав Францевич
1919, Иркутск – 1994, Санкт-ПетербургЖивописец. Мастер жанровых композиций, пейзажей. Народный художник СССР (1985)
1920 г. – переезд с родителями в Чехословакию. 1927 г. – семья приняла советское подданство. Переезд на постоянное жительство в Ленинград.
1932–1936 – посещал художественную студию при Дворце пионеров им. Жданова.
1936–1939 гг. – учился в средней художественной школе при Всероссийской Академии художеств.
1939 г. – первое участие в выставке. Был призван в Рабоче-крестьянскую Красную Армию. Участвовал в войне с белофиннами, затем в Великой Отечественной войне командиром приборного расчета зенитной батареи.
1942 г. – был демобилизован из армии и направлен в трест «Мурманскрыбстрой», до начала 1945 г. работал техником-строителем.
С 1945 обучался в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина. Занимался у Михаила Бернштейна, Александра Зайцева, Генриха Павловского, Семена Абугова, Глеба Савинова.
1949 г. – окончил Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (мастерская Б. В. Иогансона).
С 1948 г. – постоянный участник всесоюзных, республиканских, ленинградских, а также зарубежных выставок.
Кабачек Леонид Васильевич
1924, Макеевка, Украина — 2002, Санкт-ПетербургЖивописец; автор жанровых картин, портретов, пейзажей. Заслуженный художник РСФСР (1968).
Родился 31 декабря 1924 г. в Макеевке (Украинская ССР). Через год семья переехала в Ленинград. Учился в Первой детской художественной школе в Ленинграде (1939–1941) у Е. Г. Лужковского; в СХШ (1941–1942; 1945–1947) у В. В. Соколова; в ИЖСА им. И. Е. Репина (1947–1953) у Б. В. Иогансона, Л. Д. Зайцева, там же в творческой мастерской А. М. Герасимова (1953–1957). Участник выставок с 1953. В 1968 присвоено почётное звание Заслуженный художник РСФСР. С 1970 заведовал кафедрой живописи Ленинградского (ныне Российского) государственного педагогического университета имени А. И. Герцена.
В феврале 1942 вместе с учащимися школы был эвакуирован из блокадного Ленинграда в Самарканд. В 1942 был призван в Красную Армию, участвовал в боях на Ленинградском и 2-м Украинском фронтах. С боями дошёл до Варшавы. Награждён Орденом Отечественной войны 2 степени и медалью «За победу над Германией».
Карташёв Олег Николаевич
1910, Москва –1965Родился в Москве в семье дирижера, начал учиться рисованию в Рыбинске. Живописец, график. Член СХ СССР (1949). Заслуженный художник РСФСР (1963). Окончил 1-е Ленинградское художественное училище (1931–1936). В 1955 возглавил Куйбышевское отделение СХ РСФСР. Был ведущим художником Поволжья. Работал преимущественно в жанре пейзажа. Участник выставок с 1935.
В 1955 и 1956 оргкомитет Союза художников СССР направил художника в Куйбышев для руководства летней творческой практикой группы живописцев. Летом художники совершали длительные поездки по Самарской Луке и Волге. В наиболее живописных местах ставили палаточный лагерь. Днем ходили на этюды, вечером у костра спорили об искусстве.
В 1959 окончательно переехал в Куйбышев. Был избран председателем правления Куйбышевского отделения СХ РСФСР, активно занимался административной и организационной работой, был постоянным членом республиканского выставкома.
Кириллов Алексей Игнатьевич
1918 – 1997Живописец. Автор тематических картин, портретист, пейзажист, заслуженный художник России. В 1947 году окончил Московский Государственный Художественный Институт им. В. И. Сурикова.
Китаев Ахмед Ибадуллович
1925, с. Юниг, Тарбеевский район, Мордовская АССР – 1996, МоскваЖивописец, педагог. В 1940-1944 учился в МСХШ. В 1950 окончил МГХИ им. В.И.Сурикова по мастерской Г.Г.Ряжского. Участник художественных выставок с 1950, член СХ.
Корбаков Владимир Николаевич
1922, д. Казариново, Кадниковский уезд, Вологодская губ. (Сокольский р-н, Вологодская обл.) — 2013, ВологдаЖивописец. Наиболее яркий представитель изобразительного искусства Вологодской области XX века. В период своего становления он был близок живописи «сурового стиля» 1960-х. В 1970-1980-е сформировалась индивидуальная творческая манера художника, основанная на экспрессивно-романтическом видении мира в технике фактурной многослойной живописи.
Родился в деревне Казариново Сокольского района. Детство и юность художника прошли в Вологде, а первое знакомство с искусством – в школьные годы. После учебы знаменитый земляк трудился, воспитывался в студии при Союзе художников. Отточив навыки, молодой талант устроился на работу в мастерскую.
В период Великой Отечественной войны добровольцем ушел на фронт. Можно сказать, оформление армейской стенгазеты стало первым шагом на пути к насыщенной жизни. За боевые заслуги он получил ряд медалей и орденов. После тяжелого ранения вернулся домой. Страсть к творчеству привела его в Московское художественное училище инвалидов ВОВ. В трудных условиях послевоенного времени он наверстывал упущенное время: читал книги по искусству и философии и много работал. Свою разбитую на фронте правую руку художник разрабатывал волевой тренировкой. Неоднократно участвовал в местных выставках.
В этот же период поступил в МГАХИ им. Сурикова, который закончил с отличием. А в конце 1950-х, когда приехал в Вологду, вступил в ряды Союза художников. Новому поколению художников было суждено изменить творческую жизнь города.
Еще в студенческие годы был неизменным участником московских молодежных выставок. Во время Всемирного фестиваля молодежи и студентов в 1957 активно работал в международной студии художников. В этот период раскрылся колористический дар мастера.
Живопись для Корбакова, по словам его друга, искусствоведа и художника Льва Дьяконицына, – «нетерпеливое, взволнованное познание мира, азартная борьба с белой немотой холста, пока не разгорится и не зазвучит на нем красочная симфония».
Был инициатором и руководителем череповецкой творческой группы. Можно смело сказать, что он стал летописцем Череповецкого металлургического комбината, за что был удостоен звания Почетного металлурга. Его идея создания творческих бригад получила широкое распространение по стране. В 1972 присвоено звание Заслуженного художника РСФСР.
Спустя 26 лет получил еще один статус - Народного художника России. Работал почти во всех жанрах живописи, исходя, прежде всего, из желания выразить волнение души и передать яркие, необычные зрительные впечатления. Является почетным гражданином города Вологды и Сокольского муниципального района.
Творчество В. Н. Корбакова никого не оставляет равнодушным – о нем спорят, пишут и критикуют. Он всегда был смелым новатором, дерзким и страстным искателем новых путей обновления художественного языка современного искусства.
За семьдесят лет плодотворной работы мастер подарил миру множество картин. Творческие планы всегда были неразрывно связаны с событиями, происходящими в стране, будь то ее прошлое или настоящее. Художник работал в технике масляной живописи в жанрах пейзажа, портрета, натюрморта, занимался графикой, рисунком, акварелью. Его произведения по сей день экспонируются на всех крупных выставках в России и за рубежом.
ЛАВРЕНКО Борис Михайлович
1920, Ростов-на-Дону – 2001, Санкт-ПетербургЖивописец, педагог. Профессор.Член Союза художников СССР. Заслуженный художник РСФСР. Народный художник РФ. Лауреат серебряной медали имени М.Грекова Министерства Культуры СССР и Союза Художников СССР. В 1936–1940 и 1946 годах учился в Ростовском художественном училище. Участник Великой Отечественной войны. Войну закончил в Берлине старшим сержантом. Награждён орденом Отечественной войны второй степени, медалями «За оборону Москвы», «За взятие Берлина», «За победу над Германией». В 1946–1952 учился в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина Академии художеств СССР у Г.В.Павловского, И.А.Серебряного. В 1952–1957 – в творческой мастерской Академии художеств СССР под руководством Б.Иогансона. Преподавал в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина с 1954 года. Участник художественных выставок с 1936 года.
Лобас Борис Федорович
Род. 13.05.1929, ВладивостокГрафик. Выпускник первого выпуска Владивостокского художественного училища (преп. В. В. Безродный, С. П. Ясенков). В дальнейшем был направлен на художественно-графический факультет Московского педагогического института им. Потемкина (1948–1953; преп. П. П. Шмелев, К. И. Финогенов, П. П. Соколов-Скаля, Т. Г. Гапоненко). Член Союза художников России. Участник 14-й Краевой выставки приморских художников (1955). С 1953 по 1959 преподает во Владивостокском художественном училище; является членом жюри конкурсов детского рисунка Владивостока.
Участник телевизионных передач о детском творчестве, проводил лекции и беседы по изоискусству в школах Владивостока и Приморского края, приморской картинной галерее и Доме пионеров. Член общества «Знание», руководил редколлегией стенной газеты «Приморский художник». Участник творческой экспедиции на борту ледокола «Москва» (1967). Работы находятся в собраниях Приморского объединенного музея им. В. К. Арсеньева (Владивосток), Сахалинского областного художественного музея (Южно-Сахалинск).
Жизнедеятельность художника связана с непосредственным участием в процессе становления приморского профессионального искусства. Был в составе первого выпуска Владивостокского художественного училища, вошёл в его первый преподавательский состав. Художник всегда много занимался детским художественным воспитанием.
Моисеенко Евсей Евсеевич
1916, д. Уваровичи Гомельского уезда – 1988, ЛенинградЖивописец, график.
Родился в деревне Уваровичи Гомельского уезда, Белоруссия. Учился в Московском художественно-промышленном училище им. М. И. Калинина (1931-1935), в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (1935-1941, 1945-1947) на факультете живописи. Преподавал в том же институте (1958-1988), руководил персональной мастерской живописи. Профессор (с 1963). Участник выставок с 1948.
Панкратов Василий Егорович
1928, с. Кузькино, Самарская обл. –2001, СамараЖивописец, график. Один из самых значительных самарских портретистов.
Родился в 1928 году в селе Кузькино Самарской губернии. Член СХ СССР (1960). Окончил Пензенское художественное училище им. К. Н. Савицкого (1946–1951), Харьковский художественный институт (1954–1960). После окончания института Василий Панкратов возвратился в Куйбышев. Рано стал участником областных выставок. Работал преимущественно в жанре портрета. Участник выставок с 1959.
Пластов Аркадий Александрович
1893, село Прислониха Симбирской губернии – 1972, село Прислониха Ульяновской областиЖивописец, график.
Учился в Симбирской духовной семинарии (1908–1912) у Д. И. Архангельского; вольнослушатель Строгановского центрального художественно-промышленного училища (1912–1914); занимался живописью, пользуясь советами Ф. Ф. Федоровского; учился на скульптурном отделении Московского училища живописи, ваяния и зодчества (1914–1917) у С. М. Волнухина; посещал живописные мастерские Л. О. Пастернака, А. Д. Корина, А. М. Васнецова, А. С. Степанова. Участник выставок с 1921. Народный художник СССР (1962).
Попков Виктор Ефимович
1932, Москва—1974, МоскваЖивописец, график. Учился в Московском художественно-графическом педагогическом училище (1948– 1952), затем в МГХИ (1955–1958), на факультете графики у Е. А. Кибрика. Создал большие графические серии на тему железной дороги для дипломной работы, которая постепенно трансформировалась из графики в живопись. Участник выставок с 1958. Член СХ СССР с 1959. Совершил творческие поездки на строительство Братской ГЭС и целинные земли Казахстана (1960–1961), в Архангельск и Ферапонтово (1963), Белое море и северные области страны (1965), на Мезень (1966, 1967). За картины "Двое“, "Бригада отдыхает“, "Полдень“ художник получил почетный диплом на Международной выставке молодых художников в Париже (1967). Был членом Комитета по присуждению Государственных и Ленинских премий в области литературы, искусства и архитектуры (1963–1967), а также всесоюзных выставочных комитетов. За цикл картин "Размышления о жизни“ Попкову посмертно присуждена Государственная премия СССР (1975).
Романычев Александр Дмитриевич
1919, деревня Русские Горенки Симбирской губернии — 1989, ЛенинградЖивописец, график, педагог. Заслуженный художник РСФСР. Народный художник РСФСР. Член Ленинградского Союза художников.
В 1937—1938 годах занимался в Ростовском-на-Дону художественном училище имени М. Б. Грекова. В 1939 был призван в Красную Армию. Участник Великой Отечественной войны. После окончания Военно-морского авиационного училища служил военно-морским лётчиком.
После демобилизации вернулся к учёбе в Ростовском училище, которое окончил в 1948 году. В 1954 окончил живописный факультет Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е.Репина (мастерская М.Авилова и Ю.Непринцева). В 1954—1957 учился в аспирантуре института. С 1955 года преподавал в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, профессор. Участник выставок с 1954 года.
В 1965 году был удостоен почётного звания Заслуженный художник РСФСР, в 1980 году — почётного звания Народный художник РСФСР. Был лауреатом объединения «Кировский завод», лауреатом серебряной медали Академии художеств СССР, награждён медалью имени М. Б. Грекова.
Савченкова Мария Владимировна
1917 – 2017Живописец. Жанрист, портретист. Заслуженный художник РСФСР, Народный художник Российской Федерации. Родилась в городе Новочеркасске. С 1936 по 1937 годы обучалась в Художественной студии при Всесоюзном центральном совете профессиональных союзов, в Московском художественном институте имени В. И. Сурикова.
Ткачев Алексей Петрович
р. 1925, Бежица Брянской областиЖивописец, график; автор жанровых картин, портретов, пейзажей, натюрмортов. Учился в кружке изобразительного искусства Дома пионеров (Бежица, 1936-1938); в московской СХШ (1939-1945); в МГХИ им. В. И. Сурикова (1945-1951). Участник выставок с 1950.
Ткачев Сергей Петрович
1922, Бежица Брянской области — 2022, МоскваЖивописец, график. Народный художник СССР (1983).
Учился в кружке изобразительного искусства Дома пионеров (Бежица, 1936-1938); в витебском ХУ (1938-1941); в свердловском ХУ (1945-1946); в МГХИ им. В. И. Сурикова (1946-1952, мастерская С. В. Герасимова и Д. К. Мочальского). Участник выставок с 1952.
Ветеран Великой Отечественной войны. В 1941 добровольцем ушёл на фронт, имел ранения.
Родился 10 ноября 1922 в деревне Чучуновка Брянского уезда, Брянской губернии. Вместе с младшим братом художник организовал творческий тандем «Братья Ткачёвы».
В 1938 поступил в Витебское художественное училище. После победы на Всесоюзном конкурсе рисунка, в 1939 был принят без экзаменов в Московскую среднюю художественную школу для творчески одарённых детей.
С 1953 — член СХ СССР. Секретарь правления СХ СССР в 1968-1976. В 1976-1987 избран председателем правления Союза художников РСФСР.
В 1973 избран членом-корреспондентом АХ СССР, а с 1978 академик.
Жил и работал в Москве. Народный художник СССР (1983). Лауреат Государственной премии СССР (1978), Государственной премии РСФСР имени И. Е. Репина (1968) и Премии Правительства Российской Федерации (2006). Аавтор жанровых картин, портретов, пейзажей, натюрмортов
Шаховской Дмитрий Михайлович
1928, Сергиев Посад близ Москвы — 2016, МоскваСкульптор. Учился в МХПУ им. М. И. Калинина (1942–1947), на скульптурном факультете МИПИДИ (1947–1953). Участник выставок с 1954. Преподавал в МАРХИ (1973–1974).
Андриюк Павел Степанович
1923, с. Красноселка Чудновского района Житомирской области — 1992Советский и казахстанский художник, живописец, график и работал также в декоративно-прикладном искусстве. Член Союза художников СССР (1959г.), один из основателей Союза художников Караганды и летописец шахтерской столицы. Родился 17 апреля 1923 году в селе Красноселка Чудновского района Житомирской области. Окончил 4 курса Омского художественного училища (1938-1942гг.). В начале 40-х годов приехал в Караганду. Участвовал в Великой Отечественной войне. В Караганде возглавил один из первых художественных цехов города. Первый уполномоченный Союза художников КазССР в г. Караганде (1955-1964гг.). Очень любил писать поселковые пейзажи, городские виды. Участник всесоюзных, областных, республиканских, межзональных и зарубежных выставок. В фондах Карагандинского музея изобразительного искусства хранится много работ Павла Андриюка. По большей части это зарисовки или эскизы к большим живописным полотнам, которые находятся в частных коллекциях. Умер в 1992 году.
Бельский Михаил Гаврилович
1922, с. Закромское, Орловская область – 1994, КиевВ 1945–1951 – обучение в Киевском художественном институте (К. Елева, И. Штильман, В. Костецкий, С. Григорьев). С 1951 года – участник республиканских, всесоюзных и зарубежных художественных выставок. Работал в области станковой живописи. Главная тема в творчестве художника – тема мирного труда. В 1968 совершил творческую поездку на шахты Донбасса. С 1970 – Заслуженный деятель искусств УССР, с 1978 – Народный художник Украины.
Богаевская Ольга Борисовна
1915–2000Бубнов Александр Павлович
1908, Тифлис — 1964, МоскваЖивописец, график, художник книги. В начале 1920-х учился в художественной студии в Аткарске, в 1926–1930 во ВХУТЕИН в Москве. Участник выставок с 1928. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1955), член-корреспондент АХ СССР (1954). Лауреат Сталинских премий (1947, 1948).
Воробьёва Надежда Дмитриевна
1924, Москва – 2010, МоскваСоветский и российский художник-живописец, член Московского отделения Союза художников СССР (1960).
Родилась 14 апреля 1924 в Москве. Училась в Московской средней художественной школе (1939–1945) и Московском художественном институте имени В. И. Сурикова (1945–1950) у Д. К. Мочальского, В. В. Фаворской, К. М. Максимова. Руководителем её дипломной работы был знаменитый художник, профессор Г. Г. Ряжский. С 1953 постоянный участник всесоюзных, московских, зональных и республиканских выставок. В 2004 состоялась её первая персональная выставка в музее-заповеднике Д. В. Поленова.
Работала в разных жанрах: пейзаж, натюрморт, многофигурные жанровые композиции.
Гавриленко Павел Никифорович
1902, с. Костюковка Гомельской области – 1961Белорусский живописец. Окончил Витебский художественный техникум (1930). Участник выставок с 1927 года. Работал в станковой живописи в жанрах тематической картины, пейзажа, портрета, а также в графике. Председатель оргкомитета Союза художников БССР в 1933–1936 годах. Председатель правления Союза художников БССР в 1956–1961 годах. В 1951–1954 годах был главным художником павильона Белорусской ССР на Всесоюзной сельскохозяйственной выставке в Москве (впоследствии – Выставка достижений народного хозяйства). Произведения находятся в Национальном художественном музее Республики Беларусь, Белорусском государственном музее истории Великой Отечественной войны, а также в других белорусских музеях и частных коллекциях.
Гилевский Гилярий Грацианович
1932 г.р.Казахский художник. Родился в 1932 году в Хмельницкой области на Украине. Происходит из польской семьи, высланной в Казахстан. В конце 1940-х годов посещал студию Владимира Александровича Эйферта – известного художника и деятеля культуры. Окончил Пензенское художественное училище имени Савицкого. В течение многих лет работал в Карагандинском художественном фонде. Ежегодно участвовал в городских, республиканских и всесоюзных выставках. С 1997 живет и работает в Польше. Произведения художника хранятся в Карагандинском музее изобразительных искусств, частных собраниях в Казахстане и за рубежом.
Деймант Леонид Федорович
1913,Ташкент, Сырдарьинская обл. –1979, ФрунзеЖивописец. Заслуженный деятель искусств Киргизской ССР. Член Союза художников СССР (1938). Представитель старшего поколения художников Кыргызстана.
Родился 5 июня 1913 в Ташкенте Сырдарьинской области. В 1939 окончил Московское художественное училище «Памяти 1905 года». Участник Великой Отечественной войны. В 1950-е написал десятки портретов передовых колхозников, пейзажные этюды. В 1952–1954 принимал участие в художественном оформлении Кыргызского государственного театра оперы и балета. Вел педагогическую работу во Фрунзенском художественном училище. В творчестве отдавал предпочтение жанру сюжетно-тематической картины.
С 1932 участник республиканских, всесоюзных и международных выставок. Награжден двумя орденами «Красной Звезды», медалями «За взятие Будапешта» и «За доблестный труд», медалями «20 лет Победы в Великой Отечественной войне 1941–1945 гг.» и «25 лет Победы в Великой Отечественной войне 1941–1945 гг.». В ознаменование 100-летия со дня рождения В. И. Ленина награжден четырьмя Почетными грамотами Президиума Верховного Совета Киргизской ССР. Работы художника хранятся в Кыргызском национальном музее изобразительных искусств им. Айтиева, а также в музеях СНГ.
Зарецкий Виктор Иванович
1925, г. Белополье, Харьковская губерния, УССР – 1990, г. Киев, УкраинаУкраинских художник, педагог, общественный деятель. Родился 8 февраля 1925 года в городе Белополье (ныне Сумская область, Украина). 1947–1953 – Киевский художественный институт (Г.К. Титов, С.А. Григорьев).
Детство и юношество художника прошло в рабочих посёлках Горловка и Сталино (ныне Донецк), где его отец работал бухгалтером на создаваемом тогда химическом производстве. В 1943—1945 годах служил в запасном полку. В 1946 году поступил в художественную школу при Киевском государственном художественном институте.
С 1947 учился в Киевском художественном институте у К. Елевой, М. Шаронова, С. Григорьева. После окончания преподавал там же. С 1955 года работал в Донбассе. Вместе с женой Аллой Горской создавал мозаичные панно в Донецке, Жданове (Мариуполь), Краснодоне. Создал галерею портретов украинских деятелей.
Иванов Виктор Иванович
род. 1924, МоскваЖивописец и график. Учился в средней художественной школе при Московском государственном художественном институте (МГХИ) с 1939 по 1944 год у П. Т. Кошевого, К. М. Молчанова, В. В. Почиталова, в МГХИ им. В. И. Сурикова (1944-1950) у А. М. Грицая, Ю. П. Кугача, В. В. Почиталова, В. Н. Яковлева. Участник выставок с 1950. Член Союза художников (с 1951). Народный художник СССР (1968).
Ильябаев Давид Ядидияевич
1924, Самарканд – 2008Родился в 1924 в Самарканде, в семье бухарских евреев. В 1930 семья переехала в новую столицу Таджикистана Сталинабад (с 1961 – Душанбе). В 1936 он стал победителем республиканской детской художественной олимпиады и с тех пор был незаменимым художником в своей школе. Отслужив в армии, в 1945 едет в Москву и поступает на художественный факультет Всесоюзного государственного института кинематографии (ВГИК) который оканчивает с отличием в 1951. Его учителями были такие выдающиеся мастера живописи как Богородский, Пименов, Шпинель, Мясников, Богданов и другие. В 1966 за выдающийся вклад в развитие искусства Таджикистана был удостоен почетного звания «Заслуженный деятель искусств». На протяжении всей творческой жизни его работы постоянно экспонировались на республиканских, всесоюзных и международных выставках в Душанбе, Москве, Монреале, Брюсселе, Улан-Баторе, Багдаде и Лейпциге.
Катц Юрий Леонидович
1915, Москва – 1988, МоскваЖивописец, портретист и педагог.
Родился 7 декабря 1915 в Москве. С 1934 работал художником-иллюстратором в журнале «Советская музыка». В августе 1942 ушёл на фронт Великой Отечественной войны, служил в инженерном полку противохимической защиты, закончил службу в звании лейтенанта. После войны с 1946 по 1952 обучался в Московском Государственном художественном институте имени В. И. Сурикова в мастерской С. В. Герасимова и В. П. Ефанова. С 1951 участвовал в выставках советского искусства. В 1955 был принят в Союз советских художников. В 1968–1976 преподавал в Московском государственном художественном институте имени В. И. Сурикова. Картины художника находятся в Астраханской картинной галерее им. П. М. Догадина, Историко-краеведческом и художественном музее (Тула), Кемеровском областном музее изобразительных искусств.
Коржев (Коржев-Чувелев) Гелий Михайлович
1925, Москва - 2012, МоскваЖивописец. Учился в московской средней художественной школе (1939–1944) у В.В. Почиталова, М.В. Добросердова, А.О. Барща; в Московском государственном художественном институте им. Сурикова (1944–1950) у С.В. Герасимова. Член Союза художников (с 1954). Участник выставок с 1954. Преподает в Московском высшем художественно-промышленном училище (бывш. Строгановское), (1951–1958, 1964, с 1966 профессор). Руководит творческой мастерской живописи Академии художеств СССР (1968–1976). Народный художник СССР (1979).
Кузнецова Берта Израилевна
1929, г. Рогачев Гомельской области, Беларусь – 1980Живописец. Работала в жанре портрета, тематической картины. Родилась 30 октября 1929 года в г. Рогачев Гомельской области. В 1955 г. окончила Вильнюсский Государственный Художественный институт Литовской ССР. Награждена Почетной грамотой Верховного Совета Карельской АССР. Член Союза художников СССР.
Мамбеев Сабур Абдрасулович
1928, село Абай-Базар Келесского района Южно-Казахстанской области, Казахстан — 2017, АлматыСоветский и казахстанский художник, живописец. Народный художник Казахской ССР. Заслуженный деятель искусств Казахской ССР.
Родился 1 мая 1928 в селе Абай-Базар Келесского района Южно-Казахстанской области. В 1946 окончил Алматинское художественное училище им. Н. В. Гоголя. Участник выставок с 1950. В 1953 окончил ЛИЖСИ им. И.Е. Репина АХ СССР, учился у Б. Фокина, М. Авилова. С 1953 работал в Алма-Ате. В 1953-1956 преподавал в Алма-Атинском художественном училище им. Н.В. Гоголя. Член Союза Художников СССР с 1956. Народный художник Казахской ССР с 1980. Заслуженный деятель искусств Казахской ССР с 1963. Работы художника находятся в ГМИ Республики Казахстан им. А. Кастеева и других музеях республики.
Нечитайло Василий Кириллович
1915, село Воронцово-Николаевское Ростовской губернии – 1980, МоскваЖивописец; автор жанровых картин, портретов, пейзажей. Учился в Краснодарском художественном техникуме (1931–1935) у Н. Д. Шарикова, М. В. Ружейникова; в МИИИ–МГХИ (1936–1942) у С. В. Герасимова, И. Э. Грабаря, Н. Х. Максимова, М. Ф. Шемякина. Участник выставок с 1939. Член МОСХ (с 1944).
Пурыгин Валентин Захарович
1926, с. Осиновка Саратовской области –2002, СамараЖивописец, график. Член СХ СССР (1954). Заслуженный художник РСФСР (1982). Заслуженный художник РФ.
Родился в 1926 в селе Осиновка Саратовской области в крестьянской семье, в 1931 семья переехала в Самару. С 1939 по 1944 учился в Московской средней художественной школе вместе с известными впоследствии советскими художниками Г. М. Коржевым, В. А. Стожаровым, братьями Ткачёвыми. В 1950 окончил Московский художественный институт им. В. И. Сурикова, где занимался в мастерской известного советского художника Г. Г. Ряжского. В Самару (тогда Куйбышев) вернулся в 1951, в 1954 становится членом Союза художников РФ. Вместе с Г. В. Филатовым, И. Е. Комиссаровым, Ю. И. Филипповым и другими молодыми художниками исследует характерные мотивы Волги, Заволжья, Жигулей.
Пясковский Михаил Григорьевич
1925, с. Пятихатки, Днепропетровская область, Украинская ССР – 2012, КалининградОкончил художественный факультет Всероссийского государственного института кинематографии, а после, в 1953, по распределению попал в Калининград. Здесь он стал одним из главных деятелей местного отделения Союза художников и заявил о себе, как о создателе масштабных тематических картин, пейзажей, портретов, натюрмортов. Интересно отметить, что в 1950-е годы Михаил Григорьевич также выступал в роли художника-декоратора и оформлял спектакли для Калининградского театра драмы.
Признанный классик калининградского искусства, народный художник России, на протяжении многих лет становившийся участником выставок регионального, всероссийского и международного уровня.
Салахов Таир Теймур оглы
1928, Баку 2021Родился 29 ноября 1928 в Баку в семье Теймура и Соны Салаховых. В 1950 Азербайджанское художественное училище им. Азима Азимзаде , в 1957 - Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова Академии художеств СССР
Являлся одним из основоположников так называемого сурового стиля в отечественной реалистической живописи XX-XXI вв.
Автор жанровых композиций, посвященных бакинским нефтяникам ‑ "С вахты" (1957), "Утренний эшелон" (1958), "Ремонтники" (1960), "Над Каспием" (1961), "Утро на Каспии" (1986); портретов композиторов Кара Караева (1960) и Дмитрия Шостаковича (1976), балерины Ольги Рукавишниковой (1998), дочери Айдан (1967); натюрмортов и интерьеров ‑ "Гладиолусы" (1958), "Натюрморт с венским стулом" (1976), "Полевые цветы" (1984), "Зимняя веранда" (1993), "Мартовский букет" (2002); графических и живописных циклов "По Чехословакии" (1961‑1965), "По Италии" (1964‑1972), "По Америке" (1965‑1970), "Индия" (1968‑1970), "По Норвегии" (1968‑1978), триптих "Страна огней" (2007) и др.
Тельжанов Мухамедханафия Тимирболатович
1927, Омск — 2013, АлматыЖивописец, педагог. Заслуженный деятель искусств Казахской ССР (1961), Народный художник Казахской ССР (1963), Народный художник СССР (1978)
Родился в Омске (по другим данным в ауле Байтуяк (ныне Таврический район, Омская область)). С 10 лет занимался в Ленинграде, в художественной школе «Юных Дарований» при Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры, был отчислен в связи с арестом отца. С началом войны был эвакуирован в село Колково Кировской области. В 1943 вернулся в Казахстан, где в 1947 окончил Алма-Атинское художественное училище им. Н.В. Гоголя. В 1954 окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е.Репина, учился у М. Авилова, Б. Иогансона. Участник выставок с 1950. Член СХ СССР с 1953. Жил и работал в Алма-Ате с 1953. Член-корреспондент АХ СССР.
Профессор, преподавал в Алма-Атинском государственном театрально-художественном институте с 1978. Возглавлял кафедру изящных искусств, затем кафедру академической живописи. С 1973 по 1986 год был директором Казахской картинной галереи (ныне Государственный музей искусств Республики Казахстан имени Абылхана Кастеева). Лауреат Государственной премии КазССР имени Чокана Валиханова, Лауреат Независимой общенациональной премии «Тарлан».
Для творчества художника характерна эволюция от небольших поэтичных сцен казахского быта к монументальным полотнам на исторические и современные темы. Его творчество получило широкое международное признание, он приглашался в качестве педагога в Академию искусств Кубы и в Синьцзянский институт искусств в Китае. Картины Канафии Тельжанова – это могучие, красивые песни о родном Казахстане, о великой борьбе народа за светлое прекрасное будущее.
Цыплаков Виктор Григорьевич
1915, село Бурлинка Рязанской губернии – 1986, МоскваЖивописец. Учился в Московском полиграфическом техникуме ИЗОГИЗ (1932–1936) у С. А. Матвеева, в МИИИ–МГХИ им. В. И. Сурикова (1936–1942) у Г. М. Шегаля, В. В. Почиталова, С. В. Герасимова. Участник выставок с 1939. Преподавал в МГХИ им. В. И. Сурикова (с 1948), руководил персональной мастерской (с 1957). Профессор (1962). Народный художник РСФСР, член-корреспондент АХ СССР. Лауреат Сталинской премии (1950) за участие в создании картины «Передовые люди Москвы в Кремле» (1949).
Шанин Марат Семенович
1928, Пенза – 2012, СаранскЖивописец, график. Народный художник Республики Мордовия. Основатель творческой династии Шаниных.
Родился 13 июля 1928 в г. Пензе. В 1948 окончил Пензенское художественное училище. Учился у Ивана Горюшкина-Сорокопудова, друга первого профессионального художника Мордовии Федота Сычкова. В 1954 окончил Харьковский художественный институт (графический факультет у В. Ф. Мироненко и И. А. Дайца).
Во время учебы женился на художнице Любови Трембачевской. В 1955 семья художников перебралась из Пензы в Саранск. Был первым директором Саранского художественного училища им. Ф Сычкова (1970–1979), преподавал живопись и рисунок.
Излюбленные жанры в творчестве – бытовая живопись, пейзажи, натюрморты, портреты. Современники и профессионалы сравнивали академические работы художника с полотнами Репина «по чистоте, четкости мазка, колориту красок, реалистичности…». Работы мастера экспонировались в Саранске, Кирове, а также в Польше, Швеции. Произведения художника хранятся в Харьковском художественном музее, Национальном художественном музее Республики Беларусь, Пензенской областной картинной галерее имени К. А. Савицкого, в Мордовском республиканском музее изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи, в частных коллекциях России и за рубежом. В 2006 вышел биографический альбом «Династия художников. Шанины».
Басов Василий Николаевич
1918 – 1962, МоскваСоветский художник, живописец. Родился 31 декабря 1918. Жил и работал в Москве. Творческий путь художника охватывает около 20 лет. В 1934 поступил в Московское государственное академическое художественное училище памяти 1905 года, а после него продолжил образование в Московском художественном академическом институте имени В. И. Сурикова (1938–1948). С 1943 принимал участие в выставках, в том числе во всесоюзных, проходивших в Москве (1949, 1950, 1955, 1960). В этот период создал несколько произведений, посвященных Владимиру Ильичу Ленину, благодаря которым получил официальное признание.
В 1950-х обратился к образам русской деревни, а также начал писать картины об освоении целины. Работы художника экспонировались на зарубежных выставках в ГДР (1951), в Китае (1954). Персональные выставки художника состоялись в Москве в 1957 и 1964.
Член Союза художников СССР. В 1951 был удостоен Сталинской премии II степени в области изобразительного искусства за картину «Власть Советам — мир народам», созданную совместно с Н. Мещаниновым, В. Прибыловским и М. Суздальцевым. Работы художника – жанровые картины, пейзажи и портреты — созданы в традициях русской реалистической живописи.
Бернадский Валентин Данилович
1917, с. Озеряны, Черниговская обл. – 2011Родился 13 января 1917 года в селе Озеряны Черниговской области. В 1940 поступил в Ленинградский Институт живописи, скульптуры и архитектуры, который окончил в 1950. С 1950 по 1952 преподавал в Крымском художественном училище им. Н. С. Самокиша. Большую часть времени он жил и работал в Симферополе. Отечественные исследователи по праву считают его одним из основателей современной крымской школы живописи. С именем Валентина Бернадского связано развитие сюжетно-тематического направления.
Народный художник Российской Федерации (2003), почетный академик Российской Академии художеств (2009).
Ветрогонский Владимир Александрович
1923, Ленинград — 2002, Санкт-ПетербургГрафик, рисовальщик, акварелист, литограф, иллюстратор. Учился в СХШ (1939-1942); в АХ (1946-1951), в аспирантуре ИЖСА (1951-1955). Участник выставок с 1951. Преподавал в ИЖСА с 1952; декан факультета графики ИЖСА с 1973 по 2002. Профессор. Заслуженный художник РСФСР (1965). Народный художник РСФСР (1982). Действительный член АХ СССР (1988). Кандидат искусствоведения.
В 1941 — боец-доброволец аварийного восстановительного батальона Ленинграда. В 1942 ушел добровольцем в действующую армию по личному письму Сталину. С боями прошел от Волхова до Эльбы. На фронте делал зарисовки бойцов, сценок военной жизни, городов.
Раннее детство прошло в Вологодской области, с которой у автора связаны самые теплые воспоминания: «на Вологодчине начало моего мира, начало моего удивления, моего характера». Вскоре семья переезжает в Ленинград, где Ветрогонский поступает в среднюю художественную школу при Всероссийской Академии художеств. Великая Отечественная война прерывает его обучение. В 1941 году становится бойцом-добровольцем аварийного восстановительного батальона Ленинграда.
После войны вновь возвращается к обучению и поступает на графический факультет Академии художеств, принимает участие в восстановлении разрушенных войной мастерских. После окончания Академии принят в аспирантуру, начинает свою деятельность в качестве педагога. Становится постоянным участником городских, республиканских, всесоюзных, международных художественных выставок.
Творчество В.А.Ветрогонского получило признание как у советского, так и у зарубежного зрителя. Художник являлся деканом графического факультета Института живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина, был удостоен первой премии и золотой медали всесоюзного конкурса молодых художников к VI Всемирному фестивалю молодежи и студентов в Москве, болгарского ордена Кирилла и Мефодия,
Голихин Евгений Ильич
1926 – 2009Живописец. Автор жанровых композиций, портретист, пейзажист.
Гончаренко Вениамин Алексеевич
1929, Кадиевка, Луганская область, УССР – 2013, ВладивостокЖивописец, член Союза художников России, Родился в 1929 году в с. Кадиевка Луганской области. Заслуженный деятель искусств России, профессор.
Основатель художественного факультета Дальневосточного педагогического института искусств, первый заведующий кафедрой живописи и рисунка. Автор статей по проблемам художественного образования и воспитания. Первый председатель Приморского отделения Российского фонда культуры.
Начало творческой деятельности характеризуется тематическими картинами из жизни шахтеров и народностей Крайнего Севера. Создал ряд психологических портретов современников, известных людей Приморья. Многие грани творческого дара художника проявились в работе над пейзажем и натюрмортом, где он отражает реалистическую убедительность и радостное упоение красотой обыденной жизни, возвышенную чувственность и восторг очевидца.
Дейнека Александр Александрович
1899, Курск — 1969, МоскваЖивописец, график, скульптор, монументалист, плакатист.
Учился в харьковском ХУ (1914–1918) у Р. М. Пестрикова, А. М. Любимова, в ВХУТЕМАС (Москва, 1920–1925) на полиграфическом факультете у В. А. Фаворского и Н. И. Нивинского. Член-учредитель объединений ОСТ (1925), "Октябрь“ (1928), РАПХ (1931). Участник выставок с 1924: Первой дискуссионной выставки объединений активного революционного искусства (1924), ОСТ (1925–1928), "Октябрь“ (1928–1930), РАПХ (1931–1932). Руководил секцией ИЗО Губнаробраза (1918), художественной студией при Курском политуправлении (1919–1920). Работал в курском отделении РОСТА, оформлял массовые празднества. В 1930–1960-х участвовал в художественном оформлении станций Московского метрополитена, МГУ на Ленинских горах, Дворца съездов в Кремле. Преподавал в ВХУТЕИН (Москва, 1928–1930; профессор — 1940). Член президиума (с 1958), вице-президент АХ СССР (1962–1966), академик-секретарь отделения декоративных искусств АХ СССР (1968–1969). Герои произведений Александра Дейнеки — молодые люди, в образах которых отразились идеальные представления художника о строителях нового мира — гармонично развитых, сильных, красивых, жизненно активных. Выявить в человеке эти качества мастеру помогают традиции классического искусства с присущим ему культом красоты тренированного тела, подчеркнутой динамичными ритмами композиции.
Добровольский Владимир Федорович
1 ноября 1929, Барнаул – 17 октября 2002, там жеСоветский, российский художник. Монументалист. Заслуженный художник России (1980). Окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В. И. Мухиной (1958). Первый профессиональный художник-монументалист в Алтайском крае. Также работал в жанрах натюрморта, пейзажа, портрета.
Чернов Семен Ипатьевич
16 февраля 1924, с. Ая, Алтайский край – 14 февраля 1988, БарнаулСоветский художник. Живописец. Окончил Харьковский художественный институт (1957). Мастер тематической картины, пейзажа.
Загорская Нина Борисовна
р. 1925Живописец. Портретист, пейзажист, автор натюрмортов.
Большинство музеев через произведения из своих собраний представили жизнь каждого региона (или республики), показав как важнейшие исторические события, в том числе всесоюзные стройки – от первых гидроэлектростанций до Байкало-Амурской магистрали, так и своих земляков, руками которых в тяжелейших условиях происходило превращение СССР в передовую индустриальную державу. Значительное количество портретов людей созидательного труда, представленных на виртуальной выставке – существенная черта искусства советской эпохи. Это, в первую очередь, – результат государственной политики в сфере культуры, через заказы стимулировавшей художников создавать образы своих современников-тружеников. Среди собранных на выставке произведений можно увидеть яркие и выразительные образы представителей различных профессий, созданные советскими живописцами, скульпторами, графиками в самых разных уголках Советского Союза. Среди них — металлурги Магнитки и шахтеры Донбасса, строители КАМАЗа и нефтяники Каспия, колхозники Кубани и рыбаки Приморья, стахановцы и ударники социалистического труда, геологи и пограничники, спортсмены, инженеры, учителя, врачи, выдающиеся деятели науки и культуры.
Автопортрет
- 1918
- Холст, масло. 80,5 x 65
- Государственный Русский музей
- Ж-2400
1918 год был в творчестве Петрова-Водкина годом натюрморта. Его письма к матери той поры, полные отчетов о повышении цен на хлеб и дрова, – летопись разрушения привычного жизненного уклада. Видимо, пристальное внимание к предметному миру было попыткой фиксации его неудержимо расплывающихся контуров, сопротивления тотальной дематериализации. Автопортрет – пример одного из немногих обращений к другому жанру – итог напряженных размышлений о роли художника в апокалипсические времена, поиск стабильности в глубинах собственной личности. 30 января 1918 года Петров-Водкин был выбран профессором Академии художеств. «Как это ни почетно, ни лестно, но с большими колебаниями беру на себя эту большую задачу. И если бы не тяжелое время для Родины и не опасность, что искусство зачахнет среди всеобщего разрушения, я не имею права отказаться от возможности хотя бы попытки благоустроить нашу высшую школу…». Ответственность связывалась с осознанием открывающихся возможностей построения здания нового искусства новой России на основе собственных художественных и мировоззренческих принципов. Такая позиция демиурга-хранителя продиктовала иконную формулу автопортрета. В соответствии с выдвинутой художником концепцией нового, «планетарного» видения его строгое лицо возникает на пересечении «планетарных» измерений неба и тверди, образующих фигуру креста. Любовь Большакова // Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 159.
В Автопортрете 1918 года исчезла зачарованность, завороженность причастностью к иным мирам, нездешним законам бытия, присущая до сих пор множеству персонажей художника. В почти скульптурной лепке рельефа головы, в рубленности черт лица, в твердости и ясности взгляда художник чрезвычайно точно выразил основной пафос своей жизни той поры – приятие действительности без обманной идеализации ее, приятие мужественное и трезвое, с сознанием неизбежности самопожертвования и готовности к нему. При этом психологическое пространство портрета не ограничено сиюминутностью реального окружения, она включает в себя всю ширь зелено-голубых сфер мироздания, духа, истории… Планетарный принцип, положенный в основу этого произведения, удивительным образом сочетается с концепцией портрета эпохи кватроченто: человек в центре мироздания, возвышенный над миром, героический и одновременно трагически одинокий.
Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878–1939) – живописец, график, теоретик искусства, писатель. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1930).
Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф.Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А.Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А.Е. Архипова, Н.А. Касаткина и В.А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. С 1908 участник выставок "Золотого руна". Член обществ "Мир искусства" (1910–1922), "Четыре искусства" (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е.Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников. Автор жанровых композиций, портретов и натюрмортов. Прошел через увлечение символизмом, постимпрессионизмом (искусство П. Гогена и А. Матисса). В своем творчестве основывался на наследии Древней Руси.
Фигура «Женщина, вышивающая красное знамя»
- Государственный фарфоровый завод (г. Петроград)
- 1919 - середина 1920-х гг. (модель - 1919 г.)
- Фарфор, роспись надглазурная, золочение. В.-15,2; Дл.-9,5; Ш.-9,5
- Государственный Русский музей
- СФ-136
Пионерки двадцатых годов
- 1920-е
- Холст, масло. 53,8 х 64,5
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Ж-878
В начале 1920-х годов в одном из московских детских домов Н. Чернышев познакомился с удивительной молодежью, которой с малых лет прививались замечательные качества: любовь к труду, к Родине, чувство коллективизма, уважение к товарищу. Вскоре после этого в творчестве художника появляются многочисленные портреты девочек-пионерок.
В работе «Пионерки 20-х годов» они предстают серьезными и сосредоточенными. Колорит картины, построенный на сочетании серых и защитно-зеленых негромких тонов, оживлен спокойным красным тоном пионерских галстуков и косынки, ставших ясными приметами того времени. Образы юных героинь картины значительны и по-своему лиричны. По приглушенной цветовой гамме и строгой простоте композиции работа восходит к древнерусским фрескам Дионисия, так любимого автором. Погружаясь в мир детских чувств и мыслей, здесь Чернышев прежде всего философ, размышляющий над судьбами детей.
Портрет С. М. Буденного
- Этюд к портрету (1923, местонахождение неизвестно)
- 1923
- Картон, масло. 42 х 27
- Государственный Русский музей
- Ж-6475
Буденный Семен Михайлович (1883–1973) овеян славой народного героя. Он родился на Дону в небогатой крестьянской семье. В 1903 году начал военную службу в качестве рядового. Участвовал в русско-японской войне в составе Донского казачьего полка и затем, как лучший наездник, был отправлен в Петербург в Офицерскую кавалерийскую школу на курсы для нижних чинов. В годы Первой мировой войны, будучи унтер-офицером, проявил незаурядную храбрость и был награжден солдатскими Георгиями всех 4-х степеней. После Октябрьской революции вернулся на Дон и создал кавалерийский отряд, который постепенно вырос в дивизию, успешно действовавшую против белогвардейцев под Царицыном. В 1919 году дивизия была переименована в Конный корпус, а затем — в Первую Конную армию, которая сыграла важную роль в военных операциях Гражданской войны. После ее окончания Буденный занимал различные высокие должности. В 1935 году ему в числе пяти крупнейших советских полководцев было присвоено звание маршала Советского Союза, в котором он участвовал в Великой Отечественной войне, проявив, впрочем, низкую компетентность в условиях современных боевых действий. Гражданская война навсегда осталась звездным часом Буденного. Надпись на этюде гласит, что этот живой и непосредственный образ легендарного героя Гражданской войны был исполнен всего за 50 минут. Художнику удалось точно схватить простодушный характер этого лихого кавалериста, говорившего: «Да по мне все равно, какой фронт, мое дело рубать». // Павел Климов, Тамара Чудиновская. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 394.
Портрет В. И. Ленина
- 1924
- Холст, масло. 97,1 х 80,3
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- ЖК-37
Искусствовед и исследователь карельского искусства В. И. Плотников публикует сведения, к сожалению, не указывая источник, о том, что А. Я. Андриянов в 1922 году вместе с В. Н. Поповым исполнял декоративный триптих для Дворца труда – здания Совета профессиональных союзов Карелии (ныне в этом здании располагается Музей изобразительных искусств Карелии).
В 1924 году художник написал портрет В. И. Ленина, который открыл, буквально, «Лениниану» в карельском искусстве. Портрет написан в год смерти Ленина и интересен своей композицией.
Фигура Владимира Ильича изображена художником на фоне колонны полускрытой яркой драпировкой. Эта строгая торжественность фона вступает в некоторое противоречие с задушевностью образа Ленина и пейзажным фоном на втором плане холста. Лицо Владимира Ильича написано художником нежно и трепетно, от него исходит доброта и человеческое обаяние, ощущение живого Ленина. Ленина-человека дополняет сельский пейзаж с домиками за спиной вождя. Этот необычный для ленинских портретов фон дан с большим художественным тактом и имеет вполне определенный северный адрес. Родной художнику пейзаж соединен на холсте с дорогим для него образом вождя.
Владимир Ильич Ульянов (псевдоним Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Портрет М. А. Тройницкой
- 1924
- Холст, масло. 76 х 66 (в свету)
- Государственный Русский музей
- Ж-8790
Серебрякова много времени отдавала портрету. Особенно выделяется своей завершенностью и тонкой передачей индивидуальных черт модели портрет М. А. Тройницкой, жены директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого. Портретируемая изображена за завтраком. Мастерски вылеплено лицо с живыми глазами, выразительны непринужденная поза и спокойно лежащие руки, что помогло созданию образа уравновешенной волевой женщины. С большой любовью, как у старых голландских мастеров, написаны расставленная на столе фаянсовая посуда, а также вишни и разрезанный ножом лимон. (В. Кн.).
Тройницкая Марфа Андреевна – жена директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого (1882– 1948, историк искусства, научный сотрудник с 1908, хранитель Галереи драгоценностей и директор Эрмитажа в 1917–1927, доктор искусствоведения).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 178.
Портрет В. И. Ленина
- 1920-е
- Картон, масло. 41,5 х 30
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-1347 АОМИИ
В коллекции музея представлен достаточно редкий портрет В. И. Ленина, написанный при жизни основателя советского государства. В начале 1920-х Коллегия ИЗО Наркомпроса обратилась к Натану Альтману с предложением создать портрет В. И. Ленина. Альтман собирал материал для живописного портрета, дважды видел Ленина во время митинга на Марсовом поле в 1917 и 1918 годах. Хорошо известно, что Ленин не любил и никогда не соглашался позировать. Помог Альтману Луначарский, по просьбе которого Ленин разрешил ему работать в Кремлевском кабинете весной 1920 года. Он работал шесть недель, как впоследствии подсчитал художник, в целом, около 250 часов работы. На основе натурных рисунков и написан данный портрет. Неповторимость его в том, что это не образ, в котором что-то выделено, отредактировано. Он воспринимается с предельно краткой дистанции, точнее ее нет совсем. Нет исторической костюмировки, поверхностных политических ситуаций. Это Ленин, который близок каждому и каждый может почувствовать себя его собеседником, он полон внимания, изображен легко и непринужденно.
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Фигура милиционерки
- Государственный фарфоровый завод (г. Петроград)
- 1925 (модель — 1918)
- Фарфор, роспись надглазурная. В.-19,8; Дл.-7,5; Ш.-7,0
- Государственный Русский музей
- СФ-118
Комсомолки. Подмосковный молодняк
- 1926
- Холст, масло. 59,7 х 68,5
- Государственный Русский музей
- Ж-5683
Портрет был написан в деревне Лигачево, где у Юона был дом-мастерская. Там он находил немало своих героинь — сельских девушек, мотивы своих пейзажей, там он в полной мере мог выявить возможности своей палитры. На портрете изображены Клава Зенина, Саша Перцова, Клава Борисова, Катя Шипова и Маруся Будкина. В произведении органично соединилось стремление к портретной точности и типическому обобщению. Портрет един крепостью своей композиции, ее цельностью, выразительностью расположения персонажей, четкостью плана, и, наряду с тем, образ каждой из девушек подчеркнуто индивидуален. Здесь взяты разные состояния — от задумчивости, нетерпеливого вопрошения, спокойной уверенности до трепетного романтического порыва. Есть своя режиссура и в цветовом решении, которое словно озаряется энергичным акцентом красной косынки. Фрагментарность композиции укрупняет изображение, еще больше усиливая динамизм образов. Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век. СПб, 2001. С. 194.
Портрет И. Б. Кустодиевой
- 1926
- Холст, масло. 111,5 х 90,0
- Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
- Ж-919
Картина «пришла» в музей из первых рук: она была приобретена Астраханской картинной галереей в 1973 году у Ирины Борисовны Кустодиевой – дочери художника, его любимой модели. Специалисты иногда шутят, что Ирину Кустодиев писал так же часто, как восхищавший его Веласкес инфанту Маргариту. Целая галерея ярких образов дочери создана художником в работах «Портрет Ирины Кустодиевой с собакой Шумкой» (1907), «Японская кукла» (1908), «Дети в маскарадных костюмах» (1909) и других произведениях.
В 2011 году на аукционе Мак Дугалл в Лондоне с огромным интересом присутствующие наблюдали за торгами по работе «Портрет Ирины Кустодиевой», написанной в швейцарском городе Лейзене (1911), где художник находился на лечении. После триумфальной выставки русского искусства 1924 года в Америке она была продана в частное собрание и 90 лет нигде не экспонировалась.
От очаровательных детских портретов по мере взросления дочери Б. М. Кустодиев переходит к изображению симпатичного подростка (примером может служить картина «Девочка с цветами» (1917), Курская картинная галерея имени А. Дейнеки).
В последние годы жизни художника Ирина – красивая девушка с золотистыми волосами, голубыми глазами и чудесным цветом кожи. Именно такой она изображена на портрете 1926 года, который находится в собрании Астраханской картинной галереи. Эту работу иногда также называют «Портрет Ирины в синем платье», она считается очень удачной, хотя и нетипичной для Б. М. Кустодиева.
Это произведение широко известно. С момента написания портрет участвовал во многих выставках в Ленинграде, Москве, Астрахани. Как шедевр кустодиевской коллекции, он многократно воспроизведен в искусствоведческой литературе и художественных альбомах. Работа написана масляными красками на грунтованном холсте. Ирина изображена в эффектной, несколько театральной позе, в синем платье и шляпке в стиле «нэп» – настоящая кустодиевская красавица. В это время Ирина Борисовна постигает историю театра и азы актерской профессии, обучаясь в Институте сценических искусств в Ленинграде. Кустодиев-отец пишет портрет, любуясь дочерью, ее нежной кожей, покатыми плечами, выбившимися из-под шляпки локонами. Композиция работы проста и благородна, отличается четкостью и почти классической строгостью. Кустодиев-художник мастерски демонстрирует в этой работе всё, чего он достиг за годы творчества.
Портрет Н. П. Охлопкова
- 1926
- Холст, масло. 250 х 143
- Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
- Ж-1002
«Портрет Охлопкова», написанный Петром Вильямсом в 1926 году, является одним из лучших портретов мастера. На пустынном просторном фоне изображена крупная фигура. Серое в клетку пальто спортивного покроя, твердый воротничок белоснежной сорочки, галстук. Энергичным движением правая рука сжимает перчатки, левая – опущена в карман. Щегольский костюм дополняют кепи, небрежно зажатая в зубах трубка и почти забытая сегодня деталь – краги – накладные голенища с застежками. Портрет создает впечатление монументальности и парадности, которое складывается благодаря значительным размерам вертикального холста, устойчивой постановке модели, монолитности силуэта, ясно читаемого на пустом фоне. Графически четкий рисунок лица, освещенного направленным лучом света. Подчеркнуты морщины, складки у носа, волевое выражение светло-голубых глаз. С портрета на нас смотрит решительный и целеустремленный человек, участник строительства нового мира.
Николаю Охлопкову к моменту создания портрета было 25 лет. Он, как и Вильямс, принадлежит к «штурмующему» поколению 1920-х годов. Уже два года Охлопков, перебравшийся в Москву из Иркутска, играет в театре Мейерхольда, осваивает знаменитую биомеханику, пробует сниматься в кино. Вильямс использует при написании портрета яркую типажность, запоминающуюся «фактуру». Использует то, что в полной мере соответствовало человеческому идеалу, который стремились утвердить художники ОСТ. В Охлопкове соединились энергичность и спортивность, физическая сила и уверенность в себе.
Остовские портреты Вильямса – замечательная страница в истории отечественного искусства. Вильямсу и Охлопкову суждено было стать крупными деятелями советского театра, их судьбы еще не раз пересекались, а портрет остался прекрасным символом молодости поколения двадцатых.
ОСТ (Общество художников-станковистов) — художественная группировка, основанная в 1925 году в Москве группой выпускников ВХУТЕМАСа во главе с Давидом Штеренбергом. Среди основных участников ‑ П. Вильямс, А. Дейнека, А. Лабас, Ю. Пименов.
Охлопков Николай Павлович (1900, Иркутск — 1967, Москва) — советский актёр театра и кино, режиссёр и педагог.
Родился в Иркутске в небогатой дворянской семье. В 1917 году устроился в Иркутский городской театр в качестве мебельщика-декоратора, а в 1918 году стал актёром этого театра, где служил до 1921 года. Будучи поклонником творчества Владимира Маяковского декламировал стихи Маяковского на площадях.1 мая 1921 года после освобождения города от Колчака поставил на городской площади массовое действо «Борьба труда и капитала» с участием войск. В 1919 году стал одним из организаторов Иркутского Молодого театра, где в 1922 году поставил «Мистерию-буфф», после чего был отправлен на обучение в Москву. В 1922‑1923 годах учился в ГИТИСе и параллельно играл в Московском театре Революции. С 1923 по 1926 играл в Театре имени Мейерхольда (ТиМ). Одновременно занимался в мастерской при театре (ГЭКТЕМАС) под руководством Всеволода Мейерхольда.
Главный режиссёр Реалистического театра (1930‑1937) и Московского театра имени Маяковского (1943‑1966). В 1947 году поставил «Молодую гвардию» А. А. Фадеева. За этот спектакль был удостоен Сталинской премии первой степени, а в 1948 году ему было присвоено звание Народного артиста СССР. Имя Н. П. Охлопкова с 1967 года носит Иркутский драматический театр.
У мавзолея Ленина (Траурный день памяти Ленина)
- 1926
- Холст, масло. 145,5 х 178
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-2009 АОМИИ
Одной из самых интересных и самобытных фигур в советском модернизме двадцатых-тридцатых годов был Борис Александрович Голополосов. Его творчество всегда отличало высокое живописное мастерство и яркая индивидуальность.
Как и у экспрессионистов, главным инструментом художественной выразительности для Голополосова был цвет. Колорит его живописных работ всегда узнаваем и решается нехарактерными цветовыми сочетаниями. В своей палитре он использует смелые цветовые контрасты, создающие эмоциональное напряжение и придающие картине внутреннюю энергию, но, несмотря на экспрессивный накал, его картины всегда остаются светоносными и гармоничными.
Темы произведений художника в большинстве своем социальны и отражают заказ того времени. Но они лишены присущего советскому искусству героического пафоса. Его герои – рыбаки, моряки, строители, простые люди – носители обычных человеческих эмоций, вызывают сочувствие и сопереживание.
Художник сам был полноценным персонажем своих картин, в полном смысле слова автобиографических. Автор тематических и жанрово-бытовых картин, он был мощным фиксатором и выразителем эпохи. Картина «У мавзолея Ленина (Траурный день памяти Ленина)» 1926 года, посвящена второй годовщине со дня смерти Владимира Ильича, отмечавшейся в стране 21 января 1926 года. Само название «Траурный день» уже задает полотну трагическое звучание, которое художник передает за счет свойственной ему экспрессивной манере. Картина вызывает смешанное чувство тревоги и торжественности.
Все полотно проникнуто непрерывным действием. Действие здесь не только в цвете, но и в каждой детали: многочисленные персонажи – участники митинга – тоже находятся в движении. Об этом говорит положение их ног и рук, даже поворот головы рабочих, стоящих в первом ряду у нижней кромки холста. Задают динамику и виднеющиеся повсюду яркие треугольники знамен, направленные в стороны под разными углами. И даже краснокирпичный цвет кремлевской стены чем-то напоминает движущиеся языки пламени.
Динамична здесь и сама композиция. Голополосов как будто выхватывает кадр из движущегося потока, потому оказываются обрезанными и Спасская башня Московского Кремля, и часть его стены, и участники военного оркестра, и простые зрители на первом плане, среди которых, по всей видимости, находимся и мы, и сам художник. Даже группа из трех рабочих со знаменами, прописанная наиболее четко, и само деревянное здание Мавзолея оказываются не в центре полотна, а в его левой части, создавая иллюзию того, что поток людей движется, оставляя позади те или иные объекты.
Художник сознательно не делает акцент на психологическом состоянии своих героев. Рассмотреть эмоции кого-либо из участников траурной процессии невозможно. Неслучайно у персонажей, расположенных к нам ближе других, мы видим лишь затылки и спины, а не лица. Все чувства и эмоции очень точно и явно мастер передает через композицию, колорит, ритм, ракурс, движение. Напряжением, тяжелыми и гнетущими мыслями проникнута каждая деталь полотна. Кажется, еще мгновение, и оркестровые трубы донесут до нас печальные звуки траурного марша.
Борис Голополосов был непосредственным участником событий, которые стали основой для многих его сюжетов. «Полстраны объездил, исходил пешком – охотился, не раз плавал матросом на Каспии. И писал не иначе как от первого лица. Он сам – один из персонажей своих картин, автобиографичных в прямом смысле слова», – писала о нем известная исследовательница Ольга Ройтенберг.
В Крыму (Портрет В. М. Грабарь, жены художника)
- 1927
- Холст, масло. 118,5 х 98
- Симферопольский художественный музей
- Ж-2
Произведение И. Э. Грабаря «В Крыму (Портрет В. М. Грабарь, жены художника)» было написано в поселке Магарач близ Ялты в августе–сентябре 1927 г., о чём свидетельствует авторская подпись в левом нижнем углу. Сверкающие краски, блики солнца передают ощущение жаркого полдня и свежести древесной тени.
На портрете изображена Валентина Михайловна Грабарь (1892–1959), супруга художника.
В книге «Моя жизнь. Автомонография» 1937 года И. Э. Грабарь подробно описывает события, сопутствующие созданию картины: «В июле моя семья уехала в Крым; я последовал за нею в начале августа. Мы поселились на даче И. Т. Сливы, в Магараче, между Ялтой и Никитским садом <...>
Я начал большой портрет жены, стоящей у чайного стола, покрытого скатертью, с серебряным кофейником, чайной посудой, тарелкой с персиками и виноградом на нём. Все это происходило в тени большого дуба, бросавшего на стол и фигуру густую тень, разреженную лишь солнечными пятнами. Картина была наполовину закончена, когда в ночь началось землетрясение. Писание пришлось прекратить. Когда толчки несколько смягчились, я начал продолжать портрет к ужасу жены, которая всё ещё не могла придти в себя от пережитого потрясения. Он однако не давался: позировать надо было с улыбкой, а какая уж улыбка, когда толчки всё время продолжались».
М. В. Фрунзе на коне
- Около 1927
- Холст, масло. 197.5 x 173.5
- Государственный Русский музей
- ЖБ-2008
Фрунзе Михаил Васильевич (1885–1925) — революционер, один из ведущих военачальников Красной армии времен Гражданской войны, позднее — теоретик и организатор военного дела в СССР.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 80.
По комсомольской путевке
- Из цикла "Комсомолия"
- 1927
- Холст, масло. 87 х 75,5
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-2171
Памятные образы молодежи тех лет оставил нам московский художник Анатолий Лебедев-Шуйский, создавший не просто портреты, а «современный тип», собирательный образ. Один их них – портрет «По комсомольской путевке» из цикла "Комсомолия".
Начиная с VII съезда ВЛКСМ (1926) комсомол становился «ударной бригадой социализма». По путевке обкома партии комсомольцы участвовали в строительстве колхозов, выводили на поля первые тракторы, строили шахты, фабрики, заводы, возводили Днепрогэс, Магнитку, Волховстрой, Метрострой, Турксиб. Жизнь первых поколений комсомольцев была трудной, но романтичной. Герои нового времени привлекали внимание художников.
Работница (Портрет в голубом)
- 1927
- Холст, масло. 133,5 х 77
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1325
«Работница» Алексея Пахомова занимала одно из центральных мест в экспозиции выставки молодежного объединения «Круг художников» в 1927 году (ГРМ). Моделью Пахомову послужила его жена, работница табачной фабрики. Однако совершенно очевидно, что образ более тяготеет к типажности, нежели характеризует индивидуальность. Для этого Пахомов избирает определенные приемы, которые позволяют ему подчеркнуть монументальность, возвышенность образа. Русоволосая молодая женщина изображена поколенно. Пропорции ее тела несколько увеличены в сравнении с натурой, отчего создается впечатление, что персонажу «тесно» в рамках холста. Динамичный поворот головы и торса плавно «останавливается» торжественными ритмами складок одежды, отдаленно напоминающей одеяния персонажей фресок раннего Возрождения. Позднее Пахомов вспоминал: «Душевная ясность и чистота юности, ее стремление к благородству и возвышенному безмерно привлекательны, и я невольно подчеркивал широкий открытый взгляд, стройность и бодрость осанки, готовность к действию. Я чаще стал всматриваться в античное искусство и искусство Высокого Возрождения и все больше ценить их». (О. Ш.).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 198.
Физкультурные игры на стадионе
- 1927
- Холст, масло. 166 x 249
- Государственный Русский музей
- ЖС-93
Кондукторша
- 1928
- Холст, масло. 130 x 127
- Государственный Русский музей
- Ж-9186
В 1920-х годах Самохвалов, как и многие художники той поры, был увлечен поисками характерных явлений современности. Стремительность перемен особенно ярко виделась ему в образах женщин, осваивавших новые социальные роли, новые профессии, стиль поведения, одежду.
Кондукторша, героиня картины, показанной в 1928 году на выставке объединения «Круг художников», – это не просто женщина, продающая билеты и следящая за порядком в трамвае. Она представляется Самохвалову новой богиней, повелительницей электричества. И хотя сам автор выводил пластическое решение образа из византийской иконографии Богоматери Оранты, предстающей в древних изображениях в полный рост с поднятыми и раскинутыми в стороны руками, его Кондукторша более походит на языческого идола. Пропорции ее колоссальной фигуры восходят к образам архаических каменных баб. Она господствует в футуристически динамичном пространстве с грохотом несущегося по рельсам трамвая. Половина лица озарена зелено-голубым светом электрической вспышки, и это сияние разливается по ее могучей груди, откликаясь в очертаниях открытой ладони. Кондукторша с ее слепым взором и поднятой рукой Немезиды есть образ влекущей и карающей власти.
Поясняя суть произведения, Самохвалов подчеркивал, что хотел заставить зрителя почувствовать, как простая работница, дающая энергичным жестом сигнал хода, управляет грозной и страшной силой – электричеством, в прошлом подвластной лишь Зевсу-громовержцу и Илье-пророку. «Если бы ей навстречу попалась Афина в своей колеснице, то удивлена была бы не кондукторша, а Афина. Так я думал тогда. Мне казалось все ясным. Пафос «Кондукторши» остается пафосом той эпохи», – комментировал свое произведение художник.
Картина "Кондукторша" создавалась художником в период расцвета его творческого дарования. Среди работ Самохвалова, созданных в 1920-е гг., "Кондукторша" выделяется остротой пластического решения, повышенной экспрессией цветовых сочетаний и одновременно своей подчеркнутой величаво-торжественной интонацией. Отталкиваясь от случайно запечатленной в его памяти сцены и сохраняя в повествовательном строе произведения отдельные жанровые подробности, Самохвалов стремится возвысить образ до значения символа эпохи, использовать язык монументальной живописи. Картина написана темперой, имитирующей фактуру фрески, в плоскостной манере, где лишь отдельные части изображения приобретают объемность. В это время, отталкиваясь от достижений своего учителя Петрова-Водкина, Самохвалов ищет собственные формы обобщения. В "Кондукторше" наиболее откровенно проявилось увлечение древнерусской фреской, которую художник изучал во время поездок в Новгород в 1925 г. и в Старую Ладогу в 1926—1928 гг.
Молодая работница
- 1928
- Холст, темпера. 65 x 50,5
- Государственный Русский музей
- Ж-7562
По справедливому утверждению современников, Самохвалов был натурой универсальной. Он успешно работал в разных художественных системах – от посткубизма до романтического реализма, испытал плодотворное влияние русских и мировых художественных традиций, сохранив при этом самобытность почерка и чувство современности, особенно в 1920–1930-е годы. Социальность его не была конъюнктурой, а отражала искреннее представление об идеалах своего времени, воплощенных, в частности, в женщинах-работницах, предстающих, по словам Самохвалова, в «ореоле романтики». В «Молодой работнице» есть своеобразное сочетание извечно женского, возвышенно духовного, сокровенного с аскетичной строгостью и напряженностью. Портрет поражает композиционной четкостью, благородством цветовых отношений, характерной «фресковостью» фактуры. Не случайно Самохвалов вспоминал об особенном влиянии древнерусских традиций на его творчество в то время... // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 203.
На Дальнем Востоке. Красноармеец
- 1928
- Холст, масло. 98 х 78
- Государственный Русский музей
- Ж-8392
В 1919 году Александр Лабас оставил Государственные свободные художественные мастерские, организованные на базе Строгановского училища, и ушел добровольцем на фронт. «Впереди неизвестное, новые события, новые впечатления. Мне было восемнадцать лет». Эта запись объясняет поступок молодого художника как романтический порыв физически ощутить, измерить пространство «взвихренной» страны, присутствовать при рождении будущего. Вместе со своими товарищами по бригаде художников Политотдела 3-й армии Восточного фронта Лабас писал плакаты, транспаранты, оформлял агитпоезда.
Позднее, в 1928 году, он напишет картину «На Дальнем Востоке. Красноармеец», лирический портрет своего поколения. Хрупкий, интеллигентный еврейский юноша в пыльном шлеме-буденовке темным силуэтом замер на фоне заснеженных туманных далей. Кинематографическим наплывом приближена к зрителю плотная, замкнутая в себе фигура. Она кажется врезанной, вмонтированной в пробегающий вдали почти бесплотный пейзаж. В направленном внутрь себя взгляде, в позе юноши, скованного грубой шинелью, словно спрятанного в ней, – завороженная отстраненность. Он не столько присутствует, сколько грезит, вспоминает, видит внутренним взором строящихся в колонны людей, дома, устремленные вдаль дороги, кружащие в белесом, словно тоже заснеженном небе аэропланы. Образ «книжного мальчика», мечты которого обрели живую красочную плоть, – своего рода манифест художника. В нем он собрал основные образы своего творчества и утвердил себя создателем собственного мира, материалом для которого служит пропущенная через себя реальность. Сегодня перипетии гражданской войны на Дальнем Востоке поражают нас жестокостью и трагизмом. Художник был их свидетелем, но в его творчестве мы не найдем их отражения. «Мы вглядывались пристально в настоящее и представляли фантастику будушего», – слова, сказанные Лабасом, отражают мироощущение молодого поколения творцов постреволюционной эпохи.
Пионервожатая
- 1928
- Холст, масло. 80 x 66. (В раме)
- Государственный Русский музей
- ЖС-1226
Стройка (Стройка совхоза)
- 1928 г.
- Фанера, масло. 71 х 116,2
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-410
Будучи по природе своего дарования пейзажистом, Илья Васильевич Волков исполнил в конце 1920-х годов несколько произведений на тему труда. На выставке АХРР «Жизнь и быт народов СССР» (1928) омский художник представил жанровую композицию «Стройка совхоза», выполненную маслом на фанерной основе. Ее сюжет, выхваченный «из новой жизни» с наивной правдой, воплощает подмеченные художником бытовые реалии. Пронизанное солнечным светом, произведение наполнено оптимизмом, чувством «новой, счастливой эпохи».
У сепаратора
- 1928
- Холст, масло. 128,4 х 102,3
- Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан (Казань)
- Ж-1282
Раннее творчество основоположника татарского изобразительного искусства Баки Урманче связано с воплощением в живописи национальной темы, жизни и быта татар – характерного интереса художников той поры. К концу 1920-х художник обратился к образам с определенным замыслом. В картине «У сепаратора», через синтез образной выразительности и выбора живописных средств, создается подлинная картина знания народной жизни, умение пластически передать состояние времени, эпохи.
Метод Урманче чужд прямолинейности и иллюстративности в отображении жизни. Героини его первых картин – женщины. Как говорил татарский писатель Ф. Амирхан, женщина – самое прекрасное, и, в то же время, самое забитое существо в условиях дореволюционного татарского быта. Через эти контрасты идет Урманче к воплощению колоссальных перемен, определивших сущность переломного момента.
Легкая, скромная, гордая, полная чувства собственного достоинства, стоит она перед нами в картине «У сепаратора», и простота предметов быта, и мерцающая красота фактуры холста – все это раскрывает исполненную глубокого исторического смысла картину ее духовного выпрямления. Моделью для художника послужила актриса татарского театра Нафига Арапова, в образе которой художник воплотил все порывы и надежды времени. Это и входящие в повседневную жизнь новые предметы, облегчающие каждодневный крестьянский труд (в данном случае – это сепаратор), и привычный интерьер, в котором позирует модель, в лице которой запечатлены нотки застенчивости, стеснения, непривычности внимания художника к бытовым деталям.
Сама живопись – полнокровная, плотная, материальная; светлое и оптимистическое восприятие мира отражается в образно-живописном строе полотна, у его цветовом решении: оно построено на сочных аккордах красного, розового, желтого, зеленого тонов.
Эскиз плаката «Молодежь иди в соцсоревнование и ударничество»
- 1928
- Бумага, чёрная акварель, гуашь. 43,6 x 30,2
- Государственный Русский музей
- РС-6307
Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги":
"В 1925-1926 годах творческий диапазон художника значительно расширяется за счет включения в сферу его художественной деятельности политического плаката, детской книжки, фарфора.
Его плакаты: "Ленин и электрификация", "Смычка", "Вперед, по ленинскому пути!" и, особенно, комсомольский плакат "На смену старшим" (На Парижской международной выставке декоративного искусства - присуждена золотая медаль) были в свое время оценены по достоинствам: высокого художественного качества и идейно-политической целеустремленности…
Работа в области политического плаката и книжно-журнальной графики была для Самохвалова превосходной школой овладения советской тематикой. Плакат поставил перед художником во всей своей сложности и ответственности новые идейные задачи, правильное решение которых невозможно без разрешения новых формально-технических проблем, без определенного перевооружения художника - в области цветовых, композиционных, пространственных средств выражения. Самохвалов применяет объемно-плоскостные принципы построения своих произведений, принципы, истоки которых он устанавливает для себя в русской фреске и в античной живописи".
Группа «Смычка города с деревней»
- 1929
- Фарфор, роспись надглазурная. В.-27,7; Дл.-15,0; Ш.-7,2
- Государственный Русский музей
- СФ-114
Женщина с напильником
- 1929
- Холст, масло. 107 х 70
- Государственный Русский музей
- Ж-7564
Наиболее значительное произведение серии изображений работниц, созданных Самохваловым в 1928–1930-х годах. Своих героинь он встретил в типографии «Печатный Двор» в Ленинграде, где печатались его плакаты. В них он увидел живое воплощение образа новой женщины, способной заменить мужчину даже в тяжелом физическом труде: «Их отстраненность от домашнего быта, их новый, иной труд, иные волнения, придавали им ореол романтики совершенно нового, небывалого порядка». Поиск этого нового идеала женственности был лейтмотивом творчества художника. (Л. Б.).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 202.
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»: «Я художник, живущий взволнованной эмоциональной жизнью, современностью. Ничто не проходит мимо моего внимания. В особенности то, что обладает чертами, смыслом и значением сегодняшней действительности. Чувство современности – очень сложное чувство. И в пейзаже, хотя он просуществовал столетия, все же проявляются в конце концов те черты, которые примут на себя выражение современности. И они уловятся, эти черты.
Кроме объективно существующего явления, есть ещё профессиональные особенности отражения этого явления в современной живописи. Современный язык. Попытки игнорировать эту сторону творческого процесса приводят к отсутствию воздействия произведения на зрителя.
Поэтому поиск современности, современных ритмов, современного цветосложения и цветовыражения обязательны для художника.
Это не означает отчуждения от традиций, от достижений искусства в фазы высшего выражения современной ему эпохи. Наоборот. Качества, добытые искусством, в лучших его произведениях, должны и могут развиваться, оживать под толчком современности.
Тот лаконизм, ясность цветового замысла, ясность направленности цветосложения, которые свойственны лучшим образцам древнерусской живописи, воздействовали и на меня и отразились в моих работах того времени с особенной силой.
Основой же становился образ – то есть современность.
В те годы на Печатном дворе печатались мои агитационные плакаты, и я там, в цехах, встретился с совершенно новыми для меня образами советской женщины-работницы.
Они казались мне настолько новыми, иногда поражающими, что я в течение нескольких лет работал над образами женщин-работниц двадцатых годов. Их отстраненность от домашнего быта, их новый, иной труд, иные волнения придавали им ореол романтики совершенно нового, небывалого порядка.
Вот я вижу женщину, на лице её суровость и тревога. В её руках напильник. На секунду она отвлеклась, опираясь на него. Она встала у тисков и подгоняет детали станков, она взяла в руки напильник, потому что её муж – рабочий взял в свои руки винтовку и там, на фронтах гражданской войны сражается с врагом.
Черные от чугуна руки и исполненные тревоги глаза завершают этот образ женщины первых революционных лет».
Комсомолка 20-х годов в юнгштурмовке
- Из цикла «Комсомолия»
- 1929-1930 гг.
- Холст, масло. 100 х 72
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-1101
Памятные образы молодежи тех лет оставил нам московский художник Анатолий Лебедев-Шуйский, создавший не просто портреты, а «современный тип», собирательный образ.
Коммунистическая идейность и волевое начало отличали новый, рожденный революцией тип женщины, и чуткий ко всему новому художник запечатлел его в портрете «Комсомолка в юнгштурмовке». Энергичное лицо девушки выражает гордое чувство достоинства, готовность к действию. Комсомол (Коммунистический союз молодежи) был организован в 1918 году и сразу, вслед за партией, начал готовить мировую революцию. В 1920-е годы распространение советской революции на весь мир считалось главной задачей, и все советские комсомольцы маршировали в своих «юнгштурмовках», запевая популярный тогда гимн Коминтерна:
«Заводы, вставайте; Шеренги смыкайте!
На битву шагайте, шагайте, шагайте!»
Образ комсомолки, борца с мещанским бытом включал короткую стрижку, белую блузку и черную прямую юбку. Иконы стиля – Лариса Рейснер и Александра Коллонтай. На девушке надета, так называемая, «юнгштурмовка», которая была утверждена в качестве форменной одежды для комсомольцев.
В 1924 году в Германии внутри организации немецких коммунистов «Рот Фронт» было создано молодежное объединение «Красный юнгштурм» (Roter Jungsturm), которому подражали в Советском Союзе.
Это объединение было создано в качестве кадрового партийного резерва Коммунистической партии Германии.
Среди юношей и девушек активно пропагандировался здоровый образ жизни, проводились спортивные занятия по легкой и тяжелой атлетике, гимнастике и стрельбе. Большое внимание руководство «Юнгштурма» уделяло проведению политических занятий как среди самих «юнгштурмовцев», так и среди молодёжи, которая не состоит в организации. Каждое лето организация проводила летние лагеря для подготовки молодёжных лидеров, на которых с молодыми людьми проводились занятия по военной, политической и общественно-социальной подготовке.
Пионеры
- Эскиз иллюстрации
- 1929
- Бумага, акварель. 22,5 х 14,3
- Государственный Русский музей
- РС-20144
Физкультурница
- Вариант-повторение картины того же названия и того же года, находящейся в Муромском краеведческом музее
- 1929
- Холст, масло. 82,5 х 63,5
- Государственный Русский музей
- Ж-6379
Прототипом послужила П. А. Иванова – ткачиха, секретарь комсомола фабрики Мурома, впоследствии секретарь горкома комсомола. Произведение может считаться ярким примером обращения художника старой репинской школы к актуальной для советского искусства тематике. Одной из знаковых примет новой жизни стало радикальное изменение образа женщины: ее внешнего облика, стиля поведения, социальной роли. Олицетворением этих перемен стали девушки-физкультурницы, воспетые живописцами, скульпторами и киномастерами конца 1920–1930-х годов. (Л. Б.). Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 231.
В модельном цехе
- 1930-е гг.
- Холст, масло. 151 х 221
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-2202
Творческая командировка художника Вениамина Павловича Белкина на крупнейшее предприятие отечественного машиностроения – Ленинградский металлический завод имени И. В. Сталина была не случайна: в 1920-е годы на заводе были созданы первые гидравлические машины, обеспечившие выполнение почти трети плана ГОЭЛРО, изготовлены первые турбины по собственным проектам. Действие на картине происходит в модельном цехе завода: рабочие применяют колеровку на готовой к отливке формы турбины отечественного производства.
ГОЭЛРО - (сокр. от Государственная комиссия по электрификации России) — государственный план развития электроэнергетической отрасли в Советской России после Октябрьской революции 1917 года. Часто расшифровывается как Государственный план электрификации России. Разработан Государственной комиссией по электрификации России по заданию и под руководством В. И. Ленина. К работе комиссии, которой руководил Г. М. Кржижановский, было привлечено около двухсот учёных и инженеров.
План ГОЭЛРО с рядом замечаний и дополнений был принят Советом Народных Комиссаров, который принял 22 декабря 1920 г. постановление «О плане электрификации России».
ГОЭЛРО был планом развития не одной энергетики, а всей экономики. В нём предусматривалось строительство предприятий, обеспечивающих эти стройки всем необходимым, а также опережающее развитие электроэнергетики. И всё это привязывалось к планам развития территорий. План ГОЭЛРО, рассчитанный на 10—15 лет, предусматривал строительство 30 районных электрических станций (20 ТЭС и 10 ГЭС) общей мощностью 1,75 млн кВт. В числе прочих намечалось построить ГЭС — Нижегородскую, Волховскую (1926), Днепровскую, две станции на реке Свирь и др. В рамках проекта было проведено экономическое районирование, выделен транспортно-энергетический каркас территории страны. Параллельно велось развитие транспортной системы страны (строительство новых железнодорожных линий, сооружение Волго-Донского канала).
Проект ГОЭЛРО положил основу индустриализации в СССР. План, в основном, был перевыполнен к 1931 году. Выработка электроэнергии в 1932 году по сравнению с 1913 годом увеличилась почти в 7 раз: с 2,0 до 13,5 млрд кВт•ч.
В начальной школе (Всеобуч)
- Начало 1930-х годов
- Холст, масло. 85 × 93
- Самарский областной художественный музей
- Ж-2055
Занимаясь преподаванием живописи в Пензенском художественном училище им. К. Савицкого, Алексей Григорьевич Вавилин проблему обучения молодежи, которая на тот момент остро стояла в стране, можно сказать, хорошо знал «изнутри». Модернизация производства, проводившаяся в стране, требовала все большее число грамотных рабочих. В школах, наряду с общеобразовательными предметами, были обязательными уроки труда, где школьникам прививались начальные навыки столярных, слесарных работ, техники безопасности обращения с элементарными инструментами: рубанком, киянкой, продольной ручной пилой. Девочки постигали основы производства наряду с мальчиками и с не меньшим энтузиазмом.
На картине «В начальной школе (Всеобуч)» лица прописаны художником довольно условно, они практически сливаются по цвету с деревянными верстаками, однако хорошо передана трудовая атмосфера, царящая на уроке, призванном формировать трудовые резервы страны. Перед нами не просто небольшая жанровая картинка, а определенный временной срез истории начальной школы СССР в 1930-е годы.
Группа «Активисты»
- Государственный фарфоровый завод имени М.В.Ломоносова (г. Ленинград). автор модели — Н.Я.Данько, автор росписи — М.А.Брянцева
- 1930
- Фарфор, роспись надглазурная. В.-16,0; Дл.-10,0; Ш.-7,0
- Государственный Русский музей
- СФ-135
Колхозница с тыквами
- 1930
- Холст, масло. 120 х 97,5
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-268
В июле 1930 года, впервые за почти 30 лет, художник Илья Машков вернулся на родину, в станицу Михайловскую области Войска Донского (ныне Урюпинский район Волгоградской области). Поводом для поездки послужил заказ ИЗО Наркомпроса на выполнение портретов, с которых должны были выполнить репродукции для календарных стенок.
Работы, предназначавшиеся для массового зрителя, были тесно связаны со стилистикой советского парадного портрета, который был одним из ведущих жанров официального советского искусства 1930-х годов. Моделью портрета послужила Фекла Мироновна Сталькова – дальняя родственница Машкова. «Колхозница с тыквами» была написана с натуры с физиогномической точностью, однако искусствоведы относят ее к портрету-типу. Это означает, что на картине художник изобразил не конкретную женщину, а собирательный образ ударницы, героини труда. Мотив женщины-труженицы был на тот момент очень актуален и одобрен советской властью. При этом полотно выполнено в характерной для Машкова эстетике, близкой к фольклору, примитивизму, лубку. Композиционное решение работы напоминает парадные фотографии того времени, которые демонстрировали героя с самой лучшей стороны, с самого выгодного ракурса. Портрет выполнен крупными, плотными, энергичными мазками. Яркие колористические решения отсылают к народному творчеству.
Героиня портрета с крупными чертами лица, плотной фигурой и большими руками относится к одному из любимых типов персонажей Машкова – могучих и грубоватых. В образе «нового человека» художник акцентирует традиционные для его героев качества: энергию, жизнелюбие, широту характера, здоровье и силу.
Ликвидируем прорыв
- 1930
- Холст, масло. 65 х 85
- Государственный Русский музей
- Ж-7677
Художник использует в названии картины фрагмент популярного лозунга с плаката 1930 года «Во что бы то ни стало ликвидируем прорыв». Эта фраза означает победу над чем-то, к примеру, «уничтожим кулака (зажиточного крестьянина) как класс» и так далее.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 45
Молодые. Смех
- 1930
- Холст, масло. 94 x134
- Государственный Русский музей
- Ж-1812
В послереволюционные годы становления новой идеологической системы в творчестве Юона наступил перелом, когда он пытался найти созвучные времени темы. Так, во второй половине 1920-х — начале 1930-х годов художник обращается к специфической жанровой форме, своего рода «сюжетному портрету», посредством которого запечатлевает типических героев своего времени, комсомольцев, физкультурников, парашютистов, то есть новую советскую молодежь. Обращается он и к теме новой русской деревни, избирая типаж деревенских девушек, простолицых, румянощеких, демонстрирующих собой культ физического и нравственного здоровья. Скорее всего, он немало встречал таких девушек в подмосковном Лигачеве, которое называл своим «эстетическим убежищем» и где еще с 1908 года прочно обосновался в своей мастерской.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 46.
Народный комиссар здравоохранения Николай Александрович Семашко
- ХХ век
- Холст, масло. 80х110
- Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
- Ж-1180
На портрете художника Сергея Пичугина изображен Николай Александрович Семашко (1874–1949) – первый Народный комиссар здравоохранения РСФСР, академик, выдающийся руководитель советской медицины. Большевик с 1917 года, Николай Семашко в послереволюционные годы боролся с эпидемиями и беспризорностью, создал основы охраны материнства и детства, заложил сеть научно-исследовательских медицинских институтов. В предвоенные годы Николай Семашко разработал систему общественного питания, сеть детских оздоровительных учреждений в Крыму. В годы Великой Отечественной войны он был занят организацией санитарной службы, принимал активное участие в восстановлении здравоохранения на освобожденных территориях.
В ноябре 1919 года нарком Николая Семашко с группой военных и санитарных врачей приезжал в Саранск. Целью приезда стало выяснение причин сыпнотифозной эпидемии и способов ее ликвидации. В связи с этим фактом в Саранске в 1970 году улица в новом жилом районе была названа в честь выдающегося советского деятеля.
Художник изобразил Николая Семашко в тесноватом рабочем кабинете. Он углублен в работу над важными документами. В его облике – характерные черты русского интеллигента первой половины XX века: высокий открытый лоб, усы с проседью, бородка, темная тройка, узкий светлый галстук. Обстановка кабинета деловая: письменный стол, затянутый синим сукном, настольная лампа, книжная этажерка, чернильный прибор, ежедневник, телефон, на стене –карта СССР.
Откатчица
- 1930-е
- Холст, масло. 178,5 х 128,8 см; 179,4 х 129,8 см (после реставрации).
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-1759
Давид Петрович Штеренберг – русский и советский художник, один из ярких представителей отечественного искусства первой половины XX века родился, родился в 1881 году. Сын бедного еврейского ремесленника из Житомира, которому судьба уготовила интереснейший, полный творческих исканий и крутых поворотов путь художника. Начинающий фотограф из Одессы, вынужденный эмигрировать из-за своих революционных убеждений, он становится настолько успешным студентом Парижской академии Витти, что его освобождают от платы за обучение. В первое десятилетие XX века Давид Штеренберг, будучи представителем когорты радикально настроенных молодых и амбициозных художников, стремится к преобразованию традиционных художественных систем и не без успеха покоряет Париж, выставляясь на Весеннем и Осеннем салонах 1912 года наравне с А. Матиссом.
В годы первой революционной пятилетки, благодаря знакомству с А. В. Луначарским, именно он определяет политику в области изобразительного искусства молодого советского государства, будучи заведующим отделом ИЗО Накомпроса. В 1925 году Штеренберг основал «Общество художников-станковистов» – художественную группировку выпускников ВХУТЕМАСа, которая использовала приемы немецкого экспрессионизма для воспевания индустриализации и других примет советской действительности, просуществовавшую до 1931 года. В конце 1930-х годов, не избежав обвинений в формализме, он, тем не менее, не был преследуем властью, но его независимый стиль, не отвечавший конъюнктуре, перестал пользоваться спросом, и работы были постепенно изъяты из поля зрения общественности.
В постоянной экспозиции Тверской областной картинной галереи представлено живописное полотно Давида Штеренберга «Откатчица». Пастельные тона, прозрачность перспективы, изящество линий – все здесь призвано передать легкую красоту модели, которая, несмотря на свою трудную профессию заводской откатчицы, идущую вразрез с хрупкостью и незащищенностью представительницы «слабого пола», сохраняет главные черты женской натуры – таинственность и шарм.
Пионерка
- 1930
- Холст на фанере, масло. 80 × 45,5
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-1036
Картина «Пионерка» Заслуженного деятеля искусств Украины, живописца Семена Прохорова – детский портрет-тип. Монументализированное изображение девочки в пионерской форме с красным флагом в руках. Румяное улыбающееся лицо девочки с крупными чертами, большие карие глаза смотрят прямо на зрителя. Портрет выполнен пастозными мазками. Колорит – мажорный.
Подсчет трудодней
- 1930–1933
- Холст, масло. 106,5 х 134,5 см.; 128 х 155,5 см (с рамой)
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-1655
Александр Викторович Моравов (1878–1951), последователь И. И. Левитана, в 1900-е годы вслед за учителем приезжает работать на Тверскую землю, в Удомельский край. Впервые художник прибыл сюда в 1902 году, а вскоре после революции поселился в бывшем имении Гарусово на берегу Удомельского озера. Он много работал в самом Гарусове, а также в имении Островно, на даче «Чайка», в деревнях Мощная Горка и Акулово. Более 30 лет своей жизни и творчества посвятил Моравов этим местам, создав здесь почти все свои лучшие произведения.
В воспоминаниях он отметит: «Я очень любил изображать солнечный свет и радостное ощущение жизни, связанное с созвучными яркими красками». Таковы удомельские работы мастера, представленные в постоянной экспозиции Тверской галереи, в том числе жанровая картина «Подсчет трудодней», созданная в 1930-е годы в деревне Акулово. Будничная сцена подведения итогов трудового дня поднята художником до поэтического рассказа о молодых колхозницах. Особенно выразителен образ девушки-счетовода, для которого позировала колхозница из деревни Акулово Мария Филипповна Евсеева. Загорелая, улыбчивая, она вся светится здоровьем и добродушием. Ее фигура освещена бликами солнечного света, в лучах которого золотятся белокурые волосы, вспыхивает алая косынка, придавая всему ее облику выражение энергии и женственности.
Портрет академика И. П. Павлова
- 1930
- Холст, масло. 80 х 77
- Государственный Русский музей
- Ж-4341
После того как в 1930 году состоялась встреча Нестерова с Павловым, он был сразу и навсегда покорен личностью и обаянием маститого академика.
Образ ученого у Нестерова сложился после погружения в атмосферу Павловского городка в Колтушах. В этой цитадели науки устраивались блиц-лекции по вопросам науки или литературы, проводились блестящие импровизации, велись пылкие беседы. Между ученым и художником завязалась крепкая дружба.
Жесткий и насыщенный график работы Павлова определил место написания — застекленную уютную и светлую террасу, где любил работать ученый. Час или два утреннего времени он посвящал чтению, что позволяло модели и художнику полностью погрузиться в работу. Увлеченность личностью замечательного человека, чудесная «взрывчатость» его темперамента сказалась на темпе создания портрета — он был закончен за три недели. Произведение приобрел Институт экспериментальной медицины, а в дальнейшем он был передан в Русский музей.
Композиция наполнена атмосферой обычного рабочего дня ученого, он сидит за письменным столом с книгой в руках, внутренне собран и сосредоточен. Неутомимая творческая жизнь отражена и в общей гамме колорита, насыщенного бодрящими зелеными красками свежей листвы за окном, яркими солнечными бликами. Альфия Низамутдинова. Вдохновляться человеком // Михаил Нестеров. СПб, 2012. С. 220.
Павлов Иван Петрович (1849–1936) – физиолог, создатель учения о высшей нервной деятельности, академик Петербургской АН с 1907, академик АН СССР, лауреат Нобелевской премии (1904). Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 222.
РЕКОМЕНДУЕМ
![]() |
Судьбы скрещенья. Михаил Нестеров. Иван Павлов. Телеканал "Культура" |
В 1925 году в одном из писем к своему биографу Нестеров удивлялся тому обстоятельству, что много лет уже живет не среди „художественной братии“, а среди ученых-профессоров. Именно в этой среде активно уговаривали художника написать портрет Ивана Петровича Павлова, показывали фотографии, портреты академика. „Сватовство“ не произвело никакого впечатления, не „раззадорило“ художника, однако в 1930 году встреча все же состоялась. Нестеров был покорен сразу и навсегда. „Иван Петрович ни капельки не был похож на те „официальные“ снимки, что я видел, и писание портрета мысленно было решено“. С этой встречи между ученым и художником завязалась крепкая дружба. Нестерова пригласили в Колтуши познакомиться с любимым детищем академика – институтским городком. Художник решил писать портрет здесь на застекленной террасе, где любил работать Павлов. Увлеченность личностью замечательного человека, чудесная „взрывчатость“ его темперамента сказались в темпах написания портрета: он был закончен в три недели. Портрет был приобретен для Института экспериментальной медицины. После серьезной болезни И. П. Павлова Нестеров решает в 1933 году написать еще один портрет „дивного старика“, который сразу по завершении поступил в коллекцию Третьяковской галереи. К 85-летию Нестеров подарил Ивану Петровичу авторское повторение первого портрета. А в 1940 году Институт экспериментальной медицины передал первый оригинал в Русский музей, оставив у себя повторение.
После смерти ученого Нестеров несколько раз проводил лето в Колтушах по приглашению семьи Ивана Петровича, конечно же, ему остро не хватало интереснейшего и умнейшего собеседника. Художник написал воспоминания о Павлове и историю создания портретов. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 222.
Постройка железной дороги
- 1930-е
- Холст, масло. 109 х 159
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-30
В 1930-е годы отличительной особенностью искусства Александра Моравова стало внимание к социальным преобразованиям. Действие в большинстве сюжетно-тематических картин этого времени выносится на улицу, стройку, завод, в поле. Значительность событий, массовость изображаемых сцен обусловили создание многофигурных композиций.
В двадцатые-тридцатые годы прошлого столетия многие литературные произведения, художественные полотна обращались к железнодорожной тематике, передав первые впечатления от движущегося «парохода» на колесах. Изобразительная метафора XX века вкладывает новый смысл в образ железной дороги как символ прогресса и построения нового будущего советской страны.
У живописца возникает идея написания большого полотна, посвященного строительству железной дороги. Внимательно изучает автор отдельные участки работы и весь объём строительства в целом. С большим вниманием отражает художник величие стройки и энтузиазм людей. Каждый персонаж полон уверенности, сосредоточенности.
Живописец показал, что в то нелегкое время строительство железных дорог осуществлялось практически вручную, механизация была развита слабо. Основной объём земляных работ выполнялся конными и тракторными скреперами. В картине есть ощущение простора, а, соответственно, и ощущение размаха строительства. На полотне Александра Моравова запечатлена не просто стройка, а созидание, стремительная динамика жизни.
Спорт
- 1930 (?)
- Бумага на фанере, масло, аппликация. 90 x 76
- Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
- Ж-175
Во второй половине 1920-х годов вятский художник Сергей Луппов разрабатывает тему советского спорта. Он создает множество этюдов и крупных полотен. Среди них картина «Спорт» (1930), посвященная женским спортивным состязаниям на воде. Изображение спортсменов водных видов спорта особенно привлекало живописца. Можно было открыто показать гармонично сложенное, обнаженное тело, пластичное, совершенное, готовое к борьбе и победе, символизирующее мощь и силу молодого социалистического государства.
На картине ясно видно, как люди радовались новой жизни и хотели построить новый светлый счастливый мир. Девушки, как птицы, парят в воздухе, кажется, что они не падают вниз, а стремятся в высоту. В диагональном построении композиции, динамичной ритмике фигур чувствуется, как советская молодежь заряжается неукротимой всепобеждающей энергией, чтобы потом направить ее на строительство великих строек коммунизма. Водные процедуры и солнце должны были укреплять здоровье и дух советского человека, вселять оптимизм.
Спортивная тема позволяла художнику показывать красоту человеческого тела и его возможности. Художественно-эстетические и этические принципы, сформировавшие ее, определились в 1920-е годы, когда с понятием о человеческом совершенстве начали связывать образы развитого, тренированного тела, олицетворяющие, как и в Древней Греции, здоровые основы сильного государства.
Бригада во время перерыва
- 1931
- Холст, масло. 123 x 99
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1727
Красноармейцы-лыжники
- 1931
- Холст, масло. 71 х 101
- Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
- Ж-185
Огромное влияние на становление «саратовской живописной школы» оказало творчество одного из самых тонких и проникновенных пейзажистов первой трети ХХ века – Петра Саввича Уткина. Живописно-пластическая система его искусства складывалась под воздействием В. Борисова-Мусатова, а сам он считался самым последовательным «голуборозовцем».
Сложные 1920-е годы не смогли поколебать основ поэтической образности творчества художника. Окрестности Саратова, всегда легко узнаваемые, – тема почти всех работ той поры. Мечтательная грусть, тонкий лиризм, особая душевная тональность отличают его произведения. Но уже тогда, в 1927 году, по поводу подобных работ в газетах стали писать, что «…это сфера интимного пейзажа, навевающего лирические настроения, такие чуждые нашей эпохе». Началась новая эпоха социалистического реализма в искусстве, в которой тихой лирике не было места. В эти годы, Уткин создает картину «Красноармейцы-лыжники», стоящую особняком в его творчестве. Сюжет картины достаточно прост: по заснеженной равнине неспешно движется отряд красноармейцев-лыжников. Впереди, указывая путь, едет первый красноармеец. За ним, на собачьей упряжке, движется второй, везя за собой сани с пулеметом. Чуть левее, на лыжах, нога в ногу, идут пятеро красноармейцев.
Тонкий и нежный пейзажист, Уткин и в этой работе остается верен себе. Фигуры лыжников он деликатно вписывает в пейзаж, отводя именно ему главное место в картине. Художник прекрасно передает беспредельность заснеженной мглистой равнины, по которой движется отряд. В картине доминирует любимая мастером, мягкая серо-голубая тональность.
Картина «Красноармейцы-лыжники», созданная Уткиным в 1931 году, – пример первого подступа к новой тематике, немного наивная попытка выступить в жанре, который был непривычен художнику. Замысел картины, видимо, связан с заказом: именно в этот период Уткин руководил оформительскими работами к годовщине Красной Армии. Но этот опыт обращения к новой тематике нельзя считать неудавшимся. В картине есть и колорит эпохи, и красота живописи, и ясная композиция. Конечно, эта картина решена чисто «пейзажно». Да и могло ли случиться иначе? Художник искренний и честный, Петр Саввич Уткин никогда не изменял своему призванию.
Пионеры у единоличника
- 1931
- Холст, масло. 69,5 х 162,5 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-1688
Замысел картины «Пионеры у единоличника» («Вовлечем единоличника в колхоз») пришел к художнику Алексею Пахомову на родине, в деревне Варламово в 1931 году. В это время крестьяне жили ожиданием коллективизации. Большинство из них смотрело в будущее с тревогой, и только самые бедные приветствовали грядущие перемены, поскольку у них не было коров, лошадей и другого имущества, с которым приходилось расставаться. Поддерживали идею создания колхоза и дети, которые, по словам самого художника, «привыкли вместе играть, вместе купаться, вместе ходить в лес, и потому объединение в колхоз им казалось очень заманчивым». Именно через детские образы и решил Алексей Пахомов показать важную исторически и лично для него тему.
У каждого из персонажей картины «Пионеры у единоличника» был определенный прототип – Алексей Пахомов предпочитал писать маленьких героев своих полотен с натуры. В. И. Курдов в «Воспоминаниях об А. Ф. Пахомове» пишет: «Рисование с натуры было его безудержным влечением. Рисовать по памяти, от себя Пахомову было малоинтересно. Я не встречал более приверженного натуре художника». В детях Алексея Пахомова более всего привлекало то, что их эмоции отражаются не только в глазах и на лице, но и в пластике всего тела. Эту эмоциональность Алексей Пахомов в полной мере выразил в своем произведении
Портрет Ивана Кузнецова
- Магнитогорск
- 1931
- Бумага, смешанная техника. 38,7 х 29,5
- Магнитогорская картинная галерея
- Г-592
Художник Фёдор Модоров создал погрудный портрет молодого рабочего в анфас в начале 1930-х годов. Лицо выполнено сангиной, фуражка, волосы и рубашка углем. Чувствуется стремление автора достоверно запечатлеть образ реального человека, в облике которого нет ничего героического, скорее он наивен и прост, но есть ощущение его причастности к конкретному времени. С позиции современности портрет воспринимается как типический образ рабочего-строителя 30-х годов XX века.
Иван Кузнецов (1910 года рождения) – член ВЛКСМ. С 1930 по 1931 гг. работал на Днепрострое. В Ростове был на прорыве-установке моста. Работал на домне № 1. Премирован. В Магнитогорске – бригадир-клёпальщик на домнах № 1 и № 2 (авторская надпись карандашом на лицевой стороне листа внизу справа).
Портрет Прониной Пелагеи – премированной ударницы коммуны «Красивая Меча»
- 1931
- Холст на картоне, масло. 55 х 39
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- Ж-691
Начало 1930-х годов – время огромных перемен, происходивших в стране. Этот период явился важным этапом развития советского искусства. Перемены происходили и в творчестве Алексея Пахомова. От связанных с проблематикой «Круга художников» опытов и «лабораторных исканий», как их называл сам художник, был осуществлен поворот к более широкому и решительному изучению всего нового, что открывалось в трудовых буднях страны, строившей социализм.
В пору уборки урожая в 1931 году Пахомов был направлен в коммуну «Красивая Меча» в средней полосе России (Липецкая область). И в этом глубинном крае, описанном когда-то Тургеневым (вспомним его Касьяна с Красивой Мечи), оказался живописец, который пришел к естественному выводу – необходимо показать тех, кто самоотверженно работал в трудных условиях. Алексей Пахомов показывал колхозников в привычной для них трудовой обстановке. А в ряде холстов развернута целая панорама колхозной жизни. Вместе с ударницей Пелагеей Прониной изображены ее бригада и обоз с зерном. В портрете механика художник словно разрабатывал замыслы монументальных росписей, столь выразительно их композиционное построение.
Пахомов сумел проникновенно подойти к трактовке образов. Живописное решение портретов чуждо какой-либо фальши. Подчеркнутая простота колорита, правдивый до суровости рисунок способствовали жизненности характеристик, их искренности. В этой галерее не было показного оптимизма и улыбок, здесь отразились суровые трудовые будни советской деревни, переходившей на новый путь хозяйственного развития. «Во всех портретах крестьян из «Красивой Мечи», – объяснял Пахомов, – нет праздничности, и это не случайно. Тогда коллективизация была в полном разгаре. Я участвовал во всех выездах в соседние деревни для агитации за вступление в колхозы... Другого не было пути к России социалистической, однако я очень остро чувствовал, как трудно крестьянину решиться на такой шаг, как вступление в колхоз. И эта озабоченность крестьянства нашла свое отражение в этих моих портретах, они лишены той праздничной приподнятости, что светилась в моих прежних портретных холстах. Во всех портретах из «Красивой Мечи» сосредоточенная озабоченность».
Холсты, написанные с натуры на Орловщине, очень правдиво и своеобразно передают сочетание в деревне нового с обычным укладом крестьянских будней. Этим обусловлена и творческая манера художника. В его произведениях есть некоторая перекличка с искусством примитива, с народной картинкой.
Воспоминания А. Пахомова о поездке в коммуну «Красивая Меча».
Во второй половине лета 1931 года я поехал в коммуну «Красивая Меча» на реке Красивая Меча, в тургеневских местах.
Организация коммуны пока еще мало изменила внешний облик жизни и труда. Я решил писать портреты людей, которые из патриархального, крестьянского хозяйства перешагивали в коммунизм, а, проще говоря, из большой нужды и бедности хотели найти выход к лучшей жизни.
Портреты крестьян из «Красивой Мечи» сделаны неторопливо, каждый предмет неподвижен в своей детальной законченности. Лица тщательно выписаны, выведены волоски бровей и бороды. Я всегда старался выведать, как простые люди воспринимают искусство и, в частности, мою работу. Мне очень запомнился один разговор с отцом. Когда я учился у Штиглица и нарисовал свою освещенную вазу (о чем я писал выше), я, после этой удачи, стал безудержно употреблять светотень. Мой отец, глядя на написанный мной портрет, с огорчением спросил: «Почему же под носом черно и одна щека черная?» Я объяснил, что это тени. «Лучше бы весь лик был виден без затенения», – сказал отец и, наверно, не случайно сказал лик, а не лицо. Обыкновенное, будничное лицо, в понимании отца, на портрете должно освободиться от случайности и обыденности, стать праздничным ликом и быть видимым целиком, «без затенения».
Портрет ударника завода им. К. Маркса И. И. Гирьята
- 1931
- Холст, масло. 96,5 х 79
- Государственный Русский музей
- ЖС-1209
Как гласят авторские надписи на холсте и подрамнике, «Портрет Гирьята Иосифа Ивановича — рабочего кузнеца ударника завода имени К. Маркса» «писан на производстве худ[ожником] В. Зверевым».
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 35.
Работница-агитатор
- 1931
- Холст, масло. 124 х 71
- Государственный Русский музей
- Ж-7496
В картине важна не внешность изображенной — считала Дымшиц-Толстая, а ее социальная значимость. В своих воспоминаниях художница писала: «Вдохновленная этим новым человеком, этой новой женщиной, <…> решила приступить к портрету, к образу этих героинь первых пятилеток <…> Среди членов литературного кружка одна работница, не без дарования поэтесса, послужила мне моделью для образа „Работница-агитатор“».
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 21.
Столяр
- 1921-1942
- Холст, масло. 106,5 х 97
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
В 1921 году Осмеркин создает портрет молодого столяра, где чувствуется влияние Сезанна, фовизма и кубизма. Открытое лицо молодого рабочего, выражает задумчивую сосредоточенность мастера, который на миг оторвался от работы. Художник идет от модели, подчеркивая важность и большое мастерство столяра, окружая его предметами труда, написанными материально и фактурно. Золотисто-желтая стружка, выходящая спиралью из-под рубанка, охристо-зеленая с синим рубаха, желто-коричневый станок – все включено в единое с фоном действие, обретая как бы свою новую ценность. Момент обыденной жизни обретает законченный художественный образ.
Стройка СССР
- 1931
- Холст, масло. 200 х 110
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-65
Федор Богородский – художник сложной судьбы. Окончив юридический факультет Московского университета в 1917 году, он увлёкся футуризмом, дружил с В. Хлебниковым, Н.Н. Асеевым и В.В. Маяковским. В годы учебы выступал на эстраде танцором, а также в цирке, писал стихи. В 1916 году оказался на военной службе – сначала как балтийский матрос, потом как летчик.
Игорь Грабарь писал о нем: «Его повышенный жизненный тонус отражается на всем, к чему он прилагает руку». После революции работал в ВЧК в Москве. В 1918 году его направили на родину, в Нижний Новгород, где он работал сначала заместителем председателя следственной комиссии ЧК, затем в политотделе Волжской военной флотилии. В 1919 году был послан на фронт комиссаром матросского отряда сначала Донской, а затем Волжско-Каспийской флотилий. Сражался на Волге, под Царицыном. После контузии в 1920 году был направлен в Нижний Новгород, где возглавил Художественный отдел. В 1922 году переехал в Москву и поступил во ВХУТЕМАС в мастерскую А.Е. Архипова. После защиты диплома в 1927 году получил право на поездку за границу. В Италии и Германии художник жил с 1928 по 1930 год, изучал современные живописные течения, долго гостил у Горького в Сорренто, с которым был земляком по Нижнему Новгороду.
Картина «Стройка СССР», написанная Богородским почти стразу после возвращения из-за границы – монументально-обобщенный образ начала строительства нового социалистического государства. В 1931 году эскиз будущей картины высоко оценил Анатолий Луначарский в своей статье о художнике: «Богородский обещает нам теперь заняться настоящими советскими картинами и дает некоторое предвкушение своих будущих работ в талантливом наброске картины «Стройка СССР». Будем ждать».
Товарищ Степанов – кузнец коммуны «Ленинский путь»
- Из серии «В коммуне «Ленинский путь». 1931-1932
- 1931
- Холст, масло. 63 х 41
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1786
Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги":
"Из 30 работ, представляющих творческий результат командировки Самохвалова в коммуну "Ленинский путь", наибольший интерес и художественную значительность имеют его восемь портретов членов коммуны и пять маленьких пейзажей. Эти портретные этюды - не портреты в обычном узком значении этого термина, то есть произведения, дающие документальную характеристику портретируемого, произведения, в которых художник добивается внешнего физического сходства с оригиналом или передачи его психического облика. Не фотографическое копирование, а стремление к типическому обобщению, к реалистической сомкнутости - вот что лежит в основе творческого замысла этих портретов. И в этих портретах художник действительно поднимается на значительную высоту обобщения в типических образах коммунаров, обобщения отнюдь не за счет лишения их индивидуализирующей конкретности. Известная приподнятость тона в трактовке, в характеристике ударников социалистических полей, выражена средствами колорита - яркого, свежего, сочного (цвет дан в наибольшей светосиле). При всем том общем, что характеризует колорит этих вещей, художник для каждого из этих портретов искал свою индивидуальную цветовую гамму, подсказанную ему задачей раскрытия выразительной характеристики натуры".
Ударник Осокин
- 1931
- Холст, масло. 61 х 52
- Магнитогорская картинная галерея
- Ж-118
На портрете Фёдора Модорова «Ударник Осокин» изображён мужчина, который держит в руках газету «Магнитогорский рабочий» с призывом: «Работать по-новому». Газета, основанная в 1930 году, выпускается до сих пор. Дизайн заголовка остался неизменным. В левом нижнем углу видна карандашная подпись: «Александр (далее надпись скрыта за подворотом холста на подрамник)». Судя по подписи, работа выполнена автором 14 июля 1931 года.
Ударницы на фабрике «Красная заря»
- 1931
- Бумага на фанере, масло. 66,5 х 91,5
- Государственный Русский музей
- Ж-9568
На рубеже 1920-х годов обстановка вокруг Филонова, одного из самых пролетарских художников среди авангардистов, также сильно накалилась. В 1929 году почти год простояла в Русском музее готовая к показу выставка его работ, но она так и не открылась по цензурным соображениям. На другие экспозиции тогда его работы не принимались. По существу, Филонов жил на деньги, получаемые женой, что при его гордом характере было невыносимо. В поисках выхода из ситуации близкие друзья договорились о нескольких заказах для художника. Он должен был исполнить две-три работы на производственные темы в реалистическом духе. Филонов долго сопротивлялся, но под огромным напором друзей и жены согласился.
По заказу ИЗОГИЗ Филонов направляется на фабрику „Красная заря", где в числе других ему рекомендуют запечатлеть ударницу Елену Васильеву из шнуровочного отделения. Выбор, как выяснилось, не удовлетворил издательство. Рецензенты ИЗОГИЗ, увидев первые зарисовки художника, делают вывод: „Это пожилая женщина в очках — не тип ударника. Здесь нужен пафос!" Филонов с этим согласился, но работу продолжал. Как свидетельствует запись в дневнике художника, он „нарисовал в портрете т. Васильевой четыре фигуры, кроме нее, и станки, т. к. вещь стала иметь другое значение, чем раньше". Последний вариант вызвал немало дискуссий, однако в итоге картина была принята к печати и опубликована, что явилось единичным случаем в биографии Филонова, отдельной репродукцией для широкого распространения. Ольга Шихирева // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 312.
В октябре 1931 года художника направляют на завод «Красный путиловец», где в тракторных мастерских он делает зарисовки для будущей картины. В мае 1932 года работа над полотном «Тракторная мастерская Путиловского завода» была закончена, однако его не приняли, возвратили художнику без объяснений. Вероятнее всего, главной причиной было отсутствие в произведении требуемого оптимизма. Но Филонову удалось выполнить другой заказ – портрет ударницы Елены Васильевой из шнуровочного отделения фабрики «Красная заря». Рецензенты, увидев первые зарисовки художника, сделали вывод: «Эта пожилая женщина в очках – не тип ударницы! Здесь нужен пафос!». Филонов с этим согласился и работу продолжил. Как свидетельствует запись в его дневнике, он «нарисовал в портрете т. Васильевой четыре фигуры, кроме нее, и станки, т. к. вещь стала иметь другое значение чем раньше». Последний вариант вызвал немало дискуссий.
Игорь Грабарь, посетив «Выставку картин Ленинградского областного Дома Художника», открывшуюся в мае 1933 г. в ДК имени Первой пятилетки, писал: «Лучшее, что есть у Филонова, — его портреты и жанровые картины из современной советской жизни, исполненные без всяких трюков, «расчленения» и «сдвига», просто, серьезно. Они подкупают искренностью и правдивостью». Однако картины, понравившиеся Грабарю, подверглись критике «слева». Известный музыкант и художник-авангардист Михаил Матюшин отмечал: «…картина ударниц швейной фабрики — это великолепно сделанные, но стоящие часы с лопнувшей от перекрутки пружиной… Филонов потерял общение с природой, привычной твердой рукой крепко «сделанной формы» он сдерживает текущую влагу жизни, и она у него совершенно исчезает".
Все же «Ударниц» приняли к печати и опубликовали отдельной репродукцией для широкого распространения, что явилось единичным случаем в биографии Филонова.
Фабрика людей
- 1931
- Холст, масло. 151 х 181
- Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
- Ж-615
Павел Петрович Соколов–Скаля с почти случайным профессиональным образованием – учёбой в студии и двумя курсами ВХУТЕМАСа – обладал несомненным крупным природным дарованием, позволившим ему стать народным художником РСФСР, действительным членом АХ СССР. Он был, прежде всего, незаурядным продуктом советской эпохи, её ранней поры. В 1931 году он создал картину «Фабрика людей», в ней агитационный, почти плакатный посыл очевиден. S-образная, зеркально отображённая композиция, в которой из картинной глубины выдвигаются группы крестьян, словно взятых из некрасовской поэмы. После проведённых политзанятий они превращаются – это образно представлено в виде крутого подъёма по строительным лесам – в сознательных пролетариев.
Художнику удалось собрать в дидактическую по своей сути композицию довольно много острых по пластике персонажей, несомненно, увиденных им в живой действительности. Они типологически близки дейнековским героям из «Обороны Петрограда» и жёстко закрученным в промышленный процесс пролетариям Юрия Пименова, а также литературным персонажам Андрея Платонова, которых «перековывает» бурное, жестокое и вместе с тем созидательное время.
В свиноводческом совхозе
- 1932
- Холст, масло. 88 x 100
- Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
- Ж-319
Картина Петра Строева «В свиноводческом совхозе» была написана в эпоху формирования в искусстве метода социалистического реализма, в то время, когда представление о светлом советском будущем являлось основой мифотворчества многих живописцев. Особой популярностью пользовались темы идеализированного труда. Подобное искусство вполне отвечало морали нового общества и в то же время отражало мечты людей о преображении окружающей жизни, о всеобщем изобилии.
«Эйфория коллективизма» стала главной темой искусства первой половины 1930-х, фундаментом мифологемы «светлого будущего». Не случайно одним из центральных персонажей картины «В свиноводческом совхозе» стала огромная свинья с поросятами – символ плодородия и благосостояния колхозных деревень. Женщины, кормящие поросят, однотипны, с одинаковыми лицами, и скорее представляют собой собирательные образы ударников труда. Работу отличает ясное графическое начало, проработанность каждой детали. Колорит картины решен в светлых разбеленных тонах, что соответствует общему строю картины.
Военизированный комсомол
- 1932-1933
- Холст, масло, темпера. 198,5 x 278
- Государственный Русский музей
- Ж-8235
Во второй половине 1920-х годов страна Советов превратилась в лабораторию, в которой начался эксперимент по созданию нового пролетарского искусства – социалистического реализма.
В своей крупноформатной картине Самохвалов изображает членов коммунистической молодежной организации, демонстрирующих целеустремленность коллектива в подготовке к обороне страны. Несмотря на милитаристский характер занятий, кажется, что речь идет, скорее, о спортивном мероприятии для укрепления коллективной воли и тренировки индивидуальных способностей.
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»: «Картина была связана с пятнадцатилетием Красной Армии. Однажды, катаясь на лодке с друзьями, Н. З. Стругацким и Л. А. Мессом, я увидел небольшой участок поля, занятый молодежным стрельбищем. Девушки с винтовками лежа стреляли по цели, где-то тут же учились строю комсомольцы. Возле зенитки стояла группа молодежи, изучая механизм этого орудия обороны. С отдельными группами девушек работали инструкторы. Я написал эскиз будущей картины… Композиция картины очень ясная. Море и громадный участок свежевспаханного поля. На зеленом лугу переднего плана группа девушек, лежа, вырабатывает в себе снайперские навыки. Яркие, цветные одежды молодежи обогащают колорит картины. Горизонтали пересекаются стоящими двумя фигурами в левой части и большой группой в правой. Часть этой группы направлена влево и за ней, прямо на зрителя идет строй вооруженных комсомольцев, а на переднем плане девушка в военном костюме с противогазом замыкает композицию. К композиции сохранились два этюда. Один из них - "Девушка на военной учёбе", другой - "Комсомолец с винтовкой"».
Члены коммунистического союза молодежи, запечатленные на монументальном полотне Александра Самохвалова, представляли собой свежую силу партии. Идеалы нового мира были близки этим молодым строителям коммунизма. Дружно, плечом к плечу, единым строем стоят в строю молодые комсомольцы. Коллективизм, пропагандируемый государством, охватывал как идеологические взгляды, в которых не допускался индивидуализм и отклонение от единого курса, так и продиктованные идеологией поведенческие принципы. Самохвалов сумел ухватить этот общий дух коллективизма, создав обобщенный образ современника, формировавшегося в условиях «труда и подвига».
Группа «Готовы к обороне»
- Ленинградский фарфоровый завод им. М. В. Ломоносова (г. Ленинград)
- 1932
- Фарфор, роспись надглазурная. В.-28,2; Дл.-21,0; Ш.-13,0
- Государственный Русский музей
- СФ-115
Группа «Готовы к обороне»
- Государственный фарфоровый завод имени М.В.Ломоносова (г. Ленинград) (автор модели — Н.Я.Данько, автор росписи — М.П.Кириллова)
- 1936 (модель — 1932)
- Фарфор, роспись надглазурная. В.-28,2; Дл.-21,6; Ш.-13,5
- Государственный Русский музей
- СФ-116
Девушка в футболке
- 1932
- Холст, масло. 102 x 64
- Государственный Русский музей
- Ж-4419
Прообразом послужила Адамова Евгения Петровна (1907–1977) — учительница.
Портрет, экспонированный в 1937 году на Международной выставке в Париже и отмеченный золотой медалью, принадлежит к числу наиболее известных в советском искусстве, является вехой в творчестве его автора. «Особой радостью для меня представлялось осуществление в живописи образов моих современников тех лет», — вспоминал Самохвалов. Возгласом «брависсимо» приветствовал произведение И. Э. Грабарь, известный критик А. Эфрос считал изображенную «великолепной».
На «Экспо» во французской столице героиню портрета называли «советской Джокондой». Художник изобразил учительницу-активистку Евгению Петровну Адамову, сохранившую до конца своих дней удивительную душевность и увлеченность. В ее облике воплощены и типические черты человека своего времени — с его непосредственностью, энтузиазмом, целеустремленностью. Не только самой моделью, но и живописью, строгой, лаконичной и одновременно изысканной, Самохвалов утверждал своего рода идеал простой красоты. Приметы монументальности отличают ясную архитектонику композиции, широту письма, «фресковость» фактуры, динамизм образа. «Девушка в футболке» — произведение, в котором воплотилось представление об эпохе, «прекрасной современнице, девушке, каких не было раньше». Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век. СПб, 2001. С. 230.
Петров-Водкин Кузьма Сергеевич
1878, Хвалынск Саратовской губ. – 1939, ЛенинградЖивописец, график, теоретик искусства, писатель.
Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина и В. А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старых традиций (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения).С 1908 участник выставок «Золотого руна». Член обществ «Мир искусства» (1910–1922), «Четыре искусства» (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е. Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников.
Уже в ранний период творчество отмечено символистской ориентацией («Элегия», 1906; «Берег», 1908; «Сон», 1910). Принципиально важным рубежом стало «Купание красного коня» (1912), в котором прочитывается стремление к синтезу восточной и западной живописных традиций. В этот же период сформулировал принцип трехцветия, в котором принимал за основные цвета только синий, желтый и красный, считая остальные производными от их смешения друг с другом. Активно использовал этот принцип в картинах, посвященных материнству («Мать», 1915, «Богоматерь Умиление злых сердец», 1914–1915, «Петроградская мадонна», 1918). В 1910-х складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет, изображая натуру одновременно сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты» («Полдень. Лето», 1917, «Весна», 1935 и др.). По-своему «планетарны» его натюрморты («Селедка», «Утренний натюрморт», 1918). Космологический символизм сказывается и в портретах («Автопортрет», 1918; «Голова мальчика-узбека», 1921; «Портрет Анны Ахматовой», 1922, и др.). Искренне приняв революцию, художник создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны («После боя», 1923; «Смерть комиссара», 1928). На рубеже 1920-х и 1930-х, вынужденный из-за болезни на время оставить живопись, обратился к литературному творчеству. Именно тогда написаны автобиографические повести «Хлыновск» (1930) и «Пространство Эвклида» (1933).
Данько Наталья Яковлевна
1892, Тифлис – 1942, ИрбитСкульптор. Училась в Строгановском центральном художественно-промышленном училище в Москве (СЦХПУ, 1900–1902), в виленской художественной школе и студии Я. Янсона (1906–1908), в мастерской М. Л. Диллон и Л. В. Шервуда (с 1908) в Петербурге. В 1909–1914 под руководством В. В. Кузнецова исполняла скульптурный декор для многих зданий Петербурга, Москвы и Киева. Участвовала в исполнении скульптур для павильонов России на выставках в Турине и Риме (1910–1911). С 1914 – помощница заведующего скульптурной мастерской Императорского фарфорового завода В. В. Кузнецова, с 1919 возглавляла скульптурную мастерскую Государственного фарфорового завода. Ответственная за выпуск скульптуры на экспорт (с 1931). В феврале 1942 эвакуировалась из блокадного Ленинграда с семьей в Ирбит, куда ранее был эвакуирован ЛФЗ. Золотая медаль Всемирной выставки в Париже (1925), почетный диплом и золотая медаль III Международной выставки в Монце-Милане (1927). Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 223-224.
Государственный фарфоровый завод
Авилов Михаил Иванович
1882, Санкт-Петербург – 1954, ЛенинградЖивописец, график, мастер батального жанра; педагог. С 1947 действительный член Академии художеств СССР. С 1948 народный художник РСФСР.
С 1893 обучался в Рисовальной школе Общества Поощрения художеств, в 1903 занимался в студии Л. Е. Дмитриева-Кавказского (1903); учился в ВХУ при ИАХ у Ф. А. Рубо и Н. С. Самокиша (1904–1913). Участник выставок с 1908. Член и экспонент объединений: Общество имени Куинджи (1917–1930), участник Весенних выставок ИАХ (1908, 1915–1918), ОРА (с 1917), Иркутского общества художников (1920–1923), Ассоциации художников революционной России (1923–1928), Союза советских художников (1930–1932, с 1932 член СХ СССР) и др. Активно работал в области плаката во время Первой мировой и Гражданской войн. С 1918 сотрудничал с издательствами, театрами, преподавал в художественных школах Тюмени, Барнаула. В 1921 вернулся в Петроград, занимался преподавательской деятельностью. // Плакат эпохи революции. СПб. 2017. С. 115.
В 1918–1921 преподавал на курсах живописи и рисования (Тюмень); 1922–1930 – в Художественно-ремесленных мастерских; с 1930 – рисунок и живопись на Бронетанковых курсах (Ленинград); 1947–1954 – в Институте живописи, скульптуры и архитектуры.
Чернышев Николай Михайлович
1885, село Никольское Тамбовской губернии (ныне Воронежская область) – 1973, МоскваЖивописец, график; монументалист. Учился в воскресных и вечерних классах СЦХПУ (1900); МУЖВЗ (1901–1911) у В. А. Серова, С. А. Коровина, К. А. Коровина, А. Е. Архипова; в академии Жюльена (1910); ВХУ при ИАХ (1911–1915) у В. В. Матэ, Д. И. Киплика. Участник выставок с 1906: Союз художников-живописцев Москвы (1918–1919); Союз деятелей прикладного искусства и художественной промышленности (1919); «Московский салон» (1920); «Мир искусства» (1921); «Искусство – жизнь» (1921); «Маковец» (1922–1926, член-учредитель); «4 искусства» (1926–1931); ОМХ (1928–1929). Преподавал во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН, Москва (1920–1930, профессор); ИНПИИ (1930–1931); МХУ (1932–1933); МИИИ–МГХИ (1936–1948); ИЖСА (1942–1947). Сотрудничал в ежемесячнике «Млечный путь» (1914–1916), в журнале «Маковец» (1922). Участвовал в праздничном оформлении Москвы, в организации Государственной школы печатного дела ИЗО Наркомпроса при 1-й образцовой типографии (1918). Заместитель заведующего хранилищем произведений современного искусства в Моссовете (1918–1920). Работал в ГАХН (1927–1930). Участвовал в организации и работе мастерской монументальной живописи при Академии архитектуры (1935–1948). Народный художник РСФСР (1970).
Андриянов Александр Яковлевич
1888, д. Басинская Толвуйской волости Олонецкой губернии – 1933, ПетрозаводскЖивописец. Работал в жанре портрета и пейзажа. Родился 7 апреля 1888г. в д. Басинская Толвуйской волости Олонецкой губернии в семье бедного крестьянина-плотника. Учился в Петербурге в рисовальной школе Общества поощрения Художеств и в ВХУ при Академии Художеств (1907-1915) в мастерской Владимира Егоровича Маковского. Преподавал в художественной школе (1919-1921) и других учебных заведениях г. Петрозаводска.
Серебрякова Зинаида Евгеньевна
1884, с.Нескучное, Белгородский уезд, Курская губерния – 1967, Париж, ФранцияЖивописец.
Родилась в с. Нескучное Курской губернии в семье скульптора Е. А. Лансере. Училась в школе-мастерской М. К. Тенишевой у И. Е. Репина (1901), в мастерской О. Э. Браза в Петербурге (1903-1905), в Академии "Ля Гран Шомьер" в Париже (1905-1906). Член объединения "Мир искусства" (1912-1917). В 1917 вместе с А. П. Остроумовой-Лебедевой, О. Л. Делла-Вос-Кардовской и А. П. Шнейдер была выдвинута в академики (первыми из женщин), но баллотировка не состоялась из-за революционных событий и упразднения Академии художеств. Путешествовала по Швейцарии, Италии (1914), Марокко (1928, 1952). Работала в Харькове (1918-1920), с 1920 поселилась в Петрограде, в 1924 уехала во Францию. Представитель младшего поколения "Мира искусств". Писала в основном портреты, в том числе детские, и многофигурные композиции. Автор картин и рисунков на темы балета и театра, эскизов росписей и декоративных панно. За рубежом исполнила множество жанровых и пейзажных зарисовок. Много работала в технике акварели и пастели.
Альтман Натан Исаевич
1889, Винница Подольской губ. – 1970, ЛенинградЖивописец, график, скульптор, художник театра и кино.
Родился в Виннице. Учился живописи и скульптуре в Одесском художественном училище (1903–1907). В 1910–1912 работал в «"Свободной русской Академии"» (академия М. И. Васильевой) в Париже. В конце 1912 приехал в Петербург, где, своеобразно применяя в натюрмортах и портретах приемы недавно зародившегося во Франции кубизма, за короткое время стал одним из наиболее заметных живописцев.
Столь же успешными были его опыты в скульптуре, графике (цикл «Еврейская графика» по мотивам надгробных рельефов, 1914) и сценографии – пьеса «Чудо святого Антония» М. Метерлинка в петроградском литературно-артистическом клубе-кафе «Привал комедиантов» (1916). В 1915–1916 преподавал в Петрограде в студии М. Д. Бернштейна, в 1918–1920 – в Петроградских свободных художественных мастерских, в 1918–1921 работал в отделе изобразительных искусств Наркомпроса, в 1923 – в Институте художественной культуры. Принимал участие в праздничном оформлении Петрограда к первой годовщине Октябрьской революции (1918), в осуществлении плана монументальной пропаганды. Использовал приемы супрематизма в цикле беспредметных картин (1919– 1920). В последующие годы сосредоточил свои усилия на графике – станковой (серия портретов современных писателей, 1926–1927) и книжной. Особенно плодотворной была его деятельность в театре – спектакль Е. Б. Вахтангова по пьесе С. Анского «Гадибук» (театр-студия «Габима», 1921), сотрудничество с Государственным еврейским театром («Уриэль Акоста» К. Гуцкова, 1922; «Женитьба Труадека» Ж. Ромена, 1927). В 1928–1935 жил в Париже, где написал большое количество пейзажей и натюрмортов, в которых тонко и своеобразно возрождал традицию импрессионизма. С 1936 работал в Ленинграде. Среди его созданий той поры выделялись декорации к известным шекспировским пьесам, поставленным ленинградскими театрами – «Король Лир» (ГБДТ, 1941), «Отелло» (1944), «Гамлет» (Театр драмы им. А. С. Пушкина, 1954), эскизы костюмов к кинофильму «Дон-Кихот» (1955), иллюстрации к произведениям Шолом-Алейхема, В. Бласко Ибаньеса, Э. Кастро, Э. Золя и др. Работал в промышленной и книжной графике, сделал ряд росписей по фарфору. Публиковал статьи по вопросам искусства.
Государственный фарфоровый завод (ГФЗ) / Ленинградский фарфоровый завод им. М.В. Ломоносова/ Ломоносовский фарфоровый завод (ЛФЗ)
1918, Петроград - 2005, Санкт-ПетербургСоздание в Санкт-Петербурге фарфоровой мануфактуры, которая первоначально именовалась «Невской порцелиновой мануфактурой», было начато при императрице Елизавете Петровне в 1744 году. В 1765 мануфактура переименована в Императорский фарфоровый завод. В 1918 году предприятие национализировали.
С 1918 — Государственный фарфоровый завод (ГФЗ — аббревиатура клейма). В 1925 году заводу было присвоено имя М. В. Ломоносова; предприятие получило официальное наименование — Государственный фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова. С 1957 по 1993 год — Ленинградский фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова, наряду с которым имела употребление краткая форма — Ломоносовский фарфоровый завод (ЛФЗ — аббревиатура клейма). С 1993 — Ломоносовский фарфоровый завод.
С 2002 года завод является собственностью главы «Уралсиба» Николая Цветкова. В 2005 году по решению акционеров был вновь переименован в «Императорский фарфоровый завод».
Произведения из собрания Русского музея, созданные в период до 1917 года, см. в рубрике "Императорский фарфоровый завод".
Подробнее об истории завода см. на сайте Императорского фарфорового завода.
Вильямс Петр Владимирович
1902, Москва – 1947, Москва
Голополосов Борис Александрович
1900, Архангельск – 1983, МоскваРодился в Архангельске в 1900 году в семье дворянина, железнодорожного инженера. В 1905 году его отец принял активное участие в революционных событиях, был арестован, что сказалось на судьбе и творчестве сына. С 1908 Голополосов жил в Москве, поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учился у Сергея Малютина и Василия Яковлева. После революции Училище было преобразовано во II Государственные свободные художественных мастерские (ВХУТЕМАС), где с 1919 Голополосов учился у Александра Шевченко, поклонника творчества Сезанна. Голополосов вдумчиво и внимательно изучал творчество Поля Гогена и Ван Гога, но особенно близки были ему экспрессионисты. Они отражали дух времени, и это было созвучно его собственным настроениям.
Кустодиев Борис Михайлович
1878, Астрахань – 1927, ЛенинградЖивописец, график, театральный художник.
Академик Императорской Академии художеств (с 1909). Родился в Астрахани. Учился у П. А. Власова (Астрахань, 1890-е), в Высшем художественном училище при Академии художеств у В. Е. Савинского, И. Е. Репина (1896-1903). Преподавал в своей частной художественной школе ("Новая художественная мастерская", Петербург, 1913). Член "Союза русских художников" (1907-1910), "Мира искусства" (с 1911), Ассоциации художников революционной России и других. В 1907-1917 посетил многие европейские страны. В последние годы жизни, будучи прикован к инвалидному креслу, продолжал неутомимо работать. В 1910 удостоился чести дать автопортрет в галерею Уффици (Флоренция), где собраны автопортреты величайших художников за несколько столетий. Автор жанровых картин, портретов, книжных иллюстраций. Занимался также скульптурой. Особую известность завоевал картинами из жизни российской провинции.
Юон Константин (Вильгельм-Теодор) Федорович
1875, Москва — 1958, Москва
Грабарь Игорь Эммануилович
1871, Будапешт, Венгрия – 1960, МоскваЧлен «Мира искусства» (1901, 1910), Союза русских художников (1903), пожизненный член Осеннего салона в Париже (1906). Участник выставок с 1898: «Мир искусства» (1902–1906, 1912–1922), СРХ (1903–1909), «Московские живописцы» (1925); Международных в Дюссельдорфе (1904), Венеции (1907, 1924), Риме (1911), Мальмё (1914). Преподавал в совместной школе Ашбе — Грабаря (1898–1901) в Мюнхене. 1910–1923 — период увлечения архитектурой, историей искусства, музейной деятельностью, охраной памятников. Осуществил издание первой «Истории русского искусства» в шести томах (1909–1916), написал для нее важнейшие разделы, опубликовал монографии о В. А. Серове и И. И. Левитане. В 1913–1925 возглавлял Третьяковскую галерею, значительно изменив принципы музейной работы. После революции многое сделал для защиты памятников культуры от разрушения. В 1918 по его инициативе созданы Государственные центральные художественные реставрационные мастерские (1918–1930, директор). С 1924 и до конца 1940-х вновь много занимался живописью, особенно увлекался портретом. Крупнейший русский импрессионист, автор множества классических произведений, оказавший существенное влияние на развитие этого течения. В 1910-х Грабарь на время оставляет импрессионистическую манеру в поисках звучности и декоративности целого с тем, чтобы вновь вернуться к ней в своих пейзажах и натюрмортах 1920–1950-х. Свои импрессионистические по чувству портреты и жанры советского времени художник писал, используя приемы „классического наследия“, что тоже было характерным проявлением „двойных стандартов“.
Гринберг Владимир Ариевич
1896, Ростов-на-Дону – 1942, ЛенинградЖивописец, график, скульптор, акварелист, иллюстратор, педагог. Учился в 1905–1914 в Коммерческом училище в Ростове-на-Дону, одновременно занимался живописью и рисунком; с 1915 в Политехническом институте и Новой мастерской в Петербурге. Участник выставок с 1914. Член СХ с 1933. Преподавал в 1919–1922 в ХШ и рабфаке Донского университета; 1926–1927 в ЛХПТ; 1928–1941 в ЛИИКС; 1932–1933 в ИЖСА.
Лебедев-Шуйский Анатолий Адрианович
1896, Шуя – 1978, МоскваЖивописец. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Член Московского отделения Союза художников. 1916–1918 гг. – обучение в студии П. И. Келина в Москве. С 1918 г. – участник художественных выставок. 1921–1930 гг. – член и один из основателей художественного объединения «Бытие». 1924 г. – окончил ВХУТЕМАС. Учился у А. Е. Архипова, И. И. Машкова и П. П. Кончаловского.
Луппов Сергей Михайлович
27.08(03.09).1893, город Слободской, Вятская губ. – 26.10.1977, МоскваЖивописец, график, педагог.
Родился 27.08 (03.09).1893 в городе Слободской Вятской губернии. Окончил Вятское Александровское реальное училище. В 1912–1917 учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Е. Архипова, А. М. Васнецова, К. А. Коровина, Н.Касаткина. В 1917 за дипломную работу – картину «Купальщица», сделавшую его знаменитостью, – получил звание художника первой степени и право на пенсионерскую поездку. Не имея возможности воспользоваться этим правом из-за условий времени, в 1918 вернулся в Слободской, где начал преподавать рисование в гимназии. Активно занимался в родном городе культурно-просветительской и художественно-педагогической работой до 1923 года.
Основал художественную студию, через которую за четыре года её существования прошли более ста учеников. Привез из Москвы коллекцию произведений русского авангарда (30 картин, подаренных городу Наркомпросом), которая через год легла в основу созданного им местного художественного музея.
С 1923 жил и работал в Москве, преподавал графические искусства в 1-й Советской Объединенной военной школе Рабоче-крестьянской Красной Армии имени ВЦИК. В том же году стал членом Ассоциации художников революционной России и постоянным участником выставок ассоциации, а в 1932 – членом Союза художников СССР и Московского союза художников.
Был участником всех выставок АХРР (АХР) и Союза художников СССР. Персональные выставки состоялись в 1969, 1993 (Москва), 1994 (Киров). Создавал монументальные полотна на историко-революционную тему и, вместе с тем, писал глубоко лиричные портреты и проникновенные пейзажи. Всегда оставаясь певцом человеческого тела и поклонником «бурного» цвета, много картин посвятил становлению физкультурного движения в стране.
Пахомов Алексей Федорович
1900, деревня Варламово Вологодской губернии — 1973, ЛенинградЖивописец, график, иллюстратор. Блестящий рисовальщик и признанный мастер литографии. Занимался также монументальным искусством, плакатом, скульптурой.
Учился в ПУТР барона А. Л. Штиглица—СВОМАС (1915–1917, 1920–1922) у М. В. Добужинского, В. И. Шухаева, С. В. Чехонина, Н. А. Тырсы, В. В. Лебедева, А. Е. Карева; в ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1922–1925) у А. И. Савинова. Участник выставок с 1921. Участник "Объединения новых течений в искусстве“ (1926–1932). Член правления ЛОССХ с 1932. Работал в журналах, иллюстрировал детские книги (1920–1930-е). Преподавал в ИЖСА (1948–1973). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1945), Лауреат Сталинской премии второй степени (1943) и Государственной премии СССР (1973), Народный художник РСФСР (1963), Действительный член АХ СССР (1964), Народный художник СССР (1971). Сталинская премия (1946) за серию литографий "Ленинград в дни войны и блокады“ (1941–1944). Золотая медаль Международной выставки в Париже (1937) за панно "Дети Страны Советов“ для Советского павильона. Жил и работал в Ленинграде.
Волков Илья Васильевич
1875, г. Кадом Тамбовской губернии – 1938, пос. Железнодорожный, Коми АССРЖивописец. Родился в 1875 в г. Кадом Тамбовской губернии. Окончил Кадомское городское приходское училище в 1886. Занимался в Московской иконописной мастерской (1891–1893). С 1893 работал мастером по росписи зданий, посещал вечерние курсы рисунка и живописи при Строгановском училище. Учился в Пензенском художественном училище на живописном отделении (1899–1904) у К. А. Савицкого. Преподавал рисование в учебных заведениях Омска: епархиальном женском училище, на художественных курсах ОХЛИИСК, 2-й женской гимназии (1907–1936), ХПТ им. М. А. Врубеля (1921–1934, с перерывами). Работал в кооперативном товариществе «Омхудожник» (с 1932). Действительный член ТОЛХ, член-учредитель и член правления ОХЛИИСК. Член Омского отделения АХР с 1925. Член ССХ с 1937. Награжден орденом Св. Станислава 3-й степени (1913). Репрессирован, скончался в Северном железнодорожном лагере НКВД СССР. Реабилитирован в 1939.
Лабас Александр Аркадьевич
1900, Смоленск – 1983, МоскваЖивописец, график; художник театра, монументалист. Жил в Риге (с 1910), в Москве (с 1912). Учился в СЦХПУ (1912–1917) у Ф. Ф. Федоровского, С. А. Ноаковского, Д. А. Щербиновского; в ХШ Машкова (1916); ГСХМ (1917–1919) у П. П. Кончаловского; ВХУТЕМАС (1921–1924) у Д. П. Штеренберга. Доброволец Красной армии (Третья армия Восточного фронта, 1918–1921). Участник выставок с 1921. Член и экспонент: ОСТ (член-учредитель, 1925–1932). Преподавал живопись и цветоведение на графическом факультете во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1924–1927). С конца 1920-х принимал участие в оформлении различных архитектурных сооружений и выставок, в том числе для Международной выставки (1937, Париж); Всемирной выставки (1939, Нью-Йорк); ВСХВ (1939, 1940). С 1932 эпизодически работал художником-постановщиком в различных московских театрах. Много путешествовал по стране. Член СХ (с 1932). Заслуженный художник РСФСР (с 1976).
Рубанов Иосиф Менделевич
1903, Новозыбков – 1988Живописец, педагог. Член Союза художников СССР. С отличием закончил в 1922 Красноармейский университет (Изо отделение) в Могилеве. Переехал в Москву. В 1925 окончил Художественный Рабфак им. Похрова. Окончил ВХУТЕМАС в 1930 году. Член МОСХа с 1933. С началом Отечественной войны добровольцем уходит в народное ополчение. Из-под Волоколамска его возвращают как полностью негодного по болезни. Эвакуирован с семьей в Чувашию. В 1943 году вернулся в Москву. Преподавал в Студии инвалидов Великой Отечественной войны, в студии повышения квалификации КДОИ, изостудии ДК завода «Каучук» и др. Участник московских, республиканских, всесоюзных выставок с 1927 года.
Самохвалов Александр Николаевич
1894, Бежецк Тверской губернии – 1971, ЛенинградЖивописец, график, скульптор, художник театра.
Учился на архитектурном факультете АХ (1914–1917), на живописном факультете ПГСХУМ–АХ–ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1918–1923) в мастерской К. С. Петрова-Водкина. Участник выставок с 1917. Член и экспонент объединений: «Мир искусства» (с 1917), «Община художников» (с 1922), «Объединение новых течений в искусстве» (с 1922), «Жар-цвет» (с 1924), «Круг художников» (1926–1930), «Октябрь» (1930–1931). Занимался книжной графикой, сотрудничал с издательствами «Радуга», Детгиз. С середины 1930-х работал как сценограф. Выполнил оформление спектаклей «Бесприданница» А. Н. Островского в ГБДТ (Ленинград, 1935), «Горячее сердце» А. Н. Островского, «Стакан воды» Э. Скриба в Академическом театре драмы им. А. С. Пушкина (Ленинград, оба — 1943) и другие. В 1930-х сотрудничал с ГФЗ им. М. В. Ломоносова, создавал модели скульптуры и эскизы росписи фарфора. Преподавал в ЛВХПУ (1948–1951). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1967).
Урманче Баки Идрисович
1897, д. Куль-Черкен Тетюшского уезда Казанской губернии – 1990, КазаньОсновоположник татарского изобразительного искусства. Заслуженный художник Казахской ССР, Народный художник Татарской АССР, заслуженный художник РСФСР, народный художник РСФСР, Лауреат Государственной премии ТАССР имени Габдуллы Тукая.
Родился в 1897 в деревне Куль-Черкен Тетюшского уезда Казанской губернии. Первоначальное образование получил в медресе «Мухаммадия» в Казани.
Работал учителем, во время Первой Мировой войны был мобилизован, после революции 1917 года работал в системе народного образования. В 1919–1920 учился живописи в Казанском АРХУМАСе, живописи – у В К. Тимофеева и скульптуре – у Г. А. Козлова. В 1920 уехал в Москву для продолжения учебы во ВХУТЕМАСе. Окончил институт в 1926. Вернувшись в Казань, поступил на работу в Казанский художественный техникум, в 1929 был репрессирован и сослан в Соловецкий лагерь.
В 1933–1941 работал в Москве, стал членом МОСХа, принимал участие в работах на ВСХВ, оформлял павильоны «Механизация», «Животноводство», павильоны Башкирской и Карело-Финской АССР. В 1941 был приглашен правительством Казахстана в Алма-Ату для подготовки празднования 100-летия Абая, в первую очередь, для создания образа поэта и певца в живописи и скульптуре. Активно участвовал в художественной жизни Казахстана и Узбекистана, создавал портреты деятелей науки и искусства, обращался к устному народному творчеству этих народов.
В 1953-1955 Урманче были поручено монументальные работы по оформлению Балхашского Дворца культуры. В 1956–1958 преподавал живопись и скульптуру в Ташентском театрально-художественном институте.
В 1957 был приглашен в Москву для оформления сцены Большого театра для гала-концерта в рамках Декады изобразительного искусства и литературы Татарской АССР. После этих событий правительство ТАССР пригласило Б. И. Урманче вернуться на родину в Казань. Последний тридцатилетний период творчества Урманче в Казани дал татарскому искусству выдающиеся произведения живописи, скульптуры, составляющие сокровищницу национальной духовности татарского народа.
Кондиайн Элеонора Максимилиановна
1899– 1986Куликов Иван Семенович
1875, Муром, Владимирская губ. — 1941, Муром, Владимирская обл.Живописец, график.
В 1891 работал в качестве помощника художника А. И. Морозова. Учился: 1893–1896 — РШОПХ у Э. К. Липгарта; 1896–1902 — ВХУ при ИАХ в мастерских В. Е. Маковского и И. Е. Репина. В 1901–1903 участвовал в работе над картиной „Торжественное заседание Государственного Совета 7 мая 1901 года в день его столетнего юбилея“ под руководством И. Е. Репина. 1903–1905 — пенсионер ИАХ в Германии, Италии, Франции. Участник выставок с 1898. На Весенней АХ в 1906 — Первая премия им. А. И. Куинджи; на Международной в Льеже в 1905 — серебряная медаль. Член и экспонент: Общество русских акварелистов — 1907–1917; ТПХВ (экспонент) — 1908; Общество им. А.Куинджи — 1910-е. Академик (с 1915). В 1919 основал Муромский музей местного края, куда передал свои живописные работы и собранную им коллекцию костюмов прикладного и декоративного искусства. С этого года руководил там Рисовальной школой. Член Горьковского отделения СХ СССР (с 1935). С 1936 организовал промышленный музей в Павлове. В 1938 возглавил группу художников по росписи пригородного зала Ярославского вокзала в Москве.
Николаев Василий Петрович
1906, Симбирск - 1941, ЛенинградРодился в Симбирске в 1906 году (ныне - Ульяновск). Выпускник Ульяновского художественного техникума и скульптурного отделения ВХУТЕИН. В годы учёбы в ВХУТЕИН у скульптора А. Т. Матвеева, создал для ГФЗ им. М.В.Ломоносова скульптурную группу «Смычка города и деревни» (1928), принятую в производство. В 1929-1931 годах работал скульптором Дмитровского фарфорового завода в Вербилках.
В 1931-1932 годах - в рядах РККА. С 1932 года заведующий отделом Ульяновского государственного исторического музея. В 1934-1936 годах обучался на курсах повышения квалификации ВАХ.
В конце 1930-х годов сотрудничал с ГФЗ им. Ломоносова. Проживал с семьёй: Ленинград, 11-я линия, дом 20, квартира 7. Умер 26 декабря 1941 года в блокадном Ленинграде; похоронен на Серафимовском кладбище.
Адливанкин Самуил Яковлевич
1897, Татарск Могилевской губернии – 1966, МоскваЖивописец; монументалист, график, художник кино. Учился в ОХУ (1912–1917); ГСХМ (1918–1919), Cаратов. Участник выставок с 1916. Член и экспонент объединений: ОНХ (1917); НОЖ (учредитель, 1921–1924); «Изобригада» (1932). Член СХ СССР (с 1932).
Белкин Вениамин Павлович
1884, Верхотурье, Екатеринбургская губ. – 1951, ЛенинградЖивописец, график, художник книги. Автор пейзажей, портретов. Учился в Томском технологическом институте (1902), школе-студии А.П. Большакова в Москве (1904–1905) у М.М. Шестёркина, В.Э. Борисова-Мусатова, в Париже в частной академии (1907–1909) у Ж.-О. Девальера, Ш. Герена, Ш. Коттэ, М. Детома. Участник выставок с 1906 (Петербург). Член объединений и экспонент выставок: Общества им. Леонардо да Винчи (1906), Кружка русских художников в Париже «Монпарнас» (1907–1909), «Союз молодежи», «Мир искусства» (1909), «Община художников» (1921–1928), «Шестнадцать» (1922–1928), «Общество живописцев» (1928–1930). Член СХ с 1932. Преподавал во Вхутемасе-Вхутеине в Петрограде (1921–1923), в Ленинградском архитектурном техникуме (1924–1927), ИЖСА ВАХ в Ленинграде (1928–1946). Совершил творческую поездку в Крым в 1939.
Вавилин Алексей Григорьевич
1903, Пенза –1978, там жеСоветский живописец, педагог, председатель Пензенской областной организации Союза художников (1942, 1953–1954); директор Пензенской картинной галереи (1957–1958).
Родился и жил в Пензе. Окончил Пензенское художественное училище (1926), высшее художественное образование получил во ВХУТЕИНе (1930). Учился у И. С. Горюшкина-Сорокопудова, А. А. Рылова. Почти четверть века преподавал в Пензенском художественном училище (1930–1954), а с 1960 и в Пензенском педагогическом училище. Участник выставок с 1928.
В годы Великой Отечественной войны активно сотрудничал с «Агитокнами». Автор ряда портретов, значимых для истории Пензенской земли, и жанровых картин.
Машков Илья Иванович
1881, ст. Михайловская Саратовской губ. – 1944, МоскваЖивописец, график, педагог; портретист, пейзажист, автор натюрмортов, картин бытового жанра.
Родился в станице Михайловская (Саратовская губерния). Учился в Московском Училище живописи, ваяния и зодчества (1900–1904, 1907–1908) у А. Е. Архипова, В. А. Серова, К. А. Коровина. Участник выставок с 1909. Член-учредитель и секретарь объединения «Бубновый валет» (1910–1914). В этот период увлекался народным искусством, «живописью подносов» Жостова и определял свой стиль как «саму живописность». Его огромное полотно «Автопортрет и портрет Петра Кончаловского» (первая выставка «Бубновый валет», 1910) с полуобнаженными фигурами музицирующих атлетов было задумано как манифест новаторского подхода, предлагаемого новым выставочным сообществом. Стиль Машкова, русский, яркий, сочный и, в то же время, «сезаннистский», наиболее полно проявился в его знаменитых натюрмортах. Член и экспонент объединений «Мир искусства» (с 1916), «Московские живописцы» (с 1925), Ассоциации художников революционной России – Ассоциации художников революции (1925–1930, 1932), Общества Московских художников (1928). Основатель и руководитель художественной студии (Москва, 1904–1917). Преподавал в Высших художественно-технических мастерских – Высшем художественно-техническом институте в Москве (1920–1929).
Моравов Александр Викторович
1878 – 1951Русский советский художник, член Товарищества передвижников, действительный член Академии художеств СССР (1949). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946). Моравов вошел в историю искусства как мастер бытовой и историко-революционной картины, как портретист и один из основоположников советского индустриального пейзажа. Воспитанник киевской художественной школы Н. И. Мурашко, а затем Московского училища живописи, ваяния и зодчества, ученик прославленных русских художников А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина, К. А. Коровина и В. А. Серова, он глубоко усвоил демократические взгляды на искусство.
Нестеров Михаил Васильевич
1862, Уфа – 1942, МоскваЖивописец, график, монументалист.
Академик Императорской Академии художеств (с 1898). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1942).
Родился в Уфе. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у И. М. Прянишникова, А. К. Саврасова и В. Г. Перова (1876-1880, 1884-1886), в Академии художеств у П. П. Чистякова (1881-1884). Пользовался также советами И. Н. Крамского. Входил в Абрамцевский кружок С. И. Мамонтова (с 1888). Член Товарищества передвижных художественных выставок (с 1896), общества "Мир искусства" (1899-1901). Член-учредитель "Союза русских художников" (1903).
Посетил Италию, Австрию, Францию, Германию, Грецию, Турцию. В середине 1890-х путешествовал по старым русским городам, в 1905 - по Волге и Каме. Автор росписей во Владимирском соборе в Киеве (1890-1895), в церкви Александра Невского в Абастумане (1902-1904), в Марфо-Мариинской обители в Москве (1910-1912), картонов для мозаик храма Воскресения Христова в Петербурге (1894). Создал множество портретов, пейзажей, картин на исторические и религиозные сюжеты. Главное содержание творчества - религиозно-нравственные поиски, стремление показать русского человека в лучших проявлениях его духовных качеств.
Пичугин Сергей Иванович
1881, Сергиевский посад, Московская губерния – 1972, МоскваРусский, советский живописец, художник-график, педагог. Член Союза художников СССР.
Родился 6 октября 1881 в Сергиевском посаде Московской губернии (ныне г. Сергиев Посад) в семье потомственных мастеров-игрушечников. Начальное художественное образование получил в иконописной школе при Троице-Сергиевой лавре. В 1912 окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества (учился у К. А. Коровина, А. М. Васнецова, С. В. Малютина, А. Е. Архипова). Участник Первой мировой войны. Преподавал в Сергиевском педагогическом техникуме; был доцентом кафедры рисунка Московского высшего художественно-промышленного училища (Московская государственная художественно-промышленная академия им. Строганова).
Член Товарищества передвижных художественных выставок. Участник многочисленных выставок, в том числе «Общества художников Московской школы», общества «Клич» (1923–1924), «Общества им. И. Е. Репина» (1929), общества «Жар-цвет» (1929), «Общества московских художников» (1929–1930). В 2006 состоялась персональная выставка художника в Москве (посмертно). Произведения художника находятся в музеях и частных коллекциях России и за рубежом.
Любимый жанр в творчестве – пейзаж, а тема города – одна из главных; писал картины на жанровые сюжеты, занимался монументальной живописью (участвовал в росписи храмов).
Прохоров Семен Маркович
1873, г. Малоярославец, Калужская губерния –1948, г. Харьков, Украинская ССР1900–1904 – учеба в МУЖВЗ (А. Корин, К. Горский, Н. Касаткин, А. Архипов). 1904–1909 – Петербургская Академия Художеств (И. Репин, П. Чистяков). С 1913 жил в Харькове. С 1910 – участник республиканских и международных выставок. 1910–1913 – руководил классами живописи и рисования Томского общества любителей художеств. 1913–1914, 1918–1922 – Харьковское художественное училище, 1922–1948 – Харьковский художественный институт (с 1936 – профессор). Мастер бытовой картины, портрета, пейзажа. С 1938 – член Союза художников Украины. С 1941 – Заслуженный деятель искусств Украины.
Штеренберг Давид Петрович
1881, Житомир – 1948, МоскваЖивописец, график, театральный художник, книжный иллюстратор. Учился в частной студии в Одессе (1905), затем в академии Витти в Париже (1907–1912). Участник выставок с 1912, в том числе: Весеннего и Осеннего салона и Салона независимых в Париже (1912–1917). Член объединения «4 искусства» (1924). Комиссар по делам изобразительных искусств в Петрограде (1917–1919), заведующий Отделом изобразительных искусств Народного комиссариата просвещения (1918–1920). Преподавал в Высших художественно-технических мастерских – Высшем художественно-техническом институте (Москва, 1920–1930). Один из организаторов и председатель Общества станковистов (1925–1930). Директор русского раздела Международной выставки художественно-декоративных искусств (1925, Париж). Член-корреспондент Союза немецких художников книги (1928). Первый заместитель председателя Правления Московского отделения Союза советских художников (1932–1937). Заслуженный деятель искусств Российской Советской Федеративной Социалистической Республики (1930).
Богородский Федор Семенович
1895, Нижний Новгород — 1959, МоскваЖивописец, график; художник театра, педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946), член-корреспондент АХ СССР (1947).
Родился в Нижнем Новгороде в семье адвоката, учился в губернской мужской гимназии. С 12 лет обучался рисунку — сначала у местных художников В. А. Ликина и в частной студии Л. М. Диаманта. В 1914 году, закончив гимназию, уезжает в Москву. Учился на юридическом факультете Московского университета (окончил в 1917) и занимался в студии М. В. Леблана (1914–1916). Увлекся футуризмом, дружил с Велимиром Хлебниковым, Николаем Асеевым и Владимир Маяковским. В годы учебы параллельно выступал на эстраде танцором, а также в цирке, писал стихи. В 1916 году оказался на военной службе — сначала как балтийский матрос, потом как летчик. В 1917 году вступил в коммунистическую партию.
После революции работает в ВЧК в Москве. В 1918 году его направляют на родину, в Нижний Новгород, где он работает товарищем председателя следственной комиссии в ЧК, затем в политотделе Волжской военной флотилии. В 1919 году оказался на фронте, был комиссаром матросского отряда Донской и Волжско-Каспийской военных флотилий. Сражается на Волге, под Царицыном. После контузии в 1920 его направили в Нижний Новгород возглавить Художественный отдел.
В 1922 году переехал в Москву и поступил во ВХУТЕМАС в мастерскую Абрама Архипова (1922−1924). Защитил диплом в 1927 во Вхутеине, получив право на пенсионерскую поездку за границу.
Участник выставок с 1916. Член художественных объединений "Бытие" (1922), "Жар-Цвет" (1925). Член АХРР (Ассоциации Художников Революционной России). С 1928 по 1930 жил в Италии и Германии (пенсионерская поездка), в том числе у М.Горького в Сорренто (земляки по Нижнему Новгороду). Вернулся в Россию. В 1931—1937 часто бывал на Черноморском флоте, вдохновляясь бытом и натурой.
Профессор (с 1939), заведующий кафедрой живописи и рисунка ВГИК (1938–1959). Первый Председатель Правления МОССХ (1955—1958).
Дымшиц-Толстая (Пессати) Софья Исааковна
1884(9), Санкт-Петербург— 1963, ЛенинградЖивописец, график. Родилась в Санкт-Петербурге. Училась в 1906–1907 у С. С. Егорнова в Петербурге; в 1909–1910 в художественной школе Е. Н. Званцевой; в 1910–1911 в Париже у М. Бланша, Ш. Герена. Жена писателя Алексея Толстого в 1907–1914. Участник выставок с 1912. Работала с В. Е. Татлиным в 1919-1920. С 1918 член отдела ИЗО Наркомпрос и Всероссийского выставочного отдела при нем. В 1920-е заведующая издательской секцией по делам искусства Отдела ИЗО Наркомпрос и секции живописи ВСЕРАБИС; в 1925–1935 заведующая художественными отделами в журналах «Работница» и «Крестьянка».
Зверев Василий Александрович
1883, село Сима Владимирской губернии— 1942, ЛенинградЖивописец. С 1898 учился в Петербурге в РШ ОПХ, в 1906–1912 в ВХУ при ИАХ (вольнослушатель). Участник выставок с 1911. Член СХ с 1931. В 1913–1915 преподавал в студии Я. С. Гольд блата в Петрограде; в 1926–1928 в студии АХРР в Ленинграде.
Модоров Федор Александрович
1890, пос. Мстера, Владимирская губ. – 1967, МоскваЖивописец, работал в области декоративно-оформительского искусства.
Родился в Мстере. Учился: 1900–1906 – Мстерская иконописная школа (у М.И. Цепкова). После окончания школы в 1906 году уехал в Москву, где работал подмастерьем в иконописной мастерской и как вольнослушатель посещал Московское училище живописи, ваяния и зодчества. 1909–1910 – МУЖВЗ; 1910–1914 – Казанская художественная школа у Н.И.Фешина, П.П.Бенькова; 1914–1918 – ВХУ при АХ у В.Е.Маковского, В.В.Беляева, И.И.Творожникова. Участник выставок с 1910. Член и экспонент: АХРР–АХР – с 1924.
В 1919 занимался раскрытием икон в Комиссии по сохранению и раскрытию памятников древней живописи при ИЗО Наркомпроса РСФСР, среди которых – икона из коллекции Русского музея "Иоанн Лествичник, Георгий и Власий".
Организатор и директор Мстерского художественно-промышленного училища и художественной школы-коммуны (1918–1922).
Преподавал: 1939–1941 –ВГИК; 1964–1967 – МГПИ (заочный). Ректор МГХИ (1948–1962). Профессор (с 1949). Заведующий кафедрой живописи (1949–1962).
Народный художник РСФСР (с 1965). Заслуженный деятель искусств БССР (1944), Заслуженный деятель искусств РСФСР (1950), член-корреспондент В(Р)АХ (с 1958).
Осмеркин Александр Александрович
1892, Елисаветград (ныне – Кировоград), Херсонская губерния – 1953, МоскваЖивописец, график, художник театра, участвовал в оформлении массовых революционных праздников.
Учился: 1911–1913 – Киевское училище у Н.К.Пимоненко, Г. К. Дядченко, В. К. Менка, И. С. Макушенко; 1913–1915 – школа Машкова. Участник выставок с 1913. Член и экспонент: «Бубновый валет» (экспонент) – с 1914; «Мир искусства» – 1917–1918, 1920–1921; СРХ – с 1918, «Московские живописцы» (член-учредитель) – 1924–1926; «Бытие» – 1926–1927; «Крыло» (организатор) – 1927; ОМХ (член-учредитель, секретарь) – 1927–1929 •Преподавал: 1918–1930 – ГСХМ I и II, ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН. М; 1932–1947 – (Л)ИЖСА; 1937–1948 – МИИИ–МГХИ. Профессор (1932). Принимал участие в организации профессионального союза художников-живописцев; входил в «левую федерацию» этого союза – 1917. Работал в «Окнах ТАСС» – 1941.
Соколов-Скаля Павел Петрович
1899, Стрельна, Санкт-Петербургская губ. – 1961, МоскваЖивописец, плакатист, театральный художник, мастер панорам и диорам, педагог. Народный художник РСФСР (1956), действительный член АХ СССР (1949), Лауреат Государственных премий СССР (1942, 1949). Учился в Москве в студии И.И.Машкова (1914–1918) и ВХУТЕМАСе (1920–1922). Преподавал в Студии военных художников имени М.Б.Грекова (1933–1941). Художественный руководитель "Окон ТАСС" (1941–1945).
Уткин Петр Саввич
1877, Тамбов – 1934, ЛенинградЖивописец. 1890-е гг. – учился в студии при Саратовском обществе любителей изящных искусств у В. В. Коновалова.1897–1907 гг. – учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у И. И. Левитана, В. А. Серова и К. А. Коровина.1904 г. – один из организаторов саратовской выставки «Алая роза». 1908 г. – один из организаторов московской выставки «Голубая роза». 1908–1914 гг. – постоянно работал в крымском имении Новый Кучук-Кой. С 1913 г. – член объединения «Мир искусства».1912–1917 гг. – участник выставок объединения «Мир искусства». После 1917 г. жил в Саратове. Участвовал в создании Коллегии ИЗО при Саратовском Совете депутатов трудящихся.
1918–1931 гг. – преподаватель Саратовских Государственных свободных художественных мастерских и студии Пролеткульта.1924 г. – вступил в объединение «Четыре искусства».
1931 г. – переезд в Ленинград. Стал профессором живописного отделения Института пролетарского изобразительного искусства.
Филонов Павел Николаевич
1883, Москва – 1941, ЛенинградЖивописец, иллюстратор, график-станковист, теоретик, педагог.
Родился в Москве. Учился в живописно-малярных мастерских Общества поощрения художеств (1898), в студии живописи Л. Е. Дмитриева-Кавказского (1903—1908), в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств у Г. Р. Залемана, В. Е. Савинского и Я. Ф. Ционглинского (вольнослушатель, 1908—1910). Один из инициаторов создания "Союза молодежи" (1910). В 1905 совершил поездку на Кавказ, в 1907 — в Константинополь. Побывал в Палестине (1911), посетил Италию и Францию (1911—1912). Организатор и автор манифеста мастерской живописцев и рисовальщиков "Сделанные картины" (1914, вторая редакция манифеста — «Декларация мирового расцвета», 1923). Совместно с И.С. Школьником оформил постановку трагедии В.В. Маяковского «Владимир Маяковский» в Петербурге (1913). В 1914—1915 написал поэму «Пропевень о проросли мировой». В 1916—1918 на фронте, председатель Военно-революционного исполкома Придунайского края (1917—1918). Инициатор создания Государственного института художественной культуры (1923). Создатель и руководитель группы «Мастера аналитического искусства» (1925—1941). Творчество художника развивалось под воздействием идей символизма и учения Н. Ф. Федорова, новейших открытий в науке, в частности — биологии. Основоположник «аналитического» метода, способного, по мнению художника, передать характер человеческого мышления. Автор символико-философских картин, портретов.
Вольтер Алексей Александрович
1889, Нижний Новгород — 1973, МоскваЖивописец; музейный работник, автор статей по музееведению. Учился в студии А. О. Карелина в Нижнем Новгороде (1900–1908); в РШ ОПХ (1913); в студии В. А. Зверева в Петербурге–Петрограде (1913–1915). Участник выставок с 1915. Директор ГТГ (1932–1934). Член ГАХН, первый председатель МОСХ, первый заведующий Центральным кустарным музеем, директор ХФ СССР.
Автопортрет
- 1918
- Холст, масло. 80,5 x 65
- Государственный Русский музей
- Ж-2400
1918 год был в творчестве Петрова-Водкина годом натюрморта. Его письма к матери той поры, полные отчетов о повышении цен на хлеб и дрова, – летопись разрушения привычного жизненного уклада. Видимо, пристальное внимание к предметному миру было попыткой фиксации его неудержимо расплывающихся контуров, сопротивления тотальной дематериализации. Автопортрет – пример одного из немногих обращений к другому жанру – итог напряженных размышлений о роли художника в апокалипсические времена, поиск стабильности в глубинах собственной личности. 30 января 1918 года Петров-Водкин был выбран профессором Академии художеств. «Как это ни почетно, ни лестно, но с большими колебаниями беру на себя эту большую задачу. И если бы не тяжелое время для Родины и не опасность, что искусство зачахнет среди всеобщего разрушения, я не имею права отказаться от возможности хотя бы попытки благоустроить нашу высшую школу…». Ответственность связывалась с осознанием открывающихся возможностей построения здания нового искусства новой России на основе собственных художественных и мировоззренческих принципов. Такая позиция демиурга-хранителя продиктовала иконную формулу автопортрета. В соответствии с выдвинутой художником концепцией нового, «планетарного» видения его строгое лицо возникает на пересечении «планетарных» измерений неба и тверди, образующих фигуру креста. Любовь Большакова // Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 159.
В Автопортрете 1918 года исчезла зачарованность, завороженность причастностью к иным мирам, нездешним законам бытия, присущая до сих пор множеству персонажей художника. В почти скульптурной лепке рельефа головы, в рубленности черт лица, в твердости и ясности взгляда художник чрезвычайно точно выразил основной пафос своей жизни той поры – приятие действительности без обманной идеализации ее, приятие мужественное и трезвое, с сознанием неизбежности самопожертвования и готовности к нему. При этом психологическое пространство портрета не ограничено сиюминутностью реального окружения, она включает в себя всю ширь зелено-голубых сфер мироздания, духа, истории… Планетарный принцип, положенный в основу этого произведения, удивительным образом сочетается с концепцией портрета эпохи кватроченто: человек в центре мироздания, возвышенный над миром, героический и одновременно трагически одинокий.
Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878–1939) – живописец, график, теоретик искусства, писатель. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1930).
Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф.Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А.Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А.Е. Архипова, Н.А. Касаткина и В.А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. С 1908 участник выставок "Золотого руна". Член обществ "Мир искусства" (1910–1922), "Четыре искусства" (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е.Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников. Автор жанровых композиций, портретов и натюрмортов. Прошел через увлечение символизмом, постимпрессионизмом (искусство П. Гогена и А. Матисса). В своем творчестве основывался на наследии Древней Руси.
Портрет М. А. Тройницкой
- 1924
- Холст, масло. 76 х 66 (в свету)
- Государственный Русский музей
- Ж-8790
Серебрякова много времени отдавала портрету. Особенно выделяется своей завершенностью и тонкой передачей индивидуальных черт модели портрет М. А. Тройницкой, жены директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого. Портретируемая изображена за завтраком. Мастерски вылеплено лицо с живыми глазами, выразительны непринужденная поза и спокойно лежащие руки, что помогло созданию образа уравновешенной волевой женщины. С большой любовью, как у старых голландских мастеров, написаны расставленная на столе фаянсовая посуда, а также вишни и разрезанный ножом лимон. (В. Кн.).
Тройницкая Марфа Андреевна – жена директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого (1882– 1948, историк искусства, научный сотрудник с 1908, хранитель Галереи драгоценностей и директор Эрмитажа в 1917–1927, доктор искусствоведения).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 178.
Автопортрет
- 1933-1934
- Холст, масло. 93 х 66
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- Ж-568
Михаил Цыбасов в своем творчестве много внимания уделял созданию автопортретов, а также портретов своих современников. Представленные в коллекции МИИ РК автопортреты художника выполнены в разные периоды, начиная с 1924 года и заканчивая 1950-ми годами. Всматриваясь в каждый из них, убеждаешься, что они совпадают с определенными вехами жизни художника, в каждом запечатлелись новые поиски, новый круг интересов, ощущение определённого исторического отрезка времени.
Работа над автопортретом в 1933–1934 годах велась художником почти ежедневно. В своём дневнике Михаил Цыбасов пишет:
« 29 ноября 1933. С утра работал портрет. Идёт как-то туго, не выверены, как следует, силовые отношения.
14 декабря 1933. С утра автопортрет, выверял всё время пропорции, нужно писать всё кругом. А к лицу придется всё равно вернуться после того, как напишу кругом.
19 декабря 1933. Утро работал <…> .
20 декабря 1933. Портрет начинает вырабатываться (доличное).
2 января 1934. День работал автопортрет…»
И вот художник решается показать ещё не законченную работу учителю, Павлу Филонову:
21 февраля 1934. «С утра неожиданно решил поехать к П<авлу> Н <иколаевичу> показать портрет, не долго думая собрался и поехал. Сделали тщательный разбор и нашли немало слабых пунктиков. Сделать табуретку, писать шею, руки, галстук, воротник, прорисовать и проследить форму ног. Писать всё лицо, вводя цвета живописных элементов. Работу вести только лессировкой. Пузырек с тушью, работать границы и выверить силу отношений клеенки, рубашки, край палитры, некоторые куски на дверях (линия, щель)».
Судя по дневниковым записям, портрет был готов к декабрю 1934 года. Одно из лучших произведений Михаила Цыбасова, в котором строгость, напряженность позы сочетаются с мягким, лиричным взглядом, тёмная цветовая гамма одежды, нехитрых предметов быта – с тёплым цветом румяного лица. Этот цвет подчёркивает и северное происхождение художника, и незапятнанность его души, и радостное мироощущение. И лишь слегка обозначенная горькая складка у губ говорит об испытаниях, что уже выпали и ещё выпадут на долю живописца. «Впереди ещё предстоит много испытаний, – писал М. Цыбасов во время работы над портретом, – и необходимо быть во всеоружии и языка, и пера, и кисти» (3 декабря 1933).
Автопортрет (Художник)
- 1933
- Холст, масло. 73 x 66
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1516
В поздних работах художника очевидно нарастающее тяготение к фигуративности, на первый взгляд, вынужденное, на самом же деле не противоречащее мироощущению Малевича, который, как он сам написал, «в глубине души всегда оставался классиком». В «Автопортрете» Малевич изображает себя в костюме итальянского дожа. Живописные приемы адресуют нас к фрескам Ренессанса и иконным традициям Древней Руси. Художник подчеркивает сдержанное выражение лица, величественность позы и непривычный жест руки, более естественный в изображении иконописного святого, нежели в автопортрете. Все эти детали преднамеренны, они возвеличивают образ. Не случайно Малевич на обороте холста сделал надпись — «Художник». Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 340.
На «Автопортрете» 1933 года с авторским названием«Художник» Малевич изобразил себя в костюме итальянского дожа — одеяние Реформатора с геометричной структурой и характерным чередованием белого, чёрного, красного и зелёного цветов. Жест руки, словно удерживающей на ладони невидимый геометрический объем, — завет потомкам, ключ к пониманию супрематизма, признающего опорожнённый от предметов мир как подлинную реальность.
«Художник открывает мир и являет его человеку… быть художнику среди вещей необходимо, ибо через него открывается новое видение, новая симметрия природы, он находит (как принято называть) красоту…» , — провозгласил Малевич в торжественных строках своей оды «Художник», написанной в начале 1920-х годов.
Именно так он изображает себя в последнем автопортрете — Творцом, носителем высшего знания и высшей воли, Демиургом, диктующим миру свой закон, Художником, неподвластным неразумным силам исторического времени, выпавшего на его земную долю. Он, словно наперекор внутренним творческим сомнениям и противоречиям, человеческому несовершенству и жизненным бедам, утверждает свое право на посмертный, обращенный к потомкам миф.
Малевич ушел из жизни в мае 1935 года. Прощание и похороны, организованные его учениками и друзьями, представляли собой последнюю публичную акцию супрематизма в Советской России. В зале Ленинградского Объединения Союза Советских Художников во время прощания была организована выставка, и Хармсом были прочитаны стихи. По Невскому проспекту (тогда проспекту 25 Октября) прошло траурное шествие: на открытой платформе грузовика с Черным квадратом на капоте был установлен супрематический саркофаг. После кремации в Москве, урну с прахом Малевича погребли в деревни Немчиновка, вблизи одинокого дуба.
Над захоронением «Казимира Великого», «Председателя Мирового Пространства» был установлен памятник, спроектированный Николаем Суетиным, — куб с Черным квадратом.
Портрет Н. Н. Пунина
- 1933
- Холст, масло. 69 х 57
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1517
Портрет, созданный в 1933 году, сближается с серией известных „ренессансных" портретов художника.
Пунин Николай Николаевич (1888—1953) — искусствовед, музейный деятель, идеолог новейшего искусства. Сотрудник ГРМ (1913— 1933), хранитель и заведующий организованным им отделом новейших течений (1926—1931). Ольга Шихирева // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 398.
Созданный в 1933 году «Мужской портрет» сближается с серией известных «ренессансных» портретов художника. Есть в нем будоражащая неестественность, логика несоответствий, соединившая реальное, написанное в реалистической манере лицо и полуфантастические «супро-ренессансные» головной убор и одеяние персонажа. В совокупности всех составляющих изображение Малевич достигает ощущения недоговоренности, граничащей с абсурдом двойственности образа. (О. Ш.).
Пунин Николай Николаевич (1888–1953) – искусствовед, музейный деятель, идеолог новейшего искусства. Сотрудник ГРМ (1913– 1933), хранитель и заведующий организованным им отделом новейших течений (1926– 1931). Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 220.
Портрет композитора С. С. Прокофьева
- 1934
- Холст, масло. 92,0 х71,0
- Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
- Ж-148
«Я давно уже считал себя по преимуществу портретистом. В детские годы, в лицее, в университете, в академии, в Мюнхене – всюду больше всего занимался портретом, который давался мне легко и выходил лучше всего другого», – писал о своём портретном искусстве Игорь Эммануилович Грабарь.
Период наиболее активного увлечения портретом у И. Э. Грабаря пришёлся на 1920-е – 1930-е годы. В этот период он создал яркие и выразительные портреты своих современников – К. И. Чуковского, академика С. А. Чаплыгина, членов семьи.
Композитора Сергея Сергеевича Прокофьева (1891–1993) художник писал неоднократно. Грабаря привлекали одухотворённость и внутренняя энергия, исходившие от этого талантливого человека. Художника и композитора роднило стремление служить искусству. Грабарь с одинаковым успехом работал во всех жанрах живописи, и Прокофьев писал оперы, балеты, симфонии, концерты для инструмента с оркестром, сонаты.
В 1930-х годах С. С. Прокофьев был уже всемирно известным русским советским композитором. К этому времени состоялись триумфальные постановки его опер «Игрок» в Брюсселе, «Любовь к трём апельсинам» в Чикаго, «Огненный ангел» в Венеции, балетов «Шут» и «Стальной скок» в Париже, «Трапеция» в Готе.
В 1934 году Прокофьев вернулся из-за границы, где с большим успехом проходили его фортепианные концерты. Его портреты, для которых он позировал в одной и той же куртке, писали И. Э. Грабарь и П. П. Кончаловский. «Во всем облике Сергея Прокофьева – внутреннем и внешнем – есть ярко выраженная динамичность. Я искал передать это в самой позе – поднятой вверх голове, движении левой руки, положении плеч, устремленности взгляда», – писал И. Э. Грабарь о своей работе над портретом композитора.
Встреча артистов театра имени Константина Станиславского со слушателями Военно-воздушной академии имени Николая Жуковского
- 1938
- Холст, масло. 297,5 x 375,5
- Государственный Русский музей
- Ж-5602
Картина написана для выставки „ХХ лет РККА и ВМФ“, также выставлялась на Всемирной выставке 1939 года (Нью-Йорк).
Среди гостей изображены: слева от К. С. Станиславского — Герой Советского Союза Н. П. Каманин, солисты балета М. И. Шарова и П. И. Макеев. Справа от К. С. Станиславского — старший лейтенант А. Н. Полосухин, народная артистка РСФСР М. Л. Мельтцер, заслуженный артист РСФСР М. Н. Жуков, актриса театра А. Т. Васильева. Напротив К. С. Станиславского — народная артистка РСФСР М. С. Гольдина. На первом плане в кресле сестра К. С. Станиславского — 3. С. Соколова.
Обращение к групповому портрету театральных деятелей не случайно в творчестве Ефанова — длительное время художник был увлечен театром, сам был актером, женой его стала актриса театра им. К. С. Станиславского. И хотя в середине 1930-х годов Ефанов отошел от сцены, театр оставался ему по-прежнему дорог.
Событие, послужившее сюжетом для картины, произошло 22 декабря 1935 года в квартире-студии К. С. Станиславского. Начал работать над картиной художник в 1937, закончил через год, когда великий режиссер уже умер. В композиции изображено тридцать восемь персонажей, портреты которых художник писал с натуры. В автобиографии Ефанов вспоминает: „Артисты и летчики — были мною написаны прямо с натуры. Позировали долго, подчас по ночам. Все детали картины — натюрморт на столе, стулья, огромный ковер — написаны также с натуры“. Не раз Ефанов встречался и со Станиславским, изучая его характер, манеры, позы и жесты делая многочисленные наброски, рисунки, этюды.
Многофигурная композиция удачно скомпонована, интерьер и праздничный застольный натюрморт написаны свободно, широко, не отвлекая, однако, внимания от происходящего. Смысловым центром композиции стала фигура: стоящего режиссера — все присутствующие обращены к нему. Театр, руководимый К. С. Станиславским, шефствовал над Высшей военно-воздушной академией им. Н. Е. Жуковского, и темой картины стали новые отношения разных социальных групп, их взаимопонимание и искреннее уважение друг другу. Полностью отвечая идеологическим требованиям времени, картина призвана проиллюстрировать идею красоты и благородства людей нового времени, подчеркнуть возможность подобного союза только в условиях социалистического общества. // Алиса Любимова. Большая картина. СПб., 2006. С. 251.
Портрет И. И. Бродского
- 1938
- Холст, масло. 120 х 90
- Государственный Русский музей
- Ж-5685
Лактионов писал портрет своего учителя в пору тяжелой болезни мастера. Это произведение своеобразно завершило период ученичества Лактионова и одновременно явилось определенной вехой, обозначившей начало его творческого пути. По воспоминаниям автора, портрет Бродского писали несколько его учеников одновременно: „Каждый старался как можно лучше и вернее передать черты <...> любимого учителя". Лактионов в полной мере воспринял живописный метод своего педагога. Портрет весьма выразителен своей строгостью, композиционной точностью, пространственной режиссурой. По словам Лактионова, Бродский остался портретом доволен, о чем свидетельствует, быть может, и грустная его фраза, сказанная в шутливо-дружеском тоне: „Теперь можно, пожалуй, и умирать". Портрет, действительно, оказался последним изображением художника. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 399.
Бродский Исаак Израилевич (1883 (1884), Софиевка Таврической губ. — 1939, Ленинград) — живописец, график, художник театра, педагог, автор статей, посвященных искусству.
В 1896—1902 учился в Одесском художественном училище (ОХУ); 1902-1908 в Высшем художественном училище (ВХУ при ИАХ). В 1909-1911 как пенсионер Академии художеств (ИАХ) посетил Германию, Францию, Испанию, Англию, Австрию, Италию. С 1904 участник выставок. Член и экспонент объединений: Новое общество художников (НОХ) — 1904, 1906; Общество им. Леонардо да Винчи (ОЛ) — 1907; Товарищество южно-русских художников (ТЮРХ) — 1907, 1910, 1912—1913; Союз русских художников (СРХ) — 1908—1918 (член с 1910); Московское общество любителей художеств (МОЛХ) — 1908—1909; "Группа художников" (ГХ) — 1909—1911; "Мир искусства" II-1911; Товарищество передвижных художественных выставок (ТПХВ) —1914—1916; Еврейское общество поощрения художеств (ЕОПХ) - 1915-1919; Общество им. Куинджи (ОбК; председатель правления) — 1917, 1920, 1924, 1929—1930; "Дом искусств" (ДИ) — 1920—1922; Общество художников-индивидуалистов (ОХИ) — 1921; Община художников (ОХ) — 1921—1922, 1924(?); "Шестнадцать" (ГХ 16) — 1922—1924, 1927; Ассоциация художников революционной России (АХРР) — 1925, 1926, 1928; Объединение художников им. И.Е. Репина (ОбР) — 1927—1928; Общество живописцев (ОЖ) — 1928—1930; "Цех художников" (ОЦХ) - 1930-1932; Объединение работников изобразительных искусств (ИССТР) — 1932. С 1932 член СХ СССР. С 1932 профессор. С 1934 директор Всероссийской академии художеств (ВАХ). С 1934 заслуженный деятель искусства РСФСР.
Портрет А. К. Тарасовой
- 1939
- Холст, масло. 126 х 98
- Государственный Русский музей
- Ж-5939
А. Н. Толстой в гостях у художника
- 1940–1941
- Холст, масло. 142 х 168
- Государственный Русский музей
- Ж-8647
Впервые портрет экспонировался в марте 1941 года на выставке XXXV лет творческой деятельности П. П. Кончаловского под названием «А. Н. Толстой у меня в гостях». Живописец писал Алексея Николаевича Толстого у себя в гостях на даче в Буграх. Обоих мастеров связывала давняя дружба, и общение их было постоянным. В увлекательных рассказах ученого, писателя, артиста – Ираклия Луарсабовича Андронникова, звучавших в 1970–1980-х годах на концертах и с экранов телевизоров, живо передана атмосфера встреч у писателя, в том числе и с Петром Кончаловским. Надо полагать, подобное гостеприимство проявлял и художник. Вообще радушие, хлебосольство в полной мере было присуще обоим. Роскошный натюрморт, развернутый перед гостем и зрителем, поражает не только гастрономическим, но и эстетическим изыском. Сочные яства, сочная палитра, где каждый предмет не только веществен, но входит в колористическое созвучие холста – и старинный штоф, и млеющее в бокале вино, и золотистый окорок, и свежие фрукты. Все это хорошо увязано в цвете с охрой стены, кажется, пахнущей деревом, моделирующей плотную фигуру Алексея Николаевича Толстого. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 261.
Толстой Алексей Николаевич (1882/1883– 1945) – писатель, общественный деятель, академик АН СССР (1939), лауреат Сталинских премий (1941, 1943, 1946). // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 260.
Портрет А. Н. Толстого
- 1940
- Холст, масло. 105 x 98
- Государственный Русский музей
- Ж-5605
С писателем Павел Корин познакомился весной 1932 года у Горького в Капо-ди-Сорренто. В ту пору были сделаны первые зарисовки с Толстого, другие — у Горького же в подмосковных Горках. Сам портрет был написан на даче Алексея Николаевича в Барвихе, в течение месяца, очевидно, в феврале (о чем свидетельствует фотография, запечатлевшая художника, модель и почти законченный портрет). Портрет был одним из заказанных в 1939 году Комитетом по делам искусств изображений видных деятелей советской культуры. Прекрасно вылепленная голова, породистое лицо, высокий лоб, осанистая фигура, взгляд, обращенный в себя. Темный силуэт рельефно моделируется цветом горячих тонов стены. Край книжного шкафа с корешками книг за стеклом — лишь намек на профессию. Неторопливый, но строгий ритм организует композицию. Холст фрагментарен, что позволяет укрупнить фигуру. Все здесь значительно – и стать, и интеллект.
Толстой Алексей Николаевич (1882/1883– 1945) – писатель, общественный деятель, академик АН СССР (1939), лауреат Сталинских премий (1941, 1943, 1946). // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 260.
Портрет заслуженного деятеля искусств, лауреата Сталинской премии Н. С. Самокиша
- Конец 1930-х - начало 1940-х (?)
- Холст, масло. 26 х 31,5
- Симферопольский художественный музей
- Ж-55
Художник Михаил Рыбников изобразил своего учителя — выдающегося художника, педагога, академика батальной живописи, действительного члена Императорской Академии художеств, заслуженного деятеля искусств РСФСР, лауреата Сталинской премии II степени, автора статей, монографий и книг по искусству Николая Семёновича Самокиша (1860–1944). Н. С. Самокиш создал художественную студию в Симферополе, на базе которой основано Крымское художественное училище (1937). Именем Н. С. Самокиша названа улица и художественное училище в Симферополе, переулок в Харькове. В Симферополе на доме, где он жил, установлена мемориальная доска.
На полотне Николай Семёнович изображён таким, каким его знал М. С. Рыбников: худощавый, седой, в очках, хоть и в преклонном возрасте, но бодрый и деятельный, в тёплый весенний день на улице увлечённо работает над картиной.
Полотно находится в Симферопольском художественном музее, где долгое время был консультантом и большим другом музея Н. С. Самокиш, где многие годы работала дочь М. С. Рыбникова — Леонарда Михайловна, где сохраняется большая коллекция работ, фотографий и документов обоих художников.
Портрет писателя К. А. Тренева
- 1941
- Холст, масло. 119 × 110
- Луганский художественный музей
Полотно «Портрет писателя К.А. Тренева» живописец Пётр Кончаловский создал в суровом 1941 году. В лице писателя чувствуется тревога и сосредоточенность. За внешним спокойствием – напряжение чувств и мыслей. Портрет отличается глубоким проникновением во внутренний мир творчески одаренного человека, тонко нюансированным колоритом фиолетовых и желтых тонов, крепкой фактурной лепкой формы, присущей этому мастеру.
Константин Андреевич Тренёв (1876–1945) – советский писатель. Учился в Петербургском археологическом институте (1901–1903). Был известным драматургом. Спектакли по его произведениям пользовалась успехом, их нередко ставил В. И. Немирович-Данченко («Любовь Яровая», «Пугачевщина»). В спектакле К. А. Тренёва «На берегу Невы» впервые в драматургии был показан образ В. И. Ленина. Тесно дружил с писателем Максимом Горьким. Лауреат Сталинской премии первой степени (1941).
Автопортрет
- 1942
- Холст, масло. 62 х 48
- Государственный Русский музей
- Ж-7940
Трудно переоценить значение образной панорамы блокадного города, созданной Ярославом Николаевым в годы войны. В ней отразились страдания людей в осажденном Ленинграде и одновременно не сломленное их достоинство, воплотился увиденный с особой остротой облик города («я никогда так отчетливо не ощущал его красоту, проступающую сквозь боль, не чувствовал так цвет,» — говорил художник). Это отражало способность автора увидеть красоту сквозь трагедию — в лицах, поступках людей, в городских пейзажах. Исповедальной силой отражается и автопортрет художника. В нем воплотилось не только переживание автора, но и тех, среди которых жил художник. Портрет был создан после пребывания Николаева в стационаре для истощенных. Это произведение, хранящее печать времени, поражающее своей образной выразительностью, было написано на холсте, случайно найденном им в Союзе художников, и осталось впечатляющим художественным документом. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 268.
Портрет И. А. Орбели в кабинете в Эрмитаже
- 1942
- Литография. 56,5 х 61,5
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-9749
Иосиф Абгарович Орбели (1887, Кутаиси — 2 февраля 1961, Ленинград) — советский востоковед и общественный деятель, академик Академии наук СССР (1935), в 1934—1951 — директор Эрмитажа.
В годы Великой Отечественной войны, оставаясь во время блокады в Ленинграде, вёл большую работу по сохранению музейных ценностей. В 1941—1942 годах руководил охраной и эвакуацией Эрмитажа и ленинградских учреждений Академии наук СССР. В 1944 году участвовал в работах Чрезвычайной комиссии по обследованию ленинградских пригородных дворцов с целью установления ущерба, нанесённого немецкими фашистами и участвовал в работах по восстановлению Зимнего дворца и экспозиций Эрмитажа.
Портрет скульптора В.П. Акимова
- 1942
- Холст, масло. 70,0 × 90,5; в раме 80 × 98 × 6.
- Самарский областной художественный музей
- Ж-472
Скульптор В. П. Акимов, творчество и жизнь которого непосредственно были связаны с Самарой и Куйбышевом, запечатлён художником в процессе работы над бюстом А. С. Пушкина. В. П. Ефанов большое значение придает изображению рук, точности и уверенности их движений. "Руки, – говорил Василий Прокофьевич, – помогают и дополняют характеристику личности. Они как бы его второй портрет. Я по своей практике знаю, если не уделить должного внимания рукам, то самый хороший портрет окажется неглубоким, поверхностным".
Акимов Василий Петрович (1894 – 1977) – скульптор, заслуженный художник РСФСР. Участник Первой мировой войны.
Родился в селе Елховка Самарской губернии. Впервые на 21-й выставке картин самарских художников в 1914 году представил свои живописные работы, тогда же начал работать как скульптор. В 1918–1919 годах оформлял революционные праздники, клубы, кинотеатры, красноармейские красные уголки. С 1924 года – член Самарского общества пролетарских художников (АХРР). С 1930 года работал над монументальными скульптурными произведениями. В 1941–1952 годах – председатель Куйбышевского отделения Союза художников. Основные произведения: скульптурные композиции «Песнь о Соколе» (1939, СХМ), «Алексей Пешков – грузчик» (1939, Лит. музей им. Горького в Самаре), «В. В. Маяковский» (1945, музей Маяковского в Москве), «Бюст Горького» (1951, театр драмы в Самаре); монументальные композиции: «Рабочий», «Физкультурница» (1938, фасад ДК им. Куйбышева), «Конная фигура М. В. Фрунзе» (1942, завод им. Фрунзе) и др.
Портрет художника А. А. Блинкова
- 1942
- Холст, масло. 103 х 70
- Государственный Русский музей
- Ж-4426
Блинков Александр Александрович (1911-1995) – советский живописец и график.
Портрет написан 23 марта 1942 года.
В годы блокады Ленинграда Владимир Серов возглавлял Ленинградское отделение Союза художников, не прерывая при этом активной творческой деятельности. Создавал плакаты, портреты, картины (в частности, вместе с А. А. Казанцевым и И. А. Серебряным — «Прорыв блокады Ленинграда», «Встреча Ленинградского и Волховского фронтов»). Портрет Александра Александровича Блинкова — один из лучших в творчестве художника. Блинков был поистине человеком героической судьбы; сражаясь вместе с партизанами на юго-западе Ленинградской области в местах, получивших название Партизанского края, он создал своеобразную летопись событий. Он писал из-за линии фронта Серову: «На этой многострадальной земле я нахожусь четыре месяца. И я в отчаянии — не хватает времени! Вечно в дороге — отряды, группы, новые люди, заботы, чтоб не подмокли рисунки. Не замечаю времени, дней, часов. Иной раз и страху наберешься по горло, и в болоте по горло вязнешь, и по три дня клюкву по кочкам собираешь, наподобие глухаря. Ко мне привыкли как-то сразу. Считают своим. Живу, как все, делаю, что положено каждому партизану, да еще хорошо стреляю, да еще рисую, за чужие спины не прячусь». А здесь, на портрете — он с кистью в руках перед чистым холстом, сосредоточен, погружен в себя. Это состояние словно исподволь передает в строгой, почти аскетичной гамме автор портрета, написанного, очевидно, зимой 1942 года, ибо в марте Блинков был командирован во 2-ю партизанскую бригаду. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 271.
Блинков Александр Александрович (1911, Лозовая, Харьковская губ. – 1995, Санкт-Петербург) — советский живописец, график, педагог, автор диорам и панорам. В 1939 окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры по мастерской батальной живописи Р. Р. Френца. Участник Великой Отечественной войны и обороны Ленинграда. Писал жанровые и батальные картины, портреты, пейзажи, анималистику, участвовал в создании диорам и панорам. Автор картин «Взятие Выборга советскими войсками 12 марта 1940 года» (1941), «На зимние квартиры», «Взятие Тихвина» (обе 1942, ГРМ). Исполнил панораму «Оборона Петрограда» для Государственного Музея революции (совместно с Р. Р. Френцом), диорамы «Штурм Зимнего дворца» для музея Великой Октябрьской революции в Ленинграде (1957, совместно с Л. Я. Рубинштейном), «Сталинградская битва» для Центрального Военно-Морского музея в Ленинграде (1962) и другие.
Портрет писателя Сергея Владимировича Михалкова с сыном
- 1943
- Холст, масло. 158 х 130,5
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-490
На портрете, созданном живописцем Петром Кончаловским в 1943 году, писатель Сергей Михалков предстает в военной форме, с сыном Андреем на коленях. Картина была написана, когда Андрюше было 5 лет. Он держит в руках фуражку отца с характерным синим околышем летчика. Сергей Михалков во время войны был призван в армию в качестве военного корреспондента от газеты "Сталинский сокол" и действительно носил летную форму, поскольку газета была авиационная. Он писал патриотические очерки и стихи, а также сатиру на фашистов. Написал также сценарии к двум фильмам, за сценарий "Фронтовые подруги" был удостоен Сталинской премии. Кроме того, в 1943 году он принял участие в конкурсе на текст гимна СССР, для чего объединился с Эль-Регистаном. Как известно, именно их текст был призван лучшим. Две последующие редакции текста гимна Михалков уже делал сам.
Михалков Сергей Владимирович (1913–2009) – советский и российский писатель, поэт, драматург, публицист, баснописец, сценарист, общественный деятель, военный корреспондент. Герой Социалистического Труда (1973), заслуженный деятель искусств РСФСР (1967), лауреат Ленинской премии (1970), трёх Сталинских премий второй степени (1941, 1942, 1950), Государственной премии СССР (1978) . кавалер четырёх орденов Ленина (1939, 1963, 1973, 1983). Член ВКП(б) с 1950 года. С 1970 по 1990 год — председатель Союза писателей РСФСР. Отец кинорежиссёров, сценаристов, продюсеров, киноактёров, народных артистов РСФСР Никиты Михалкова и Андрея Кончаловского. Является соавтором текста гимна СССР и автором текста гимна России. Принадлежит к дворянскому роду Миха́лковых, Наибольшую известность писателю принесли его произведения для детей. В 1935 году вышло первое известное произведение, ставшее классикой советской детской литературы — «Дядя Стёпа».
Портрет Н. С. Ханаева
- 1945
- Холст, масло. 155 х 114
- Государственный Русский музей
- Ж-5578
Ханаев Никандр Сергеевич (1890-1974) — русский оперный певец, солист Большого театра (1926-1954), народный артист СССР (с 1951).
Портрет Народного артиста СССР С. Я. Лемешева
- 1946
- Холст, масло. 90,0 х 70,0
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Ж-293
В послевоенные годы неослабевающее внимание к театру приводит художника Василия Ефанова к созданию портретной галереи выдающихся мастеров искусства ‑ актеров, певцов, композиторов. Среди них интересен портрет любимого народом певца Сергея Лемешева, изображенного в период своего творческого расцвета, в то время выступавшего на сцене Большого театра.
Талант и незаурядность натуры поняты автором, стремящимся подчеркнуть в облике певца высокое артистическое начало. Лемешев представлен сидящим в несколько расслабленной позе, взгляд его выразительных голубых глаз устремлен вдаль. Знаменитый тенор словно погружен в мир образов, которые он создавал на сцене, и кажется, что он мысленно «пропевает» очередную партию. Внутренняя наполненность образа актера, словно погруженного в творческие раздумья, приподнимает его над мирской суетой. Артист остается загадкой.
Лемешев Сергей Яковлевич (1902—1977) — советский оперный певец (лирический тенор), оперный режиссёр, педагог. Народный артист СССР (1950). Лауреат Сталинской премии второй степени (1941).
Родился в селе Старое Князево (ныне в Калининском районе Тверской области) в бедной крестьянской семье. Рано потерял отца.
В 1914 году окончил церковно-приходскую школу, в зимнее время занимался сапожным делом в Санкт-Петербурге. Учился пению по граммофонным записям. Азы нотной грамоты и пения освоил в художественно-ремесленной школе, где участвовал в самодеятельных спектаклях и концертах. Во время учёбы на Тверских образцовых курсах комсостава РККА (1920) получил направление на учёбу в консерваторию.
В 1921—1925 годах учился в Московской консерватории.
С 1925 года пел в Оперной студии Большого театра под руководством К. С. Станиславского (ныне Московский музыкальный театр имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко), где, среди других, исполнял партию Ленского в опере П. И. Чайковского «Евгений Онегин»). Именно эта роль принесла певцу широкую известность и любовь зрителей.
В мастерской скульптора
- 1947
- Холст, масло. 74,5 х 60
- Государственный Русский музей
- Ж-4422
Главное действующее лицо этой жанровой сцены — известный советский скульптор И. М. Чайков, работающий над горельефом В. И. Ленина. В то же время Рянгина показывает, что диапазон тем и героев, к которым обращается Чайков, выходит за рамки официоза. Здесь же в мастерской находятся скульптурные портреты известных деятелей культуры, среди которых художник С. В. Герасимов, сотрудник Чайкова по преподаванию во ВХУТЕИН, и поэт Л. М. Квитко — член бывшего Еврейского антифашистского комитета, расстрелянный через несколько лет после создания этого полотна. Но центральное место, безусловно, занимает портрет В. В. Маяковского, «первосоздателем» образа которого в скульптуре стал именно Чайков, много лет работавший над проектом монументального памятника поэту. Елена Козлова // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 451.
На Академической даче
- 1948
- Холст, масло. 60,3 х 77,5 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-2267
В собрании Тверской областной картинной галереи хранятся двадцать восемь произведений кисти Николая Александровича Сысоева, это этюдный материал и законченные работы. Среди них картина «На Академической даче» (1948), написанная в послевоенном 1948-м году – в трудное время восстановления страны и возвращения ее к мирной жизни. Возрождающаяся культура домов творчества художников объединила начинающих живописцев и признанных мастеров. Под руководством корифеев молодые художники изучали приемы и методы освоения натуры, развивали собственное визуальное восприятие и перенимали опыт. Эта преемственность ощущается в работах многих авторов, прошедших школу Академической дачи. Тему тесной связи поколений отразил и Николай Сысоев в своей картине.
Знатокам и любителям отечественного изобразительного искусства хорошо знаком этюд «На Академической даче» (1898) кисти Ильи Репина, находящийся в собрании Государственного Русского музея. Репин изображает художников за работой в летний день, на фоне обильной зелени и голубого неба с облаками. Через пятьдесят лет Николай Александрович Сысоев, выражая признательность мастерству Репина, создает оммаж с одноименным названием. Сысоев в лучших традициях русской реалистической школы пишет художников за работой на вырубке зимнего леса, уделяя большое внимание деталям пейзажа, искусно вписывая многофигурную композицию в гармоничное пространство окружающей природы.
Портрет балерины А. Я. Шелест
- 1947‒1949
- Холст, масло. 145 x 100
- Государственный Русский музей
- Ж-5583
Картина-портрет, исполненная в мягкой серебристо-розовой гамме, воплощает в себе и мгновенное (между завершившимся и предстоящим действием) состояние. Портрет был написан живописцем в его мастерской довольно быстро. Орешников вспоминал: „В портрете балерины Шелест я хотел избежать какого-либо балетного движения и выразить характер пластики балерины, воспользовавшись спокойным состоянием, как бы таящим в себе возможности движения". Балерина ГАТОБ им. С. М. Кирова Алла Яковлевна Шелест (1919—1998) — народная артистка РСФСР, лауреат Сталинских премий (1947, 1951). Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 369.
Маяковский в 1920 году
- 1950
- Холст, масло. 214,0 x 114,0
- Мурманский областной художественный музей
- Ж-2690
Со студенческих лет Николай Денисовский увлекался поэзией В. В. Маяковского. Вместе с друзьями помогал поэту печатать первое собрание сочинений. Молодой художник и не предполагал, что войдет в ближайшее окружение поэта и будет в соавторстве с ним работать над знаменитыми «санплакатами» для Наркомздрава. Возможно, именно тогда и зародилась любовь к плакату, который станет одним из любимых жанров Николая Федоровича.
Владимир Владимирович Маяковский (1893–1930) – русский советский поэт, футурист. Один из крупнейших поэтов XX века. Ярко проявил себя как драматург, киносценарист, кинорежиссёр, киноактёр, художник, редактор журналов «ЛЕФ» («Левый фронт»), «Новый ЛЕФ».
Первое «полустихотворение» Маяковский напечатал в нелегальном журнале «Порыв», который издавался Третьей гимназией. По его словам, «получилось невероятно революционно и в такой же степени безобразно».
В Москве Маяковский познакомился с революционно настроенными студентами, начал увлекаться марксистской литературой, в 1908 году вступил в Российскую социал-демократическую рабочую партию.
30 ноября 1912 года состоялось первое публичное выступление Маяковского в артистическом подвале «Бродячая собака».
Маяковский оказал большое влияние на поэзию XX века. Он бесстрашно обращался к потомкам, в далёкое будущее, уверенный, что его будут помнить через сотни лет.
Портрет дирижера Ниязи
- 1951
- Холст, масло. 120x80
- Азербайджанский Национальный Музей Искусств (Баку)
- R-895
Выдающегося азербайджанского дирижера Ниязи Зульфугароглу Тагизаде-Гаджибекова (1912-1989) практически никто никогда не звал полным именем. Звали просто — маэстро Ниязи.
Ниязи Тагизаде-Гаджибеков получил начальное музыкальное образование в Баку. Затем учился в Московской детской музыкальной школе имени Гнесиных, Ленинградском центральном музыкальном техникуме, Азербайджанской государственной консерватории.
Будучи первым исполнителем кантат и ораторий ряда симфонических и музыкально-сценических произведений азербайджанских композиторов, он создал оригинальный стиль их исполнения. С его именем связано формирование азербайджанской национальной дирижерской школы. В трактовке маэстро Ниязи многие произведения национальных композиторов, в том числе опера Узеира Гаджибейли «Кероглу», вошли в золотой фонд азербайджанской музыки. Ниязи одним из первых осуществил записи мугамов «Раст» и «Шур».
Портрет О. Л. Книппер-Чеховой
- 1952
- Холст, масло. 90,5 x 72
- Государственный Русский музей
- ЖС-1817
В 1950-е и 1960-е годы мастер продолжал много работать, сосредоточившись на жанрах пейзажа и натюрморта. Он порой переписывает, в попытках улучшить цветовое решение, свои старые холсты. Реже, чем ранее, писал портреты. О по-прежнему высоком качестве творений семидесятилетнего художника, о неисчезнувшем с годами лирическом мировидении, зоркости глаз свидетельствует выполненный в светлой золотисто-лиловой гамме портрет умудренной жизнью актрисы МХАТ Ольги Книппер-Чеховой (1952, ГРМ). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 19.
Ольга Леонардовна Кни́ппер, с 1901 года Чехова (9 (21) сентября 1868, Глазов, Российская империя — 22 марта 1959, Москва, СССР) — русская и советская актриса, служившая в МХАТе; народная артистка СССР (1937). Жена писателя Антона Павловича Чехова.
Портрет писателя С. Муканова
- 1952
- Холст, масло. 95 х 67
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- Ж-878
Абрам Черкасский является одним из основоположников казахстанского изобразительного искусства. Работая в Казахстане с начала 1940-х годов, он воспитал целую плеяду талантливых живописцев республики, создал большое количество замечательных произведений в жанре пейзажа и портрета. Полотно «Портрет С. Муканова», созданное А. Черкасским в 1952 году, несет в себе черты стиля, сформированного под влиянием русской реалистической традиции XIX века. Произведение выполнено в классической манере репрезентативного портрета, но с элементами живописной «импрессионистической» раскованности, которой всегда отличались работы А. Черкасского. Герой портрета С. Муканов – один из первых национальных писателей, воспевавших в своих произведениях перемены, которые принесла в казахскую степь советская власть. Он является автором самого известного в литературе Казахстана романа «Ботагоз». С. Муканов, который в то время возглавлял Союз писателей КазССР, изображен сидящим за столом в белом кителе на нейтральном темном фоне. Художник создал образ сильного и уверенного в себе человека. Простота применяемых автором художественных средств и лаконичность композиции придают портрету особую выразительность.
Портрет А. Кастеева
- 1954
- Холст, масло. 91 х 65
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- Ж-906
Необыкновенным разнообразием отличается творческое наследие Народного художника КазССР Нагимбека Нурмухаммедова, который также ярко проявил себя как искусствовед и организатор музейного дела. Особый интерес художник всегда проявлял к портретной живописи, в области которой им было создано большое количество замечательных произведений.
Одной из ранних работ Н. Нурмухаммедова, созданной сразу после окончания Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина, стал «Портрет первого Народного художника КазССР А. Кастеева» (1954). Написанный на закате «сталинской» эпохи этот портрет еще несет в себе характерные для советской живописи тех лет черты «кориновской» манеры в портретной живописи, которая базировалась на реалистичности и подчеркнутой «жизненности» в репрезентации облика модели. В данном портрете, написанном молодым художником, выражено уважение к мэтру национального изобразительного искусства, подчеркнута его человеческая простота и предельная творческая собранность, которой отличался А. Кастеев. Несмотря на репрезентативность композиционного решения портрета, автор насыщает его теплым чувством личного трепетного отношения к талантливому мастеру, классику национального изобразительного искусства.
Кастеев Абылхан (1904, с. Чижин, Джаркентский уезд, Семиреченская обл. (ныне Алматинская обл.) – 1973, Алма-Ата) – Народный художник КазССР. Лауреат Государственной Премии КазССР.
Родился 10 января 1904 в с. Чижин Джаркентского уезда, Семиреченской области (ныне Алматинской). Рано оставшись без отца в 8 лет нанялся в пастухи. В 1927 устроился рабочим на строительство Турксиба. В 1929–1931 учился в художественной студии Н. Г. Хлудова в Алма-Ате. В 1934 участвовал в конкурсе, посвященном Абаю Кунанбаеву, был удостоен почетной грамоты и отправлен на учебу в Москву. В 1934-1936 учился в школе-студии им. Н. К. Крупской в Москве. В 1930-е годы Кастеев написал целую серию картин «Старый и новый быт». Участник выставок с 1934. Член СХ СССР с 1940.
В годы войны хотел отправиться на фронт, но на него пришла бронь, работал над плакатами на военную тематику. Общался со множеством культурных деятелей со всего Союза, приехавших в Алма-Ату в эвакуацию.
Жил и работал в Алма-Ате с 1929. Имя Абылхана Кастеева носит Государственный музей искусств Республики Казахстан.
Танцовщица Амина Дильбази
- 1954
- Холст, масло. 110 x 130
- Азербайджанский Национальный Музей Искусств (Баку)
- R-956
Портрет танцовщицы Амины Дильбази азербайджанский художник Микаил Абдуллаев написал в 1954 году.
Амина Дильбази родилась 26 декабря 1919 года. Впервые вышедшая на сцену в 1935 году, актриса исполнила песню Узеира Гаджибекова «Колхозные просторы». Она с высоким мастерством ставила танцы для кинофильмов, театральных спектаклей и оперных произведений, а также приобрела известность как художественный руководитель профессиональных танцевальных групп. Успешные выступления Амины Дильбази, которая в своем разнообразном репертуаре также отводила широкое место танцам народов мира в выступлениях на престижных международных конкурсах и фестивалях, находятся в ряду многочисленных успехов азербайджанского искусства. Амина Дильбази также сыграла огромную роль в обучении молодого поколения тонкостям хореографического искусства. Великая танцовщица внесла неоценимый вклад в становление азербайджанской школы национальных танцев.
Амина Дильбази является основательницей женского ансамбля «Чинар» при Медицинском институте, который был известен не только на Родине, но и за рубежом. Выдающего мастера называли Королевой азербайджанского танца.
Портрет писателя В. П. Катаева
- 1956
- Холст, масло. 100,0 × 80,0
- Самарский областной художественный музей
- Ж-868
Портрет писателя Казахстана Т. Кажибаева
- 1956
- Холст, масло. 100 х 80
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-21
Портретный жанр занимал ведущее место в творчестве одного из наиболее известных представителей соцреализма Александра Михайловича Герасимова. Этому способствовал дар художника легко схватывать сходство и талант живописца, воспитанного на традициях реалистического искусства. В его наследии особое место занимают изображение деятелей искусства: художников, писателей, артистов.
Новые знакомые
- 1957
- Холст, масло. 134 х 114
- Симферопольский художественный музей
- Ж-545
На картине крымского художника Виктора Алановича, написанной в 1957 году, в театральном зале изображены зрители, ожидающие начала спектакля. Посещение театров было очень популярно в советский период. Доступность билетов позволяла регулярно посещать спектакли всем слоям советского общества. В конце 1920-х – 1930-х годах значительно расширяется сеть театров. Создаются постоянные русские театры в столицах союзных республик. В начале 1930-х создаются театры для сельского зрителя – так называемые колхозно-совхозные театры, формируются первые театры Красной Армии. Растёт число театров для детей, широкое развитие получили театры кукол. В советском театре, чуждом национальной ограниченности, расширялся обмен творческим опытом, использовались лучшие образцы драматургии братских народов. На сцене русских театров шли пьесы украинских, армянских, грузинских, латвийских, эстонских авторов и авторов других республик.
Искусствовед А. И. Полканов: «В картине «Новые знакомые» Апанович ставит интересную тему о рождении производственной дружбы. Так можно понять картину. Просто убедительно композиционное построение трех главных фигур, тщательно проработаны они в рисунке и в цвете, хорошо читаются их отношения. Эти три женские фигуры очень удачны. Но, быть может, не следовало делать их подчеркнуто красивыми, так как это несколько отвлекает от внутренней характеристики. Зритель, любуясь приятными лицами, остается в некотором недоумении: кто же они такие. Он должен искать ответа у фигур второго плана, но и здесь не находит его».
Творческий отчет (Групповой портрет омских художников)
- 1957 г.
- Холст, масло. 132 х 180,5
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-677
Омский художник Тимофей Козлов написал картину «Творческий отчет» в 1957 году. Именно в этом году было построено здание для первого в Сибири Союза художников. В нём было всего несколько мастерских. Но и художников было тоже немного. Они все ютились по несколько человек в одной мастерской. В этих помещениях проходили и творческие отчеты. На полотне мы видим разбор произведения художника Любови Зотниковой (1924–2010). На мольберте стоит её работа, которую оценивает весь состав Дома художника во главе с председателем Омского отделения Союза Художников СССР Константином Щекотовым. По воспоминаниям современников Тимофей Козлов набрасывал портрет каждого участника портрета. Он мог долго искать позу, прописывать выражение лица каждого персонажа, чтобы в одной композиции прописать большое количество участников.
Портрет Степана Григорьевича Писахова
- 1958
- Холст, масло. 80 х 60
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-2537 АОМИИ
С именем художника Михаила Сергеевича Баранчеева связана целая эпоха в изобразительном искусстве Севера. Он был первым, кто открыл новый круг тем и сюжетов, новаторским в его картинах стало живое наблюдение жизни. Его творчество было хорошо известно не только в Архангельске, он постоянно участвовал в областных, зональных и всесоюзных выставках.
Впервые в Архангельск Михаил Сергеевич приехал в 1950 году, когда был еще студентом. «Архангельск поразил меня своей колоритностью, своим многообразием, и в 1953 году, после окончания учебы, я приехал сюда работать, – вспоминал художник. – Знаете, здесь все – и Россия, и множество северных народностей – все, что нужно для творческой натуры. Такой он – наш Север. Такой наш Архангельск».
Северный край во всем своем многообразии был главной темой произведений Баранчеева. Старый и новый Архангельск, морские и речные порты, поморские деревни, индустриальные и лирические пейзажи стали предметом подлинного интереса художника.
Наряду с пейзажем и жанровыми работами Михаил Сергеевич много работал над портретом, создав целую галерею известных людей города. В каждом портрете – характер и судьба.
Портрет известного художника и сказочника Степана Григорьевича Писахова демонстрирует задумчивую отрешенность. Поза портретируемого, поворот головы, отведенный от зрителя взгляд, говорят о погруженности в собственный внутренний мир. Баранчеев – мастер тональной живописи. Гармония лаконичной палитры приглушенных холодных цветов, богатство различных оттенков серого, черного и коричневого придает портрету настроение спокойствия. Степан Григорьевич производит впечатление человека содержательного, вдумчивого, основательного. Эта глубокая живописная характеристика идет вразрез с закрепленным в сознании обывателя образом Писахова – веселого и беззаботного сказочника. Внимательная кисть художника сумела уловить непростую личностную природу Степана Григорьевича.
Писахов Степан Григорьевич (1879, Архангельск – 1960, Архангельск) – живописец, график, этнограф, писатель-сказочник. Учился в ЦУТР барона А. Л. Штиглица (1902–1905) у А. Н. Новоскольцева. Участник выставок с 1910. Преподавал живопись в различных школах Архангельска (с 1928). Известен историями из жизни поморов.
В 1920-м, после окончательного установления в Архангельске советской власти, Писахов начинает активно работать. Губисполком поручает ему приведение в порядок музеев Архангельска. По заданию московского Музея Революции делает зарисовки мест боёв с интервентами на Севере, а для Русского музея — зарисовки памятников архитектуры на Мезени и Пинеге. Осенью 1920 года участвует в комплексной экспедиции в Большеземельскую тундру. В 1923 году ведёт сбор материалов для этнографической экспозиции Севера на первой Всесоюзной сельскохозяйственной и кустарно-промысловой выставке в Москве.
В 1924 году в сборнике «На Северной Двине» была опубликована первая сказка Писахова «Не любо — не слушай…». Снискал известность как автор оригинальных сказок. Перу Степана Писахова принадлежат также интересные путевые очерки, рассказывающие об освоении Арктики, об экспедициях в Заполярье, заметки, дневники.
Портрет скульптора А. Е. Зелинского с дочерью
- 1958
- Холст, масло. 208,0 × 105,0; в раме 209 × 153 × 5
- Самарский областной художественный музей
- Ж-1105
Дмитрий Жилинский нашел свой собственный, отличный от художников «сурового стиля», путь в искусстве, обратившись к средневековой, ренессансной и древнерусской традициям. Работы Дмитрия Жилинского отличает детальный и точный рисунок. Портретное сходство моделей в работах Жилинского сочетается с глубоким психологизмом. Цветовая гамма многих его произведений восходит к канонам древнерусской живописи. Творческое использование художественных приемов прошлого органично сочетается с современной художнику проблематикой. Герои его произведений – современники, друзья, родные и близкие ему люди: художники, музыканты, ученые. Всё творчество художника – это настоящий гимн советской интеллигенции.
На парном портрете скульптора А. Е. Зеленского с дочерью (1958) представлены не просто родные по крови люди, а единомышленники, зрителем считывается их духовное родство. Жилинский сумел скупо и тонко отобразить творческую натуру не за непосредственной работой скульптора, а через взаимоотношения в семье, через окружающую домашнюю обстановку.
Зеленский Алексей Евгеньевич (настоящее имя – Попов Алексей Федорович) (1903–1974) – советский скульптор, график, сценограф, педагог. Член Союза художников СССР. Окончил Нижегородский художеств, техникум (1926), ВХУТЕИН (1930). Учился у В. Е. Татлина, В. А. Фаворского, Р.Р. Фалька и А.В. Куприна, В.А. Фаворского, В.И. Мухиной Начинал как монументалист и театральный художник. В 1934–1936 годах – художник на Конаковском фаянсовом заводе. Станковая скульптура, мелкая пластика и др. В годы Великой Отечественной войны Зеленский работал в творческой группе оформителей станции метро «Новокузнецкая» в Москве. Впоследствии уделял много внимания жанру портрета. На всемирной выставке «ЭКСПО» в Брюсселе (1958) монументальная композиция А.Е. Зеленского — «Рабочий» и «Колхозница» — были выставлены у входа в Советский павильон. По проекту Зеленского выполнены изображения гербов СССР на зданиях Кремлевского Дворца съездов (1961) и аэропорта «Шереметьево». Зеленский применял в своих работах новые, нетрадиционные материалы – гипс, бронзу, мрамор, дерево, фаянс, перламутр, кованое железо, кость мамонта.
В память погибшим
- 1959-1960
- Холст, масло. 220 х 360
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-42
Картина «В память погибшим» – не просто групповой портрет, но более сложное жанровое, автобиографическое произведение Народного художника РСФСР Дмитрия Жилинского. Среди людей, возлагающих цветы к воинскому захоронению, изображены сам художник, члены семьи, например, мама художника и жена художника, скульптор Нина Жилинская, его близкие друзья. Автор нашел способ объединить два пласта памяти: официальный, государственный дискурс и ритуалы с семейными, личностно окрашенными воспоминаниями. Картина стала посвящением погибшему на фронте старшему брату художника, Василию.
Портрет М. М. Пришвина
- 1959-1960
- Холст, масло. 119,5 х 134,5
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
Широкую известность А. И. Кириллову принесли жанровые картины, где главными героями были известные писатели и поэты. В портрете известного писателя мастер показал пожилого человека, сидящего среди лесного массива облокотившись на широкий ствол дерева, рядом с ним любимый охотничий пес. Пришвин погружен с вои мысли и является частью той природы, которую воспел в своих произведениях и которую так поэтично и музыкально показал художник.
Михаил Михайлович Пришвин (1873 – 1954) – русский и советский писатель. Родился в селе Хрущёво-Лёвшино Липецкой области. В 1893 году окончил Тюменское Александровское реальное училище, в этом же году поступил на химико-агрономическое отделение химического факультета Рижского политехникума. В 1897 году из-за своей политической деятельности был арестован и отчислен. В 1901 году был зачислен в Лейпцигский университет, который окончил как инженер-землеустроитель. Работал корреспондентом в газетах, общался с Максимом Горьким, А. Н. Толстым, Д. С. Мережковским. Пришвин много путешествовал по России, собирал местные предания. В своих произведениях неизменно обращался к теме взаимодействия человека с природой, К. Г. Паустовский называл его «певцом русской природы».
Тамара Хатанзейская, заведующая Окружной библиотекой
- 1959
- Картон, масло. 40,5 х 30,0
- Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
- Ж-19
Безумов Александр Николаевич – замечательный мастер портрета. Много и с любовью писал своих земляков и известных людей Ненецкого округа.
К плеяде одаренных и талантливых людей библиотечного дела, безусловно, относится Тамара Тимофеевна Хатанзейская – заведующая библиотекой с 1953 по 1978 годы. Это первая библиотекарь-ненка со специальным высшим образованием. Награждена орденом Трудового Красного Знамени (1967), медалью «За доблестный труд. В ознаменование 100-летия со дня рождения В. И. Ленина (1970).
Именно тогда, в 1953 году, библиотека въехала в специально построенное здание, рассчитанное на 50 тысяч томов, по адресу: г. Нарьян-Мар, улица Тыко Вылки, дом 6А. Здесь имелись абонемент, читальный зал, книгохранение.
В 1960-70-е годы при Тамаре Тимофеевне библиотечная работа наполняется новым содержанием, расширяется зона обслуживания. В 1960-м году появляется должность методиста, в 1961-ом открывается свободный доступ к книжным фондам, в 1965-ом выделен передвижной фонд (через передвижные библиотеки обслуживается население ближайших поселков, рыболовецкие участки, предприятия и учреждения города). В 1972 году организована юношеская кафедра, на которой обслуживали молодежь от 15 до 20 лет. Читатели также получили возможность заказывать литературу по Межбиблиотечному абонементу (МБА).
Молодая женщина изображена в начале своего творческого пути. Она задумчива, ракурс ее головы естественен, лицо доброе, красивое и мудрое с четкой линией тонких светло-алых губ. Тамара Тимофеевна терпеливо ждет окончания сеанса позирования, она позволила себе оторваться от работы, чтобы художник мог выполнить свою работу.
Портрет художника Г. Нисского
- 1960
- Картон, масло. 70 х 50
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-2344 АОМИИ
Василий Кириллович Нечитайло принадлежит к старшему поколению мастеров советского искусства. Как многие художники своего времени, он начал творческий путь еще в 1930-е годы. Окончил знаменитый Суриковский институт, где его преподавателем был выдающийся художник Сергей Герасимов. Всесоюзную известность художнику принесли картины, связанные с историей своей страны, со становлением советской власти, о чем говорят и сами названия картин «Первая борозда», «В колхозный клуб», «Колхозная молодёжь», «Любочка-почтальон», «Хлеб Родине», «За Советскую власть». Он оставил яркий след в истории советской живописи, был принят Членом-корреспондентом Академии Художеств СССР, удостоен звания Народного Художника РСФСР. В день смерти художника правлением Союза Художников СССР было принято решение о присвоении ему звания Народного Художника СССР. На родине В. К. Нечитайло в г. Сальске открыта художественная галерея его имени. Там же в 1982 г. ему был поставлен памятник.
Помимо исторических полотен значительное место в творчестве художника занимают пейзажи и портреты современников. Перед нами «Портрет художника Г. Нисского» 1960 года создания. Существует несколько вариантов портретов, написанных Нечитайло. Один из них представлен в собрании архангельского музея «Художественная культура Русского Севера». По всей вероятности, Василия Кирилловича привлекал колоритный образ художника, своего современника. Он пишет его раскованно, в расстегнутом полушубке, в глубоко надвинутой на лоб фуражке – все это выдает свободолюбивый и независимый характер, акцент в виде яркого красного шарфа дополняет эти качества.
Нисский Георгий Георгиевич (1903–1987) – известный советский художник-пейзажист, его полотна наполнены динамикой. Поездка в Новороссийск в 1928 году придала новое звучание таланту художника: очарованный красотой моря, он переключается с индустриальных пейзажей на морские, а также создает ряд иллюстраций к литературным произведениям на морскую тематику.
Эскиз декорации к кинофильму «Мирное время». Первое собрание
- Из серии «Таджикистан революционный»
- 1960
- Холст, масло. 60,0 х 120,0 см
- Национальный музей Таджикистана, Душанбе
- ТД-370
В эскизе декорации к кинофильму «Мирное время» «Первое собрание» (из серии «Таджикистан революционный») таджикский художник Давид Ильябаев представляет интерьер зала с тремя большими окнами. Слева на сцене стол, покрытый кумачом, за столом – четверо мужчин. Один, в чалме, держит речь перед собравшимися, которые расположились на длинных скамьях рядами. На первом плане – мужчина в шапке, положившей руку на плечо впереди сидящего; правее – мужчина, повернувший голову к человеку в зеленом халате и чалме, с палкой, сидящему позади. За ним несколько стоящих людей, справа у барьера две переговаривающиеся женщины. Сцена украшена флагами, лозунгами и портретом К. Маркса. Между окнами – два плаката: один с изображением кузнеца и текстом «Каждый удар молота – удар по врагу» и второй «1-е мая – Всероссийский субботник». С потолка свешиваются две горящие керосиновые лампы под круглым абажуром. В цветовой гамме картины преобладают охристо-коричневые, зелено-синие и красные тона.
Портрет В. А.Фаворского
- 1961
- Холст, масло. 209 х 118
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-103
О своих учителях и наставниках Дмитрий Дмитриевич Жилинский не раз говорил в воспоминаниях. Их образы живут и в его искусстве. Так, в числе ранних произведений художника выделяются портреты И. Е. Ефимова и В. А. Фаворского. Художник вспоминал: «Я жил рядом с Фаворским до последнего его вздоха, и сейчас слова этого мудрого человека постоянно всплывают во мне».
В памяти художника надолго запечатлелись размышления Фаворского о теории изобразительного искусства, принципах построения композиции: «Он осмысливал время, форму, архитектуру. Он постоянно рассматривал, как художники строили пространство. Он предпочитал дорический стиль, когда колонны отмечают передний план и пропускают взгляд до определенной глубины, а затем возвращают назад. Именно так он строил свои работы».
Влияние идей Фаворского, прямое или опосредованное, можно найти в целом ряде композиций Дмитрия Жилинского. В 1966 году «Портрет В. А. Фаворского» участвовал в Венецианской биеннале вместе с работой «Гимнасты СССР».
Владимир Андреевич Фаворский (1886–1964) – российский и советский график, иллюстратор, ксилограф, искусствовед, сценограф, педагог. Академик АХ СССР. Народный художник СССР.
Портрет академика А.И.Опарина
- 1962
- Холст, масло. 114,0 x 84,0
- Муромский историко-художественный музей
- Ж-230
В творчестве Бориса Иогансона значительное место отведено созданию образа современника. «Портрет академика Опарина» – портрет-тип. Автор показывает человека определенной эпохи, представителя трудовой интеллигенции. Художник запечатлел образ ученого – светила науки, искателя истины, много труда вложившего в развитие советской научной мысли.
Академик Александр Иванович Опарин — советский биохимик, создавший теорию возникновения жизни на Земле из абиотических компонентов, он же предложил термин «первичный бульон».
На портрете академик Опарин изображен за кафедрой на нейтральном, не отвлекающем внимания фоне. На столе перед ним расставлены стеклянные сосуды, которые дают зрителю намек о роде занятий модели.
Портрет композитора С. Мухамеджанова
- 1962
- Холст, масло. 164 х 88
- Атырауский областной музей художественного и прикладного искусства имени Шаймардана Сариева
- инв.№ 1-975
На полотне П. М. Попова, с 1938 года жившего и работавшего в Казахстане, изображен Сыдык Мухамеджанов (1924–1991) – известный казахский композитор, один из основоположников композиторской школы республики, народный артист КазССР и СССР, лауреат Государственной премии. Он сидит за роялем, свободно откинувшись на спинку стула. Разложенные вокруг ноты, карандаш в руке и сосредоточенное лицо говорят о погруженности композитора в творческий процесс. Цветовая композиция построена на контрасте белоснежной рубашки, эффектно написанной на фоне серебристой стены, и черного рояля, что придает картине торжественность и особую выразительность.
Портрет Зары Долухановой
- 1963
- Холст, масло. 89,5 х 59,5
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-2359 АОМИИ
Алисе Ивановне Порет довелось стать одной из интереснейших и ярких фигур художественной жизни России ХХ века. Поколение, к которому она принадлежала, в 1920–30-е годы формировало новый образ мышления, определяло вектор развития культуры и искусства, преодолевая застарелость отживших явлений. Ее творчество, совсем не претендующее на «лавры» эпохи, тем не менее привлекали к ней пристальное внимание и вызывали восторг у самого широкого круга ее обожателей и поклонников, людей в основном интеллектуальных профессий. В своем творчестве она сумела любое, даже самое заурядное событие преобразить в праздник, игру, презрев условности сурового и совсем не безобидного мира. Ее произведения, отмеченные фовистской яркостью, остроумием, незаурядным литературным даром, энергией неутомимого художника, открыли её несомненный талант – талант ярко жить.
Ей повезло с учителями: профессиональные знания, навыки и мастерство она получала от выдающихся педагогов. Поступив в Академию художеств, она занималась в живописной мастерской Петрова-Водкина. Одним из ассистентов мастера был П. И. Соколов, который в Петрограде славился своим талантом рисовальщика. Порет и здесь получила драгоценный опыт, пригодившийся ей в работе над детскими книгами в Детгизе.
Наиболее значительным периодом в творчестве А. И. Порет считается время её работы под руководством одного из лидеров русского авангарда, теоретика аналитического искусства Павла Филонова с 1926 по 1935 год. Понимание художественных принципов мастера утвердило Порет среди ведущих мастеров аналитического искусства. Работы художницы в этот период поражают проработанностью деталей и точным следованием методу «сделанности», умением «работать точкой», заполняя шаг за шагом все пространство холста пестрым ковром переливающейся дивными красками живописи.
В конце 1920-х годов Порет работает над оформлением детских книг. После войны Алиса Ивановна, поселившись в Москве, была оторвана от привычного уклада и ленинградского окружения. Со временем она продолжила свои живописные занятия. С конца 1940-х и до начала 1980-х годов Порет написала множество портретов своих московских друзей. Свой «портрет от Порет» мечтали иметь многие, она умела отражать на своих полотнах проявления индивидуальных черт портретируемого.
В знойной цветовой палитре пишет художница «Портрет Зары Долухановой». Народная артистка СССР, лауреат Ленинской и Государственной премий, Зара Александровна Долуханова (1918–2007) – одна из ярчайших и неповторимых звезд «бельканто ХХ века». На протяжении десятилетий она была кумиром – самой любимой и обожаемой певицей в России. Для нее писали Прокофьев, Шостакович, Щедрин и другие композиторы-современники. В этом колоритном портрете Алиса Порет сумела передать феноменальное мастерство артиста сцены, неповторимый шарм личности, яркий вокальный талант.
Муса Джалиль в Моабитской тюрьме
- 1965
- Холст, масло. 197 х 285
- Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан (Казань)
- Ж-2926
На картине изображен татарский поэт Муса Джалиль, ожидающий казни в тюремных застенках, но не сломленный фашистами.
Муса Джалиль (1906, деревня Мустафино, Оренбургская губерния — 1944, Берлин) — татарский поэт и журналист, военный корреспондент. В 1931—1932 годах был редактором татарских детских журналов, издававшихся при ЦК ВЛКСМ. С 1933 года — завотделом литературы и искусства татарской газеты «Коммунист», выходившей в Москве. В 1941 году был призван в Красную Армию. В звании старшего политрука воевал на Ленинградском и Волховском фронтах, был корреспондентом газеты «Отвага».
26 июня 1942 года в ходе Любанской наступательной операции у деревни Мясной Бор Муса Джалиль был тяжело ранен в грудь и попал в плен. Вступил в созданный немцами легион «Идель-Урал», а затем в созданную среди легионеров подпольную группу и устраивал побеги военнопленных. С помощью предателя гестапо напало на след антифашистской организации. В августе 1943 года гестапо было арестовано несколько сотен человек подпольной группы, в числе арестованных патриотов-подпольщиков был и Муса Джалиль. Его заключили в Моабитскую тюрьму. В течение нескольких месяцев продолжались пытки.
Муса Джалиль был казнен на гильотине 25 августа 1944 года в военной тюрьме Плетцензее в Берлине за участие в подпольной организации концлагеря «Моабит». В 1953 году «Моабитская тетрадь» с его стихами была передана на Родину поэта одним из узников концлагеря. В 1956 году, посмертно, был удостоен звания Героя Советского Союза.
Портрет поэта Александра Яшина
- 1966
- Холст, масло. 72,0 х 103,0
- Вологодская областная картинная галерея
- Ж-973
Яшин Александр Яковлевич (1913–1968) – известный советский прозаик, поэт, журналист, участник Великой Отечественной войны – был уроженцем Вологодской губернии и на протяжении всей своей жизни не забывал малую родину. Александр Яшин был одним из тех, кто стоял у истоков основания писательской организации в Вологде. По мнению его современника поэта Сергея Викулова, Яшин был самым вологодским среди всех вологодских поэтов. Не из-за того, что даже после переезда в столицу, «окал», а по той причине, что остался таким же доброжелательным, непосредственным и совестливым, каким может быть только житель русской северной деревни. Он опекал не только писателей Вологды, но был близок и дружен с вологодскими художниками. Дружеские отношения, в частности, связывали его с Владимиром Николаевичем Корбаковым.
Портрет поэта Александра Яшина (1966) художник писал с натуры, в один из приездов в Москву, когда тот был уже болен. 18 мая 1968 года, находясь в больнице в Москве, Александр Яшин послал письмо в Вологду своему другу, художнику Владимиру Корбакову: «Дорогой Владимир Николаевич. Спасибо за письмо. Я лежу, на этот раз очень всерьёз – нашли, наконец, мою болезнь. Было две операции, после чего со мной даже академик Блохин перестал быть доверчивым. Решаться ли сделать третью – неизвестно, у меня сил осталось мало. Спасибо тебе за дружбу, за счастье общения с тобой». Письмо это оказалось последним. 18 июня 1968 года поэт скончался в возрасте 55 лет от рака, в самом расцвете творческих сил. По завещанию, его тело перевезли в Блудново и похоронили на Бобришном Угоре, рядом с избой, которую он любил ещё и потому, что к её строительству приложил руки плотник и великий писатель Василий Белов.
Портрет В. А. Пушкарева
- 1967
- Бумага, масло. 63 х 47,5
- Государственный Русский музей
- ЖС-1178
Пушкарев Василий Алексеевич (род. 1915) – искусствовед, музейный деятель, кандидат искусствоведения, директор ГРМ (1951–1977). Директор ЦДХ (1976–1986), ответственный секретарь МОСХ РСФСР (1987–1991), директор Музея современного искусства в Москве (с 1991). // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 32.
Портрет писателя Василия Белова
- 1967
- Холст, масло. 140,0 х 110,0
- Вологодская областная картинная галерея
- Ж-588
Белов Василий Иванович (1932–2012) – русский писатель, поэт, сценарист, один из крупнейших представителей «деревенской прозы». Жил и работал в Вологде. В 1966 году выходит в свет повесть «Привычное дело», принесшая ему широкую известность. С этого времени его считают одним из родоначальников и лидеров «деревенской прозы». Писатель и художник, автор портрета Николай Баскаков, были хорошо знакомы и разделяли взгляды на современную жизнь общества. Говорят, Белов слыл человеком со сложным характером, нелегко было терпеть его взрывной нрав. В вопросах творчества он был принципиален и жестко отстаивал свои взгляды, а вот в быту оставался неприхотлив и даже аскетичен. Именно эту простоту и прямоту выражает автор одного из ранних его портретов 1967 года и земляк – художник Николай Владимирович Баскаков.
Поэт Пичков
- 1968
- Картон, масло. 35,0 х 25,0
- Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
- Ж-160
Дмитрий Константинович Свешников в пятидесятые-шестидесятые годы ХХ века создает галерею замечательных портретов людей тундры. Свешников внимательно присматривается к своим героям. Как правило, он пишет их в привычной обстановке, находит выразительные ракурсы и позы, передающие настроение людей.
Перед нами портрет известного ненецкого поэта, писателя, журналиста Алексея Ильича Пичкова, который родился в Канинской тундре в 1934 году. В 1967 году был принят в члены Союза писателей РСФСР. Лауреат премии им. Н. М. Рубцова. Его имя в 2008 году присвоено Ненецкой центральной библиотеке. Поэтические произведения А. И. Пичкова отличаются тонким лиризмом, метафоричностью, глубоким знанием жизни, в них он постоянно воспевает просторы ненецкой земли.
Свешников изобразил Алексея Ильича крупным планом, в задумчивой позе, свойственной для творческих людей. Художник специально не прорабатывает второй план, так как хочет, чтобы внимание зрителя было обращено на его гордый профиль, открытый лоб и взгляд, устремленный вдаль. Скорее всего, он в раздумьях о судьбе ненецкого народа, новых стихах, где героями его произведений будут простые охотники, рыбаки и оленеводы.
Портрет Ш. Айманова
- 1969
- Холст, масло. 64 х 74,5
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
В «Портрете Ш. Айманова» (1969) Народный художник Казахстана Сахи Романов изображает выдающегося национального актера и режиссера театра и кино Шакена Айманова (1914—1970), который работал в те годы над своим знаменитым фильмом «Земля отцов», ставшем одним из наивысших достижений всего казахского кинематографа XX века.
Основным принципом творчества Сахи Романова было достижение целостного живописного строя картины, в которой цветовой ритм является не вспомогательным, а ведущим средством выразительности, определяющим структуру всего произведения. В портрете, написанном Сахи Романовым, лицо человека будто сливается с окружающим его суровым ландшафтом обожженных солнцем скалистых гор. В полотне голубое небо с белыми летящими облаками вносит ощущение поэтичности и вечного движения жизни. В своих портретных произведениях Сахи Романов пытался выявить высокие нравственные и духовные качества в характерах своих персонажей. Подчеркнутая простота живописных средств, этюдность исполнения в портрете Ш. Айманова помогают выразить эпическое начало в личности выдающегося деятеля национальной культуры
Портрет режиссера Комиссаржевского В. Г.
- 1969
- Холст, масло. 120 х 140
- Музей Чеченской Республики, Грозный
- 1379
Картина Ростислава Вовкушевского «Портрет режиссера В. Г. Комиссаржевского» написана в 1969 году в типичной манере художника: декоративно, с четким силуэтом и локально насыщенным цветом.
На картине изображен Виктор Григорьевич Комиссаржевский (1912-1981) — советский и российский режиссёр театра и кино, театральный критик. Заслуженный деятель искусств РСФСР. С 1934 года — режиссёр Московского театра-студии под руководством Николая Хмелёва (с 1937 — театр имени Ермоловой).
Родственники и близкие портретируемого были тоже не менее известными: отец, Григорий Матвеевич Комиссаржевский, был оперным певцом, жена, Софья Ефимовна Сайтан, была актрисой театра и эстрады, заслуженной артисткой РСФСР.
Виктор Григорьевич Комиссаржевский изображен в интерьере, сидящим в кресле, с белым листом в руке. Художник мастерски передает творческое состояние режиссера с задумчивым взглядом, направленным вдаль, размышляющим над новой работой.
Ростислав Иванович Вовкушевский относится к живописцам, которые в своем творчестве обращались к темам, созвучным советскому периоду, изображая деятелей культуры и представителей интеллигенции не в парадных портретах, как веком ранее, а в более реалистичных образах, близких к народу.
Поэт П.А. Ойунский
- 1970
- Бумага, литография. 33 х 35
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- НХМ-10147
В среде якутских графиков Валериан Васильев оказался провозвестником литографии и, подарив ей пыл и вдохновение, за очень короткий срок сделал в этой новой для Якутии технике ряд превосходных эстампов. В литографии Васильев в еще большей степени, чем обычно, отталкивается от конкретных лиц, событий, фактов и сообщает им этико-философский поворот.
Не будет преувеличением сказать, что творчество основоположника якутской советской литературы Платона Алексеевича Ойунского и разносторонняя личность этого человека – поэта, ученого, видного общественного деятеля – красной нитью проходят через всю художественную судьбу Васильева. Еще до 1970 года художник не раз имел дело с иконографией Ойунского и создал его портрет для сборника «Песни свободы» и увенчавшийся удачей эскиз медали лауреата Якутской республиканской премии его имени (1966).
На литографическом портрете, как и в эскизе медали, художник изобразил Ойунского строго в профиль. Он создал своеобразный портрет поэта-гражданина, борца, в ком истово бьется нерастраченная сила духа. Нам передается как бы само движение его воли, его высоких сокровенных помыслов. Все это достигнуто автором без малейшей аффектации изображения. Скорее наоборот: в произведении внешне все выглядит очень сдержанно – и композиция с ее статичным квадратным форматом, и само изображение портретируемого, данное крупно на весь формат листа. Перед портретом поэта горит пламя вечной славы… Это портрет-памятник, торжественно поднятый над уровнем обыденности.
Платон Алексеевич Ойунский (Платон Алексеевич Слепцов; 1893 — 1939) — якутский советский писатель, учёный-филолог и общественный деятель, основоположник якутской советской литературы. Якутскую учительскую семинарию, которую окончил в 1917 году. В 1917—1918 годах учился в Томском учительском институте.
Член КПСС с марта 1918 года. В 1921 году председатель Губревкома Якутии, в 1922 году председатель Совнаркома, в 1923 году председатель Центрального Исполнительного Комитета Якутской АССР. В 1928—1931 годах — нарком просвещения и здравоохранения Якутии.
В 1935 году по его инициативе был создан НИИ языка и культуры при СНК Якутской АССР, где он был первым директором. В этом же году защитил в Институте национальностей (Москва) диссертацию на степень кандидата лингвистических наук. Член правления Союза писателей СССР в (1934—1938) годах Депутат Верховного Совета СССР 1-го созыва. Его рассказы, повести, драмы вошли в золотой фонд литературы народа саха.
В качестве этнографа собрал и подготовил к изданию якутские эпосы олонхо «Дьулуруйар Ньургун Боотур» (Нюргун Бо́тур Стремительный) и «Туналыйбыт ньуурдаах Туйаарыма Куо» (Прекрасная Туйа́рыма Куо). Переводил на якутский язык классику русской и мировой литературы.
Портрет Саякбая Каралаева
- 1971
- Холст, масло. 123,5 х 99,5
- Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
- 4645-1439ж
Творческая личность Народного художника Киргизской ССР Суйменкула Чокморова развивалась в двух направлениях. Постоянно работая в различных жанрах живописи, он много и успешно снимался в кино. Как живописец, испытывал особый интерес к искусству портрета. Его модели – это в основном люди творчества. В портретах художник не только выразил характер человека, но и значительность его социальной судьбы. Самые близкие ему герои – это его родные, односельчане, друзья по искусству, люди, близкие ему по духу. Его произведения отличаются живописностью, изысканностью светлых, чистых цветов, оригинальной композицией.
Саякбай Каралаев (1894–1971) – кыргызский поэт-сказитель, Манасчы (сказитель киргизского эпоса «Манас»), Народный артист Киргызской ССР (1939), символ духовного величия кыргизского народа. (Подробнее см. статью в Википедии)
В творческом багаже художника несколько портретов выдающегося акына, сказителя Саякбая Каралаева, который охотно ему позировал. В портрете, написанном в 1971 году, Батыр сидит за столом в голубом чапане. Позади голубое небо и белые облака. Виден краешек скатерти с национальным узором. Но подробности не интересуют мастера – он работает над символом! Черты сказителя приобретают масштабность, и даже большой шрам на лбу начертан как печать избранности. Спокойный, величественный, устремленный вверх. Напряжение сжалось в кулак, в блеске глаз сквозит сакральное знание. Нечто невыразимое в облаках. Художник долго готовился к большой тематической картине. Искал, пробовал, работал дома у портретируемого. Этот портрет очень живописен, ярок. Чокморов убедительно воплотил внутренне наполненный поэтичный образ великого манасчи.
Портрет оперной и эстрадной певицы Р. Баглановой
- 1971
- Холст, масло. 150 х 120
- Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
- ИНВ 188
На картине известной казахской художницы Гульфайрус Исмаиловой изображена красивая молодая женщина, уже имеющая багаж жизненного опыта. Свет ее лучистых глаз и лучезарной улыбки преображает обстановку вокруг. Женщина по-царски грациозна и одновременно открыта.
Яркая, в богатом национальном костюме. Под камзолом шелковое платье с высокой горловиной. Голову украшает убор с соболиным отворотом. Густо украшенный перьями, он контрастирует с лицом и подчеркивает белизну кожи.
Завитки роскошных серег повторяют орнаменты на комзоле и создают детализацию на этом большом портрете. И завершает костюм красный прозрачный шарф. Он невесомо лежит на ее руках, составляя контраст сине-голубой палитре картины.
Полотно обрамляет декоративный элемент, напоминающий тканную ленту юрты. Он подобен арке и служит «второй рамой». Ее богатая цветовая гамма и сложная орнаментика дают щедрый объем и помещают портретируемую в камерную комнату.
Святослав Рихтер
- 1972
- Холст, масляно-восковая темпера. 214,0 х 130,0 см; 233,5 х 149,0 см (с рамой)
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-3148
Среди десятков портретов, запечатлевших в разные годы гения русского и советского исполнительского искусства Святослава Теофиловича Рихтера (1915–1997), полотно кисти Иосифа Серебряного, представленное сегодня в постоянной экспозиции Тверской областной картинной галереи, выделяется не только своей монументальностью, но и удивительным мастерством живописца, сумевшего передать страстный исполнительский темперамент маэстро.
За смелостью композиции и легкостью мазка скрываются долгие творческие поиски художника. Достичь портретного сходства для Серебряного – задача явно второстепенная. Гораздо важнее – уловить мгновение, в котором разом выразится вся суть рихтеровского дарования. Для этого нужно заставить портрет зазвучать. Но как это сделать? Художник работал над поиском решения не один год. Зная, что Рихтер не любит позировать, живописец наблюдал за ним издалека. Он старался не пропустить ни одного ленинградского концерта маэстро, собрал внушительную фонотеку его пластинок. Художник делает эскиз за эскизом, но не находит верного пути в создании образа. Пока однажды ему вдруг не представился случай увидеть игру Рихтера с необычного для простого зрителя ракурса – по ту сторону сцены филармонии.
Момент творческого озарения Серебряный вспоминает так: «... здесь вдруг увидел Рихтера необыкновенно собранным и мощным в своей монолитной компактности и какой-то особой скульптурной цельности. Так зародилась мысль портрета: черный силуэт фигуры на светлом фоне, экспрессивное движение, горизонтали сближенных «бронзовых» масс головы и рук – и под ними белая вертикаль клавиатуры».
Рихтер отрешен. Ничто не должно стоять между ним и музыкой. Отсюда низкий наклон головы, полузакрытые глаза, чрезвычайно напряженный, высокий, словно высеченный из камня лоб. Глядя именно на этот портрет выдающегося пианиста, вдруг понимаешь, что знаменитая цитата о нем из воспоминаний его учителя Генриха Нейгауза «... в его черепе, напоминающем куполы Браманте и Микеланджело, вся музыка, вся прекрасная музыка покоится, как младенец на руках рафаэлевской Мадонны» – здесь обретает настоящее визуальное воплощение.
Сознательно гиперболизируя образ музыканта, Серебряный уделяет особое внимание и изображению рук мастера. Чтобы передать точность исполнительского жеста пианиста, художник лепит из пластилина несколько объемных моделей и долго экспериментирует с ними, чтобы затем перенести на холст. Кажется, что музыка зарождается в кончиках пальцев маэстро еще до того, как они коснутся клавиш.
Это «портрет-мгновение», отразивший наивысшую степень мастерства Рихтера-интерпретатора, который, словно медиум, наполняет зал духом Шопена, Брамса или Вагнера и уносит слушателей за пределы концертной условности. Аскетичность колористического строя картины, быстрые и точные движения кистью – по живости и непосредственности манеры письма видно, что Серебряный был также глубоко захвачен процессом создания изображения, как и Рихтер моментом исполнения музыки. Нам кажется, что понять всю глубину замысла Серебряного-живописца можно, только слушая игру Рихтера-виртуоза. И сегодня у нас есть такая возможность. Достаточно сохранить в своем телефоне запись любого концерта маэстро, прийти в Восточную башню Тверского Императорского дворца, надеть наушники и смотреть, как оживает портрет под звуки музыки!
Портрет заслуженного работника культуры РСФСР, научного сотрудника Хакасского музея Альберта Николаевича Липского
- 1973
- Холст, масло. 105 х 95
- Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
- ХНКМ КП-4752
Альберт Николаевич Липский (1890–1973) - советский этнограф и археолог, специалист по этнографии коренных народов Дальнего Востока и археологии Южной Сибири, научный сотрудник Хакасского музея.
На картине хакасского художника Григория Хлебникова археолог изображен в профиль. С правой стороны изображено каменное изваяние с личиной (это антропоморфное изображение лика, разделенного на 3 части, в верхней части – глаза, в средней – нос, и в нижней – рот, символизирует мир духов и людей). На заднем плане – стела «солнцеликое божество». Стелу с изображением солнцеликого божества обнаружили при раскопках тагарского кургана недалеко от аала (поселения, стойбища) Анхаков Аскизского района Хакасии. Курган возвели примерно в VIII–II веке до нашей эры. Представленная каменная плита была частью его ограды. В Хакасский краеведческий музей ее доставил археолог и историк Альберт Липский в 1954 году.
В верхней части стелы изображено солнце с человеческими чертами лица, разделенное на две части горизонтальной линией. Поверхность лица книзу от этой черты выбита по всей плоскости мелким точечным узором. Оно схематично очерчено прямыми вертикальными линиями, в стороны расходятся 22 длинных луча с точками на концах. На туловище или одежде божества выбиты круги с точками в центре — символы вечного плодородия. Солнце считали создателем всего живого, защитником, оберегающим людей, особенно детей и женщин. Образ солнца был связан с женским началом, оно символизировало плодородие и богатство. Во время различных обрядов двигались «по солнцу», то есть по часовой стрелке. Богам молились, обязательно стоя лицом к солнцу.
Народные писатели Якутии: Амма Аччыгыйа - Н. Е. Мординов, Кюннюк Урастыров - В. М. Новиков, Элляй - С. Р. Кулачиков, Суорун Омоллон - Д. К. Сивцев
- 1974
- Холст, масло. 145 х 253
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-1272
Для творчества якутского художника Афанасия Осипова характерно монументальное масштабное видение, широкая манера тонового письма, чистота и тональная согласованность цветов, жанровое разнообразие. В его полотнах впервые прозвучали многие темы: спорт, новостройки Якутии, проблема сохранения природы и другие.
Картина «Народные писатели» создана в 1970-х годах, когда в области портретного жанра на смену обобщенным характеристикам, исполненным социального пафоса, приходят более индивидуализированные и личностные образы. Работа представляет собирательный портрет или «хоровую» портретную композицию, где системообразующей темой является индивидуальная жизнь, но не отдельного человека, а группы, коллектива.
Амма Аччыгыйа, Кюннюк Урастыров, Эллэй и Суорун Омоллон изображены под кроной могучей лиственницы вокруг небольшого костра-дымокура. Долина реки Лены – Туймада, где стоит город Якутск, послужила фоном этого группового портрета. Здесь писатели ступили на широкую дорогу счастливой творческой судьбы, объединившись в крепкий союз. С колыбелью ассоциируется родная земля, сумевшая вскормить корни могучего древа национальной литературы. Чувство покоя рождает теплый и благородный колорит осеннего пейзажа.
Каждый из портретов в картине при безусловном внешнем сходстве наделен еще и своей живописной мелодией, убедительной пластической характеристикой, соответствующей основному складу его личности, творческой индивидуальности, темпераменту. В центре композиции изображены ведущие беседу Кюннюк Урастыров и Эллэй. Цветовая доминанта в живописной характеристике полотна принадлежит Эллэйу. Красный – символ боевой гражданственной поэзии, цвет новой эпохи. Эллэй ведет разговор, выразителен его жест рук. Поэту и олонхосуту Кюннюку Урастырову, чье творчество вырастает из корней народной культуры, художник отвел место у самого основания лиственницы, уподобленной Древу жизни. Диалог центральных героев обогащен характеристиками задумавшегося писателя Суорун Омоллона, ушедшего в свой внутренний мир, и внимательно, сосредоточенно смотрящего вдаль Амма Аччыгыйа. Пластические символы и метафоры не выглядят навязчивыми, они органичны для эпического по своему духу произведения.
Портрет Махмуда Эсамбаева
- 1974
- Бумага, литография. 90 х 69
- Музей Чеченской Республики, Грозный
- 1741
На картине представлен погрудный портрет известного чеченца Махмуда Алисултановича Эсамбаева (1924-2000).
Махмуд Алисултанович Эсамбаев (1924–2000) — советский чеченский артист балета, эстрадный танцовщик, хореограф, балетмейстер, актёр. Народный артист СССР и Киргизской ССР. Герой Социалистического Труда.
М. Эсамбаев изображен в костюме и в неизменной папахе на голове. По периметру изображены фигуры танцора в разных сценических образах.
Литография З-Б. Абоева «Портрет Махмуда Эсамбаева» была в числе других произведений, переданных в дар Музею Чеченской Республики в 2020 от Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО» (более 200 произведений искусства: живопись, графика, скульптура и прикладное искусство).
Ранее работы принадлежали расформированному фонду Международной конфедерации союзов художников, все произведения искусств которого распределены среди российских музеев.
Автопортрет. (Трудовые будни)
- 1975–1977
- Холст, масло. 118,0 х 123,0 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-2595
Для выдающихся мастеров реалистической школы живописи послевоенных лет Сергея Петровича и Алексея Петровича Ткачевых Тверской край сыграл особую роль в развитии их искусства. В первые послевоенные годы братья Ткачевы учились в Московском художественном институте имени Сурикова у таких признанных классиков отечественного изобразительного искусства, как Игорь Грабарь, Георгий Ряжский и Дмитрий Мочальский. Сами братья Ткачевы отмечали, что на развитие их таланта значительное влияние оказали Сергей Герасимов и Аркадий Пластов, чьи пейзажи и пейзажно-жанровые полотна вдохновляли молодых художников.
Совместную творческую деятельность живописцы начали в начале 1950-х годов, когда однажды Алексей нарисовал эскиз, а Сергей раскрасил его акварелью. Это был этюд к их первой картине. Удивительно, но совместная работа не стерла индивидуальную живописную манеру братьев: каждому из них удалось сохранить свое творческое начало, обогатить и дополнить художественный метод друг друга. Созданию каждой картины предшествует огромная подготовительная работа – большое количество этюдов и рисунков. Работая над композиционным решением полотен, они пробуют разные варианты, особое внимание уделяя точности деталей изображаемого.
В собрании Тверской картинной галереи находится «Автопортрет. (Трудовые будни)» (1975–1977) кисти братьев Ткачевых, в котором художники изобразили себя за натурной работой во время уборки картофеля. Простые рутинные сцены в прочтении художников наполняются поэтическими образами и смыслами, а вдумчивая работа с композицией позволяет раскрыть авторский замысел.
Писатель Гарий Немченко
- Майкоп
- 1975
- Холст, масло. 95 х 115
- Государственный музей искусства народов Востока, Северокавказский филиал, Майкоп
- ИЗО 493
В равной мере мастерство Эдуарда Овчаренко реализуется в картинах, портретах, натюрмортах, пейзажах. Пройдя 60 лет творческой жизни, обладая удивительной восприимчивостью ко всему новому, что происходит в искусстве, художник в своем творчестве осуществляет диалог между традиционным старым искусством и современным. Основываясь на реализме, он создает свою изобразительную культуру.
Своим творчеством автор утверждает позитивные начала, идеалы добра и гуманизма. Его картины, привлекая пластичностью образов и изящностью цветовых решений, располагают к философским размышлениям.
Га́рий Лео́нтьевич Не́мченко (род. 1936) — советский и российский писатель, журналист, прозаик. Родился на Кубани. После окончания факультета журналистики МГУ в 1959 году приехал в Кузбасс и в течение 12 лет проработал в городе Новокузнецке Кемеровской области на строительстве Западно-Сибирского металлургического комбината, был сотрудником многотиражной газеты «Металлургстрой». После сосредоточился на литературном творчестве и в 1971 году переехал в Москву.
Подготовил литературную запись мемуаров выдающегося оружейного конструктора Михаила Калашникова «От чужого порога до Спасских ворот». Перевёл на русский язык получившие на Кавказе широкое признание романы народного писателя Адыгеи Юнуса Чуяко «Сказание о Железном Волке» и «Милосердие Чёрных гор, или Смерть за Чёрной речкой». Составитель сборников рассказов и повестей северокавказских писателей «Война длиною в жизнь». Автор сценариев документальных фильмов «Где Ложкин прячет золото» (об археологе М. Н. Ложкине, открывшем средневековое христианское городище на хуторе Ильич), «Хранитель» (о всемирно известном паремиологе С. Д. Мастепанове), «Казачий круг» (о возрождении казачества на Кубани).
Малевич Казимир Северинович
1879, Киев – 1935, ЛенинградЖивописец, график, художник театра, теоретик, педагог.
Родился в Киеве. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1904—1905) и студии Ф. И. Рерберга в Москве (1905–1910). Участвовал в выставках «Бубновый валет» (1910) и «Ослиный хвост» (1912). В 1910-х оформлял книги футуристов, принимал участие в постановке первой футуристической оперы "Победа над солнцем" (1913). Участвовал в организации общества «Супремус» (лат. — наивысший) и одноименного журнала (1916–1917). Был членом общества "Бубновый валет" (1911). В 1918 работал в Отделе ИЗО Наркомпроса. Преподавал в Государственных средних художественных мастерских в Москве (1918), директор Витебского художественно-практического института (1919–1922). В 1920 основал группу УНОВИС («Утвердители нового искусства»). Директор и профессор Государственного института художественной культуры в Ленинграде (1923–1927).
В 1927 совершил поездку в Варшаву и Берлин. В 1929–1930 преподавал в Киевском художественном институте. В 1932–1933 руководил экспериментальной лабораторией в Русском музее. Автор пейзажей, жанровых сцен, портретов, кубистических и беспредметных композиций, пространственных структур — «архитектонов» и «планит». Работал в области декоративно-прикладного искусства. Написал брошюры «От кубизма и футуризма к супрематизму. Новый живописный реализм» (1915), «Супрематизм» (1920), «Беспредметный мир» (1927) и другие теоретические исследования и статьи. Крупнейший представитель русского авангарда, основоположник теории супрематизма
Цыбасов Михаил Петрович
1904, Великий Устюг Вологодской области – 1967, ЛенинградЖивописец, график, иллюстратор, художник кино. Член объединения «Мастера аналитического искусства» (1926-1941). Участник выставок с 1927. С 1935 художник-постановщик киностудии «Ленфильм». Участник ВОВ. Жил и работал в Ленинграде. Родился в 1904 году в городе Великий Устюг Вологодской области. Здесь, на Русском Севере, прошли его детство и юность. В 1924 году приехал в Ленинград и поступил в Художественно-промышленный техникум, где учился у П. А. Мансурова и Н. И. Дормидонтова.
В 1926 году вошел в одно из крупнейших ленинградских объединений - «Мастера аналитического искусства» (Школа Филонова). На протяжении всех 15 лет пребывания в коллективе Цыбасов отличался особой преданностью учителю и неукоснительно следовал основным принципам системы аналитического искусства. Школу Филонова он признавал "единственной школой искусства". Но в отличие от Павла Филонова, для которого «анализ» был в основном самоцелью, Цыбасов использовал приемы аналитического искусства как средство достижения особой художественной выразительности своих работ.
В 1935 году, после исключения из Союза художников за «формализм», попробовал реализовать себя в качестве художника-постановщика на киностудии «Ленфильм». Совершил ряд творческих поездок в Карелию (1929-1931, 1934, 1936), на Северный Кавказ (1935), в Монголию (1940-1941). Принял участие в оформлении таких известных кинолент как «Музыкальная история» (1939-1940), «Антон Иванович сердится», «За Советскую Родину» (1937), «Год девятнадцатый» (1938). Со съемок кинофильма «Его зовут Сухэ-Батор» (1941) Михаил Цыбасов ушел на фронт.
Музею изобразительных искусств Республики Карелия принадлежит более восьмидесяти произведений художника, дающих представление о разносторонности и самобытности его творчества. Наряду с живописными полотнами в коллекции хранятся виртуозно исполненные по принципу «сделанности» акварели и рисунки, иллюстрации к книге «Калевала», вошедшие в первое советское издание 1933 года, а также работы, связанные с деятельностью художника на «Ленфильме».
Ефанов Василий Прокофьевич (Прокопьевич)
1900, Самара— 1978, МоскваЖивописец, график, педагог. Учился в 1917–1921 в Изостудии при Самарском университете, с 1919 в самарских ГСХМ; в 1921–1926 в Москве в «Студии на Тверской» у Д. H. Кардовского; в 1922 брал уроки у А. Е. Архипова. Участник выставок с 1927. Член СХ с 1932 (один из организаторов). Преподавал: 1948–1957 – МГХИ; 1959–1978 – МГПИ. В 1935–1938 участвовал в создании комплекса диорам и панорамы «Штурм Перекопа». Действительный член АХ СССР (с 1947). Профессор (с 1948). Народный художник СССР (1965). Лауреат Сталинских премий (1941, 1946, 1948, 1950, 1952). Серебряная медаль МК СССР (1958). Бронзовая медаль на Всемирной выставке в Брюсселе (1958).
Лактионов Александр Иванович
1910, Ростов-на-Дону - 1972, МоскваЖивописец, график.
Учился: 1926-1929 - Ростовская ХШ у А. С. Чиненова; 1932 - 1938 - в ЛИЖСА у И. И. Бродского; 1939 - 1944 - там же в аспирантуре. Участник выставок с 1929. Преподавал: 1937 - 1938 - изостудия Дворца культуры им. С. М. Кирова; 193 - 1940 - ЛИЖСА; 1967 - 1970 - МГПИ (заочный). Профессор (с 1968). Народный художник РСФСР (с 1969), член-корреспондент В(Р) АХ (с 1949), действительный член В(Р) АХ (с 1958). Сталинская премия 1948 за картину "Письмо с фронта" (1947, ГТГ). Государственная премия РСФСР им. И. Е. Репина (1971) за портреты 1960-х годов.
Герасимов Александр Михайлович
1881, Козлов Тамбовской губ. (с 1932 - Мичуринск) – 1963, МоскваЖивописец, художник театра.
Учился в МУЖВЗ (1903–1915) у А. Е. Архипова и К. А. Коровина. Член АХРР (1925). Участник выставок с 1907: Товарищества независимых (1909–1911), "Свободное творчество“ (1911–1918), ТПХВ (1913–1915), АХРР (1925–1932), Всемирных в Нью-Йорке (1937), Брюсселе (1958 – золотая медаль) и других. Президент АХ СССР (1947–1957). Народный художник СССР, действительный член АХ СССР. От своих учителей, ведущих импрессионистов московской школы, он унаследовал любовь к широкой и темпераментной манере письма, к богатству золотистых охр, что соответствовало его импульсивной натуре.
Кончаловский Петр Петрович
1876, г. Славянск Харьковской губ. – 1956, г. МоскваЖивописец, портретист, пейзажист, автор натюрмортов, картин бытового жанра.
Родился в Славянске (Харьковская губерния). Учился в Рисовальной школе в Харькове, в вечерних классах Строгановского центрального художественно-промышленного училища в Москве, в академии Р. Жюльена в Париже (1897–1898), затем в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств в Петербурге (1898–1905). Посещал занятия в мастерской К. А. Коровина в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (до 1909). Испытал влияние П. Сезанна.
В 1910-е годы художника привлекала грубоватая лаконичная живопись провинциальных вывесочников и яркие росписи трактирных подносов. Укрупнить, огрубить, но сделать каждую вещь плотной и крепкой – вот задача молодого Кончаловского в его многочисленных натюрмортах. И человека художник видел почти по-вывесочному огрубленно, цельно и мощно: «Портрет художника Г. Б. Якулова» (1910), «Семейный портрет» (1912), «Портрет матадора» (1913).
Один из организаторов первой выставки «Бубновый валет» (1910), участник всех выставок одноименного общества (1912–1927). Член-учредитель общества «Московские живописцы» (1924–1925). В работах 1920-х исчезает «бубнововалетский» схематизм формы и цвета; живопись, оставаясь полнозвучной и яркой, обретает колористическую тонкость, сложное богатство переходов и внутренних контрастов холодного и жаркого цвета. Свой могучий живописный темперамент, радостное приятие жизни Кончаловский донес, сквозь все сложности жизни, до последних своих работ.
Во время Первой мировой войны в 1914-1917 годах находился на военной службе. В 1918-1921 годах преподавал в ГСХМ, которые были преобразованы во ВХУТЕМАС, затем во ВХУТЕИН в Москве, где был профессором в 1926-1929 годах. Был членом объединения «Бытие» (1921-1930). Действительный член АХ СССР (1947). За 60 творческих лет художник создал около двух тысяч полотен. Похоронен на Новодевичьем кладбище в Москве.
Корин Павел Дмитриевич
1892, Палех, Вязниковский уезд, Владимирская губ. – 1967, МоскваРоссийский и советский живописец, монументалист, мастер портрета, реставратор и педагог, профессор. Академик Академии художеств СССР (1958); Народный художник СССР (1962). Лауреат Ленинской (1963) и Сталинской премии второй степени (1952).
Будущий художник родился в семье потомственных иконописцев, учился в Палехской иконописной школе, после окончания которой был принят учеником в московскую иконописную палату Донского монастыря. Павел Корин окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, его учителями были Константин Коровин и Леонид Пастернак.
В послевоенные годы руководил реставрацией полотен Дрезденской галереи, возглавлял реставрационную мастерскую ГМИИ имени А. С. Пушкина. Во Владимирском соборе Киева реставрировал фрески и лично восстанавливал роспись Виктора Васнецова и Михаила Нестерова.
Рыбников Михаил Степанович
1905, Симферополь 1951Родился и жил в Симферополе. Учился у Н. С. Самокиша. Работал художником артели «Крымхудожник». Во время Великой Отечественной войны находился в оккупации. В 1949 арестован и осуждён по обвинению в антисоветской деятельности. Приговорён к 25 годам исправительно-трудовых лагерей. Реабилитирован в 1999.
Работы находятся в Бахчисарайском историко-культурном и археологическом музее-заповеднике и в Симферопольском художественном музее.
Верейский Георгий Семенович
1886, Проскуров Подольской губернии – 1962, ЛенинградГрафик, живописец; портретист, пейзажист. Учился на юридическом факультете в Харьковском университете (1904), в Санкт–Петербургском университете (1912); в студии Е.Е.Шрейдера в Харькове (1901–1905); в Новой художественной мастерской (1913–1916) у М.В.Добужинского, Б.М.Кустодиева, Е.Е.Лансере. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946). Действительный член АХ СССР (1949). В 1941 в Ленинграде участвовал в выпусках плакатов "Боевого карандаша", в 1942 создал серию портретов моряков Балтийского флота – Героев Советского Союза, рисовал на кораблях; за серию портретов деятелей советской культуры и науки (1944–1945) был удостоен Сталинской премии 2–й степени.
Николаев Ярослав Сергеевич
1899, Шавли (Шауляй), Ковенская губерния – 1978, ЛенинградЖивописец.
Учился: 1917 – студия К.К. Зеленевского, Томск; 1917–1918 – Томский университет, юридический факультет; 1925–1928 – ГХМ (студия И. Л. Копылова), Иркутск. Участник выставок с 1927. Член и экспонент: "общество иркутских художников" – 1920–1929; АХЗ – 1930–1932. Член ЛОСХ (с 1932, председатель правления – 1948–1951). Жил и работал в Ленинграде в годы блокады, создал ряд картин, посвященных героической обороне города. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1956), народный художник РСФСР (1975).
Серов Владимир Александрович
1910, село Эммаус Тверской губернии– 1968, МоскваЖивописец, график, педагог; автор историко–революционных и жанровых картин, портретов, пейзажей.
Учился в Весьегонской художественной студии у С.Я.Шлейфера; в Ленинграде во ВХУТЕИН–ИНПИИ (1927–1931) у И.И.Бродского, В.Е.Савинского, там же в аспирантуре (1931–1933) у И.И.Бродского. Председатель Ленинградского отделения Союза советских художников (1941—1948). Участник выставок с 1932. Академик АХ СССР (1954; член-корреспондент 1947). Народный художник СССР (1958). Лауреат Сталинских премий (1948, 1951). Первый секретарь правления Союза художников РСФСР (1960—1968).
В годы войны жил и работал в Ленинграде. Неоднократно выезжал на фронт и в прифронтовую полосу, сотрудничал в "Боевом карандаше". В 1943 году был эвакуирован в Самарканд..
Рянгина Серафима Васильевна
1891, Санкт-Петербург —1955, МоскваЖивописец. Училась в мастерской Я. Ф. Ционглинского (1910–1912); ВХУ при АХ (1912–1918); ВХУТЕМАС (Петроград, 1921–1923) у Д. Н. Кардовского. Участник выставок с 1924.
Орешников Виктор Михайлович
1904, Пермь— 1987, ЛенинградЖивописец, автор жанровых, историко-революционных картин, портретов, натюрмортов, пейзажей. Учился в Перми в 1918 в частной ХШ И. И. Туранского, в 1919–1924 в Высших свободных художественных мастерских; в Петрограде–Ленинграде в 1924–1927 на живописном факультете ВХУТЕИН, в 1933–1936 в аспирантуре ИНПИИ. Участник выставок с 1933. Член СХ с 1932. Кандидат искусствоведения (1943). Доктор искусствоведения (1948). Профессор (1949). Член-корреспондент АХ СССР (1948), действительный член АХ СССР (1954). Народный художник РСФСР (1956), народный художник СССР (1969), лауреат Государственных премий (1948 и 1950).
Сысоев Николай Александрович
1918, с. Сланское, Тамбовская губ. – 2001, МоскваЖивописец. Заслуженный художник РСФСР (1983). Народный художник Российской Федерации (2000). Родился 21 декабря 1918 в селе Сланское Лебедянского уезда Тамбовской губернии (ныне Липецкая область) в крестьянской семье. В родном селе, окончил четыре класса начальной школы, а затем вместе с мамой Верой Епифановной (отец погиб в Гражданскую войну) переехал в Москву.
С детства талантливый мальчик мечтал стать художником. В 1938 успешно окончил Московское областное художественное педагогическое училище изобразительных искусств памяти восстания 1905 года, в 1948 – Московский государственный художественный институт имени В. И. Сурикова, был в числе выдающихся студентов. За отличную учёбу был награждён поездкой в Дом творчества «Академическая дача» имени И. Е. Репина и принят в Союз художников СССР.
С 1943 стал постоянным участником Всесоюзных, республиканских и московских художественных выставок, где его произведения вызывали неизменный интерес публики, а персональные выставки становились событием: Москва (1979, 1980, 1988, 2002), Ленинград (1981), Тверь (1981), Липецк (1990, 2001).
С 1980 он вместе с женой, художницей Ниной Васильевной Скорубской, стал регулярно приезжать на малую родину, продолжая творчески работать. Также вместе они занимались и общественной деятельностью. В 1987 основали в посёлке Лев Толстой народную картинную галерею, которая с 1997 носит имя художника.
Заслуженный художник РСФСР (1983). Народный художник Российской Федерации (2000). Почетный гражданин поселка Лев Толстой (1987). Картины художника хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном историческом музее, Центральном музее им. В. И. Ленина, Тверской картинной галерее, Тульском музее изобразительных искусств.
Денисовский Николай Фёдорович
1901, г. Москва – 1981, г. МоскваСоветский художник-живописец, график, сценограф, карикатурист, плакатист, член Союза художников СССР, заслуженный художник РСФСР. Автор портретов и пейзажей, плакатов Окна ТАСС. Выпускник Императорского Строгановского Центрального художественно-промышленного училища (Московская государственная художественно-промышленная академия имени С. Г. Строганова), ученик академика С. В. Ноаковского, живописца Д. А. Щербиновского, графика и сценографа Г. Б. Якулова (1911–1919). Стоял у истоков организации крупных творческих объединений московских художников: ОСТ («Общество станковистов») и ОМХ «Общество московских художников» (1919–1923).
Мирзезаде Беюкага Мешади оглы
1921, Баку, Азербайджанская ССР – 2007, Баку, АзербайджанАзербайджанский художник, профессор, Заслуженный деятель искусств Азербайджанской ССР (1960). Народный художник Азербайджанской ССР (1967).
Родился 21 февраля 1921 в Баку. В 1939 окончил Бакинский художественный техникум, где одним из его учителей был Азим Азимзаде. В 1940 поступил в Московский художественный институт, но не смог окончить обучение из-за начавшейся Великой Отечественной войны. В последующие годы учился в Азербайджанском государственном университете культуры и искусства. После окончания образования работал преподавателем в Бакинском художественном техникуме, а также художником. Был заведующим кафедрой в Азербайджанском государственном университете культуры и искусства и профессором Азербайджанской художественной Академии. Лауреат государственной премии Республики Азербайджан. Художник неоднократно выставлялся в Советском Союзе и за его пределами.
Произведения художника хранятся и экспонируются в Азербайджанском государственном музее искусств в музее Азербайджанской литературы имени Низами Гянджеви и в Бакинском музее современного искусства.
Работал как театральный художник, автор сценического оформления для 20 спектаклей. Лауреат государственной премии Азербайджанской республики. Художник неоднократно выставлялся в Советском Союзе и за его пределами.
Награды: Орден «Слава» (1998) — за заслуги в развитии изобразительного искусства;
Орден Трудового Красного Знамени (1981);
Орден «Знак Почёта» (1959).
Заслуженный деятель искусств Азербайджанской ССР (1960). Народный художник Азербайджанской ССР (1967).
Государственная премия Азербайджанской ССР имени Узеира Гаджибекова (1967).
Кузнецов Павел Варфоломеевич
1878, Саратов – 1968, МоскваЖивописец, график, театральный художник, монументалист, педагог.
Родился в Саратове, в семье иконописца. В 1891–1896 занимался у В. В. Коновалова (Саратов). Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В. А. Серова и К. А. Коровина (1897–1904). Испытал большое влияние В. Э. Борисова-Мусатова. Организатор выставок «Алая роза» (1904) и «Голубая роза» (1907). В 1906 по приглашению С. П. Дягилева ездил в Париж, где посещал частные художественные студии. Пожизненный член парижского «Осеннего салона». Совершил поездки в Заволжские степи (1911–1912) и Среднюю Азию (1912–1913).
Основная тенденция в ранний период творчества – от импрессионизма к символизму. Художник стремился обрести язык, который мог бы отобразить не столько впечатления зримого мира, сколько состояние души («Утро», «Голубой фонтан», обе 1905; «Рождение», 1906, и др.). Картины «Киргизской сюиты» знаменуют высший расцвет таланта художника («Спящая в кошаре», 1911; «Стрижка овец», «Дождь в степи», «Мираж», «Вечер в степи», все 1912). В те же годы создал ряд натюрмортов. Исполнил эскизы росписи Казанского вокзала в Москве («Сбор плодов», «Азиатский базар», 1913–1914, остались неосуществленными). В 1914 сотрудничал с А. Я. Таировым в первой постановке Камерного театра – спектакля «Сакунтала» Калидасы. Эти опыты повлияли на станковую живопись, которая все больше тяготела к стилистике монументального искусства («Гадание», 1912; «Вечер в степи», 1915; «У источника», 1919–1920; «Узбечка», 1920; «Птичница», начало 1920-х, и др.).
В годы революции принимал участие в оформлении революционных празднеств, в издании журнала «Путь освобождения», вел педагогическую работу. В этот период создал новые вариации восточных мотивов, отмеченные воздействием древнерусской живописи; к числу его лучших произведений относятся портреты Е. М. Бебутовой (1921–1922); тогда же им были изданы литографские серии «Туркестан» и «Горная Бухара» (1922–1923). Член общества «Мир искусства», председатель общества «Четыре искусства» (1924–1931).
Заведовал секцией живописи в отделе изобразительного искусства Наркомпроса (1919–1924), преподавал в художественных школах и институтах Москвы (1918–1948, с перерывами). В 1925–1929 совершил поездки художника в Крым и на Кавказ. В эти годы обращался к темам труда и спорта. В поздние годы преимущественно был занят пейзажем и натюрмортом.
Черкасский Абрам Маркович
1886, Белая Церковь, Украина – 1967, Алма-АтаРодился 8 июля 1886 года в г. Белая Церковь (Украина). В 1909 окончил Киевское художественное училище. В 1917 – Высшее художественное училище при Императорской Академии художеств, учился у Я. Ционглинского, Г. Залемана. 1935–1937 преподавал в Киевском художественном институте. Преподавал в Алматинском художественном училище им. Н. В. Гоголя в 1941-1958. Участник выставок с 1910. Член СХ СССР с 1934. Жил и работал в Алма-Ате с 1941. Народный художник КазССР.
Абдуллаев Микаил Гусейн
1921, Баку, Азербайджанская ССР – 2002, там жеАзербайджанский, советский художник-живописец, график, монументалист, сценограф, педагог. Народный художник СССР (1963).
Родился 19 декабря 1921 года в Баку. В 1935‑1939 учился в Азербайджанском художественном техникуме (ныне Художественное училище имени Азима Азимзаде) у С. Б. Бахлулзаде, в 1939‑1949 ‑ в Московском художественном институте им. В. И. Сурикова у С. В. Герасимова, В. В. Фаворской, И. И. Чекмазова.
В 1941‑1943 годах преподавал в Азербайджанском художественном училище им. А. Азимзаде, с 1965 ‑ в Азербайджанском институте искусств им. М. А. Алиева. Профессор (1973). В 1970‑1975 годах руководил творческой мастерской живописи Академии художеств (Баку).
Работал в жанре пейзажа, портрета, натюрморта. В творчестве преобладают лирические темы. Автор картин «Вечер» (1947), «Огни Мингечаура» (1948), «Строители счастья» (1951), «Индийская серия» (1957—1960), «Столетний резчик А. Бабаев» (1961), «Девушки Хачмаса» (1982), серии рисунков «За рекой Аракс» (1950), иллюстраций к эпосу «Китаби Деде-Коркут» (1956) и поэме «Лейли и Меджнун» (1958).
Творчество было тесно связано с литературой. Создал портреты многих писателей, деятелей искусства. Среди них такие работы, как «М. Горький в 1928 году в Баку»(1950), «Узеир Гаджибеков» (1944), «Самед Вургун» (1944, 1959, 1975), «М. Ф. Ахундов»(1962), «Имадеддин Насими» (1973), «Пианист Ф. Бадалбейли» (1975).
Большой вклад внёс в книжную графику, создал иллюстрации к произведениям Низами, Физули, Вагифа, М. Ф. Ахундова, А. Алескера, М. Э. Сабира, Дж. Джаббарлы, С. Вургуна, Р. Рзы.
В 1956‑1971 путешествовал по Индии, Афганистану, Польше, Италии и другим странам. Создал портреты И. Ганди, Р. Гуттузо, М. Моравиа, Дж. Манцу. За живописный цикл «По Индии» в 1970 индийским правительством награжден золотой медалью и дипломом лауреата Международной премии имени Джавахарлала Неру.
Работал также в области монументального искусства и театрально-декорационной живописи. Оформил зал станции метро «Низами Гянджеви», где создал мозаичные панно на основе сюжетов произведений Низами и сам портрет Низами. Также оформил гостиницу «Апшерон» и дворец «Гюлистан».
Персональные выставки проходили в Дели, Лондоне, Монреале, Москве и ряде других городов мира. Работы экспонировались на зарубежных выставках в Праге (1957), Пекине (1958), Брюсселе (1958), Белграде (1959), Париже (1960), Берлин (1963).
Автор книг «Воспоминания об Италии» («Итальянские впечатления», Баку, 1958), «Глазами бакинца» (Баку, 1962).
Действительный член Академии художеств СССР (1988, член-корреспондент (1958)).
Нурмухаммедов Нагимбек Джелалэддинович
1924, аул Сайтанды, Баян-Аулский р-н, Павлодарская обл. – 1986, Алма-АтаЖивописец, Народный художник Казахской ССР.
Родился 6 ноября 1924 года в ауле Сайтанды Баян-Аулский района Павлодарской области. В 1942 окончил Алматинское художественное училище им. Н. В. Гоголя. Ушел добровольцем на фронт. После войны окончил среднюю художественную школу при Всероссийской Академии художеств. В 1947—1953 учился в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина в Ленинграде под руководством профессора Р. Р. Френца, специализируясь на батальной живописи. 1961 – творческая аспирантура в мастерской А. Герасимова АХ СССР. Участник выставок с 1950. Член СХ СССР с 1954. Жил и работал в Алма-Ате с 1953. Лауреат Государственной премии КазССР им. Ч. Валиханова. Кандидат искусствоведения. Участник ВОВ. Награжден двумя орденами «Знак Почета» и медалями СССР.
Яр-Кравченко Анатолий Никифорович (Кравченко Анатолий Николаевич)
1911, Благовещенск-на-Амуре— 1983, МоскваЖивописец, график; автор жанровых картин, портретов, пейзажей, иллюстратор книг. «Яр» в фамилии художника появилось в конце 1920-х по предложению поэта Н. А. Клюева. Учился с 1921 у В. Ю. Рябчевского в с. Святошино на Украине; в середине 1920-х в студии Буравкова в Киеве; до 1925 на подготовительных курсах при Киевском художественном институте; в Ленинграде в 1931 в студии В. Е. Савинского; в 1932–1938 в ИЖСА. Участник выставок с 1936. С 1951 секретарь Оргкомитета СХ СССР. В 1972–1977 председатель правления Всесоюзного общества филателистов.
В годы ВОВ сотрудничал в газете «Атака», окончил войну в Берлине лейтенантом авиации. В 1943 организовал Творческое объединение ленинградских художников-фронтовиков, тогда же их выставка прошла в Ленинграде и в Москве. Награжден орденом ВОВ 2-й степени, двумя орденами Красной Звезды, медалями «За победу над Германией», «За оборону Ленинграда». В 1947 выпустил альбом литографий «Галерея советских писателей». Народный художник РСФСР (1969), заслуженный деятель искусств Литовской ССР. Сталинская премия 2-й степени (1947).
Летом 1941 ушёл добровольцем на фронт. Служил в авиации маскировщиком в летных частях, оборонявших Ленинград, стрелком-радистом на пикирующих бомбардировщиках, художником редакции армейской газеты, где печатались рисунки художника, портреты Героев Советского Союза тиражировались в виде открыток.
После окончания войны при поддержке Государственного Литературного музея приступил к созданию портретного цикла выдающихся советских писателей (всего им было создано их более 300).
Апанович Виктор Антонович
1922, Тбилиси (Тифлис) - 1994, СимферопольЖивописец, график, педагог. Заслуженный деятель искусств УССР. Член Союза художников СССР. В 1945 окончил Киевский государственный художественный институт. В 1950 -Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина (мастерская Б. Иогансона). Жил и работал в Симферополе. Преподавал в Крымском художественном училище им. Н.С.Самокиша. Иллюстрировал детские книги. Участник художественных выставок с 1953 года.
Козлов Тимофей Павлович
1911, д. Романовка Чистозёрного района Новосибирской области – 2001, ОмскЖивописец, педагог. Член Союза художников. Заслуженный художник РСФСР. В 1929–1932 учился в Омском художественно-промышленном техникуме им. М.А.Врубеля на живописно-педагогическом отделении у Е.А.Клодта, С.Я.Фельдмана, К.П.Трофимова, в 1933–1937 в Одесском художественном училище на живописном факультете у А.А.Шовкуненко, Д.К.Крайнева, Л.Е.Мучника, Ю.Р.Бершадского. Преподавал рисунок и живопись в Омском художественно-промышленном училище. В 1939–1943 – председатель правления Омской организации СХ. Директор Омского художественно-промышленного училища в 1940–1941. В 1941–1943 – заведующий мастерской по выпуску агитплакатов «Окна ТАСС» и «Окна ОмССХ. Работал в кооперативном товариществе «Художник», был уполномоченным ХФ СССР по Омской области. В 1953–1971 – художник Омского отделения ХФ СССР. Участвовал в организации ДХШ № 1 г. Омска. Участник выставок с 1939 года.
БАРАНЧЕЕВ Михаил Сергеевич
1920, д. Калиново Московской области – 1998, АрхангельскЖивописец, график. Член Союза художников СССР. Учился в изостудии Серпуховского Дома пионеров у А.А.Бузовкина; в 1946–1947 – в Московском художественном училище; в 1947–1953 – в Московском художественном институте им. В.И.Сурикова у профессоров Ф.А.Модорова и Д.К.Мочальского. Одновременно работал в студии военных художников им. М.Б.Грекова. Член СХ СССР с 1961. С 1953 года постоянно жил в Архангельске. В 1960–1962 один из организаторов и первый директор Архангельского областного музея изобразительных искусств. Участник художественных выставок.
Безумов Александр Николаевич
1926, Великовисочное Архангельской области – 1982, г. СыктывкарЖивописец, график. Член Союза художников СССР (1962). Заслуженный деятель искусств Коми АССР (1976). Участник Великой Отечественной войны. Родился 26 сентября 1926 в с. Великовисочное Архангельской области. В 1933 переезжает в Нарьян-Мар. В 1943, не окончив школу, уходит добровольцем на фронт. Войну закончил в Берлине, был награжден семью медалями.
В 1950, после демобилизации, Безумов возвращается в Нарьян-Мар, работает инструктором Ненецкого окружного комитета ВЛКСМ (1950-1951). В 1951 становится студентом Ленинградского Высшего художественно-промышленного училища им. В. И. Мухиной. В 1958, написав дипломную работу – роспись павильона «Советский Север» – Безумов заканчивает факультет монументально-декоративной живописи по классу профессора П. Д. Бучкина. В июне 1958 работа экспонировалась в музее ЛВХПУ им. Мухиной на выставке произведений в честь Первого Ленинградского фестиваля искусств. Участник выставок с 1959. Член СХ СССР с 1962.
В коллекции Ненецкого краеведческого музея хранится 37 произведений А. Н. Безумова. Жил и работал в Сыктывкаре. Ушел из жизни 17 июля 1982 года.
Иогансон Борис Владимирович
1893, Москва – 1973, МоскваЖивописец, график, искусствовед. Народный художник СССР (1943), действительный член Академии художеств СССР (1947), Герой Социалистического Труда (1968). Вице-президент (с 1953), президент (1958–1962) Академии художеств СССР. 1-й секретарь правления Союза художников СССР (1965–1968). Учился: 1912–1913 – классы Келина; 1913–1918 в МУЖВЗ у Н.А.Касаткина, К.А.Коровина, А.Е.Архипова. Участник выставок с 1914. Преподавал в ЛИЖСА (1937–1961), МХИ (с 1964). Член АХРР (с 1922) . В 1949–1962 руководил творческой мастерской АХ СССР в Ленинграде, 1962–1968 – в Москве. Директор ГТГ (1951–1954); Лауреат Сталинской премии 1941, 1951. Один из ведущих представителей социалистического реализма в живописи.
Большая роль принадлежит Б.В. Иогансону в становлении и жизни Академии художеств. Уже в 1947, при организации Академии художеств СССР, он был избран ее действительным членом и вошел в Президиум. В 1953 году стал вице-президентом Академии, а с 1958 по 1962 занимал пост президента. Иогансон отдавал все силы этой работе, используя свой талант организатора, энергичность, жизненный опыт, решал множество вопросов, как кадровых, так и хозяйственных.
Попов Петр Макарович
1926, Тюмень - 1972Родился 22.01.1926 года в Тюмени. Участник Великой Отечественной войны. В 1946 году окончил Алма-Атинское художественное училище имени Н. В. Гоголя, учился у А. Черкасского. В 1953 году окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, учился у И. Серебряного, Ю. Непринцева, Р. Френца. Участник выставок с 1950 года. С 1967 года член Союза художников СССР. С 1938 года жил и работал в Алма-Ате.
Порет Алиса Ивановна
1902, Санкт-Петербург – 1984, МоскваЖивописец, график, художник книги, автор монументальных росписей. Училась в Анненшуле (училище Св. Анны); 1917–1919 – Рисовальная шкаола ОПХ; 1921–1925 – ВХУТЕМАС (Петроград-Ленинград) у А. И. Савинова, К. С. Петрова-Водкина. Участник выставок с 1925. Член и экспонент: «Круг художников» – 1926; Мастера Аналитического искусства – 1926–1941.
Работала в Детском отделении Госиздата (под руководством В. В. Лебедева); в журналах «Чиж» и «Еж».
Около двух лет работала на ЛФЗ им. М. В. Ломоносова. В Торговой палате (книжные и торговые знаки) – с 1924. Принимала участие в коллективных работах филоновцев: создание панно для Дома печати («Нищие или Люмпен-пролетарий»; – 1927; оформление карело-финского эпоса «Калевала» (издательство «Academia») – 1932–1933; иллюстрировала детские книги (более 40) – с 1927; несколько совместных работ с Т. Н. Глебовой, в том числе 16 совместно оформленных книг – 1926–1933. Автор первых иллюстраций к русскому переводу «Винни-Пуха». Дружила с Д. И. Хармсом – 1928–1933; опубликовала «Воспоминания о Данииле Хармсе» – 1980. Жила в эвакуации в Свердловске – 1942–1945; в Москве с 1945. Живопись первой половины XX века (Н-Р). СПб, 2013. С. 111.
Баскаков Николай Владимирович
1928, г. Кадников, Вологодская обл. – 2010Советский живописец, педагог. Родился 23 июня 1928 в городе Кадникове Сокольского района Вологодской области. В 1945 уезжает учиться в Московское художественное училище «Памяти 1905 года». Затем учился в Московском государственном художественном институте имени В. И. Сурикова (1950–1956). По возвращении на родину, обосновался в Вологде, где возглавлял Вологодское отделение Союза художников РСФСР (1961–1964). С 1961 член Союза художников СССР.
Основу творчества художника составляют портреты современников, пейзажи Вологды и ее окрестностей. Его работы находится в Вологодской областной картинной галерее, Вологодском государственном историко-архитектурном и художественном музее-заповеднике, в фондах Галереи современного искусства «Красный Мост» и в частных собраниях России.
Свешников Дмитрий Константинович
1912, поселок Людиново, Смоленской губернии – 1997, АрхангельскЖивописец. Автор тематических и жанровых композиций, пейзажист, портретист. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Народный художник РСФСР. Член-корреспондент Академии художеств СССР. Награжден медалями Министерства культуры СССР, Всемирной выставки в Брюсселе. Почетный гражданин г.Нарьян-Мара. В 1932–1937 учился в Ленинградском художественно-педагогическом училище. Председатель правления архангельского товарищества «Художник», Архангельского отделения Союза художников РСФСР, член редколлегии журнала «Художник», член правления Союза художников РСФСР. Участник выставок с 1940 года.
Вовкушевский Ростислав Иванович
1917, г. Полоцк — 2000, г. Санкт-ПетербургРодился 1917 года в Полоцке. В 1925 году переехал в Ленинград, в 1936 году поступил на архитектурный факультет Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры. В 1949 году был принят в Ленинградский союз советских художников. Преподавал в Высшем художественно-промышленном училище имени В. И. Мухиной (1949 — 1959).
Писал натюрморты, портреты, пейзажи, жанровые композиции, работал в технике станковой и монументальной живописи. Для творческой манеры Ростислава Вовкушевского характерно использование приемов декоративной живописи с присущей ей четкостью силуэта, локальным и насыщенным цветом, несколько условным рисунком и композицией. Большое внимание уделял ритмической организации холста, используя приемы легкой деформации объемов и пространства.
Романов Сахи Иванович
1926, Казалинский район Кзыл-Ординской области, Казахстан — 2002, АлматыКазахстанский график, живописец, художник кино. Родился 1 августа 1926 года в Казалинском районе Кзыл-Ординской области, потерял родителей и два года воспитывался в детском доме. Учился в Московской художественной школе. В 1955 окончил художественный факультет ВГИК, учился у Ф. С. Богородского, Ю. И. Пименова, Г. М. Шегаля. Участник выставок с 1949. Член СХ СССР с 1958. Жил и работал в Алма-Ате с 1955. Народный художник Казахской ССР с 1981. Работал на студии Казахфильм, был художником-постановщиком многих кинокартин, что отразилось и на его станковых произведениях. Оформил фильмы: Крылатый подарок, 1957; Дорога жизни, 1961; И в шутку, и всерьез, 1963; Следы уходят за горизонт 1965; Крылья песни, 1967.
Награжден Орденом Знак почета, Орденом Трудового Красного Знамени и Орденом Парасат. Работы художника находятся в ГМИ Республики Казахстан им. А. Кастеева и других музеях республики.
Живопись Романова энергична, многокрасочна и эффектна, отмечена печатью самобытности и образной яркости. Его портреты – это, прежде всего, выражение стремления человека к действию, воплощение внутреннего упорства, твердости характера. Даже в самых внешне спокойных по композиции изображениях человека он выделяет скрытую напряженность чувств. Творчество художника является значительным вкладом в сокровищницу изобразительного искусства Казахстана.
Васильев Валериан Романович
1938, г. Якутск - 1970, г. ЯкутскГрафик. Лауреат Якутской республиканской премии в области литературы, искусства и архитектуры им. П. А. Ойунского. Член союза художников СССР с 1964 года.
Родился 23 июня 1938 года в Якутске. Окончил в 1962 году факультет промышленных искусств Московского высшего художественно-промышленного училища (бывш. Строгановское), где учился у В. Е. Егорова и Б. Н. Ланге. Участник выставок с 1963 года. Его работы в основном посвящены Якутии.
Умер 4 декабря 1970 года в Якутске. За свою короткую жизнь создал произведения, ставшие шедеврами якутского изобразительного искусства. Один из мастеров, кто закладывал основы книжной графики Якутии.
В 1999 году учреждена независимая общественная премия имени Валериана Васильева для молодых художников Якутии.
Исмаилова Гульфайрус Мансуровна
1929, Алма-Ата, Казахстан — 2013, там жеКазахстанский театральный художник и живописец, актриса кино, Заслуженный деятель искусств Казахстана (19б5), Народный художник Казахской ССР (1987).
Родилась 15 декабря 1929 года в Алма-Ате. В 1944 окончила Алматинское художественное училище им. Н. В. Гоголя, училась в мастерской A. Черкасского. Окончила Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Репина, училась на театрально-декорационном отделении живописного факультета у М. Бобышова (1950–1956). Жила и работала в Алматы. Преподавала в художественном училище (1956–1957). Работала в области театрального искусства, станковой живописи, кино. Член Союза художников Казахстана (с 1957).
Снялась в 7 полнометражных художественных фильмах. С 1958 трудилась в Казахском академическом театре оперы и балета, с 1971 по 1977 занимала должность главного художника. Художник-постановщик фильма Султана Ходжикова “Кыз-Жибек”, получившего на V Всесоюзном кинофестивале приз за лучшее художественное оформление. Автор около 100 портретных и живописных произведений.
Характерная особенность многих ее произведений – декоративность, столь созвучная традициям казахской художественной культуры. Участница выставок в Казахстане, России, ГДР, Англии, Югославии, Италии, Испании, Японии, Франции. Творчество Исмаиловой — одна из наиболее ярких страниц в развитии изобразительного искусства Казахстана. Произведения украшают коллекции ведущих казахстанских и российских музеев.
Лауреат Независимой Общенациональной премии «Тарлан». Награждена Орденами Дружбы народов, «Знак Почета», «Парасат».
Чокморов Суйменкул
1939, с. Чон-Таш, (ныне Чуйская обл.) Киргизская ССР – 1992, Бишкек, Киргизская ССРХудожник, портретист, актер кино. Народный артист СССР (1981). Народный художник Киргизской ССР (1990). Лауреат Государственной премии Киргизской ССР имени Токтогула Сатылганова (1980) – за актерские работы в кино.
Родился 9 ноября 1939 в селе Чон-Таш Кантского района Киргизской ССР. В 1958 окончил Фрунзенское художественное училище. В 1964 окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (мастерская Е. Е. Моисеенко и П. Ф. Фомина). После его окончания некоторое время проработал преподавателем живописи и композиции во Фрунзенском художественном училище.
С 1968 член Союза художников СССР. С 1971 член Союза кинематографистов СССР. Награждён Почётной грамотой Верховного Совета Кыргызской ССР.
Творческая личность художника развивалась в двух направлениях. Постоянно работая в различных жанрах живописи, он много и успешно снимался в кино. Как живописец, он испытывал особый интерес к искусству портрета. Его модели – это в основном люди творчества. В портретах художник не только выразил характер человека, но и значительность его социальной судьбы. Самые близкие ему герои – это его родные, односельчане, друзья по искусству, люди, близкие ему по духу. Его произведения отличаются живописностью, изысканностью светлых, чистых цветов, оригинальной композицией. Под впечатлением встреч и бесед с известными деятелями мирового кино, им написаны портреты японского кинорежиссёра Акиры Куросавы и итальянской актрисы Моники Витти.
Более 400 работ художника хранятся в Кыргызском национальном музее изобразительных искусств им. Айтиева. Большинство из них посвящены известным личностям – деятелям культуры и искусства, политикам и общественным деятелям.
Серебряный Иосиф Александрович
1907, Городня Черниговской губернии – 1979, ЛенинградЖивописец, график; автор пейзажей, портретов, натюрмортов, жанровых картин. Учился в Полтавской художественной студии (1922–1923) у М.М.Гужавина; в ЛХТП (1924–1927) у А.А.Рылова, во ВХУТЕИН ИНПИИ (1927–1931) у В.В.Беляева, А.А.Рылова, М.П.Бобышова, В.Е.Савинского, Участник выставок с 1925. Во время войны жил и работал в Ленинграде. В январе–феврале 1943 был командирован на партизанскую базу в районе Ладожского озера и на один из прифронтовых аэродромов, где создал серию портретов летчиков и партизан.
Хлебников Григорий Семёнович
1922, д. Ново-Троицкая Ермаковской волости Енисейской губернии — 1993Родился в деревне Ново-Троицкая Ермаковской волости Енисейской губернии. Участник Великой Отечественной войны. Не имел специального художественного образования, однако с 1969 активно участвовал в художественных выставках разного уровня. В 1975 был принят в Союз художников РСФСР. Член Союза художников СССР. Работал в жанре портрета, пейзажа, натюрморта, тематической картины.
Основной темой его живописных полотен были люди и природа Хакасии. Увлекался индустриальным пейзажем, изучением археологических древностей. В годы интенсивного строительства находился в гуще событий, тема новостроек находит отражение в его картинах, где показана человеческая общность труда.
Абоев Заур-Бек Петрович
1931, с. Зарамаг Горно-Алагирского района Северной Осетии — 2000Советский художник-график, иллюстратор, Член Союза художников СССР, Заслуженный деятель искусств России, Народный художник Северной Осетии. Родился в горном селении Зарамаг Горно-Алагирского района Северной Осетии. Окончив восемь классов, поступил на художественно-графическое отделение Осетинского педагогического училища и окончил его с отличием в 1951 году.
Стремление получить высшее художественное образование привело его в Цхинвальское художественное училище, где он более основательно подготовился к поступлению в институт. Поступив на пятый курс училища, Абоев окончил его с отличием и в 1952 году, успешно сдав приемные экзамены, поступил в Московский полиграфический институт, где его учителями стали – по рисунку и композиции профессор А. Д. Гончаров, по живописи профессор И. И. Чекмазов.
Заур-Бек Абоев сотрудничал с издательствами «Детская литература», «Молодая гвардия», «Советский художник»; иллюстрировал и оформлял книги; автор политического плаката «Пусть торжествуют идеи программы мира! 1975. Хельсинки» (1976; художники З. П. Абоев, Д. И. Агаян, Ю. И. Степанов).
Осипов Афанасий Николаевич
1928, Второй Эргитский наслег Западно-Кангаласского улуса – 2017, г. ЯкутскЖивописец. Действительный член Российской академии художеств, народный художник СССР, заслуженный деятель искусств Якутской АССР, лауреат Государственной премии РСФСР им. И. Е.Репина, лауреат премии Ленинского комсомола Якутии, Президент, действительный член Академии духовности Республики Саха (Якутия). Член Союза художников России с 1956 года.
Родился 28 февраля 1928 года во Втором Эргитском наслеге Западно-Кангаласского улуса, впоследствии вошедшем в Горный улус. После окончания Московской средней художественной школы при Институте имени В. И. Сурикова, в 1949 году продолжил учебу в самом вузе, который завершил в 1955 году (мастерская профессоров П. П. Котова, Ф. П. Решетникова). В 1955-1957 годах преподавал в Якутском художественном училище. В 1994-2004 годах – профессор Якутского филиала Красноярского художественного института, ныне художественный факультет Арктического института культуры и искусства. В 1956-1991 годах – член правления Союза художников СССР. С 1968 года – председатель выставочного комитета региона «Дальний Восток». Награжден орденом Трудового Красного Знамени, орденом «Знак Почета» и многими медалями. Почетный гражданин Республики Саха Якутия). Участник выставок с 1955 года. Cкончался в 2017 году в Якутске.
Земзарис Улдис Екабович
1928. Латвия, Рига – 2022Советский и латвийский художник, писатель и сценограф. Родился в Меллужи, дачном посёлке, входящем в состав города-курорта Юрмалы, в семье торгового работника и учительницы. Учился в Пумпурской школе, окончил Дубултскую гимназию (1945), Рижскую художественную школу им. Я. Розентала (1953) и художественное отделение Латвийской государственной академии художеств (1955).С 1952 года принимал участие в художественных выставках, в том числе проводил персональные в Москве, Риге, Сиднее, Оттаве, Нью-Йорке. Про Улдиса Земзариса снят документальный фильм «Человек входит в радугу» (режиссер А. Фрейманис, 1962). Был сценографом постановок пьес «По дороге китов» Гунара Приеде (1965), «Бидерман и поджигатели» Макса Фриша (1965) и «Снимается кино» Эдварда Радзинского (1966) в Государственном академическом художественном театре им. Я. Райниса.
Назаренко Татьяна Григорьевна
р. 1944, МоскваЗаслуженный художник России, действительный член Академии художеств, профессор. 1962–1968 учеба в МГАХИ им. В.И. Сурикова (преподаватели: А.М. Грицай, Д.Д. Жилинский). Занималась также в творческих мастерских Академии художеств СССР (1969–1972), где ее наставником был Гелий Коржев. Лауреат Государственной премии Российской Федерации (1994).
Родилась в Москве в семье кадрового военного. Окончила Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова (1968), где училась, в частности, у Дмитрия Жилинского. Занималась также в творческих мастерских Академии художеств СССР (1969–1972), где ее наставником был Гелий Коржев. Лауреат Государственной премии Российской Федерации (1994). Живет в Москве.
Завоевала официальное признание произведениями, как будто вполне отвечающими традиционным представлениям об идеологически выдержанной «тематической картине», однако уже в них проявилась характерная для ее искусства театрализация и смысловая многослойность образов. Мотивы народного гуляния и «посиделок в мастерской» – лукаво-ироничны, либо поэтико-созерцательны. Это приметы «карнавализма» – стилистической тенденции 1970–1980-х годов, выразившей процесс размывания и, в конечном счете, исчезновения границ между «официальным» и «неофициальным» творчеством. С 1996 она часто придает своим образам трехмерность, дополняя или заменяя свои полотна комбинациями силуэтных фигур натурального размера, как бы вышедшими из картины в реальный мир.
Работница (Портрет в голубом)
- 1927
- Холст, масло. 133,5 х 77
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1325
«Работница» Алексея Пахомова занимала одно из центральных мест в экспозиции выставки молодежного объединения «Круг художников» в 1927 году (ГРМ). Моделью Пахомову послужила его жена, работница табачной фабрики. Однако совершенно очевидно, что образ более тяготеет к типажности, нежели характеризует индивидуальность. Для этого Пахомов избирает определенные приемы, которые позволяют ему подчеркнуть монументальность, возвышенность образа. Русоволосая молодая женщина изображена поколенно. Пропорции ее тела несколько увеличены в сравнении с натурой, отчего создается впечатление, что персонажу «тесно» в рамках холста. Динамичный поворот головы и торса плавно «останавливается» торжественными ритмами складок одежды, отдаленно напоминающей одеяния персонажей фресок раннего Возрождения. Позднее Пахомов вспоминал: «Душевная ясность и чистота юности, ее стремление к благородству и возвышенному безмерно привлекательны, и я невольно подчеркивал широкий открытый взгляд, стройность и бодрость осанки, готовность к действию. Я чаще стал всматриваться в античное искусство и искусство Высокого Возрождения и все больше ценить их». (О. Ш.).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 198.
Текстильщицы
- 1927
- Холст, масло. 171 х 195
- Государственный Русский музей
- ЖБ-988
Картина "Текстильщицы" явилась результатом поездки Дейнеки по заданию журнала "Безбожник", с которым художник сотрудничал. Одновременно он был одним из лидеров Общества станковистов, где велись разработки метода синтетического отражения реальности.
С тем, что изменилась жизнь, настало время других героев, согласны были все – и создатели радикального авангарда, и последователи фигуративной линии. «Нельзя сейчас в позе купца или фабриканта, – замечает Александр Дейнека, – писать нашего ударника. У него <…> другая стать <…> и художник должен увидеть эту стать и суметь показать ее». «Жизнь выдвигала новое – прежде всего нового, социалистического человека, новую молодежь, комсомольцев, <…> рабфаковцев <…>». «И именно это новое время, – утверждали молодые художники, – надо втащить на холст». Такими персонажами становятся у Дейнеки «Текстильщицы» — женщины-работницы, наравне с мужчинами управляющие огромными станками-механизмами.
В картине художник применяет характерный для фотографии и кино принцип монтажной композиции. Он писал: «Я увлекался кружевом заводских конструкций, но они только фон. Я всегда изображал человека большим планом, в сильных типичных движениях». Фигуры ткачих решены на контрасте масштаба, объема и цвета, они будто противопоставляются фону. Изображенные в сложных ракурсах, объемные фигуры выделяются на фоне графически четкого рисунка деталей фабричного оборудования, что придает композиции особую динамику. Господствующие в картине радостно-мажорные интонации дают новое осознание не только внешних обстоятельств труда, но и его психологии, его духовного смысла. Основное здесь – чувство свободы и достоинства.
Художник удивительно чутко ощущал пульс времени и отражал его в своих полотнах. Он мастерски выстраивает композицию в смежных разновременных планах, ритмы работающих ткацких станков объединяются в своего рода орнаментальное пространство, почти монохромный серебристо-белый колорит придает картине четкость и графичность авторской пластической манеры, которая приобретает публицистическую заостренность и убедительность.
Женщина с ведрами
- 1928
- Холст, темпера. 185 x 150
- Государственный Русский музей
- Ж-10265
Основные три выставки «Круга художников» прошли в Русском музее (1927, 1928, 1929) и Киевской картинной галерее (1930). Поиски декларируемого «стиля эпохи», монументального по форме и емкого по содержанию, воплотились в создании серии программных живописных произведений. Пожалуй, самое известное из них — «Жница» (1926–1927), показанная на первой выставке общества. Оглядываясь на «крестьянский цикл» Малевича, Пакулин создал свою версию реализма. Он написал огромное полотно, добиваясь внешнего сходства с фреской, лишь отдаленно напоминающее о первоначальных натурных зарисовках и этюдах, и некоторые из них, представленные на выставке, об этом ясно свидетельствуют. Тот же путь «очищения» мотива от суетной будничности прослеживается и в другой программной работе художника «Женщина с ведрами». Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.10.
Сбор яблок
- 1928
- Холст, масло. 94,0 х 120,0 см
- Калужский музей изобразительных искусств
- Ж-699
Константин Федорович Юон – один из известнейших русских и советских художников. Его полотна отличает яркий, звучный колорит, четкое композиционное построение, а также жизнерадостные сюжеты из жизни простых людей. На протяжении всей творческой деятельности, Юон не изменял своим принципам – писал правдиво и с большой достоверной точностью.
В произведении «Сбор яблок», написанном в 1928 году, художник изобразил группу людей за сбором урожая. Вечер теплого августовского дня, раскидистая яблоня, изобилующая яркими плодами, и женщины с детьми, занятые работой. Произведение написано в теплых чистых тонах. Мирное занятие, как порождение человеческого бытия. Позади – годы невзгод революционных преобразований, разрухи и голодного времени, а теперь – налаживание мирной жизни, как основа будущего спокойствия каждой семьи и каждого человека.
В центральной части картины «Сбор яблок» доминантой выступает возвышающаяся фигура женщины, которая стоит на стуле и тянется за высоко растущими яблоками. Правая часть полотна отведена под изображение раскидистого дерева, слева – фигуры детей и сидящей женщины, что зрительно уравновешивает композицию. Силуэт деревьев и фигур людей, красота уходящего дня в вечерних сумерках, создают лирическое настроение произведения.
Стройка (Стройка совхоза)
- 1928 г.
- Фанера, масло. 71 х 116,2
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-410
Будучи по природе своего дарования пейзажистом, Илья Васильевич Волков исполнил в конце 1920-х годов несколько произведений на тему труда. На выставке АХРР «Жизнь и быт народов СССР» (1928) омский художник представил жанровую композицию «Стройка совхоза», выполненную маслом на фанерной основе. Ее сюжет, выхваченный «из новой жизни» с наивной правдой, воплощает подмеченные художником бытовые реалии. Пронизанное солнечным светом, произведение наполнено оптимизмом, чувством «новой, счастливой эпохи».
Эскиз плаката «Молодежь иди в соцсоревнование и ударничество»
- 1928
- Бумага, чёрная акварель, гуашь. 43,6 x 30,2
- Государственный Русский музей
- РС-6307
Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги":
"В 1925-1926 годах творческий диапазон художника значительно расширяется за счет включения в сферу его художественной деятельности политического плаката, детской книжки, фарфора.
Его плакаты: "Ленин и электрификация", "Смычка", "Вперед, по ленинскому пути!" и, особенно, комсомольский плакат "На смену старшим" (На Парижской международной выставке декоративного искусства - присуждена золотая медаль) были в свое время оценены по достоинствам: высокого художественного качества и идейно-политической целеустремленности…
Работа в области политического плаката и книжно-журнальной графики была для Самохвалова превосходной школой овладения советской тематикой. Плакат поставил перед художником во всей своей сложности и ответственности новые идейные задачи, правильное решение которых невозможно без разрешения новых формально-технических проблем, без определенного перевооружения художника - в области цветовых, композиционных, пространственных средств выражения. Самохвалов применяет объемно-плоскостные принципы построения своих произведений, принципы, истоки которых он устанавливает для себя в русской фреске и в античной живописи".
Женщина с напильником
- 1929
- Холст, масло. 107 х 70
- Государственный Русский музей
- Ж-7564
Наиболее значительное произведение серии изображений работниц, созданных Самохваловым в 1928–1930-х годах. Своих героинь он встретил в типографии «Печатный Двор» в Ленинграде, где печатались его плакаты. В них он увидел живое воплощение образа новой женщины, способной заменить мужчину даже в тяжелом физическом труде: «Их отстраненность от домашнего быта, их новый, иной труд, иные волнения, придавали им ореол романтики совершенно нового, небывалого порядка». Поиск этого нового идеала женственности был лейтмотивом творчества художника. (Л. Б.).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 202.
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»: «Я художник, живущий взволнованной эмоциональной жизнью, современностью. Ничто не проходит мимо моего внимания. В особенности то, что обладает чертами, смыслом и значением сегодняшней действительности. Чувство современности – очень сложное чувство. И в пейзаже, хотя он просуществовал столетия, все же проявляются в конце концов те черты, которые примут на себя выражение современности. И они уловятся, эти черты.
Кроме объективно существующего явления, есть ещё профессиональные особенности отражения этого явления в современной живописи. Современный язык. Попытки игнорировать эту сторону творческого процесса приводят к отсутствию воздействия произведения на зрителя.
Поэтому поиск современности, современных ритмов, современного цветосложения и цветовыражения обязательны для художника.
Это не означает отчуждения от традиций, от достижений искусства в фазы высшего выражения современной ему эпохи. Наоборот. Качества, добытые искусством, в лучших его произведениях, должны и могут развиваться, оживать под толчком современности.
Тот лаконизм, ясность цветового замысла, ясность направленности цветосложения, которые свойственны лучшим образцам древнерусской живописи, воздействовали и на меня и отразились в моих работах того времени с особенной силой.
Основой же становился образ – то есть современность.
В те годы на Печатном дворе печатались мои агитационные плакаты, и я там, в цехах, встретился с совершенно новыми для меня образами советской женщины-работницы.
Они казались мне настолько новыми, иногда поражающими, что я в течение нескольких лет работал над образами женщин-работниц двадцатых годов. Их отстраненность от домашнего быта, их новый, иной труд, иные волнения придавали им ореол романтики совершенно нового, небывалого порядка.
Вот я вижу женщину, на лице её суровость и тревога. В её руках напильник. На секунду она отвлеклась, опираясь на него. Она встала у тисков и подгоняет детали станков, она взяла в руки напильник, потому что её муж – рабочий взял в свои руки винтовку и там, на фронтах гражданской войны сражается с врагом.
Черные от чугуна руки и исполненные тревоги глаза завершают этот образ женщины первых революционных лет».
Ткацкий цех
- 1929
- Холст, масло, темпера. 68 х 98
- Государственный Русский музей
- Ж-8149
В конце 1920-х годов для многих советских художников, в том числе и для Александра Самохвалова, становится актуальной индустриальная тема. Художники командируются на различные предприятия для обретения «знания жизни». Картина «Ткацкий цех» явилась результатом поездки Самохвалова в город Иваново, славящийся ткацким производством. Художника поразила «ярко-белая архитектоника ткацкого цеха». «Две-три юные ткачихи спокойно, как няни, ходили среди станков <...>, как бы одобряя их довольно буйный ритм и с той же человеческой ласковостью исправляя возможные неполадки»,— вспоминал художник. Его ткачихи — обычные девушки своего времени. Ритм деталей станков, окрашенных в дополнительные красный и зеленый цвета, перекликается с розовыми косынками девушек и усиливает декоративные качества картины. Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 345.
В Иваново-Вознесенск Самохвалов был командирован Изогизом на ткацкие фабрики для создания картины о ткацком производстве. (В автобиографии художник указывает дату «1931» — РГАЛИ, ф. 78, оп. 3, д. 49, л. 25). Был собран материал в виде 9 акварельных этюдов работниц и 2 картин — «Ткацкий цех» (1929, ГРМ) и «Печатный цех» (местонахождение не установлено). Александр Самохвалов. СПб, 2014. С. 207.
В модельном цехе
- 1930-е гг.
- Холст, масло. 151 х 221
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-2202
Творческая командировка художника Вениамина Павловича Белкина на крупнейшее предприятие отечественного машиностроения – Ленинградский металлический завод имени И. В. Сталина была не случайна: в 1920-е годы на заводе были созданы первые гидравлические машины, обеспечившие выполнение почти трети плана ГОЭЛРО, изготовлены первые турбины по собственным проектам. Действие на картине происходит в модельном цехе завода: рабочие применяют колеровку на готовой к отливке формы турбины отечественного производства.
ГОЭЛРО - (сокр. от Государственная комиссия по электрификации России) — государственный план развития электроэнергетической отрасли в Советской России после Октябрьской революции 1917 года. Часто расшифровывается как Государственный план электрификации России. Разработан Государственной комиссией по электрификации России по заданию и под руководством В. И. Ленина. К работе комиссии, которой руководил Г. М. Кржижановский, было привлечено около двухсот учёных и инженеров.
План ГОЭЛРО с рядом замечаний и дополнений был принят Советом Народных Комиссаров, который принял 22 декабря 1920 г. постановление «О плане электрификации России».
ГОЭЛРО был планом развития не одной энергетики, а всей экономики. В нём предусматривалось строительство предприятий, обеспечивающих эти стройки всем необходимым, а также опережающее развитие электроэнергетики. И всё это привязывалось к планам развития территорий. План ГОЭЛРО, рассчитанный на 10—15 лет, предусматривал строительство 30 районных электрических станций (20 ТЭС и 10 ГЭС) общей мощностью 1,75 млн кВт. В числе прочих намечалось построить ГЭС — Нижегородскую, Волховскую (1926), Днепровскую, две станции на реке Свирь и др. В рамках проекта было проведено экономическое районирование, выделен транспортно-энергетический каркас территории страны. Параллельно велось развитие транспортной системы страны (строительство новых железнодорожных линий, сооружение Волго-Донского канала).
Проект ГОЭЛРО положил основу индустриализации в СССР. План, в основном, был перевыполнен к 1931 году. Выработка электроэнергии в 1932 году по сравнению с 1913 годом увеличилась почти в 7 раз: с 2,0 до 13,5 млрд кВт•ч.
В начальной школе (Всеобуч)
- Начало 1930-х годов
- Холст, масло. 85 × 93
- Самарский областной художественный музей
- Ж-2055
Занимаясь преподаванием живописи в Пензенском художественном училище им. К. Савицкого, Алексей Григорьевич Вавилин проблему обучения молодежи, которая на тот момент остро стояла в стране, можно сказать, хорошо знал «изнутри». Модернизация производства, проводившаяся в стране, требовала все большее число грамотных рабочих. В школах, наряду с общеобразовательными предметами, были обязательными уроки труда, где школьникам прививались начальные навыки столярных, слесарных работ, техники безопасности обращения с элементарными инструментами: рубанком, киянкой, продольной ручной пилой. Девочки постигали основы производства наряду с мальчиками и с не меньшим энтузиазмом.
На картине «В начальной школе (Всеобуч)» лица прописаны художником довольно условно, они практически сливаются по цвету с деревянными верстаками, однако хорошо передана трудовая атмосфера, царящая на уроке, призванном формировать трудовые резервы страны. Перед нами не просто небольшая жанровая картинка, а определенный временной срез истории начальной школы СССР в 1930-е годы.
Выплавка стали
- 1930
- Холст, масло. 143 x 176,5
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1830
Картина была написана во время командировки художника в Днепропетровск на металлургический завод имени Г. И. Петровского. «Громадный металлургический завод дышал паром, дымами и огнями,— записал в 1930 году художник в дневнике.— Внутри, в цехах, пришлось много наблюдать, изучать последовательность различных трудовых процессов, делать зарисовки фигур в движении. Один светоцветовой эффект сменялся другим. То человеческие фигуры и механизмы, фермы, скрепления, блоки, краны, как вуалью, закрывались дымами, то тонули во мраке, то фантастически освещались расплавленным металлом. Картина менялась, как хамелеон» (Кравченко К. С. А. В. Куприн. М.: Советский художник, 1973. С. 202).
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 28.
Литейщики
- Эскиз
- Начало 1930-х
- Холст, темпера. 108 x 146
- Государственный Русский музей
- ЖС-2000
В начале 1930-х годов Осолодков пишет несколько композиций на тему «Литейщики», а также отдельные фигуры рабочих. В данной картине художник концентрируется на сакральности трудового процесса, таинстве обращения с огнем, световых эффектах. Судя по расчерченным клеткам, эта работа предназначалась для переноса на стену, что вполне соответствовало требованиям времени, но мало кем было осуществлено.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 32.
Откатчица
- 1930-е
- Холст, масло. 178,5 х 128,8 см; 179,4 х 129,8 см (после реставрации).
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-1759
Давид Петрович Штеренберг – русский и советский художник, один из ярких представителей отечественного искусства первой половины XX века родился, родился в 1881 году. Сын бедного еврейского ремесленника из Житомира, которому судьба уготовила интереснейший, полный творческих исканий и крутых поворотов путь художника. Начинающий фотограф из Одессы, вынужденный эмигрировать из-за своих революционных убеждений, он становится настолько успешным студентом Парижской академии Витти, что его освобождают от платы за обучение. В первое десятилетие XX века Давид Штеренберг, будучи представителем когорты радикально настроенных молодых и амбициозных художников, стремится к преобразованию традиционных художественных систем и не без успеха покоряет Париж, выставляясь на Весеннем и Осеннем салонах 1912 года наравне с А. Матиссом.
В годы первой революционной пятилетки, благодаря знакомству с А. В. Луначарским, именно он определяет политику в области изобразительного искусства молодого советского государства, будучи заведующим отделом ИЗО Накомпроса. В 1925 году Штеренберг основал «Общество художников-станковистов» – художественную группировку выпускников ВХУТЕМАСа, которая использовала приемы немецкого экспрессионизма для воспевания индустриализации и других примет советской действительности, просуществовавшую до 1931 года. В конце 1930-х годов, не избежав обвинений в формализме, он, тем не менее, не был преследуем властью, но его независимый стиль, не отвечавший конъюнктуре, перестал пользоваться спросом, и работы были постепенно изъяты из поля зрения общественности.
В постоянной экспозиции Тверской областной картинной галереи представлено живописное полотно Давида Штеренберга «Откатчица». Пастельные тона, прозрачность перспективы, изящество линий – все здесь призвано передать легкую красоту модели, которая, несмотря на свою трудную профессию заводской откатчицы, идущую вразрез с хрупкостью и незащищенностью представительницы «слабого пола», сохраняет главные черты женской натуры – таинственность и шарм.
Постройка железной дороги
- 1930-е
- Холст, масло. 109 х 159
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-30
В 1930-е годы отличительной особенностью искусства Александра Моравова стало внимание к социальным преобразованиям. Действие в большинстве сюжетно-тематических картин этого времени выносится на улицу, стройку, завод, в поле. Значительность событий, массовость изображаемых сцен обусловили создание многофигурных композиций.
В двадцатые-тридцатые годы прошлого столетия многие литературные произведения, художественные полотна обращались к железнодорожной тематике, передав первые впечатления от движущегося «парохода» на колесах. Изобразительная метафора XX века вкладывает новый смысл в образ железной дороги как символ прогресса и построения нового будущего советской страны.
У живописца возникает идея написания большого полотна, посвященного строительству железной дороги. Внимательно изучает автор отдельные участки работы и весь объём строительства в целом. С большим вниманием отражает художник величие стройки и энтузиазм людей. Каждый персонаж полон уверенности, сосредоточенности.
Живописец показал, что в то нелегкое время строительство железных дорог осуществлялось практически вручную, механизация была развита слабо. Основной объём земляных работ выполнялся конными и тракторными скреперами. В картине есть ощущение простора, а, соответственно, и ощущение размаха строительства. На полотне Александра Моравова запечатлена не просто стройка, а созидание, стремительная динамика жизни.
Бригада во время перерыва
- 1931
- Холст, масло. 123 x 99
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1727
Днепрострой
- 1931–1932
- Холст, масло. 49 × 111
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-216
Индустриальный пейзаж «Днепрострой» работы Константина Федоровича Богаевского из коллекции Донецкого республиканского художественного музея выполнен на основе натурных зарисовок 1930–1931 (акварелей и рисунков карандашом). Художником был собран огромный документальный материал, пользуясь которым он выполнил серию картин, изображавших строительство Днепрогэса. На картине «Днепрострой» изображен один из этапов грандиозной стройки: панорама пейзажа связана со строящейся плотиной. Удачен выбор точки зрения, позволяющий охватить взглядом оба берега с развернутым на них строительством. Пространство насыщено действием, вертикальный ритм строек, башенных кранов вносит в картину активное динамическое начало. Картина цельна по колориту. Красочная гамма выдержана в светлых тонах, построенных на сочетании охристых и серо-сиреневых оттенков. Индустриальный пейзаж Богаевского доносит до зрителя дыхание первых пятилеток. За цикл картин о Днепрострое в 1933 году художник получил звание Заслуженного деятеля искусств РСФСР.
Ковровщицы
- 1931
- Холст, масло, темпера. 66 x 79
- Государственный Русский музей
- Ж-9800
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Там же появились два холста «Ковровщицы» (Ж-9076, Ж-9800). Бессюжетные, запечатлевшие характерные позы и жесты мастериц, они передают ритм трудового процесса и светлую атмосферу свободного творчества. Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
*В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Ковровщицы
- 1931
- Холст, масло. 83,5 х 88
- Государственный Русский музей
- Ж-9076
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Там же появились два холста «Ковровщицы» (Ж-9076, Ж-9800). Бессюжетные, запечатлевшие характерные позы и жесты мастериц, они передают ритм трудового процесса и светлую атмосферу свободного творчества. Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
*В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Портрет Прониной Пелагеи – премированной ударницы коммуны «Красивая Меча»
- 1931
- Холст на картоне, масло. 55 х 39
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- Ж-691
Начало 1930-х годов – время огромных перемен, происходивших в стране. Этот период явился важным этапом развития советского искусства. Перемены происходили и в творчестве Алексея Пахомова. От связанных с проблематикой «Круга художников» опытов и «лабораторных исканий», как их называл сам художник, был осуществлен поворот к более широкому и решительному изучению всего нового, что открывалось в трудовых буднях страны, строившей социализм.
В пору уборки урожая в 1931 году Пахомов был направлен в коммуну «Красивая Меча» в средней полосе России (Липецкая область). И в этом глубинном крае, описанном когда-то Тургеневым (вспомним его Касьяна с Красивой Мечи), оказался живописец, который пришел к естественному выводу – необходимо показать тех, кто самоотверженно работал в трудных условиях. Алексей Пахомов показывал колхозников в привычной для них трудовой обстановке. А в ряде холстов развернута целая панорама колхозной жизни. Вместе с ударницей Пелагеей Прониной изображены ее бригада и обоз с зерном. В портрете механика художник словно разрабатывал замыслы монументальных росписей, столь выразительно их композиционное построение.
Пахомов сумел проникновенно подойти к трактовке образов. Живописное решение портретов чуждо какой-либо фальши. Подчеркнутая простота колорита, правдивый до суровости рисунок способствовали жизненности характеристик, их искренности. В этой галерее не было показного оптимизма и улыбок, здесь отразились суровые трудовые будни советской деревни, переходившей на новый путь хозяйственного развития. «Во всех портретах крестьян из «Красивой Мечи», – объяснял Пахомов, – нет праздничности, и это не случайно. Тогда коллективизация была в полном разгаре. Я участвовал во всех выездах в соседние деревни для агитации за вступление в колхозы... Другого не было пути к России социалистической, однако я очень остро чувствовал, как трудно крестьянину решиться на такой шаг, как вступление в колхоз. И эта озабоченность крестьянства нашла свое отражение в этих моих портретах, они лишены той праздничной приподнятости, что светилась в моих прежних портретных холстах. Во всех портретах из «Красивой Мечи» сосредоточенная озабоченность».
Холсты, написанные с натуры на Орловщине, очень правдиво и своеобразно передают сочетание в деревне нового с обычным укладом крестьянских будней. Этим обусловлена и творческая манера художника. В его произведениях есть некоторая перекличка с искусством примитива, с народной картинкой.
Воспоминания А. Пахомова о поездке в коммуну «Красивая Меча».
Во второй половине лета 1931 года я поехал в коммуну «Красивая Меча» на реке Красивая Меча, в тургеневских местах.
Организация коммуны пока еще мало изменила внешний облик жизни и труда. Я решил писать портреты людей, которые из патриархального, крестьянского хозяйства перешагивали в коммунизм, а, проще говоря, из большой нужды и бедности хотели найти выход к лучшей жизни.
Портреты крестьян из «Красивой Мечи» сделаны неторопливо, каждый предмет неподвижен в своей детальной законченности. Лица тщательно выписаны, выведены волоски бровей и бороды. Я всегда старался выведать, как простые люди воспринимают искусство и, в частности, мою работу. Мне очень запомнился один разговор с отцом. Когда я учился у Штиглица и нарисовал свою освещенную вазу (о чем я писал выше), я, после этой удачи, стал безудержно употреблять светотень. Мой отец, глядя на написанный мной портрет, с огорчением спросил: «Почему же под носом черно и одна щека черная?» Я объяснил, что это тени. «Лучше бы весь лик был виден без затенения», – сказал отец и, наверно, не случайно сказал лик, а не лицо. Обыкновенное, будничное лицо, в понимании отца, на портрете должно освободиться от случайности и обыденности, стать праздничным ликом и быть видимым целиком, «без затенения».
Портрет ударника завода им. К. Маркса И. И. Гирьята
- 1931
- Холст, масло. 96,5 х 79
- Государственный Русский музей
- ЖС-1209
Как гласят авторские надписи на холсте и подрамнике, «Портрет Гирьята Иосифа Ивановича — рабочего кузнеца ударника завода имени К. Маркса» «писан на производстве худ[ожником] В. Зверевым».
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 35.
Ремонт паровоза
- 1931
- Холст, масло, темпера. 82,5 x 86
- Государственный Русский музей
- Ж-9324
Картину «Ремонт паровоза» (1930–1931, ГРМ) Самохвалов написал по заказу Изогиза. Репродукция картины «Ремонт паровоза» была издана массовым тиражом с текстом о значении железнодорожного транспорта.
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»:
«Я страстно любил беспокойную и соответственно размеренную звонками, гудками, свистками жизнь железных дорог, жизнь, идущую под аккомпанемент вагонных колес, мощных вздохов паровозов с тимпанными звуками буферов. Всякая дорога ‒ и особенно железная дорога ‒ изменяет содержание жизни едущего (тогда ещё не было авиалиний) и потому навевает мысли об изменениях жизни и о новой жизни.
С самого раннего детства я любил паровозы, их технику, их "пастбища" на станциях, где они отдыхали, подновлялись и готовились к новым пробегам. Я особенно любил пассажирские паровозы с огромными двухметровыми колесами, окрашенными ярко-красным цветом.
Я любовался этим гигантским стальным конем на остановках, когда он грузился дровами или пил воду, шипя и вздрагивая от полноты дыхания и жажды движения, и той безудержной радостью, когда после звонков и гудков, испустив глубочайшие вздохи, он медленно, но мощно рванется вперед, чтобы исчезнуть за поворотом или в голубой дымке далеких далей.
Я мечтал написать поэму о паровозе. Без жеребенка. С жеребенком уже написал великолепную поэму Есенин. Я хотел написать поэму о паровозе и о людях, его построивших и управляющих им. Обстоятельства сложились так, что я смог написать лишь эскиз этой поэмы. Это небольшой холст, но все же это был этап в моем творческом труде, и в нем отразился также некий этап нашей истории, когда после разрушений, нанесенных войной империалистической и войной гражданской, после разрухи восстанавливался транспорт нашей страны, и эти огнедышащие гиганты, эти пожиратели пространства получали новую жизнь…
Композиционный строй этой небольшой картины не имеет планов. Она вся ‒ первый план. Рабочий, квалифицированный мастер устраняет неполадку в золотниках над цилиндром. Молодой рабочий, лежа на мостике, помогает ему. Другой рабочий, "культурник", укрепляет на перилах мостика плакат-лозунг. Четвертый, стоящий спиной, приводит в порядок детали цилиндра. В глубине сложного механизма видна фигура еще одного рабочего, обследующего исправность деталей. Все движения работающих людей, их ритмы и движения конструкций машины располагаются в единой плоскости» (из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»).
Сбор металлолома
- 1931
- Бумага, хромолитография. 35,2 х 51,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1978
Столяр
- 1921-1942
- Холст, масло. 106,5 х 97
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
В 1921 году Осмеркин создает портрет молодого столяра, где чувствуется влияние Сезанна, фовизма и кубизма. Открытое лицо молодого рабочего, выражает задумчивую сосредоточенность мастера, который на миг оторвался от работы. Художник идет от модели, подчеркивая важность и большое мастерство столяра, окружая его предметами труда, написанными материально и фактурно. Золотисто-желтая стружка, выходящая спиралью из-под рубанка, охристо-зеленая с синим рубаха, желто-коричневый станок – все включено в единое с фоном действие, обретая как бы свою новую ценность. Момент обыденной жизни обретает законченный художественный образ.
Строительство в Армении
- 1931
- Холст, масло. 132 х 161
- Государственный Русский музей
- Ж-9077
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
* В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Строительство в Армении
- 1931
- Холст, масло. 97,4 х 142
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1181
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
* В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Стройка СССР
- 1931
- Холст, масло. 200 х 110
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-65
Федор Богородский – художник сложной судьбы. Окончив юридический факультет Московского университета в 1917 году, он увлёкся футуризмом, дружил с В. Хлебниковым, Н.Н. Асеевым и В.В. Маяковским. В годы учебы выступал на эстраде танцором, а также в цирке, писал стихи. В 1916 году оказался на военной службе – сначала как балтийский матрос, потом как летчик.
Игорь Грабарь писал о нем: «Его повышенный жизненный тонус отражается на всем, к чему он прилагает руку». После революции работал в ВЧК в Москве. В 1918 году его направили на родину, в Нижний Новгород, где он работал сначала заместителем председателя следственной комиссии ЧК, затем в политотделе Волжской военной флотилии. В 1919 году был послан на фронт комиссаром матросского отряда сначала Донской, а затем Волжско-Каспийской флотилий. Сражался на Волге, под Царицыном. После контузии в 1920 году был направлен в Нижний Новгород, где возглавил Художественный отдел. В 1922 году переехал в Москву и поступил во ВХУТЕМАС в мастерскую А.Е. Архипова. После защиты диплома в 1927 году получил право на поездку за границу. В Италии и Германии художник жил с 1928 по 1930 год, изучал современные живописные течения, долго гостил у Горького в Сорренто, с которым был земляком по Нижнему Новгороду.
Картина «Стройка СССР», написанная Богородским почти стразу после возвращения из-за границы – монументально-обобщенный образ начала строительства нового социалистического государства. В 1931 году эскиз будущей картины высоко оценил Анатолий Луначарский в своей статье о художнике: «Богородский обещает нам теперь заняться настоящими советскими картинами и дает некоторое предвкушение своих будущих работ в талантливом наброске картины «Стройка СССР». Будем ждать».
Товарищ Степанов – кузнец коммуны «Ленинский путь»
- Из серии «В коммуне «Ленинский путь». 1931-1932
- 1931
- Холст, масло. 63 х 41
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1786
Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги":
"Из 30 работ, представляющих творческий результат командировки Самохвалова в коммуну "Ленинский путь", наибольший интерес и художественную значительность имеют его восемь портретов членов коммуны и пять маленьких пейзажей. Эти портретные этюды - не портреты в обычном узком значении этого термина, то есть произведения, дающие документальную характеристику портретируемого, произведения, в которых художник добивается внешнего физического сходства с оригиналом или передачи его психического облика. Не фотографическое копирование, а стремление к типическому обобщению, к реалистической сомкнутости - вот что лежит в основе творческого замысла этих портретов. И в этих портретах художник действительно поднимается на значительную высоту обобщения в типических образах коммунаров, обобщения отнюдь не за счет лишения их индивидуализирующей конкретности. Известная приподнятость тона в трактовке, в характеристике ударников социалистических полей, выражена средствами колорита - яркого, свежего, сочного (цвет дан в наибольшей светосиле). При всем том общем, что характеризует колорит этих вещей, художник для каждого из этих портретов искал свою индивидуальную цветовую гамму, подсказанную ему задачей раскрытия выразительной характеристики натуры".
Ударницы на фабрике «Красная заря»
- 1931
- Бумага на фанере, масло. 66,5 х 91,5
- Государственный Русский музей
- Ж-9568
На рубеже 1920-х годов обстановка вокруг Филонова, одного из самых пролетарских художников среди авангардистов, также сильно накалилась. В 1929 году почти год простояла в Русском музее готовая к показу выставка его работ, но она так и не открылась по цензурным соображениям. На другие экспозиции тогда его работы не принимались. По существу, Филонов жил на деньги, получаемые женой, что при его гордом характере было невыносимо. В поисках выхода из ситуации близкие друзья договорились о нескольких заказах для художника. Он должен был исполнить две-три работы на производственные темы в реалистическом духе. Филонов долго сопротивлялся, но под огромным напором друзей и жены согласился.
По заказу ИЗОГИЗ Филонов направляется на фабрику „Красная заря", где в числе других ему рекомендуют запечатлеть ударницу Елену Васильеву из шнуровочного отделения. Выбор, как выяснилось, не удовлетворил издательство. Рецензенты ИЗОГИЗ, увидев первые зарисовки художника, делают вывод: „Это пожилая женщина в очках — не тип ударника. Здесь нужен пафос!" Филонов с этим согласился, но работу продолжал. Как свидетельствует запись в дневнике художника, он „нарисовал в портрете т. Васильевой четыре фигуры, кроме нее, и станки, т. к. вещь стала иметь другое значение, чем раньше". Последний вариант вызвал немало дискуссий, однако в итоге картина была принята к печати и опубликована, что явилось единичным случаем в биографии Филонова, отдельной репродукцией для широкого распространения. Ольга Шихирева // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 312.
В октябре 1931 года художника направляют на завод «Красный путиловец», где в тракторных мастерских он делает зарисовки для будущей картины. В мае 1932 года работа над полотном «Тракторная мастерская Путиловского завода» была закончена, однако его не приняли, возвратили художнику без объяснений. Вероятнее всего, главной причиной было отсутствие в произведении требуемого оптимизма. Но Филонову удалось выполнить другой заказ – портрет ударницы Елены Васильевой из шнуровочного отделения фабрики «Красная заря». Рецензенты, увидев первые зарисовки художника, сделали вывод: «Эта пожилая женщина в очках – не тип ударницы! Здесь нужен пафос!». Филонов с этим согласился и работу продолжил. Как свидетельствует запись в его дневнике, он «нарисовал в портрете т. Васильевой четыре фигуры, кроме нее, и станки, т. к. вещь стала иметь другое значение чем раньше». Последний вариант вызвал немало дискуссий.
Игорь Грабарь, посетив «Выставку картин Ленинградского областного Дома Художника», открывшуюся в мае 1933 г. в ДК имени Первой пятилетки, писал: «Лучшее, что есть у Филонова, — его портреты и жанровые картины из современной советской жизни, исполненные без всяких трюков, «расчленения» и «сдвига», просто, серьезно. Они подкупают искренностью и правдивостью». Однако картины, понравившиеся Грабарю, подверглись критике «слева». Известный музыкант и художник-авангардист Михаил Матюшин отмечал: «…картина ударниц швейной фабрики — это великолепно сделанные, но стоящие часы с лопнувшей от перекрутки пружиной… Филонов потерял общение с природой, привычной твердой рукой крепко «сделанной формы» он сдерживает текущую влагу жизни, и она у него совершенно исчезает".
Все же «Ударниц» приняли к печати и опубликовали отдельной репродукцией для широкого распространения, что явилось единичным случаем в биографии Филонова.
Чеканщики
- Магнитогорск
- 1931
- Бумага, карандаш, тушь. 42,5 х 31,6
- Магнитогорская картинная галерея
- Г-586
В 1930-х годах Василий Хвостенко выполнил большую серию графических рисунков, посвященную строительству заводов на Урале.
Графический лист «Чеканщики» – репортажная зарисовка, где крупным планом в центре листа изображены цилиндрические конструкции больших размеров с круглыми отверстиями и фигуры рабочих. Справа видна часть домны в строительных лесах. Рисунок документально точен, с плотной проработкой объемов и деталей. Художник стремился запечатлеть не только величие трудового подвига, но и мощь нового индустриального объекта Южного Урала.
В свиноводческом совхозе
- 1932
- Холст, масло. 88 x 100
- Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
- Ж-319
Картина Петра Строева «В свиноводческом совхозе» была написана в эпоху формирования в искусстве метода социалистического реализма, в то время, когда представление о светлом советском будущем являлось основой мифотворчества многих живописцев. Особой популярностью пользовались темы идеализированного труда. Подобное искусство вполне отвечало морали нового общества и в то же время отражало мечты людей о преображении окружающей жизни, о всеобщем изобилии.
«Эйфория коллективизма» стала главной темой искусства первой половины 1930-х, фундаментом мифологемы «светлого будущего». Не случайно одним из центральных персонажей картины «В свиноводческом совхозе» стала огромная свинья с поросятами – символ плодородия и благосостояния колхозных деревень. Женщины, кормящие поросят, однотипны, с одинаковыми лицами, и скорее представляют собой собирательные образы ударников труда. Работу отличает ясное графическое начало, проработанность каждой детали. Колорит картины решен в светлых разбеленных тонах, что соответствует общему строю картины.
Портрет тов. Слободчикова – инициатора Дня индустриализации СССР
- 1932
- Холст, масло. 69,5 х 60,0
- Смоленский государственный музей-заповедник
На протяжении долгого времени работа Андрея Сашина хранилась в Смоленском музее-заповеднике под названием «Портрет рабочего» 1933 года. На обороте портрета, на планке подрамника, имеется одна надпись, сделанная, видимо, рукой художника: «портрет для (?) иниц. (?) индустр. П. Слободч…». Долгое время смысл надписи не был понятен. Но недавно появилась информация об открытии выставки «Красный день календаря. Праздники страны Советов» в залах выставочно-музейного центра РОСИЗО. На выставке была показана картина 1937 года работы А.Т. Сашина «Инициатор Дня индустриализации Слободчиков». У сотрудников музея появилась возможность сравнить название этого большого полотна и надпись на смоленском портрете и прийти к выводу, что эта информация имеет прямое отношение к личности изображенного. Сравнительный анализ лица нашего героя и главного персонажа многофигурной композиции из «РОСИЗО» убедительно подтвердил сделанные выводы. Это – портрет Слободчикова.
Петра Никитовича Слободчикова (1887-1945) можно назвать героем своего времени, эпохи индустриализации и первых советских пятилеток. Родился в рабочей семье. Участник Великой Октябрьской революции. Был активным участником гражданской войны и до 1924 г. служил в рядах Красной Армии. В 1924— 1929 гг. работал маляром в Ленинградском торговом порту, заведующим хозяйством и комендантом на фабрике имени Бебеля. С марта 1929 г. — маляр Пролетарского паровозоремонтного завода (Ленинград).
Петр Слободчиков оставил свой след в истории тем, что предложил провести Всесоюзный день индустриализации – массовый воскресник, сыгравший важную роль в истории социалистического соревнования.
Письмо Петра Никитовича ко всем трудящимся страны было опубликовано 9 июня 1929 г. в «Ленинградской правде». В июле 1929 г. в Ленинграде состоялось общегородское собрание профсоюзного актива, на котором присутствовали С. М. Киров и А. М. Горький, поддержавшие патриотический почин П. Н. Слободчикова. Идея о проведении Дня индустриализации была поддержана трудящимися всей страны. Президиум ВЦСПС (Всесоюзный центральный совет профсоюзов) принял решение провести его 6 августа 1929 года. В этот день в газете «Ленинградская правда» была опубликована статья Максима Горького. Она называлась «Слободчиков – застрельщик. Слободчиковых – миллионы». Заработанные на воскреснике средства были переданы в фонд индустриализации страны.
Известно, что в 1930 году П. Н. Слободчиков был выдвинут на должность заведующего бюро рационализации Севзапгосторга, а затем направлен в Промакадемию, которая готовила руководящие кадры для промышленности.
На портрете из собрания Смоленского музея на втором плане можно рассмотреть удивительную сцену. За спиной рабочего (Слободчикова) изображен момент выступления Слободчикова среди коллег по работе. То есть художник Сашин в композиции применил принцип условности времени и места: один и тот же персонаж изображен дважды одновременно в разных ситуациях!
Метростроевка, несущая арматуру
- Из серии «Девушки Метростроя»
- 1934
- Бумага, акварель. 45,3 x 28,1
- Государственный Русский музей
- РС-1602
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»:
«Это был призыв комсомола к добровольному участию в строительстве первого в нашей стране метро. Я был в это время в санатории Дома ученых в Узком. И оттуда наезжал в Москву на места стройки. Было бы смешно ставить там этюдник и пытаться списать этих быстро двигающихся, красивых и гордых строительниц метрополитена. Их образ складывался в движение, мотивированное их энтузиазмом. И каждое их движение было монументально, как песнь о великом механизированном труде. <…>
Здесь я встречал этих девушек, только пока мог не выпускать их из поля своего зрения. Если какая-нибудь из них исчезала, то исчезала навсегда, оставив во мне память о музыкальных ритмах своего трудового процесса, незабываемо красивых ритмах. Некоторые образы этих метростроевок я воссоздал в картине большого размера, пользуясь иногда и натурой, но это отнюдь не было портретом. Очень хорошо выразился Дейнека по поводу двухметрового холста, на котором изображена девушка с отбойным молотком: "Она, как богиня, и все-таки она наша, русская девчонка".
Первые строители
- Магнитогорск
- 1934
- Бумага, тушь. 84 х 48,3
- Магнитогорская картинная галерея
- Г-270
В 1930-х годах Василий Хвостенко выполнил большую серию графических рисунков, посвященную строительству угольных шахт и заводов на Урале.
Внимание художника привлекали не только виды стройки, но и сами рядовые строители, которые в 5–10 раз перекрывали производственные нормы. Композиция рисунка очень проста – два человека в рост, фронтально, в рабочей одежде, с киркой и отбойным молотком. В их уверенных позах уже чувствуется дыхание нового времени. Самоотверженным трудом вчерашних крестьян и батраков воздвигался не только будущий гигант черной металлургии, но и ковался характер нового человека. Художник выполнил рисунок тушью в один сеанс. Его кисть быстра, точна и лаконична. Сейчас образы этих конкретных людей воспринимаются как образы типические, образы-символы не только рабочих-первостроителей Магнитки, но и рабочих всех первых пятилеток страны.
Портрет кузнеца С. Петрана
- Этюд. 1934. Из серии «Балтийский завод»
- 1934–1935
- Холст, масло. 98 x 69
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1464
С начала 1930-х годов от каждого живописца ждали большой картины, связанной с успехами социалистического строительства. В 1934 году к Первой выставке ленинградских художников Лизак получил заказ Ленсовета на картину на индустриальную тему. Работая в цехах Балтийского завода и завода «Красный Выборжец», Лизак писал портреты ударников—сталеваров и кузнецов — и интерьеры цехов заводов. Картина так и не была написана, но многочисленные этюды к ней, в том числе и портрет кузнеца Петрана, воспринимаются вполне законченными произведениями.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 32.
Портрет сталевара Андрея Крылова
- Из серии «Балтийский завод». 1934–1935
- 1934
- Холст, масло. 98 х 69,5
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1463
В портрете ударника «Балтийского завода» сталевара Крылова, как и в других подобных этюдах, типическое и индивидуальное переплавлены в некую сумму психологических качеств: целеустремленность, собранность, серьезность. // Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 35.
С начала 1930-х годов от каждого живописца ждали большой картины, связанной с успехами социалистического строительства. В 1934 году к «Первой выставке ленинградских художников» Лизак получил заказ Ленсовета на индустриальную тему. Работая в цехах Балтийского завода и завода «Красный Выборжец», Лизак писал портреты ударников – сталеваров и кузнецов – и интерьеры цехов заводов. Картина так и не была написана, но многочисленные этюды к ней воспринимаются вполне законченными произведениями. В портрете сталевара Крылова, как и в других подобных этюдах, типическое и индивидуальное, взаимодействуя, переплавляются в некую сумму психологических качеств: целеустремленность, собранность, серьезность. Статичность, монументальность, представительность образа не могут скрыть несомненно выраженное личностное начало портретируемого. И все же особая героизация рабочего свидетельствует скорее об уважении художника к человеку труда, чем о раскрытии характера или психологии модели. // Алиса Любимова. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 249.
У бетоньерки
- Из серии «Девушки Метростроя»
- 1934
- Бумага, акварель. 45,3 x 28,2
- Государственный Русский музей
- РС-1603
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»:
«Это был призыв комсомола к добровольному участию в строительстве первого в нашей стране метро. Я был в это время в санатории Дома ученых в Узком. И оттуда наезжал в Москву на места стройки. Было бы смешно ставить там этюдник и пытаться списать этих быстро двигающихся, красивых и гордых строительниц метрополитена. Их образ складывался в движение, мотивированное их энтузиазмом. И каждое их движение было монументально, как песнь о великом механизированном труде. <…>
Здесь я встречал этих девушек, только пока мог не выпускать их из поля своего зрения. Если какая-нибудь из них исчезала, то исчезала навсегда, оставив во мне память о музыкальных ритмах своего трудового процесса, незабываемо красивых ритмах. Некоторые образы этих метростроевок я воссоздал в картине большого размера, пользуясь иногда и натурой, но это отнюдь не было портретом. Очень хорошо выразился Дейнека по поводу двухметрового холста, на котором изображена девушка с отбойным молотком: "Она, как богиня, и все-таки она наша, русская девчонка".
У крана
- Из серии «Девушки Метростроя»
- 1934
- Бумага, акварель. 45,1 x 28,2
- Государственный Русский музей
- РС-1604
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»:
«Это был призыв комсомола к добровольному участию в строительстве первого в нашей стране метро. Я был в это время в санатории Дома ученых в Узком. И оттуда наезжал в Москву на места стройки. Было бы смешно ставить там этюдник и пытаться списать этих быстро двигающихся, красивых и гордых строительниц метрополитена. Их образ складывался в движение, мотивированное их энтузиазмом. И каждое их движение было монументально, как песнь о великом механизированном труде. <…>
Здесь я встречал этих девушек, только пока мог не выпускать их из поля своего зрения. Если какая-нибудь из них исчезала, то исчезала навсегда, оставив во мне память о музыкальных ритмах своего трудового процесса, незабываемо красивых ритмах. Некоторые образы этих метростроевок я воссоздал в картине большого размера, пользуясь иногда и натурой, но это отнюдь не было портретом. Очень хорошо выразился Дейнека по поводу двухметрового холста, на котором изображена девушка с отбойным молотком: "Она, как богиня, и все-таки она наша, русская девчонка".
У лебедки
- Из серии «Девушки Метростроя»
- 1934
- Бумага, акварель. 45,2 x 28,1
- Государственный Русский музей
- РС-1601
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»:
«Это был призыв комсомола к добровольному участию в строительстве первого в нашей стране метро. Я был в это время в санатории Дома ученых в Узком. И оттуда наезжал в Москву на места стройки. Было бы смешно ставить там этюдник и пытаться списать этих быстро двигающихся, красивых и гордых строительниц метрополитена. Их образ складывался в движение, мотивированное их энтузиазмом. И каждое их движение было монументально, как песнь о великом механизированном труде. <…>
Здесь я встречал этих девушек, только пока мог не выпускать их из поля своего зрения. Если какая-нибудь из них исчезала, то исчезала навсегда, оставив во мне память о музыкальных ритмах своего трудового процесса, незабываемо красивых ритмах. Некоторые образы этих метростроевок я воссоздал в картине большого размера, пользуясь иногда и натурой, но это отнюдь не было портретом. Очень хорошо выразился Дейнека по поводу двухметрового холста, на котором изображена девушка с отбойным молотком: "Она, как богиня, и все-таки она наша, русская девчонка".
Ударница на сенограбилке
- 1934
- Холст, масло. 96,5 х 99
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-2156
Софья Дымшиц-Толстая – значимая фигура в революционном искусстве. В 1918 году она была секретарем отдела ИЗО Наркомпроса и вошла в состав его Всероссийского выставочного отделения, с 1919 года начала работу с Владимиром Татлиным как его секретарь и соавтор: входила в Центральную группу объединения новых течений в искусстве, содействовала работе над памятником III Интернационалу. С 1925 года она была художником и ведущим раздела «Культура быта» в журнале ленинградского женотдела «Работница и крестьянка», формировавшим образ советской женщины. В 1934 году, после убийства С. М. Кирова журнал был реорганизован, во вступлении в Союз художников Дымшиц-Толстой было отказано. В 1930-е годы художница сумела перестроиться на реалистическую манеру письма, создав ряд портретов «новых женщин»: ударниц, стахановок, колхозных общественных деятелей, запоминающихся своей выразительностью. Масштабный образ ударницы на сенограбилке из колхоза «Красное Смедово» Озерского района Московской области – один из четырех портретов Дымшиц-Толстой, переданных в омский музей ее дочерью, олицетворяет образ силы и мощи женского труда.
Девушки-ковровщицы
- 1935
- Холст, масло. 60 х 50
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- Ж-522
В 1935 году Михаил Цыбасов был исключён из Союза художников «за формализм». Скорее всего, это была реакция на его преданное отношение к Филонову. Известно, что в 1930 году Михаил Цыбасов выступил в защиту учителя с довольно резкой статьёй в ленинградской «Красной газете». В это сложное время и в коллективе «филоновцев» произошел раскол, двадцать учеников вышли из объединения. Лишь верные последователи, включая Михаила Цыбасова, остались с Филоновым. «Рано ли, поздно ли разберутся, в чём дело, и нам дадут место, какое по праву принадлежит…».
После выхода из Союза художников Михаил Цыбасов реализовал себя в качестве художника-постановщика на киностудии «Ленфильм». В это время Михаил Цыбасов совершил творческие поездки на Северный Кавказ, в Закарпатье, где были созданы несколько женских и мужских портретов с характерным для художника интересом к внимательному изучению натуры, к проблемам связи портрета с окружающим миром.
Ковровщицы
- 1935
- Холст, масло. 60,5 х 51
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- Ж-512
В 1935 году Михаил Цыбасов был исключён из Союза художников «за формализм». Скорее всего, это была реакция на его преданное отношение к Филонову. Известно, что в 1930 году Михаил Цыбасов выступил в защиту учителя с довольно резкой статьёй в ленинградской «Красной газете». В это сложное время и в коллективе «филоновцев» произошел раскол, двадцать учеников вышли из объединения. Лишь верные последователи, включая Михаила Цыбасова, остались с Филоновым. «Рано ли, поздно ли разберутся, в чём дело, и нам дадут место, какое по праву принадлежит…».
После выхода из Союза художников Михаил Цыбасов реализовал себя в качестве художника-постановщика на киностудии «Ленфильм». В это время Михаил Цыбасов совершил творческие поездки на Северный Кавказ, в Закарпатье, где были созданы несколько женских и мужских портретов с характерным для художника интересом к внимательному изучению натуры, к проблемам связи портрета с окружающим миром.
Комсомол на заводе имени товарища Сталина
- 1935
- Холст, масло. 203 x 144
- Государственный Русский музей
- ЖБ-995
Производственный процесс можно показать как противостояние техники и человека, выявить жестокость механизированного мира, его неестественность, подчас уродство, а можно — как органическую взаимосвязь человека и «второй реальности». Пластическая нерасторжимость производства и человека, контролирующего самую сложную технику, отражена в монументальном полотне Чугунова «Комсомол на заводе имени товарища Сталина», экспонировавшемся на Первой выставке ленинградских художников (1935, Ленинград). Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 37.
Ленинградский металлический завод имени И. В. Сталина (нынешнее название — Ленинградский металлический завод (ЛМЗ)) — энергомашиностроительное предприятие, проектирующее, изготовляющее и обслуживающее паровые, гидравлические и газовые турбины различной мощности. Создан на базе Санкт-Петербургского металлического завода, основанного в 1857 году купцом С.Н.Растеряевым. В год 50-летия Сталина (1929) получил его имя. Обеспечил выполнение почти трети плана ГОЭЛРО.
На току в колхозе. Молотьба
- 1935
- Холст, масло. 192,5 х 294
- Государственный Русский музей
- ЖБ-985
Эпоху «Круга» Пакулин завершил живописными полотнами, подытожившими его поездки на шахту в Макеевку, Донбасс, состоявшиеся между 1929 и 1931 (точнее, 1930– 1931) годами, и, наконец, масштабными полотнами «Турбокорпус завода „Электросила”» (1931–1932), «На току в колхозе. Молотьба» (1935). С 1930 года в отношении Донбасса осуществлялась правительственная программа, благодаря которой десятки лучших художников приобщились к работе над образами шахтеров, людей труда, а по итогам ее оказалось возможным создание художественной галереи в городе Сталино (Донецк). Стилистически работы Пакулина, связанные с поездками в Донбасс, на юг России <...> — продолжают тенденции, наметившиеся в «Круге». Многочисленные рисунки и эскизы к ним свидетельствуют о стремлении облечь содержание в емкие, монументальные, обобщенные пластические формы (1929 — первая половина 1930-х). Каждый новый эскиз — путь к достижению ясной и выразительной «живописной формулы», где есть только главное и где есть гармоническое слияние идеи с живописным воплощением. Ярким примером тому служат около десятка эскизов «Молотьбы» в живописи и столько же в графике, материалом для которых послужила поездка на юг России в 1931 году (над эскизами Пакулин работает в течение нескольких лет). Сравнивая их с окончательным воплощением замысла («На току в колхозе. Молотьба»), можно проследить постепенный и длительный путь к достижению желаемого синтеза, пластической завершенности. Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.10.
Сбор хлопка
- 1935
- Холст, масло. 93 х 128
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- Ж-386
Одна из первых картин основоположника казахской живописи Абылхана Кастеева «Сбор хлопка» была написана в период его обучения в Москве, куда он был направлен Наркомпросом КазССР в 1934 году. Все творчество выдающего казахского художника было посвящено отражению глобальных перемен, которые происходили в Казахстане в годы советской власти. Осваивая соцреалистические каноны, А. Кастеев создает полотно, в котором показаны такие новации того времени, как индустриализация, эмансипация женщин Востока, коллективизация казахского аула. В данном произведении начинающий художник стремится к максимальной точности в воспроизведении всех деталей избранного им сюжета. Важнейшим элементом картины является изображение американской хлопкоуборочной машины «Турман», которая использовалась в южных регионах Казахстана в 1930-е годы. В полотне «Сбор хлопка» присутствуют такие характерные для всего творчества А. Кастеева черты, как актуальность темы, документальная достоверность, простота и выразительность композиции, оптимистический пафос созидания, которым проникнуто каждое произведение первого народного художника Казахстана.
Колхоз в Армении
- 1936
- Холст, масло. 127 x 100
- Государственный Русский музей
- Ж-9071
Значительное место [в творчестве П.Кузнецова в 1930-е годы] по-прежнему занимало изображение работы на земле. Таковы солнечный, выдержанный в гамме нежных тонов холст «Колхоз в Армении» (1936, Ж-9071) и мастерская акварель «Колхозные стада» (1935-1936, РС-6070). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 18.
Рабочий и колхозница
- Модель скульптурной группы для Советского павильона на Международной выставке 1937 года в Париже
- 1936
- Бронза. 158 х 113 x 110
- Государственный Русский музей
- СО-724
В 1936 году Вера Мухина получает приглашение участвовать в закрытом конкурсе на разработку монументальной группы «Рабочий и колхозница», предназначенной для советского павильона на Международной выставке 1937 года в Париже. Скульптурному конкурсу предшествовал архитектурный, в котором победил Борис Иофан. Архитектор не только создал проект самого павильона, который должен был продемонстрировать достижения страны за двадцать лет, но и включил в решение скульптурную композицию. Она должна была конкретизировать главную идею сооружения. «В возникшем у меня замысле, – писал Иофан, – советский павильон рисовался как триумфальное здание, отображающее своей динамикой мощный рост достижений первого в мире социалистического государства, энтузиазм и жизнерадостность нашей великой эпохи построения социализма, когда труд есть дело чести, доблести и геройства. Этот замысел надо выразить настолько ясно, чтобы любой человек при первом взгляде на наш павильон почувствовал, что это павильон Советского Союза». Скульптурная группа была намечена приблизительно – изобразить юношу и девушку с серпом и молотом в руках, олицетворяющих хозяев Советской земли – рабочий класс и колхозное крестьянство.
Некоторое представление о том, как воспринималась композиция на крыше павильона, дает бронзовая модель, хранящаяся в Русском музее. Уже со значительного расстояния фигура колхозницы казалась как бы парящей в воздухе. Складки ее юбки и особенно шарф, словно наполненные воздухом, обтекали фигуру, сообщая ей особую гармоничность, динамику и красоту, красоту, сочетающую в себе физическую силу и поэтическую одухотворенность. При осмотре в фас скульптура приобретала суровую сдержанность, а стремительный бег казался торжественно замедленным. При обходе сзади динамика движения вновь нарастала, герои устремлялись вперед, будто гонимые потоками ветра. Подобной многоплановости в монументально-декоративной скульптуре до Мухиной еще никто ни достигал в первой половине XX века! К тому же при всей монументальности, композиция легкая, ажурная, активно проникающая в окружающее пространство и создающая вокруг себя атмосферу ликующей радости. Глядя на нее сложно представить, сколько трудностей довелось преодолеть Вере Игнатьевне при ее создании, начиная с выбора материала, так как решено было использовать хромированную сталь – материал для скульптуры совершенно непривычный.
20 декабря 1936 года модель была закончена и отдана на завод. Казалось, что для скульптора основная работа закончилась. Однако все получилось иначе. Увеличить модель обычным способом не удалось. Мухиной с двумя помощницами – скульпторами Ивановой и Зеленской, а также инженерами и рабочими пришлось буквально выколачивать двухфигурный монумент из металла, многое в форме уточняя на ходу. Наконец 25-метровый гигант был готов. На каркас весом 63 тонны положили 12 тонн стали, причем толщина стальных листов была не более 0,5 мм. Для транспортировки скульптуру пришлось разобрать на 65 частей и отправить в Париж несколькими вагонами. А потом потребовалось одиннадцать дней для того, чтобы мерцающая, словно серебряная, композиция предстала перед глазами изумленных парижан. В воспоминаниях сына Мухиной сохранилась легенда, что Франция хотела выкупить скульптуру у Советского государства, но высшая власть распорядилась иначе и «Рабочий и колхозница вернулись на родину. К сожалению, при демонтаже скульптура была сильно повреждена. В 1939 году ее почти полностью реконструировали и установили перед главным входом на Всесоюзную сельскохозяйственную выставку в Москве.
Варианты: эскизы, гипс тонированный, 1936 — ГРМ (СО-626, СО-627, СО-633), ГНИМА; бронза, отлив 1965 с гипса 1936 (ГРМ, СО-633) — ГРМ (СО-797); модель, гипс тонированный, 1936 — ГРМ (СО-302); модель, гипс, отливы 1937 с гипса (СО-302) — ГТГ, ЦНИИ технологии машиностроения, Москва, ГЦМСИР; гипс (переработанные отливы), 1951 — киностудия «Мосфильм», Москва; гальванопластика, 1951 — Национальная галерея живописи и скульптуры Румынии, Бухарест. Вера Мухина. СПб, 2009. С. 151.
На основании сбоку сзади под правой ногой мужской фигуры: отл. Миглиник.
Строительство школы
- 1936
- Холст, масло. 60,5 х 86,5
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-1010
В 1930-е годы якутский художник Иван Попов приступил к новому этапу своей творческой деятельности. Творческий метод художника не подвергся существенному изменению, автор, в основном, продолжал оставаться на позициях просветительного документализма. Но разнообразие сюжетов его работ и, особенно, замыслов поразительно. С большим энтузиазмом приняв советскую власть, он наряду с историко-этнографическими работами пишет произведения на историко-революционную тему. Он был человеком своего времени и в своем творчестве не мог обойти проблему нового и старого в жизни. При этом в тематическом отношении его замыслы порою простираются далеко за пределы конкретно наблюдаемого им быта.
Реализованы эти замыслы далеко не полностью. Но и то, что предпринято – отдельные композиции, этюды, эскизы и наброски – дают достаточное представление о работе художника над общей тематикой, посвященной социалистической нови в якутской деревне тридцатых годов.
В картине «Строительство школы» следует отметить обогащение и «высветление» палитры художника, отличающие многие его работы этих лет от более ранних, выдержанных, как правило, в аскетически сдержанной цветовой гамме. Живопись Попова тональная и основана она на гладкой, «классической» технике письма со строгим наблюдением всех подробностей рисунка.
Метростроевка со сверлом
- 1937
- Холст, масло. 205 х 130
- Государственный Русский музей
- Ж-7565
Наделенный острым чувством современности, Самохвалов стремился быть в эпицентре важнейших событий и процессов своего времени, в которых видел романтический пафос созидания. Строительство метро в середине 1930-х годов было новым явлением в стране, о нем говорили едва ли не всюду, даже сочиняли песни. Самохвалов мечтал запечатлеть строительниц метро в монументальной росписи в технике фрески. Но его мечты не осуществились. В 1937 году Самохвалов на основе одного из листов акварели написал маслом портрет-картину «Метростроевка со сверлом». Большими обобщенными плоскостями при помощи лаконичного тонального колорита художник достиг монументальной скульптурной пластичности образа. Сила, ясность, красота, душевное и физическое здоровье, внутреннее вдохновение, целеустремленность — таковы черты этого поистине фрескового образа.
«Она, как богиня, и все-таки она наша, русская девчонка»,— так характеризовал «Метростроевку со сверлом» художник Дейнека. Ориентация на классические образцы при создании этого образа очевидна: атлетическая фигура метростроевки, ее поза, эффектная драпировка, скрещенные ноги под стать какой-нибудь греко-римской богине. Работая над «метростроевками», мечтая о фресках, Самохвалов переживал увлечение творчеством Микеланджело, видел в нем «…действительно величайшего художника-революционера, осуществившего в своих произведениях идеал демократии — гармонию мощи духовной с мощью тела». «Новый человек» в образе могучей женщины, могущей «коня на скаку остановить»,— одна из актуальных тем в советском искусстве 1930-х годов. Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 348.
Метростроевка у бетоньерки
- 1937
- Холст, масло, темпера. 202 х 130
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-261
Работы Александра Самохвалова превосходно иллюстрируют эстетику советской эпохи, но сам он заложником советских стандартов никогда не был. Начиная с 1920-х годов главной темой для художника было раскрытие потенциала личности человека нового поколения. Героями его произведений становятся люди нового общественного строя, творцы новой реальности. Самохвалова в первую очередь привлекали женские образы, он считал, что перемены, произошедшие в стране, наиболее ярко отразились в женских судьбах.
В начале 1930-х годов художник присоединился к объединению «Октябрь» и вступил в период зрелого мастерства. Мощь монументального мировосприятия проявилась в произведениях, посвященных труду и спорту. В 1934 году Самохвалов не раз бывал в Москве на стройке первого в Советском Союзе метрополитена.
Работа «Метростроевка у бетоньерки» относится к серии произведений, посвящённых девушкам Метростроя, которая состоит из десяти акварелей (Русский музей) и двух живописных полотен. Моделей этой серии художник чувствовал и понимал, как античных мифологических богинь. Он практически не делал никаких зарисовок, только наблюдал, запоминал движения и ритм, лишь изредка заносил в записную книжку некоторые линии, которые впоследствии могли стать основой линейного решения фигуры.
Подготовительные рисунки серии выдают «муки» поиска абсолютно точных ракурсов. «Было бы смешно ставить там этюдник и пытаться списать этих быстро двигающихся, красивых и гордых строительниц метрополитена. Их образ складывался в движение, мотивированное их энтузиазмом. И каждое их движение было монументально, как песнь о великом механизированном труде». Ясный силуэт, чёткий контур, выразительная поза, пластичность движений, сдержанный монохромный колорит стали основой образов метростроевок.
Картина «Метростроевка у бетоньерки» – сплав натурного портретного и мощного обобщающего начал в искусстве. Как сказал о ней художник А. А. Дейнека: «Она как богиня, и все-таки она наша, «русская девчонка».
Большое влияние на творчество Самохвалова оказали произведения его учителя, К. С. Петрова-Водкина. Однако художник создал свой уникальный стиль, в котором сплетались русская древность и советская современность. Главным героем его полотен стали современники – люди нового мира. Он сам однажды отметил: «У К. С. [Петрова-Водкина] – глубокое, философское, трагедийное раскрытие образа в момент столкновения с действительностью в ходе формирования личности. У меня – утверждение современного образа в сфере созидательных сил творящей эпохи».
Рабочий и колхозница
- Эскиз группы (для советского павильона на международной выставке в Париже)
- 1937 (Отлив 1965)
- Бронза. 84,5 x 43 x 57
- Государственный Русский музей
- СО-797
В 1936 году Вера Мухина получает приглашение участвовать в закрытом конкурсе на разработку монументальной группы «Рабочий и колхозница», предназначенной для советского павильона на Международной выставке 1937 года в Париже. Скульптурному конкурсу предшествовал архитектурный, в котором победил Борис Иофан. Архитектор не только создал проект самого павильона, который должен был продемонстрировать достижения страны за двадцать лет, но и включил в решение скульптурную композицию. Она должна была конкретизировать главную идею сооружения. «В возникшем у меня замысле, – писал Иофан, – советский павильон рисовался как триумфальное здание, отображающее своей динамикой мощный рост достижений первого в мире социалистического государства, энтузиазм и жизнерадостность нашей великой эпохи построения социализма, когда труд есть дело чести, доблести и геройства. Этот замысел надо выразить настолько ясно, чтобы любой человек при первом взгляде на наш павильон почувствовал, что это павильон Советского Союза». Скульптурная группа была намечена приблизительно – изобразить юношу и девушку с серпом и молотом в руках, олицетворяющих хозяев Советской земли – рабочий класс и колхозное крестьянство.
Некоторое представление о том, как воспринималась композиция на крыше павильона, дает бронзовая модель, хранящаяся в Русском музее. Уже со значительного расстояния фигура колхозницы казалась как бы парящей в воздухе. Складки ее юбки и особенно шарф, словно наполненные воздухом, обтекали фигуру, сообщая ей особую гармоничность, динамику и красоту, красоту, сочетающую в себе физическую силу и поэтическую одухотворенность. При осмотре в фас скульптура приобретала суровую сдержанность, а стремительный бег казался торжественно замедленным. При обходе сзади динамика движения вновь нарастала, герои устремлялись вперед, будто гонимые потоками ветра. Подобной многоплановости в монументально-декоративной скульптуре до Мухиной еще никто ни достигал в первой половине XX века! К тому же при всей монументальности, композиция легкая, ажурная, активно проникающая в окружающее пространство и создающая вокруг себя атмосферу ликующей радости. Глядя на нее сложно представить, сколько трудностей довелось преодолеть Вере Игнатьевне при ее создании, начиная с выбора материала, так как решено было использовать хромированную сталь – материал для скульптуры совершенно непривычный.
20 декабря 1936 года модель была закончена и отдана на завод. Казалось, что для скульптора основная работа закончилась. Однако все получилось иначе. Увеличить модель обычным способом не удалось. Мухиной с двумя помощницами – скульпторами Ивановой и Зеленской, а также инженерами и рабочими пришлось буквально выколачивать двухфигурный монумент из металла, многое в форме уточняя на ходу. Наконец 25-метровый гигант был готов. На каркас весом 63 тонны положили 12 тонн стали, причем толщина стальных листов была не более 0,5 мм. Для транспортировки скульптуру пришлось разобрать на 65 частей и отправить в Париж несколькими вагонами. А потом потребовалось одиннадцать дней для того, чтобы мерцающая, словно серебряная, композиция предстала перед глазами изумленных парижан. В воспоминаниях сына Мухиной сохранилась легенда, что Франция хотела выкупить скульптуру у Советского государства, но высшая власть распорядилась иначе и «Рабочий и колхозница вернулись на родину. К сожалению, при демонтаже скульптура была сильно повреждена. В 1939 году ее почти полностью реконструировали и установили перед главным входом на Всесоюзную сельскохозяйственную выставку в Москве.
Рыбацкий колхоз на реке Шексне
- 1937
- Холст, масло. 125 × 155
- Ярославский художественный музей
- Ж-251
Александр Веденеев принадлежит кругу художников, которые связаны с ярославским краем. В своих тематических картинах, как и многие другие его современники, мастер создает образы людей труда. Полотно рассказывает о повседневной жизни тружеников «Рыбацкого колхоза» на Шексне. До создания Рыбинского водохранилища (конец 1930-х годов) эта река впадала в Волгу и славилась обилием рыбы. Художник запечатлел радостный момент – богатый улов. Эмоциональный подъем, оптимистический настрой и восторг видны на лицах рыбаков.
Старатели пишут письмо творцу Великой Конституции
- 1937
- Холст, масло. 249 х 500
- Государственный Русский музей
- Ж-5848
Картина написана для выставки «Индустрия социализма», ставшей главным событием художественной жизни СССР в 1939 году. Еще в 1935 партией была поставлена задача отразить успехи индустрии в изобразительном искусстве, при этом главными героями должны были стать «не машины, а люди, воспитанные партией Ленина–Сталина, овладевшие техникой и поставившие машины на службу социализму». Был издан «Тематический план выставки» — жесткое, подробное указание художникам сюжетов и их возможной трактовки, а также четко сформулированные задачи отображения нового лица городов и районов страны, мощи технического вооружения Красной армии, мощи советской металлургии и т. д.
Василию Яковлеву предложили заняться золотопромышленной темой и для этой цели поехать на Урал. Решение для своей картины художник нашел в реальной жизни на прииске Валерьяновском Свердловской области. Изображена группа старателей, оживленно обсуждающая письмо, в котором рабочие пишут ответ Сталину на его призыв выполнить план по добыче золота.
Документально-четкое жизнеподобие, в целом характерное для искусства соцреализма, присуще данной композиции. При этом романтически-приподнятая атмосфера происходящего исполняет воспитательную роль. За мифологизированным порывом трудящихся людей, изображенных Яковлевым, скрывается истинная ситуация тяжелого труда добывающих золото.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 99.
Электросварщицы Сормова
- 1937
- Холст, масло. 94 × 78
- Ярославский художественный музей
- Ж-237
Петр Иванович Котов – мастер портрета, исторической и батальной картины, автор и широко известных индустриальных полотен. Не отступая от идеологического контекста искусства своего времени, художник оставался превосходным живописцем. В поисках тем для творчества в 1930-е годы художник совершал длительные поездки на строительство крупных предприятий страны, общался с рабочими, в частности, работал на Сормовской верфи.
Картина «Электросварщицы. Сормово» была написана в городе Горьком в рамках создания полотна «Красное Сормово» для выставки «Индустрия социализма». Сбору материала для этого произведения художник посвятил два лета, выезжая на горьковский завод «Красное Сормово» и создав целую серию работ, посвящённых его труженикам. В своей картине художнику удалось выразить, в соответствии с требованиями эпохи, вдохновенное отношение к труду молодых строителей социализма. Впечатление свободы, широты сообщает картине залитый солнцем речной пейзаж, который как бы раздвигает ее рамки.
Красное Сормово
- 1939
- Холст, масло. 100,0 х 150,0
- Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
- Ж-134
В 1931 году Пётр Котов вступил в ряды только что образованного Московского Отделения Союза Советских художников. В годы долгих творческих поездок по стране он создавал этюды и монументальные работы, посвящённые трудовым будням советских людей. Героями его работ становятся труженики полей, заводов, крупных социалистических строек. Как вспоминал сам художник, в этих поездках он не только оттачивал мастерство передачи натуры, но и близко знакомился с жизнью своих современников.
Работа «Красное Сормово» (1939) была написана в годы поездок художника на одноимённый судостроительный и судоремонтный завод Сормовского района Горьковской (ныне Нижегородской) области. Картина является авторским повторением работы «Красное Сормово» (1937), экспонировавшегося на выставке «Индустрия социализма» и ныне хранящегося в Саратовском художественном музее им. А. Н. Радищева. Сам Котов называл эту картину своей «первой довольно серьёзно проработанной живописной вещью». К ней художник собирал материал больше года. Репродукция картины была отпечатана на открытках для Всемирной выставки в Нью-Йорке 1939 года, где Котов демонстрировал написанную по заданию правительства работу «Садоводы в гостях у Мичурина» (ГРМ).
Наступление начинается здесь
- 1944
- Холст, масло. 183,0 х 132,4
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Ж-140
Произведение свердловского художника Николая Голубчикова «Наступление начинается здесь», возможно, было выполнено по натурным впечатлениям. Во время войны была практика творческих командировок художников на заводы для создания образов передовиков производства или изображения подготовки орудий ‑ военной мощи страны. Такие работы часто писались специально для выставок, которые служили поднятию боевого духа граждан. На картине Н. Голубчикова изображена подготовка к отправке на фронт зенитного оружия 52-К.
Производство 52-К велось исключительно на заводе № 8 им. М. И. Калинина, который до зимы 1941-1942 гг. располагался в деревне Подлипки (Подмосковье), а затем был эвакуирован в г. Свердловск. В 1940 году цена одного орудия 52-К составляла 118 тыс. руб.
52-К или КС-12 ‑ советское зенитное орудие калибра 85 мм. Полное официальное название орудия ‑ 85-мм зенитная пушка образца 1939 года. Это орудие активно использовалась в Великой Отечественной войне как в роли собственно зенитного, так и противотанкового орудия, а после её окончания долго состояло на вооружении Советской Армии до принятия на вооружение зенитных ракетных комплексов. Орудие было разработано ведущим конструктором Г. Д. Дорохиным на основе предшествующей 76-мм зенитной пушки образца 1938 года, созданной М. Н. Логиновым.
Осенью 1941 года завод № 8 был эвакуирован в Свердловск и Молотов (в настоящее время город Пермь). Строительство завода происходило в исключительно трудных условиях суровой уральской зимы 1941‑1942 годов, при морозах минус 30‑43 градусов и отсутствии отопления в основных цехах. Тем не менее, работы шли полным ходом. Разгружались десятки платформ с заводским имуществом, которые скопились у железнодорожного ввода на предприятие и в тупиках. Как только заканчивался монтаж оборудования в цехах, станки сразу же пускались в работу. Для обогрева корпуса, в оконных проёмах которого ещё не было стёкол, а крыша прикрывалась брезентом, установили паровоз, но холод всё равно был жуткий, не помогали и поставленные у станков железные печки, костры в пролётах. Замерзала эмульсия, коченели руки. И ни слова упрёка, жалобы, нытья. Рабочие – а среди них всё больше становилось женщин, подростков ‑ молча, с суровыми лицами, строили, монтировали, выпускали детали, узлы.
В феврале 1942 года калининцы уже не из запасов, привезённых с собой, а из деталей, изготовленных в Свердловске, собрали первые 118 зенитных пушек, выполнив задание Государственного комитета обороны.
Предназначенные для борьбы с авиацией противника, для стрельбы по воздушным десантам, по живым наземным целям и огневым точкам противника, эти орудия с успехом применялись и для уничтожения фашистских танков. С необычной для зенитки задачей 52-К справлялась успешнее, чем иные противотанковые орудия тех лет. С приданным ей бронебойным снарядом она могла прошивать броню всех типов танков, находившихся на вооружении германской армии до середины 1943 года. И когда в 1942 году Г. Д. Дорохину было присвоено звание лауреата Государственной премии, наградой отмечались не только зенитные, но и противотанковые качества орудия.
Юноши и девушки города Ленина, самоотверженно трудитесь на помощь фронту!
- 1944
- Бумага, автолитография. 72,2 х 47,2
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-643
Военное лихолетье отняло у многих подростков детство — они заменили ушедших на фронт или погибших взрослых на различных видах производства. И эта тема также активно пропагандировалась — плакаты взывали к чувству патриотизма, самоотверженности в оказании помощи родной стране.
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 15
Портрет Вани Курочкина, рабочего Ярославского автозавода
- 1947
- Холст, масло. 97 × 65,5
- Ярославский художественный музей
- Ж-455
Излюбленным жанром ярославского художника Бориса Ивановича Ефремова был портрет. В 1947 году по рекомендации директора Автомобильного завода (ныне Ярославский моторный) художник пишет портрет рабочего Вани Курочкина. Заводской цех – именно там, на рабочем месте, мастер изобразил героя-ударника.
У Ивана непростая судьба человека труда. В 1942 году он был эвакуирован из Ленинграда в Ярославль вместе с учащимися РУ-2. В 1943 году молодой человек окончил РУ-2 в Ярославле и был направлен модельщиком на Автомобильный завод. Впоследствии возглавил молодежную бригаду из 5 человек, которой присвоено звание «фронтовой бригады». В 1944 году награжден орденом «Знак почета». Спустя 3 года Б. И. Ефремов запечатлеет образ улыбающегося труженика. Образы таких молодых людей были особо важны в послевоенные годы, именно на таких ребят возлагались большие надежды.
Но как же сложилась жизнь Вани после написания портрета? Он получил ещё одно образование – окончил школу рабочей молодежи и вечернее отделение Ярославского технологического института в 1963 г. А в 70-е один из лучших рабочих стал начальником модельного цеха, оправдав общие ожидания.
Трудовые резервы
- 1947
- Бронза. 55 x 22 x 22, основание: 5 x 23 x 25
- Государственный Русский музей
- СО-107
Агрокружок в колхозе
- 1949
- Холст, масло. 135 х 170
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- 652-ж
Картина художницы Ольги Кужеленко, работавшей в Казахстане с 1934 года, «Агрокружок в колхозе» была написана в связи с 70-летним юбилеем И. Сталина, который широко отмечался в СССР в 1949 году. К этой дате советскими художниками было создано большое количество произведений, демонстрирующих значительные успехи достигнутые страной под руководством «вождя всех народов». Данная композиция представляет собой типичный образец советской жанровой картины 1940-50-х годов, которая развивалась в русле реалистических «передвижнических» традиций русской художественной школы XIX века. В таких произведениях на первом месте стояла повествовательность, идеологическая ангажированность сюжета, идеализация образа советской действительности. В работе «Агрокружок в колхозе» О. Кужеленко изображает группу казахстанских колхозников разных национальностей, расположившихся в небольшом помещении с целью повышения своих профессиональных навыков. На первом плане автор помещает женщин-казашек, получивших при советской власти доступ к образованию и возможность наравне с мужчинами работать в колхозе. Задачей художника было показать прогресс, достигнутый Казахстаном в годы советской власти и представить новые типы людей, сформированных в ходе глобальной социалистической «перековки» народов бывших окраин царской России.
Богатырь леса. Портрет знатного лесоруба А. П. Готчиева
- 1949
- Холст, масло. 154 х 208,5
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- ЖК-69
В 1948 году карельский художник Г. А. Стронк побывал на делянках знатных электропильщиков Карельской АССР – братьев Готчиевых и братьев Артемьевых – и сделал много набросков для картины «Богатырь леса», которую художник готовил к 25-летнему юбилею образования республики. Портрет был закончен в 1949 году. Прообразом «богатыря леса» стал Алексей Павлович Готчиев (1914–1964) – советский хозяйственный и общественный деятель, лауреат Сталинской премии (1949), участник Великой Отечественной войны. Лесоруб Лобского лесопункта Медвежьегорского леспромхоза Карельской АССР. За разработку и внедрение в лесную промышленность новых типов электропил в составе коллектива был удостоен Сталинской премии 2-й степени за выдающиеся изобретения и коренные усовершенствования методов производственной работы. В 1949 г. возглавил первую в Карелии поточно-комплексную укрупненную бригаду из 57 рабочих, которая выполняла все лесозаготовительные операции ― от валки до вывозки древесины. Производственный опыт бригады Алексея Готчиева получил широкое распространение на лесозаготовках СССР.
Пакулин Вячеслав Владимирович
1900, Рыбинск – 1951, ЛенинградЖивописец, график, художник театра. Учился в ЦУТР (1916–1917; 1920–1922); в АХ–ВХУТЕМАСе (1922–1925) у А. Е. Карева, А. И. Савинова. Участник выставок с 1922. Член и экспонент объединения "Круг художников“ (1926–1932, председатель). Член правления ЛОСХ (с 1932). Член бригады художников (1935) (руководитель А. Н. Самохвалов), работавшей над панно "Хлопок“ для ВСХВ.
Практически все пейзажи блокадного Ленинграда Пакулин писал с натуры. Трагические обстоятельства не помешали художнику проявить свой дар тонкого лирика, мастера со светлым поэтическим чувством.
Куприн Александр Васильевич
1880, Борисоглебск, Воронежская губ. – 1960, МоскваЖивописец, график. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1956). Член-корреспондент АХ СССР.
Родился в семье преподавателя уездного училища. 1899–1901 гг. – учился в Воронежских вечерних классах рисования при Обществе любителей живописи у Л. Г. Соловьева и М. И. Пономарева. 1902–1904 гг. – учился в Санкт-Петербурге в студии Л. Е. Дмитриева-Кавказского. 1904–1906 гг. – учился в школе живописи и рисования К. Ф. Юона и Дудина в Москве. 1906–1910 гг. – учился в Московском училище живописи ваяния и зодчества у Н. А. Касаткина, С. Д. Милорадовича, А. Е. Архипова, К. А. Коровина.
С 1910 г. – был членом объединений: «Бубновый валет» «Московские живописцы» и «Общество московских художников». 1913–1914 гг. – посетил Италию и Францию. 1918–1922 гг. – преподаватель в Свободных художественных мастерских Москвы, Нижнего Новгорода, Сормово и других училищах.
1922–1930 гг. – преподаватель в Московском Высшем художественно-техническом институте. 1931–1939 гг. – преподаватель в Московском текстильном институте. 1946–1952 гг. – преподаватель в Московском Высшем художественно-промышленном училище.
1907 г. – впервые приехал в Крым. 1920–1930-е гг. – писал виды Бахчисарая. Самые значительные произведения Бахчисарайского цикла (1950-е гг.). 1950-е–1960-е гг. – создал большие панно: «Эски-Кермен», «Мангуп-Кале» и «Качи-Кальон» (совместно с московской художницей и искусствоведом Е. В. Нагаевской), устраивал выставки в Бахчисарае и окрестных селах.
Осолодков Петр Алексеевич
1898, Рыбинск — 1942, ЛенинградЖивописец, график. Учился в художественной студии Пятой армии в Омске; в 1920–1924 в омском ХПТ; в 1924–1929 во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН в Ленинграде; в 1933–1934 вИЖСА (аспирантура); в 1934–1936 — на курсах повышения квалификации ВАХ. Участник выставок с 1927. Преподавал в изостудиях Ленинграда. Занимался оформлением улиц Ленинграда к праздникам, делал рисунки для журналов и различных ленинградских издательств (конец 1920-х — 1930-е).
Богаевский Константин Федорович
1872, Феодосия — 1943, ФеодосияЖивописец, график. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1933).
Учился у А. И. Фесслера и И. К. Айвазовского в Феодосии (1880-е), в ВХУ при ИАХ (1891–1897) у А. И. Куинджи. Участник выставок с 1898: "Мир искусства“ (1911–1915), "Жар-цвет“(1924–1928), русского искусства в Париже (1906, 1910), Берлине (1906); международных в Мюнхене (1903–1905, 1907), Венеции (1903, 1905, 1911, 1913, 1924), Брюсселе (1910), Риме (1911), Мальме (1914) и др.
Постоянно жил в Феодосии. Автор романтических крымских пейзажей, изображений архитектурных памятников и вымышленных пейзажей, уводящих в прошлое Киммерии и Тавриды.
1900-е – член и экспонент объединений: «Новое общество художников», «Товарищество южнорусских художников», «Московское общество художников», «Союз русских художников», «Мир искусства» II. Его произведения были отмечены на международных выставках мюнхенского «Сецессиона» и парижского «Осеннего салона», в Венеции и Риме.
1920-е – сделал ряд зарисовок исторических и архитектурных памятников Крыма по заданию Крымского комитета по охране памятников искусства и старины (Крымохрис).
1923 – создание серии автолитографий «Пейзажи Киммерии». 1925 – работал в Алупке.
В 1933 году получил звание заслуженного деятеля искусств РСФСР. В 1936—1939 году работал в Тарусе.
В 1941 году оказался в оккупации, погиб в 1943 году при бомбардировке Феодосии немецкой авиацией.
Неизвестный художник
Хвостенко Василий Вениаминович
1896, сл. Борисовка, Курская область – 1960, г. МоскваГрафик, живописец-монументалист, возродивший технику энкаустики – живописи восковыми красками. Родился 15 августа 1896 в слободе Борисовка Грайворонского уезда Курской области в семье потомственных русских живописцев. Его прадед, дед и отец были иконописцами. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1910–1917), где его учителями были А. Е. Архипов, В. Н. Бакшеев, Н. А. Касаткин, К. А. Коровин, А. М. Корин, С. В. Малютин, Л. О. Пастернак и др. Член Ассоциации художников революционной России (АХРР). В 1919–1920 работал декоратором в 1-ой армии Туркфронта.
Участник художественных выставок объединения «Свободное творчество», Союза русских художников, АХРР и других. В 1920 был командирован в Главполитпросвет, где работал в «Окнах РОСТА» вместе с В. Маяковским, Н. Денисовским, М. Черемныхом. В 1927 в Париже на Всемирной выставке декоративного искусства получил Большую премию. В 1930-х выполнил большую серию графических рисунков, посвященную строительству угольных шахт и заводов на Урале. В 1941–1945 писал картины на тему ВОВ, в 1950-е работал над политическими плакатами. В последние годы одновременно с живописью работал в области скульптуры. Умер 13 августа 1960 в Москве. Похоронен в д. Конев-Бор.
Графические листы художника «Магнитка строится» (1931, бумага, гуашь. 19,5х28), «Разработка котлована» (1931, бумага, гуашь, тушь. 75х55), «Первые рабочие» (1931, бумага, тушь. 84х49), «Сверловщицы» (1931, бумага, тушь. 54х49), «Магнитогорский металлургический» (1933, бумага, гуашь. 48х69), «Осмотр двигателя» (1934, бумага, сангина, гуашь. 48х69) экспонировались на юбилейной выставке «50 лет Магнитогорску» (Магнитогорск. 1979). Работы художника находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Кемеровского областного музея изобразительных искусств, Государственного историко-краеведческого музея г. Борисовка, Магнитогорской картинной галереи, в других музеях и частных коллекциях России.
Сашин (Васькин) Андрей Тимофеевич
1895, д. Четовицы Духовщинского уезда Смоленской губ. –1965, ЛенинградЖивописец, график, театральный художник.
Родился в д. Четовицы Духовщинского уезда Смоленской губернии. Через некоторое время семья переехала в Смоленск. В 1915 призван в армию. После революции служил в РККА (1919-1922). Учился С 1924 по 1927 учился во ВХУТЕИНЕ в мастерской К.С. Петрова-Водкина. Член группы «Мастера аналитического искусства» (1926–1930), ученик П. Н. Филонова. Член АХР (1929–1932). Член Союза художников (с 1932). Художник в клубе медработников (1928–1929), руководитель кружка ИЗО при заводе «Красный путиловец» (1931). Работал в Ленизо (1929–1941). Преподаватель Нежинского педагогического института им. Н. В. Гоголя (1945). Работал в Ленинграде художником в Художественном фонде и Ленизо (с 1946). Ежегодно участвовал в выставках ЛОСХа (с 1953).
Строев Петр Феонович
1898, Пенза – 1941Живописец.
Родился в Пензе. Детство и юность художника прошли в Сибири. В 1914–1918 учился в Иркутской учительской семинарии, а с 1922 по 1926 – в Иркутской государственной художественной мастерской. Продолжил обучение во ВХУТЕИНе, где был зачислен на 2-й курс живописного факультета, на следующий год был переведён на 3-й курс монументального отделения. В 1928 завершил обучение, после чего вернулся в Иркутск.
В 1928–1929 занимался педагогической деятельностью. Позднее переезжает в Ленинград, где в 1930-х ‒ начале 1940-х участвует в ряде ленинградских и московских художественных выставок. В 1935 стал членом Ленинградской областной организации Союза художников СССР. Пишет ряд жанровых картин: «В свиноводческом совхозе» (1932), «В совхозе птицетреста» (1934), «Текстильный комбинат в Кировобаде» (1937‑1938 гг.) и другие.
Лизак Израиль Львович
1905, Cлавута Заславского уезда Волынской губернии—1974, ЛенинградЖивописец, график. Учился в 1916–1918 в РШ ОПХ; в 1919–1925 в ПГСХУМ–ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН, в 1922 посещал художественную студию А. Ф. Белого. Участник выставок с 1923. Член СХ с 1932. В 1946–1948 преподавал рисунок на скульптурном отделении в ЛХПТ. В 1930–1935 работал художником в газете «Смена»; в 1949–1951 сотрудничал с различными издательствами; в 1952–1956 работал в Научно-реставрационных мастерских, выполнял живописно-реставрационные работы в соборах и дворцах Ленинграда и пригородов.
Кастеев Абылхан
1904, с. Чижин, Джаркентский уезд, Семиреченская обл. (ныне Алматинская обл.) – 1973, Алма-АтаНародный художник Казахской ССР, Заслуженный деятель искусств СССР, Лауреат Государственной Премии КазССР. Является основоположником казахского изобразительного искусства.
Родился 10 января 1904 года в ауле Чижин Джаркентского уезда, Семиреченской области (ныне Алматинской). Рано оставшись без отца, в 8 лет нанялся в пастухи. В 1927 устроился рабочим на строительство Турксиба. В 1929–1931 учился в художественной студии Николая Гавриловича Хлудова в Алма-Ате. В 1934 участвовал в конкурсе, посвященном Абаю Кунанбаеву, был удостоен почетной грамоты и отправлен на учебу в Москву. В 1934–1936 учился в школе-студии им. Н. К. Крупской в Москве.
В 1930-е годы Кастеев написал целую серию картин «Старый и новый быт». В конце 1930-х выиграл конкурс на написание образного портрета Амангельды Иманова. Участник выставок с 1934. Член СХ СССР с 1940. В годы войны хотел отправиться на фронт, но на него пришла бронь, работал над плакатами на военную тематику. Общался со множеством культурных деятелей со всего Союза, приехавших в Алма-Ату в эвакуацию.
Жил и работал в Алма-Ате с 1929. Имя Абылхана Кастеева носит Государственный музей искусств Республики Казахстан. За серию акварелей «На земле Казахстана» награжден Государственной премией Казахской ССР имени Чокана Валиханова. Художник ушел из жизни в 1973 году, до последнего оставаясь верным своему творчеству.
Чугунов Сергей Александрович
1901 — 1942, ЛенинградЖивописец; автор жанровых картин, портретов. Учился в Петрограде–Ленинграде в 1918 в РШОПХ, в 1918–1919 в Институте гражданских инженеров, в 1920–1925 в ПГСХУМ–ВХУТЕИН (с перерывом); был слушателем курсов повышения квалификации при АХ (1934–1935). Участник выставок с 1925. Член ЛОССХ с 1932. Умер в блокадном Ленинграде.
Мухина Вера Игнатьевна
1889, Рига — 1953, МоскваСкульптор; мастер ДПИ и театрально-декорационного искусства; портретист.
Училась в ХШ К. Ф. Юона в Москве (1909–1911), в студии И. И. Машкова (1911), в скульптурной студии Н. А. Синицкой (1911–1912), в частных академиях Парижа — Ф. Коларосси, La Palette, La Grande Chaumière, у Э. А. Бурделя и в Академии изящных искусств (1912–1914). Участник выставок с 1920.
Попов Иван Васильевич
1874, с. Черкёх Ботурусского, ныне Таттинского улуса – 1945Народный художник Якутской АССР, родился 7 мая 1874 года в с. Черкёх Ботурусского, ныне Таттинского улуса. Художественное образование получил в Петербурге в частной студии художника-передвижника, профессора Педагогических курсов при Академии художеств А.В. Маковского (1903-1905; 1912-1913). Также учился в школе общества поощрения художеств (1903-1904). Умер 8 октября 1945 года в с. Ытык-КюёльТаттинского улуса. С именем первого профессионального живописца прочно связаны основы и становление изобразительного искусства Якутии начала ХХ века.
Веденеев Александр Никифорович
1891, Рыбинск, Ярославская обл. – 1950Живописец. Член Ярославского областного Союза советских художников (1934).
Родился и жил в Рыбинске Ярославской области.
Учился в рисовальной школе Общества поощрения художеств, Ленинград (1920-е). Участник выставок в Ленинграде (1926-1927), городских (Рыбинск), областных и республиканских выставок. Произведения художника находятся в собрании Рыбинского ИАиХМЗ, Ярославского художественного музея и в частных коллекциях.
Котов Петр Иванович
1889, слобода Владимировка Астраханской губернии — 1953, МоскваЖивописец, график, монументалист; автор жанровых картин, портретов, пейзажей, натюрмортов.
Учился: 1903–1909 – художественное училище (Казань) у Г.А.Медведева, В.С.Скорнякова, с 1908 у Н.И.Фешина; 1909–1916 – ВХУ при ИАХ у Г.Р.Залемана, В.Е.Савинского, Я.Ф.Ционглинского, Ф.А.Рубо, Н.С.Самокиша. Участник выставок с 1916. Член и экспонент: АХРР–АХР – 1923–1928; "Союз советских художников" – 1929–1932. Преподавал: 1919–1922 – Высшие государственные художественные мастерские (Астрахань); 1937–1941 – Киевский ГХИ; 1937–1953 – Харьковский ГХИ; 1944–1948 – ВГИК; 1949–1953 – МГХИ (с 1940 – профессор). Член СХ (с 1932). Лауреат Сталинской премии 1948 за портрет академика Н.Д.Зелинского (1947, ГТГ). Заслуженный деятель искусств РСФСР (с 1946), действительный член АХ СССР (с 1949).
Яковлев Василий Николаевич
1893, Москва — 1953, МоскваЖивописец, график, реставратор живописи, искусствовед, литератор. Учился в 1911–1916 на математическом факультете Московского университета; в1913–1914 в студииВ. Н. Мешкова; в 1914–1917 в МУЖВЗ. Участник выставок с 1917. В 1924–1927 работал в Центральных реставрационных мастерских; в 1927–1932 заведовал реставрационной мастерской ГМИИ. В 1938–1939, 1949–1950 был главным художником ВСХВ, в 1948 — Советского павильона на Международной сельскохозяйственной выставке в Праге. Лауреат Сталинских премий (1943, 1948). Народный художник СССР (1944). Действительный член АХ СССР (1947). Доктор искусствоведения (1951).
Голубчиков Николай Порфирьевич
1899, Екатеринбург 1958. СвердловскЖивописец, монументалист, график, иллюстратор.
Родился 10 декабря 1899 в Екатеринбурге.
В 1919 окончил Екатеринбургские Высшие свободные государственные художественные мастерские, в 1923 – 1930 учился во ВХУТЕМАСе ‑ ВХУТЕИНе у Н. Н. Купреянова, В. А. Фаворского в Москве.
Жил в Свердловске с1932. Иллюстрировал книги для издательства Москвы и Свердловска, работал как оформитель. Преподавал с 1922 года в Екатеринбургской художественной студии «Изо», в 1935–1950 (с перерывами) в Свердловском училище ИЗО – СХУ.
Участник выставок с 1934 ‑ городских, областных, ряд крупных советского искусства, зарубежных и международных.
Ефремов Борис Иванович
1904–1962Живописец, педагог.
Окончил Омский художественно-педагогический техникум им. М. Врубеля (1931), Одесское художественное училище (1933–1938). Член Ярославского областного Союза советских художников (1939). Руководил Изостудией Ярославского дворца пионеров (1943–1962), подготовил немало профессиональных художников. Принимал участие в областных, межобластных, республиканских и всесоюзных выставках. Также в Ярославле проходили и персональные выставки художника (1957, 1959, 1960). Произведения художника хранятся в собрании Ярославского художественного музея, а также в частных коллекциях.
Кербель Лев Ефимович
1917–2003Бачинин Николай Иванович
1921, с. Боровлянка, Тюменская обл. - 1994, г. КемеровоЖивописец. Народный художник РСФСР. 1934-1938 гг. – занимался в изостудии Дома пионеров и Дома народного творчества г. Омска. 1938-1940 гг. – учеба в Омском художественно-педагогическом училище, у А. И. Козлова, М. К. Легчилова (не окончил), работал в омском товариществе «Художник», одновременно брал уроки у художника А. Н. Либерова. 1943-1946 гг. – учеба во Всероссийской Академии художеств у Б. А. Фогеля, П. П. Белоусова, М. Д. Берштейна (не окончил). В 1948 в качестве поощрения был отправлен в Москву в студию повышения квалификации, руководитель Б. В. Иогансон. Участник выставок с 1943 года. Член СХ СССР c 1948 года. С 1950 г. жил и работал в Кемерово. 1958 г. – стажировка в Доме творчества «Академическая дача» им. И. Е. Репина. В 1995 г. учреждена ежегодная кузбасская премия имени Николая Ивановича Бачинина за наиболее талантливые, отличающиеся новизной и оригинальностью произведения живописи, получившие общественное признание и являющиеся значительным вкладом в культуру Кузбасса.
Горелов Гавриил Никитич
1880, село Покровское Московской губернии – 1966, МоскваЖивописец. Учился в Пензенском училище у К. А. Савицкого (1898–1903); ВХУ при ИАХ (1903–1911) у И. Е. Репина, Ф. А. Рубо, П. П. Чистякова; пенсионер ИАХ в Италии, Франции, Германии (1911–1912). Участник выставок с 1904. Член и экспонент: ТПХВ (1912–1916); ТЮРХ (1906–1909); Общество им. Репина (1924–1929); АХР(Р) (1924–1926). Член СОРАБИС (1918). Член СХ (с 1939). Преподавал: Харьковское училище (1914–1915); МХУ (1937–1938). Заслуженный деятель искусств РСФСР (с 1947). Действительный член АХ СССР (с 1953). Лауреат Сталинской премии (1950).
Физкультурные игры на стадионе
- 1927
- Холст, масло. 166 x 249
- Государственный Русский музей
- ЖС-93
Физкультурница
- Вариант-повторение картины того же названия и того же года, находящейся в Муромском краеведческом музее
- 1929
- Холст, масло. 82,5 х 63,5
- Государственный Русский музей
- Ж-6379
Прототипом послужила П. А. Иванова – ткачиха, секретарь комсомола фабрики Мурома, впоследствии секретарь горкома комсомола. Произведение может считаться ярким примером обращения художника старой репинской школы к актуальной для советского искусства тематике. Одной из знаковых примет новой жизни стало радикальное изменение образа женщины: ее внешнего облика, стиля поведения, социальной роли. Олицетворением этих перемен стали девушки-физкультурницы, воспетые живописцами, скульпторами и киномастерами конца 1920–1930-х годов. (Л. Б.). Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 231.
Лыжная вылазка
- Оригинал
- 1930
- Бумага, хромолитография. 37,2 х 52,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1975
Спорт
- 1930 (?)
- Бумага на фанере, масло, аппликация. 90 x 76
- Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
- Ж-175
Во второй половине 1920-х годов вятский художник Сергей Луппов разрабатывает тему советского спорта. Он создает множество этюдов и крупных полотен. Среди них картина «Спорт» (1930), посвященная женским спортивным состязаниям на воде. Изображение спортсменов водных видов спорта особенно привлекало живописца. Можно было открыто показать гармонично сложенное, обнаженное тело, пластичное, совершенное, готовое к борьбе и победе, символизирующее мощь и силу молодого социалистического государства.
На картине ясно видно, как люди радовались новой жизни и хотели построить новый светлый счастливый мир. Девушки, как птицы, парят в воздухе, кажется, что они не падают вниз, а стремятся в высоту. В диагональном построении композиции, динамичной ритмике фигур чувствуется, как советская молодежь заряжается неукротимой всепобеждающей энергией, чтобы потом направить ее на строительство великих строек коммунизма. Водные процедуры и солнце должны были укреплять здоровье и дух советского человека, вселять оптимизм.
Спортивная тема позволяла художнику показывать красоту человеческого тела и его возможности. Художественно-эстетические и этические принципы, сформировавшие ее, определились в 1920-е годы, когда с понятием о человеческом совершенстве начали связывать образы развитого, тренированного тела, олицетворяющие, как и в Древней Греции, здоровые основы сильного государства.
На стадионе
- 1931
- Бумага, акварель. 43,8 x 63,5
- Государственный Русский музей
- РС-1608
Девушка в футболке
- 1932
- Холст, масло. 102 x 64
- Государственный Русский музей
- Ж-4419
Прообразом послужила Адамова Евгения Петровна (1907–1977) — учительница.
Портрет, экспонированный в 1937 году на Международной выставке в Париже и отмеченный золотой медалью, принадлежит к числу наиболее известных в советском искусстве, является вехой в творчестве его автора. «Особой радостью для меня представлялось осуществление в живописи образов моих современников тех лет», — вспоминал Самохвалов. Возгласом «брависсимо» приветствовал произведение И. Э. Грабарь, известный критик А. Эфрос считал изображенную «великолепной».
На «Экспо» во французской столице героиню портрета называли «советской Джокондой». Художник изобразил учительницу-активистку Евгению Петровну Адамову, сохранившую до конца своих дней удивительную душевность и увлеченность. В ее облике воплощены и типические черты человека своего времени — с его непосредственностью, энтузиазмом, целеустремленностью. Не только самой моделью, но и живописью, строгой, лаконичной и одновременно изысканной, Самохвалов утверждал своего рода идеал простой красоты. Приметы монументальности отличают ясную архитектонику композиции, широту письма, «фресковость» фактуры, динамизм образа. «Девушка в футболке» — произведение, в котором воплотилось представление об эпохе, «прекрасной современнице, девушке, каких не было раньше». Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век. СПб, 2001. С. 230.
Лыжница
- 1932
- Холст, масло. 135 × 110
- Луганский художественный музей
Творчество молодого художника-портретиста Григория Ряжского в 1930-е годы явилось олицетворением молодости новой страны. В картине «Лыжница» отображены важнейшие черты человека нового времени – свободного, ответственного, активно вмешивающегося во все общественные процессы того времени.
Бег
- Вариант одноименной картины (1930, галерея Ка’Пезаро, Венеция)
- 1932–1933
- Холст, масло. 229 х 259
- Государственный Русский музей
- Ж-7741
В искусстве начала 1930-х, когда было создано это произведение, художники воспевали совершенный тип нового человека, создавали собирательный портрет целого поколения, сильного и физически выносливого.
А. А. Дейнека с детства был увлечен спортом. Художник вспоминал: "Бывает, вас охватывает задор, прилив энергии, мышцы пружинятся, по телу проходит холодок бодрости. Вы как бы только что поутру вышли из холодной реки. Вам хочется бежать, сбросить запасы лишней энергии, растрачивать ее большими пригоршнями, со смехом и задором смотреть на жизнь…".
Творчество Александра Дейнеки отражает устремление к новым формам изображения общественной жизни — труда, индустрии города, спорта, облика нового человека. В картине «Бег» сфокусированы основные формальные черты дейнековского стиля — монтажно-ритмический строй композиции, колористический лаконизм, жесткий, графичный живописный язык. Дейнека игнорировал индивидуальные черты личности, наделяя свои персонажи признаками культивируемого им некоего "молодеческого" военно-спортивного типа. В «Беге» есть и конкретность и обобщенность, романтический дух и лиричность, человек в картине олицетворяет свободу и целеустремленность. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 55.
Работа написана в новый для художника период творчества, когда колорит его работ становится светлее, мягче, пейзажи обретают лирическую тональность, формируется культ силы и красоты.
Девушка с мячом
- 1933
- Холст, масло. 55 х 46,5
- Государственный Русский музей
- Ж-9187
Как и многие произведения Самохвалова, эта камерная работа производит впечатление фрагмента утраченной фрески. По убеждениям художника, современность следовало изображать в монументальных формах, вдохновляясь искусством античности, Ренессанса и Древней Руси. Именно так он стремился встроить изображенное мгновение в историческую перспективу, подчеркнуть его значительность, окутать его романтической аурой. Его моделями были в основном молодые люди, олицетворявшие прекрасное райское будущее, которое им предстояло строить и населять. В образе мечтательной юной физкультурницы Самохвалов изобразил свою старшую дочь Марию.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 62.
Тема спорта была одной из самых популярных в советском искусстве середины 1920–1930-х годов. Художники, призванные формировать идеал нового человека, видели его прообраз в физкультурниках – молодых и красивых людях, которые, совершенствуя тело, закаляют дух. В это время спортсмены становятся основными персонажами произведений Самохвалова. Он мечтал объединить их в грандиозной монументальной композиции. Возможно, поэтому многие его картины тех лет кажутся фрагментами большой многофигурной фрески. Это относится и к «Девушке с мячом», моделью для которой послужила дочь художника Мария. Однако из общего ряда эту работу выделяет полное отсутствие риторики, особый, почти интимный лиризм, трогательная нежность, с которой художник прикасается к чистому миру подростка. (Л. Б.).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 240.
Чернильница с крышкой «Физкультурницы»
- Ленинградский фарфоровый завод им. М. В. Ломоносова (г. Ленинград)
- 1933-1934
- Фарфор, роспись надглазурная. В.-21,3; Дл.-17,8; Ш.-12,3
- Государственный Русский музей
- СФ-141/а,б
Основоположницей спортивной тематики на фарфоровом заводе имени М. В. Ломоносова стала «главный скульптор советского агитационного фарфора», заведующая скульптурным отделением Наталья Данько, в пластике которой эти мотивы получили наиболее яркое воплощение. На волне большой популярности шахматного спорта в 1922 году она создает снискавшие широкую известность шахматы «Красные и белые»… В 1930-е годы Данько продолжила работу над темой, исполнив множество моделей, посвященных спорту. Все они отвечали государственной идеологической программе и были рассчитаны на массовый тираж. Романтикой революционного времени овеяны скульптуры из серии «Девушки-физкультурницы»: «Физкультурница с мячом», «Девушка с мячом», «Теннисистка», «Купальщица». Они демонстрируют разнообразные поиски пластического движения женского тела. Другую группу работ составляют оригинальные предметы, в которых геометрические объемные формы постаментов объединены с реалистически трактованной скульптурой (чернильницы «Физкультурницы» и «Игра в шашки»). Наталья Щетинина. Ода спорту. Спортивно-художественная хроника Ленинградского фарфорового завода имени М. В. Ломоносова. // Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 19.
Девушка справа одета в характерный костюм спортсменок и физкультурниц 1930-х, состоящий из майки с эмблемой спортивного общества «Динамо» и высоких трусов-шортов. Подобную форму можно встретить, например, на картине А. Н. Самохвалова «Девушка с ядром» (1933, ГТГ). Известны другие варианты росписи чернильницы, выполненные Т. С. Зайденберг и М. П. Кирилловой. Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 201.
Примечательно, что пересечение авангарда, получившего широкое распространение в это же время, и темы физической культуры, более тяготевшей к реалистической изобразительности, в области керамики дало относительно мало произведений. Так, в чернильном приборе Натальи Данько «Физкультурницы» видны намеки на супрематические поиски Казимира Малевича и Николая Суетина. Леонид Матвеев. Спорт в советской керамике // Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 12.
На стадионе
- 1934–1935
- Холст, масло. 121 х 140,5
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1723
Тема спорта была одной из самых популярных в советском искусстве середины 1920–1930-х годов. Художники, призванные формировать идеал нового человека, видели его прообраз в физкультурниках — молодых и красивых людях, которые, совершенствуя тело, закаляют дух. В это время спортсмены становятся основными персонажами произведений Самохвалова. Он мечтал объединить их в грандиозной монументальной композиции. Возможно, поэтому многие его картины тех лет кажутся фрагментами большой многофигурной фрески. Сам художник отзывался о физкультуре как о «радости бытия», помогающей преодолеть трудности «в борьбе за построение новой жизни» и «воспитать любовь к человеку». «Я любил физкультуру именно как культуру здорового человека, жизнелюбивого и жизнерадостного… Меня привлекал здоровый творящий дух в здоровом теле».
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 63.
Советская физкультура
- Эскиз панно для заключительного зала советского павильона Международной выставки в Париже в 1937 году
- 1935
- Холст, масло. 121,0 х 121,0
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Ж-683
Давняя мечта «о большой монументальной многофигурной композиции» была реализована А. Самохваловым в 1935‑1937 годах, когда художнику предложили создать панно на тему физкультуры для советского павильона на Всемирной выставке в Париже. Триптих, выполненный художниками А. Дейнекой, А. Пахомовым и А. Самохваловым, явился логическим дополнением величественного сооружения, построенного по проекту архитектора Б. Иофана и увенчанного монументальной композицией «Рабочий и колхозница» скульптора В. Мухиной, ставшей символом эпохи.
По мысли Самохвалова ‑ композиция, так точно найденная уже в эскизе, «изображает спортсменов, как бы готовящихся к параду», и обладает архитектонической ясностью. Колорит, построенный на сочетании чистых белых, красных и голубых тонов, напоминает своей матовой фактурой фреску. И хотя в эскизе проявилась зависимость от диктата общей композиции триптиха, задающей фрагментарность и неполную самостоятельность решения, но уже был найден сплав символико-синтезирующего и реалистического начал, позволивших на звонких эмоциональных нотах с такой искренностью передать оптимизм страны, верящей в светлое будущее социализма. Жюри выставки, высоко оценив триптих советских художников, удостоило его наградой Гран-при.
_________________
Проект советского павильона Международной выставки в Париже, подготовленный под руководством архитектора Б. М. Иофана, был готов в 1935 году. По итогам просмотра правительственной комиссией был утверждён вариант внутреннего оформления, представленный ленинградцами во главе с Суетиным, который стал главным художником.
По проекту в последнем зале павильона должны были располагаться три громадных панно, в центре — «Лучшие люди Страны Советов» А.Дейнеки, слева — «Советская физкультура» А.Самохвалова, справа — «Советские дети» А.Пахомова.
Об эскизе панно А.Дейнеки для Всемирной выставки 1937 года (Тверская областная картинная галерея)
Эскиз А.Дейнеки «Советские дети»
Кавголовский трамплин
- Эскиз
- 1936
- Холст, масло. 120 x 90
- Государственный Русский музей
- ЖС-1851
Район Токсово–Кавголово около Петербурга (Ленинграда) — настоящая лыжная столица Карельского перешейка. Здесь расположено множество спортивных баз, знаменитые Кавголовские трамплины, многочисленные лыжные трассы международного стандарта. Естественный склон высотой около 40–50 м, протянувшийся на несколько километров, стал основой для горнолыжных трасс. По европейским меркам это совсем небольшие холмы, но на них обучались азам катания и совершенствовались на горных лыжах тысячи ленинградцев разного возраста, поднимаясь к вершинам мастерства.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 65.
Водная станция
- 1937
- Холст, масло. 152 × 216,5
- Ярославский художественный музей
- Ж-2062
Тема занятия водным спортом развивалась Сергеем Лупповым в течение многих лет как в живописи, так и в тиражной печатной графике. «Водная станция» – заказное произведение, выполненное художником для клуба «Текстильщики» города Ногинска Московской области. Данное живописное полотно отличается графичностью, плакатной условностью, обобщенностью, соединяя в себе два подхода. В 1970 году картина была показана на персональной выставке художника в Москве, а впоследствии по решению Министерства культуры поступила в собрание Ярославского художественного музея.
В конце 1920-х – начале 1930-х годов для проведения тренировок и соревнований по водным видам спорта в СССР активно возводились специальные сооружения – комплексные водные станции и стадионы. Для демонстрации яркой спортивной жизни художником избираются крупный формат и сложная многоплановая композиция. Спортсмены являются отражением культа силы, здоровья, маскулинности, они созвучны с античными представлениями об идеалах красоты. В этих людях воплотилась мечта о новом советском человеке, готовом к неустанному труду и активному отдыху.
Лыжники
- 1938
- Бумага, офорт. 58,8х71,2; 48,5х57,3
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Г-101
Офорт «Лыжники» создан ленинградским графиком Леонидом Овсянникова в 1938 году.
Появление темы спорта в изобразительном искусстве связано с развитием физической культуры как идеологии советского государства, когда понятие гармоничного человека прочно связалось с патриотизмом. Идея подготовки физически развитого человека была связана с воспитанием гражданина, готового к труду и обороне, к преодолению любых трудностей. Целенаправленное изображение темы спорта определило уже в 1920-е годы возникновение этических и художественно-пластических принципов представления этой темы, которая с1930-х годов более чем на полвека становится одной из ведущих в искусстве. «Здоровый дух в здоровом теле» связывался с оптимизмом, верой в будущее и желанием жить и творить – и это тоже была часть идеологической пропаганды.
Эстамп Леонида Овсянникова в точности отвечает идее вдохновения на подвиги и отражает представление о том, какими должны быть люди страны советской. Однако, художник сводит агитационность к минимуму и наполняет изображение проникновенным лиризмом. Он любуется природой и молодой упругой силой лыжников, умело передает ощущение легкой морозности зимнего дня. Сама композиция напоминает театральную сцену, со стоящим на дальнем плане зданием, замыкающим пространство, и высокими деревьями со сказочно заиндевевшими кронами первого плана. Деревья ‑ кулисы, особняк ‑ задник, а лыжники ‑ актеры, лишь рождающие ощущение веселья. В их искренность не очень верится, но потерянный сегодня нами дух бодрой молодости 1930-х годов сегодня ощущается как ностальгия по прошлому.
Физкультурный парад
- Панно
- 1939
- Холст, масло. 916 х 1460
- Государственный Русский музей
- Ж-6804
Панно написано бригадой художников: Ю. И. Пименов (руководитель), В. А. Васильев, Е. С. Зернова, К. К. Купецио, И. Л. Пастернак, Т. А. Покровская, Б. А. Шатилов, И. Д. Штанге.
Панно „Физкультурный парад" экспонировалось в зале градостроительства советского павильона на Международной выставке в Нью-Йорке в 1939 году и служило фоном для шестиметровой архитектурной модели Дворца Советов. Безусловно, это определило и задачу живописного решения — создать нарядную и торжественную роспись, композиционно гармонирующую с макетом Дворца. Поэтому работа над произведением развивалась от конкретного пейзажа в первоначальном эскизе в сторону большей обобщенности и схематичности в большом полотне, что привело к облегчению центра и распределению масс к богато развитым краям композиции. Работа над панно шла по бригадному принципу — разделению холста на части, первоначальному закреплению их за художниками, постепенному размыванию границ между частями и художниками и сглаживанию стилевого разнобоя. // Алиса Любимова. Большая картина. СПб., 2006. С. 202.
Сюжетной основой для произведения послужил парад физкультурников на Красной площади, который состоялся в 1939 году и был запечатлен в одной из первых советских цветных кинолент «Цветущая юность».
Высокоточная съемка панно (18 мая 2021)
Раздолье
- 1944
- Холст, масло. 204 x 300
- Государственный Русский музей
- Ж-4500
В последний год войны в суровой палитре Дейнеки появляются радостные краски. Летом 1944 года он завершил начатое еще до войны панно „Раздолье". Первоначальные поиски относятся к 1936 году, когда был выполнен графический лист „Бегунья". Тема картины с ее оптимистической идеей мирной жизни после победы была чрезвычайно актуальной. В обширном литературном наследии художника есть строки, эмоционально почти идентичные сюжету: „Бывает, когда вас охватывает задор <...>, когда человеку хочется куда-то бежать <...> со смехом и задором смотреть на жизнь".
Форма панно диктовала декоративность изобразительного языка, пластическую упрощенность форм. Резкое сопоставление планов придает одновременно стремительность движения фигурам молодых и сильных девушек-спортсменок и плавный „раздольный" ритм панорамному пейзажу. Картина воспринимается словно радостная песня-гимн необозримым просторам родной земли. Альфия Низамутдинова. Большая картина. СПб., 2006. С. 224-225.
Лыжная прогулка
- 1948
- Холст, масло. 160 х 200
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
В своём творчестве Роман Васильевич Гершаник обращался к темам революционных событий, детства и спорта. В «Лыжной прогулке» художник через красивый, наполненный морозным воздухом зимний пейзаж, художник передал романтическое настроение молодых людей. Легкими движениями кисти Гершаник мастерски создал ощущение мягкого пушистого снега. Девушка и юноша с высоты холма, покрытого снегом первыми, прокладывают лыжню. Не выходя за рамки традиций соцреализма, живописец написал удивительно тонкое, светлое, наполненное дыханием жизни произведение.
Суворовцы на лыжах
- Конец 1940-х
- Цветная литография. И.:33,5х41,4. Л.:42,3х57,7
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-16133
Хоккей на стадионе «Динамо»
- 1948
- Холст, масло. 87 х 117,5
- Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
На картине Виктора Мидлера изображена игра в хоккей с мячом, на что указывают большое число находящихся на поле игроков (по правилам каждая команда должна состоять из 11 хоккеистов, включая вратаря), форма клюшек и необычно низкие ворота, которые видны слева и почти наполовину обрезаны краем холста. Стоящий перед ними вратарь в темной форме изображен, как и положено, без клюшки. Ворота такого типа действительно существовали в «русском хоккее» (являясь одной из особенностей, отличавших его от английского «хоккея-бенди») до середины 1950-х годов, когда была организована Международная федерация, разработавшая единые для всех национальных команд правила игры. С этого времени высота ворот в хоккее с мячом превышает два метра.
Композиция написана в раскованной импрессионистической манере в соответствии с основными принципами пленэрной живописи. Художник убедительно передал динамику спортивного состязания. Однако главной задачей для него всё-таки было запечатлеть красочное зрелище морозного зимнего дня: пробивающиеся сквозь облака солнечные лучи, зажигающие белизну снега и льда ярким золотистым свечением; игру цветных рефлексов на гладкой поверхности катка; влажную голубоватую дымку, окутывающую деревья и здания на дальнем плане; пестроту заполненной болельщиками трибуны. Сложное колористическое построение картины основано на гармоничном созвучии тончайших цветовых нюансов: основная холодная сиреневато-голубая красочная гамма смягчена теплыми охристыми, розовыми, красными, коричневатыми тонами.
На катке
- 1950
- Холст, масло. 118 х 131,5
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-497
Обращаясь к теме спорта, досуга, живописец Анатолий Никич-Крилический находит новые, более яркие черты своих молодых современников. На картине «На катке», написанной в 1950 году, фигуры катающихся даны крупным планом. Вся атмосфера и воздух картины буквально пропитаны духом 1950-х. Вытянутая по вертикали композиция, совмещение крупного первого плана с панорамным показом места, цветовое решение картины, позволили показать автору атмосферу зимнего городского пейзажа.
Работа полна светлого восприятия бытия. Воскресный город, яркие транспаранты и общий мажорный колористический строй – все это сообщает картине оптимистичность и жизнерадостность. Художник заставляет нас не только видеть, но и слышать свое полотно. Мастер включает зрителя в стремительное движение снующих по льду людей, в шумный ритм катка. Стальные лезвия с визгом режут лед под звучащую бравурную музыку. Аромат мандаринов в руках девушки смешивается с морозным воздухом и создает праздничное настроение. Живописец любуется красотой, силой и азартом своих героев, разрумянившейся девушкой, ее улыбкой... Вот сейчас она вздохнет поглубже и понесут ее коньки под звуки музыки сквозь снежинки навстречу счастью, любви и молодости!
Высокогорный каток Медео
- 1954
- Холст, масло. 71,5 х 80
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- Ж-909
В середине 1950-х годов А. Кастеевым были созданы первые значительные произведения в жанре пейзажной живописи, которая в сталинское время занимала вторичное положение к тематической картине и портрету. Одним из них является небольшая по размеру картина «Высокогорный каток» написанная художником в 1954 году на основе сделанного с натуры акварельного этюда. Знаменитый на весь мир спортивный каток Медео, расположенный в одном из живописных ущелий Заилийского Алатау, недалеко от Алма-Аты был сдан в эксплуатацию в середине 1950-х годов и стал популярным местом отдыха горожан и гостей республики. Особенностью композиционного решения картины является то, что в ней мы не видим самого катка, а основную часть холста занимает изображение горного зимнего пейзажа. А. Кастеев изображает огибающую холмы длинную вереницу людей, движущуюся и от нижнего края картины, в сторону виднеющегося вдали величественного спортивного сооружения, обозначенного рядом красных флагов. Колорит картины, построенный на соотношении холодных голубоватых оттенков, передает атмосферу морозного солнечного дня. Основное внимание Кастеев сосредотачивает на изображении эпического горного пейзажа, на фоне которого мы с трудом различаем удаленную в глубину картины стену катка и силуэты идущих по снегу людей. Целью создания Кастеевым серии картин на тему высокогорного катка Медео явилось его стремление показать безграничность мысли и воли человека, способного укротить природную стихию, заставить ее служить на благо людей.
На высокогорном катке
- 1955
- Холст, масло. 100 х 150
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- Ж-812
Картина «На высокогорном катке», написанная основоположником казахского изобразительного искусства Абылханом Кастеевым в 1955 году, считается одним из наиболее известных и популярных произведений мастера, созданных в период его творческой зрелости. На ней запечатлен знаменитый на весь мир высокогорный каток Медео, расположенный в горах Заилийского Алатау, недалеко от Алма-Аты, бывшей в те годы столицей КазССР. Необыкновенный по красоте вид покрытых снегом высоких горных вершин, посреди которых расположена искрящаяся, словно изумруд в лучах солнца, «чаша» катка, создаёт величественную картину новой социалистической действительности, выражает идею всепобеждающей силы разума и воли советского человека.
А. Кастеев изображает пеструю толпу людей, пришедших посмотреть на это очередное «социалистическое чудо» и стать зрителями первых спортивных соревнований. Развевающиеся яркие флаги, пестрая масса окруживших каток горожан, величественные снежные вершины молчаливо взирающие на происходящее – все это создает необыкновенно радостную и торжественную атмосферу народного праздника. В этом полотне А. Кастеев демонстрирует свой уникальный дар пейзажиста, умение выразить широкую гамму эмоций, рожденных от созерцания удивительной по красоте картины родной природы.
Лыжники
- 1956
- Бумага, литография. И.:58,5 х 44,5. Л.:81,8 х 59,3
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-9229
Стадион в Егорьевске
- 1956
- Масло, холст. 29,5 х 49,5
- Егорьевский историко-художественный музей
- Ж 505
В начале ХХ века в Егорьевске, как и во всей стране, начал бурно развиваться футбол. В свое время большое влияние на этот процесс оказали инженеры-англичане, работавшие на текстильной мануфактуре братьев Хлудовых. В городе было несколько футбольных команд – «Хлудовцы», «Бардыгинцы», названные так по имени владельцев предприятий, работники которых были членами команд.
Еще одна егорьевская команда – «Касимовцы» получила имя от места тренировки на футбольном поле, расположенном недалеко от проходившего Касимовского тракта. Команда состояла, в основном, из офицеров Моршанского полка, квартировавшего в Егорьевске в 1892–1914 годах. В середине ХХ века Текстильное промышленное объединение Егорьевска, куда входило несколько фабрик, построило на месте этого поля благоустроенный стадион, который мы видим на картине Бориса Кузнецова «Стадион в Егорьевске» (1956). В разное время он носил названия «Красное знамя», «Меланжист», «Текстильщик», «Витязь». Ныне это стадион «Мещера», расположенный в центре Егорьевска, в его исторической части.
Хоккей
- 1961
- Холст, масло. 136,0 x 139,0
- Мурманский областной художественный музей
- Ж-235
Александр Александрович Дейнека – советский живописец, монументалист, график, педагог, профессор. Дейнека плодотворно работал над темой спорта, постоянно возвращался к ней в своих графических работах, картинах, эскизах мозаик.
Массовый интерес к спорту возник во всём мире в конце XIX -начале XX века. После Октябрьской революции спорт, как и другие сферы государственной жизни, получил централизованное управление. С первых лет Советской власти осуществляется программа массового развития физической культуры во всех районах страны. Занятия проводятся по государственным программам с оценкой знаний, умений и навыков. Были задействованы все, и художники отражали спортивную жизнь в своих полотнах.
Александр Дейнека не понаслышке знал, что такое спорт и как он дается, сам был спортсменом и любил наблюдать за другими.
Художник писал: «Я люблю спорт. Я могу любоваться часами на бегунов, пятиборцев, пловцов, лыжников. Мне всегда казалось, что спорт облагораживает человека, как все красивое».
В его архиве найдено множество натурных набросков, сделанных во время различных спортивных мероприятий (боксерские схватки, лыжные забеги, хоккей, футбол). Автор часто использовал фотографию для изучения мгновенных действий.
Сюжетная композиция «Хоккей» является подготовительной работой для мозаичного панно «Хоккеисты», вошедшего в серию мозаик «Люди Страны Советов». На картине изображен миг захватывающей борьбы, азарт спортивного соревнования. Фигуры хоккеистов динамичны, автору мастерски удалось запечатлеть их в движении. Спортсмены воплощают собой широкую идею молодости, борьбы, победы, испытания и веры в будущее.
В 1964 году Александр Дейнека был удостоен Ленинской премии за комплекс мозаик, среди которых и «Хоккеисты».
Гимнастика
- 1963 г.
- Холст, масло. 130,0 х 65,0
- Белгородский государственный художественный музей
- Ж-1284
Образы мастера московской школы живописи Бориса Тальберга – одно из наиболее ярких и последовательных выражений развития художественной концепции 1960-х в области монументальной живописи (борьба против неоакадемизма). Тальберг разрабатывал тему спорта.
В собрании Белгородского государственного художественного музея хранится картина «Гимнастика» (1963), которая была передана из Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО» в 2007 году. К теме спорта обращались многие советские художники, и Тальберг – не исключение. В своей работе автор изображает юных гимнасток в перерыве между тренировками. Три девушки живо общаются, сидя на скамейке, справа виден рояль, под музыку которого, молодые спортсменки репетируют свои выступления. Одна гимнастка стоит на бревне, продолжая оттачивать свое мастерство. Художник выстраивает композицию по диагонали слева направо, останавливая ее ниспадающее движение жесткой ровной линией бревна. Зритель смотрит на происходящее сверху, и, благодаря такому сложному ракурсу, при минимальном количестве деталей картина выглядит динамичной и передает энергию спорта. Красный цвет пола также подчеркивает задор спортивного духа гимнасток и стремление к победе.
Гимнасты СССР
- 1964–1965
- Оргалит, левкас, темпера. 270 x 215
- Государственный Русский музей
- Ж-8816
Творческие устремления художника более всего проявились в жанре портрета и его разновидности портрете-картине. Одна из особенностей искусства Жилинского заключается в том, что он выявляет в конкретном не сиюминутное, а главное, устойчивое, определяющее личность человека. Жилинский тяготеет к образам ясным, собранным, интеллектуальным, опираясь в создании их на искусство старых мастеров, прежде всего раннего итальянского Возрождения и древнерусскую живопись. Открытая обращенность к этому наследию в создании современных образов воспринимается как программа. «В искусстве люблю точность выражения, завершенность формы, в моем, конечно, понимании…» Произведения Жилинского красивы декоративностью чистых цветовых тонов, мелодичностью линий, пластикой силуэтов, гармонией композиции. Не вполне обычна и техника его письма. Художник нередко пишет темперой по левкасу, что придает повышенную колористическую звучность работам.
«Гимнасты СССР» — в сущности групповой портрет известных советских спортсменов, завоевавших командой и в индивидуальном зачете первые места на Олимпиадах, первенствах мира и Европы. Среди них — на дальнем плане Полина Григорьевна Астахова (1936–2005), трехкратная олимпийская и двукратная чемпионка мира, Борис Анфиянович Шахлин (1932–2008, «железный Шахлин», как его называли спортсмены и зрители за спортивное мужество и волю к победе), трехкратный олимпийский и двукратный чемпион мира, Юрий Евлампиевич Титов (род. 1935), олимпийский чемпион и абсолютный чемпион мира, впоследствии президент международной федерации гимнастики. Происходит своеобразная индивидуальная настройка мысли, воли, чувства. Это видно в лицах, ощутимо в выразительности жестов. Ясность и четкость композиции, острота ракурсов, чистота цвета, как и персонажи, по-своему психологичны. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 297.
Произведение отличается повышенным интересом к выражению индивидуальности каждого, что вполне соответствует духу времени середины 1960-х годов.
Девушка с цветком
- (не окончена)
- 1970
- Холст, масло. 117,0 х 76,0 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-3263
Тема спорта, в частности, портрет девушки-спортсменки, проходит через все творчество Александра Самохвалова. Для него спорт – это жизнь, и его героини – всегда свежие, обаятельные и радостные девушки, являющие эталон красоты и здоровья, чистоты и молодости. В этих образах воплотилась идея «нового человека» советского времени, имеющего целостный характер и стремящегося к будущим свершениям.
Именно этот характер, созданный еще в 1932 году в картине «Девушка в футболке», воплотился в незаконченном произведении «Девушка с цветком» 1970 года. Модель стала более стройной и грациозной, более нежной и милой, что подчеркнуто цветком в руке, но все той же сильной и закаленной «строительницей жизни», о чем говорит ее волевая осанка.
Заслуженный тренер СССР Д. П. Коркин с учениками
- 1971 (?)
- Холст, масло. 195 х 211
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-1279
Для творчества якутского художника Афанасия Осипова характерно монументальное масштабное видение, широкая манера тонового письма, чистота и тональная согласованность цветов, жанровое разнообразие. В его полотнах впервые прозвучали многие темы: спорт, новостройки Якутии, проблема сохранения природы и др.
В результате стилистических поисков якутского живописца появилась картина «Заслуженный тренер СССР Д.П. Коркин с учениками (Чурапчинская школа)». Изображение спортсменов занимает всю нижнюю часть холста. Они написаны чуть сверху — такой ракурс создает эффект присутствия, будто зритель с трибун наблюдает за тренировкой. Мускулистые фигуры тела юношей в ярких трико, их золотисто-жёлтый цвет кожи на картине уравновешены светлым акцентом — белыми костюмами юных учеников.
В центре изображён Дмитрий Коркин – якутский советский тренер по вольной борьбе, заслуженный тренер СССР. В правом верхнем углу атлетические снаряды – подвесные кольца – смыкаются, напоминая пять колец олимпийской символики. Так Афанасий Осипов подчёркивает, что именно Дмитрий Петрович Коркин воспитал лучших мировых борцов первой половины 1970-х годов – олимпийских чемпионов Романа Дмитриева и Павла Пинигина.
Это одна из картин Осипова, созданных за очень короткий срок. Так, еще в феврале 1971 года, находясь в Чурапче, он только собирал натурный материал и разрабатывал первые варианты композиции, занимательные своей натурной достоверностью, но весьма далекие от окончательного варианта. А уже к концу апреля картина была завершена. Картина о буднях и романтике якутских спортсменов успешно экспонировалась на Всесоюзной и Международной художественных выставках, посвященных Мюнхенской олимпиаде 1972 года, в ходе которой газета «Советская культура» отметила, что произведение якутского художника – одно из лучших на выставке. Также в 1971 году это полотно с успехом было представлено на Всесоюзной художественной выставке «Физкультура и спорт в изобразительном искусстве».
Возле старых сараев
- 1975
- Холст, масло. 140 x 150
- Государственный Русский музей
- Ж-9347
Портрет спортсмена Хамслова
- 1977
- Холст, масло. 110 х 70
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- Ж-85
Народный художник Мордовской АССР Владимир Дмитриевич Илюхин обозначил приоритеты своего творчества – увлеченность исторической и национальной темой, портретом и пейзажем. Он обратил особое внимание на образы людей – неизменных подвижников: крестьян и творческих личностей, своих земляков. Портрет спортсмена Хамслова – изображение человека нового типа, советского героя – человека сильного, уверенного в себе, красивого нравственно и физически.
В. И. Постоянов – заслуженный мастер спорта
- Из серии «Мои герои»
- 1978-1979
- Плита твердая, темпера, лак. 100 х 142
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- ЖК-599
Портрет-картина «В. И. Постоянов – заслуженный мастер спорта» – одна из работ серии «Мои герои», созданной В. С. Чекмасовым в 1960-х – 1970-х годах. Ряд работ серии художник посвятил известным в Карелии и России спортсменам.
На данном холсте изображён Валерий Иванович Постоянов (1941–2018), заслуженный мастер спорта, мастер спорта СССР международного класса, судья международной и всесоюзной категорий, физик по образованию. Двенадцатикратный чемпион мира по пулевой стрельбе, восьмикратный серебряный призёр чемпионатов мира, победитель чемпионатов Европы, 25-кратный чемпион СССР в командном и личном зачётах, участник Летних Олимпийских игр 1972 и 1976 годов, Арбитр на Летних Олимпийских играх 1980 года.
Тренироваться он начал в стрелково-спортивном клубе ДОСААФ Петрозаводска. В 1967 году выполнил норматив мастера спорта СССР международного класса, вошёл в состав сборной команды СССР по стрельбе. В течение пяти лет являлся капитаном сборной команды СССР по стрельбе. В 1983–1989 годы возглавлял Спортивный комитет Карельской АССР.
Вратари советского хоккея (Н. Пучков, В. Третьяк и В. Коноваленко)
- 1979
- Холст, темпера. 169 × 264,5
- Ярославский художественный музей
- Ж-1881
Знаменитые вратари, в разное время защищавшие ворота легендарной «красной машины» – сборной СССР по хоккею, – олицетворяют собой три десятилетия хоккейной истории. Слева изображен Николай Пучков (1950-е), справа – Виктор Коноваленко (1960-е), в центре – Владислав Третьяк (1970-е).
После грандиозных побед на Олимпийских играх, Чемпионатах мира, Николай Пучков являлся старшим тренером юниорской сборной страны, где в своё время воспитывался Владислав Третьяк. Виктор Коноваленко же, прозванный «русским медведем», по завершении карьеры в сборной передал свой свитер с № 20 молодому Владиславу. Символично, что фигуры «старших коллег» обращены к действующему вратарю сборной СССР. Произведение «Вратари советского хоккея», созданное представителем одесской школы живописи Валентином Григорьевичем Людвиком в 1979 году, демонстрировало преемственность поколений в советском спорте и выражало надежды на новые победы в преддверии предстоящих зимних Олимпийских игр 1980 года.
Советский спорт. Марафон
- 1979
- Холст, масло. 175 х 181
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-2570
Индулис Зариньш – латышский художник-живописец и педагог. Народный художник СССР (1986). Лауреат Ленинской премии (1980). Преподавал в Латвийской государственной академии художеств с 1958. С 1988 был ректором Академии. Для работ И. Зариньша характерны экспрессивный колорит, контрастные цвета. В 1960–1970-х годах особенно заметно влияние «сурового стиля», темами картин были преимущественно люди труда, строители социализма, деятели революции и участники гражданской войны. В своих произведениях тяготел к строгой ритмической организации композиции и эмоциональной звучности цветового решения.
В картине «Советский спорт. Марафон», написанной в 1979 году, изображены бегущие крепкие мускулистые спортсмены, выполненные достаточно монументально на фоне голубого неба и оранжево-красных флагов.
Прыжки с трамплина на приз газеты «Советский Сахалин»
- 1981
- Картон, масло. 70 х 160
- Сахалинский областной художественный музей
- Ж-583
В конце 1970-х – начале 1980-х годов культурно-политическая ситуация в стране качественно меняется в сторону открытого и порой нелицеприятного диалога общества со своим гражданином. В сахалинском искусстве Манткава одним из первых чутко реагирует на проявление советского гуманистического кризиса. В своём творчестве художник отступает с переднего плана событий в их глубину. Его творческий анализ носит не столько оценочный, сколько созерцательный характер. От конкретных лиц и характеров художник уходит в сюжетную массовку, как в работе «Прыжки с трамплина на приз газеты "Советский Сахалин"» (1981), сохраняя пристрастие к сахалинскому пейзажу, благодаря чему картина носит пейзажный характер.
Воскресный день в горах Алатау
- 1982
- Холст, масло. 200 х 160
- Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
- ИНВ 307
На картине известного казахского художника Жанатая Шарденова мы видим горный зимний пейзаж. На первом плане изображены фигуры лыжников. Одни – поднимаются по лыжной тропе вверх, другие – катятся со склона вниз. Справа и слева от тропы – высокие голубые ели. На втором плане, в центре композиции, расположен небольшой деревянный домик. На третьем плане – высокие горы. На горах лежит снег и растут елки. Сверху – узкая полоска серо-синего неба. В правом нижнем углу – трое восходящих лыжников в белом, красном и синем костюмах. С противоположной стороны лыжной тропы, слева, около елки художник изобразил лыжницу в бирюзовом костюме. Она, присев, надевает лыжи. Двое лыжников катятся вниз. У всех в руках лыжные палки. На них специальная спортивная одежда – непромокаемые куртки и штаны, вязаные шапки, перчатки, сапоги и защитные очки. В этой картине можно узнать особый почерк художника – это уникальная техника пастозной живописи, то есть работа плотными, непросвечивающими мазками. Картина «Воскресный день в горах Алатау» посвящена одному из самых живописных и красивейших мест нашей страны.
Наш тренер
- 1983
- Холст, масло. 150 × 120
- Симферопольский художественный музей
- Ж-1140
Картина «Наш тренер» крымского художника Василия Гурина поступила в Симферопольский художественный музей в 1984 году из Дирекции выставок Союза художников УССР.
Сюжет картины свидетельствует об актуальности темы спорта в советском искусстве, от полотен А. А. Дейнеки 1930‑1950-х годов до многочисленных произведений, посвященных Летним Олимпийским играм 1980 года.
Теннисный корт
- 1985
- Холст, масло. 160,0 х 170,0
- Белгородский государственный художественный музей
- Ж-1931
В творчестве ленинградской художницы Веры Андреевны Мельниковой соединились традиции реализма с неустанными поисками новых пластических решений, глубокое эмоциональное звучание, экспрессия, многообразие цветовых решений.
В фондовом собрании Белгородского государственного художественного музея хранится произведение В. А. Мельниковой «Теннисный корт» (1985). Тема спорта увлекала художников в разное время, а в 1980-х годах к ней обращались мастера, вдохновлявшиеся недавно прошедшими в Москве ХХII Летними Олимпийскими играми (1980). Работа «Теннисный корт» представляет собой сюжетную композицию, в которой художница изображает играющих в теннис и наблюдающих за игрой девушек. Работа выполнена в характерной для автора живописно-пластической манере, она привлекает виртуозным владением цветом и формой. В картине преобладают различные оттенки зеленого с несколькими цветовыми акцентами белого, синего, красного. Обращает на себя внимание контраст динамично построенного основного сюжета с фигурами девушек в разных ракурсах и статичных городских многоэтажек и деревьев за ограждением корта.
Петрушин Б.
Биографические данные отсутствуютРяжский Георгий Георгиевич (Егор Егорович)
1895, с. Игнатьево, Серпуховский район, Московская губерния – 1952, МоскваЖивописец, педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1944). Действительный член АХ СССР (1949).
Учился: 1910–1914 – Пречистенские вечерние рабочие курсы у А. С. Голубкиной и Н. Н. Комаровского; в студии М. В. Леблана (Москва, 1912–1914), в мастерской А. С. Голубкиной (1917); 1918–1920 – ГСХМ–ВХУТЕМАС у К.С.Малевича; изостудия московского Пролеткульта. Член и экспонент: НОЖ (один из организаторов) – 1922–1923; АХРР–АХР – 1923–1932; РАПХ (один из учредителей, член секретариата) – 1930–1932. Член СХ СССР (с 1932).
Преподавал: 1934–1952 – ВХУТЕИН–МИИИ–МГХИ (с 1940 – профессор). Работал в политотделах РККА, Самара и в Самарском Пролеткульте – 1919–1921. Творческая командировка в Италию и Германию – 1929–1930.
С 1929 по 1931 год – во ВХУТЕИНе, работал в Училище памяти 1905 года. В 1949–1952 годах – академик-секретарь Президиума Академии Художеств СССР. В 1937 году работы Г.Г. Ряжского «Делегатка» и «Председательница» были удостоены большой золотой медали на Международной выставке в Париже. Произведения Г.Г. Ряжского хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Киевском музее русского искусства, Красноярском государственном художественном музее им. В.И. Сурикова, Ростовском музее изобразительных искусств, собраниях других крупных музеев России.
Павлов Семен Андреевич
1893, Санкт-Петербург – 1941, ЛенинградЖивописец, график. Учился в РШ ИОПХ (1912–1917); в ВХУ при ИАХ – Свободной ХШ – ПГСХУМ–ВХУТЕМАС (1917–1922, Петроград) у В. И. Шухаева, К. С. Петрова-Водкина, Д. Н. Кардовского, В. И. Козлинского. Участник выставок с 1918. Член и экспонент: «Община художников» (1922–1927); «Шестнадцать» (1923–1924); АХР(Р) (один из членов-учредителей ленинградского филиала, 1924, 1923–1932); «Общество живописцев» (1928–1930); «Цех художников» (1930–1932). Преподавал в ЛИИКС (1930–1932); в (Л)ИЖСА ВАХ (с 1932).
Овсянников Леонид Федорович
1880, с Юрино, Нижегородская губерния – 1970, ЛенинградГрафик, педагог, теоретик. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1960).
Родился 25 мая 1880 в селе Юрино Нижегородская губернии. В 1900 окончил Казанское художественное училище (граверный класс Ю. И. Тиссена). Учился в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге у Д. Н. Кардовского (1901‑1904), у В. В. Матэ (1904-‑1909); в 1910-х ‑ в Париже в мастерской Ф. Кормона.
Занимался станковой графикой, работал в технике цветного офорта, литографии, линогравюры.
Член и экспонент «Общества художников им. А. И. Куинджи». С 1932 член ЛССХ.
Участник крупнейших выставок советского изобразительного искусства 1920‑30-х годов в СССР и за рубежом. Персональные выставки в Ленинграде в 1941 и 1945.
Преподавал в Киевском архитектурном институте (1918—1922), Ленинградском художественно-промышленном техникуме, ЛИЖСА имени И. Е. Репина (1938—1960).
Автор статей и воспоминаний о И. Е. Репине, 1950-е учебных пособий.
Участник ВОВ, награжден медалями «За оборону Ленинграда», «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941‑1945 гг.»
Доцент. Профессор с 1942. Награжден орденом «Знак Почета» в 1957.
Произведения находятся в Русском музее, Третьяковской галерее, в других музеях и частных собраниях в России и за рубежом.
Пименов Юрий (Георгий) Иванович
1903, Москва – 1977, МоскваЖивописец, график, театральный художник, педагог, работал в театрально-декорационном искусстве, занимался иллюстрацией книг, монументально-декоративными работами (панно). Мастер рекламного киноплаката, в котором использовал элементы станкового искусства. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Народный художник РСФСР (1962). Народный художник СССР (1970). Член-корреспондент АХ СССР. Действительный член АХ СССР (1962). Член Союза Художников СССР с 1932. В 1941–1945 работал в «Окнах ТАСС». Лауреат Государственной премии СССР. Лауреат Сталинских (1947, 1949) и Ленинской (1967) премий.
Родился в Москве. В 1920–1925 учился в Москве во ВХУТЕМАСе у В. А. Фаворского, С. В. Малютина, Д. Н. Кардовского, В. Д. Фалилеева, М. Ф. Шемякина. Один из организаторов ОСТа (1925–1928), общества «Изобригада» (1931). В 1936-1937 преподавал в институте повышения квалификации художников живописцев. В 1945–1972 – во ВГИКе на художественном факультете. Профессор (1947). Участник выставок с 1924 года.
Гершаник Роман Васильевич
1898 – 1983Живописец, график. Автор жанровых композиций, портретист. Заслуженный деятель искусств Узбекской ССР.
Матюх Вера Федоровна
1910, Берлин, Германия – 2003, Санкт-ПетербургЛитограф, рисовальщик, иллюстратор. Училась в харьковской ХШ (1924–1926), в Харьковском ХИ (1926–1931) у В. Д. Ермилова. Участник выставок с 1938. Сотрудничала с издательствами, с журналом «Ёж» и «Чиж». Занималась литографией под руководством Г. С. Верейского, офортом под руководством Е. С. Кругликовой. Работала в Экспериментальной литографской мастерской (с 1938). Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 227.
Мидлер Виктор Маркович
1888, м. Томашполь, Подольская губ. – 1979, МоскваЖивописец, график, искусствовед.
Родился в местечке Томашполь Подольской губернии. Учился в Одессе у А. М. Нюренберга, Г. А. Ладыженского; в Одесском высшем художественном училище (1908–1913) у К. К. Костанди; во ВХУТЕМАСе в мастерских А. В. Куприна, И. И. Машкова, Р. Р. Фалька.
В 1919 участвовал в оформлении Одессы к годовщине революции. В 1920-е с энтузиазмом приняв происходившие в стране перемены, активно включился в культурное строительство советской республики: по заданию наркома просвещения А. В. Луначарского инспектировал работу региональных художественных секций, в 1918–1923, живя в Средней Азии, добивался реставрации самаркандских памятников, а возвратившись в Москву стал организатором и хранителем отдела новейшей русской живописи Государственной Третьяковской галереи. В 1927–1928 жил и работал во Франции.
Член и экспонент объединений: «Товарищество независимых художников» (1918, Одесса), «4 искусства» (1926–1929, Москва). Участник выставок с 1917: в 1933, 1935 и 1936 в Москве; в 1932 в Ленинграде; зарубежных – в 1929 в Нью-Йорке, Филадельфии, Бостоне, Детройте, в 1930 в Вене, в 1934 в Филадельфии. Один из организаторов Московского отделения Союза художников, член правления (1930-е).
С конца 1930-х годов верность собственным художественным принципам, нежелание подстраиваться под требования идеологии соцреализма, обрекли его на долгие годы творческой изоляции. Он продолжал работать, но как «формалист» практически не имел возможности участвовать в выставках, был лишен отклика на свое искусство. Прожив долгую жизнь, так и не дождался персональной выставки.
Никич-Криличевский Анатолий Юрьевич
1918 – 1994Живописец. Заслуженный художник РСФСР. Учился в Московском художественном институте им. В. И. Сурикова (1935-1942) у Б. В. Иогансона, А. А. Осмеркина. Член Союза художников СССР (МОССХ, 1944). Великая Отечественная война, участником которой был живописец, прервала его начинавшуюся художественную деятельность. Воевал в 1944-1945 годах. Был награждён медалью «За взятие Берлина», «За победу над Германией в Великой Отечественной войне 1941-1945» (1945), серебряной медалью имени М. В. Грекова за картину «Военные корреспонденты» (1967).
В 1944 году стал членом Московского Союза советских художников. Произведения хранятся в Третьяковской галерее и ряде региональных музеев. Никич — автор концепции «Мир в мастерской художника», согласно которой вся жизнь, весь смысл бытия сосредоточены внутри мастерской. Живописец известен как автор «больших картин» на военные сюжеты, натюрмортов, жанровых картин.
Кузнецов Борис Андреевич
1928–1994Обучение в художественной школе при Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова было прервано Великой Отечественной войной. После войны поступил на работу в Орехово-Зуевский художественный фонд, затем – в Воскресенский химкомбинат на место художника-оформителя. В Воскресенске состоялась первая персональная выставка его работ. Полотна художника выставлялись в Москве во время работы Всемирного фестиваля молодежи и студентов, – художник стал лауреатом фестиваля.
Тальберг Борис Александрович
1930, Москва — 1984, МоскваЖивописец, монументалист, график. Заслуженный художник РСФСР, член Союза художников СССР, лауреат премии Ленинского комсомола и Государственной премии СССР. Участник выставок с 1956.
Учился в московской СХШ (1945–1949), в Московском институте прикладного и декоративного искусства (МИПИДИ) на факультете монументальной живописи у Г. И. Рублева (1949–1952) и в Ленинградском высшем художественно-промышленном училище имени В. И. Мухиной (ЛВХПУ им. В. И. Мухиной) (1952–1955).
Работал в различных техниках и жанрах монументально-декоративного искусства, а также в области станковой живописи (сюжетно-тематическая картина, портрет) и графики. Автор мозаичного панно на фасаде музея-панорамы «Бородинская битва» (Москва).
Сидоров Валентин Михайлович
1928, деревня Сорокопение Тверской губернии - 2021, МоскваЖивописец, педагог. Учился в художественной студии Дома пионеров (Москва, 1940–1942), в московской СХШ (1943–1948), в ИЖСА (1948–1952); в МГХИ (1952–1954). Участник выставок с 1951. Преподает в МГХИ им. В. И. Сурикова (с 1996). Профессор (1996). Народный художник СССР (1988). Лауреат Государственной премии РСФСР им. И. Е. Репина (1974), Государственной премии СССР (1984), Государственной премии РФ (1997). Награжден серебряной медалью АХ СССР (1972), золотой медалью РАХ (1996), Орденом «За заслуги перед Отечеством» III (2008) и IV степени (2003).
Илюхин Владимир Дмитриевич
21 октября 1923, с. Починки Нижегородской обл. – 16 ноября 2007Советский художник-живописец, портретист и пейзажист. Народный художник Мордовской АССР (1983). Заслуженный художник РСФСР (1983). Народный художник РСФСР (1988).
Родился в селе Починки, ныне районный центр Нижегородской области. С 1937 по 1941 год обучался в Ленинградской средней художественной школе. Участник Великой Отечественной войны. Сражался на Карельском и 1-м Украинском фронтах, участвовал в освобождении Праги и штурме Берлина. Член СХ СССР (1947).
Еще в юные годы принимал участие в выставках вместе с именитыми авторами. Учился в Ленинградской средней художественной школе при Всероссийской Академии художеств (1937–1941), но учебу прервала Великая Отечественная война. Помимо творческой деятельности много занимался общественной работой: возглавлял Союз художников Мордовской АССР (1958–1963, 1967–1973), был делегатом съездов художников СССР (1963, 1968, 1973). Награжден орденом «Знак Почета» (1971).
Чекмасов Валентин Сергеевич
р. 1940, г. Сортавала Карело-Финской ССРЖивописец. Заслуженный деятель искусств Республики Карелия (1980). Заслуженный художник Российской Федерации (2000). Народный художник Российской Федерации (2007).
Родился 13 ноября 1940г. в городе Сортавала Карело-Финской ССР. Учился в Художественно-графическом педагогическом училище, г. Ленинград (1958-1960). Учился на живописном факультете Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина (1962-1968). Член Союза художников СССР (1971). Председатель Союза художников Республики Карелия (1985-1991). Награжден серебряной медалью Российской академии художеств (2005). Работает в жанре портрета, пейзажа, тематической картины.
Зариньш Индулис Августович
1929, Рига, Латвия – 1997, там жеЛатышский, советский художник-живописец, педагог. Народный художник СССР (1986). Лауреат Ленинской премии (1980). Работал преподавателем в Рижской художественной школе имени Я. Розенталcа и на подготовительных курсах Латвийской государственной академии художеств (1958—1962), педагогом на кафедре живописи Латвийской государственной академии художеств (1962—1972), руководителем мастерской монументальной живописи (с 1972). С 1974 – профессор, с 1988 года – ректор.
Людвик Валентин Григорьевич
1932, Одесса –2007, там жеСоветский украинский художник. Представитель одесской школы живописи.
Родился в Одессе, закончил Одесское государственное художественное училище им. М. Б. Грекова. Педагоги по специальности Г. Крыжевский и Н. Павлюк. Член Союза художников УССР с 1970. Работал в области станковой живописи. Участник городских, республиканских и всесоюзных художественных выставок. Жил и работал в Одессе.
Манткава Гиви Михайлович
18.05.1930, Тбилиси – 07.01.2003, Южно-СахалинскЖивописец, график. Окончил театрально-декорационное отделение Тбилисской Академии художеств (1948-1955). 1956 – работа ассистентом художника на киностудии «Грузия-фильм», приезд в Южно-Сахалинск, работа в Сахалинских художественно-производственных мастерских (1956-1990). В пер. пол. 1960-х возглавил нонконформистское движение на Сахалине. Член Союза художников России с 1972. 1978 – поездка в Западную Европу. 1981 – поездка в США. Заслуженный художник РСФСР с 1982. 1989 – работа на посту председателя Сахалинской организации Союза художников РСФСР.
Награжден бронзовой медалью ВДНХ за панно маркетри «На рыбалке», выполненное совместно с мастером по инкрустации Н.С. Панютой (1972). Участник областных (с 1957); региональных (1964, Хабаровск; 1969, Улан-Удэ; 1974, Владивосток; 1980, Чита; 1990, Якутск; 1997, Хабаровск); краевых (1967, Хабаровск); передвижных (1971, Москва); республиканских (1982, Хабаровск); зарубежных (1989, Саппоро; 1996, Ниигата; 1998, Саппоро/Япония); всероссийских (1999, Москва) выставок. Автор 6-ти персональных выставок (1987, Тбилиси; 1990, 1991, 1995, 2000, 2005 (посмертная)/Южно-Сахалинск). В 1960-х – нач. 1980-х сотрудничал с дальневосточными книжными издательствами в области иллюстрации. Работы находятся в собраниях Красноярского музея им. В.И. Сурикова, Музея Тбилисской Академии художеств, Приморской картинной галереи (Владивосток), Дальневосточного художественного музея (Хабаровск), Сахалинского областного художественного музея, Сахалинского областного краеведческого музея; в частных коллекциях России и зарубежья.
Шарденов Жанатай
1927, Целиноградская область, Казахстан —1992Народный художник Республики Казахстан. Член Союза художников СССР. Родился в Целиноградской области. Окончил Алматинское художественное училище имени Гоголя. Учился в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени Репина в качестве вольнослушателя. В 1955 году вернулся в Алма-Ату и активно включился в художественную жизнь республики.
По своему призванию Шарденов — пейзажист. Большинство его произведений написано с натуры. Они легко узнаваемы по щедрому пастозному мазку, гармонично подобранному колориту, энергичному настроению. Он избегал ярких красок и находил притягательную красоту в мягких переливах сложной цветовой гаммы — светло-фиолетового, коричневато-желтого, голубовато-серого, серебристо-зеленого. Своеобразная манера письма Шарденова — выражение его яркого индивидуального внутреннего мира и особенного восприятия природы. Художник ушел из жизни в марте 1992 года, находясь в горах у походного мольберта. Он создавал очередной пейзаж у урочища Медео. Он любил горы. Каждый раз, всматриваясь в картины Жанатая Шарденова, чувствуется его душа, человеческая доброта, стремление к гармонии, к природе, любовь к родной казахской земле.
Гурин Василий Иванович
1939, с. Джурчи (совр. пгт. Первомайское) 2018Родился в 1939 в крымском селе Джурчи (совр. пгт. Первомайское). Обучался в Симферопольском художественном училище им. Н. С. Самокиша (1954‑1959), после выпуска поступил в Киевский художественный институт (1959‑1965). Учился у К. Трохименко, Н. Стороженко. Позже, в 1966‑1968 поступил в киевские мастерские АХ СССР, учился у С. Григорьева. Член Союза художников Украины с 1968.
Заслуженный художник УССР (1975), доцент (1983), Заслуженный деятель искусств УССР (1985), профессор (1987), Народный художник Украины (1992), действительный член Академии искусств Украины (1997). Преподаватель Киевского художественного института.
Мыльникова Вера Андреевна
Р. 1950, ЛенинградЗаслуженный художник РФ (2016), академик Российской академии художеств, искусствовед, эксперт в области монументальной живописи. Живет и работает в Санкт-Петербурге.
Родилась 25 июня 1950 в Ленинграде в семье известного художника Андрея Андреевича Мыльникова. Окончила Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, мастерскую монументальной живописи под руководством своего отца А. А. Мыльникова. Является помощником президента Российской академии художеств З. К. Церетели по г. Санкт-Петербургу (с 2000) и руководителем Творческой мастерской монументальной живописи Российской академии художеств в Санкт-Петербурге (с 2012). Участница выставок с 1974. Произведения художницы представлены в Государственном Русском музее, Государственном музейно-выставочном центре «РОСИЗО», Ульяновском, Мурманском, Белгородском художественных музеях, Музейно-выставочном комплексе «Музей Норильска» и других, а также находятся в частных коллекциях России, Франции, Германии, США, Польши, Испании, Швеции.
В этом разделе можно увидеть наиболее масштабные произведения, посвященные важным историческим событиям советской эпохи. Среди них такие полотна как «Подписание Декрета об образовании Татарской АССР» Х.А.Якупова и Л.А.Фаттахова, «Провозглашение Марийской Автономной области» В.Д.Курочкина, «Декрет о земле» Н.Н.Никитина, «Выступление М.В.Фрунзе перед ополченцами в Самарканде» Н.Д.Нурмухамедова, «На Крымской конференции» Д.А.Налбандяна, «Нюрнбергский процесс» Кукрыниксов, «Подписание договора о дружбе, союзе и взаимопомощи между Советским Союзом и Китайской Народной Республикой» (написано бригадой художников под руководством В.И.Вихтинского), картина А.Ф.Полозова «Спасибо, Москва», посвященная 12-му Всемирному фестивалю молодежи и студентов, проходившему в Москве.
Первое появление В. И. Ленина на заседании Петросовета в Смольном 25 октября 1917
- 1927
- Холст, масло. 132 x 191
- Государственный Русский музей
- ЖС-1981
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Днем 25 октября в Актовом зале Смольного под председательством Л. Д. Троцкого открылось экстренное заседание Петроградского совета рабочих и солдатских депутатов. На нем был выслушан доклад Троцкого о свержении Временного правительства. С докладом о задачах Советской власти выступил В. И. Ленин, который произнес знаменитую фразу: «Товарищи! Рабочая и крестьянская революция, о необходимости которой все время говорили большевики, совершилась». Картина была написана Юоном по заказу Комиссии Совнаркома и экспонировалась в январе 1928 года на Выставке художественных произведений к десятилетнему юбилею Октябрьской революции. Добиваясь правдивости изображения, художник с большим вниманием отнесся к воссозданию исторической обстановки и подлинного облика участников тех событий. Так, Ленин на картине предстает без бороды и усов, только что снявшим парик и освободившимся от грима. За его спиной в президиуме изображены присутствовавшие на заседании В. А. Антонов-Овсеенко, Л. Б. Каменев, В. П. Милютин, Н. И. Подвойский, Л. Д. Троцкий, Г. И. Ломов (Оппоков), А. И. Рыков, Л. М. Карахан и другие. Почти все они позднее погибли в годы сталинских репрессий. Судьба героев полотна повлияла на его судьбу в 1930-е годы оно было изъято в спецхран.
Картина написана после смерти Ленина (1924) и посвящена теме его популярности в революционно настроенной среде. // Алиса Любимова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 365.
Днепрострой
- 1931–1932
- Холст, масло. 49 × 111
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-216
Индустриальный пейзаж «Днепрострой» работы Константина Федоровича Богаевского из коллекции Донецкого республиканского художественного музея выполнен на основе натурных зарисовок 1930–1931 (акварелей и рисунков карандашом). Художником был собран огромный документальный материал, пользуясь которым он выполнил серию картин, изображавших строительство Днепрогэса. На картине «Днепрострой» изображен один из этапов грандиозной стройки: панорама пейзажа связана со строящейся плотиной. Удачен выбор точки зрения, позволяющий охватить взглядом оба берега с развернутым на них строительством. Пространство насыщено действием, вертикальный ритм строек, башенных кранов вносит в картину активное динамическое начало. Картина цельна по колориту. Красочная гамма выдержана в светлых тонах, построенных на сочетании охристых и серо-сиреневых оттенков. Индустриальный пейзаж Богаевского доносит до зрителя дыхание первых пятилеток. За цикл картин о Днепрострое в 1933 году художник получил звание Заслуженного деятеля искусств РСФСР.
Предметы из чайного сервиза «Поход Челюскина»
- 1934
- Фарфор, роспись надглазурная, золочение, цировка;.
- Государственный Русский музей
- СФ-284-289
Сливочник с крышкой 7,5 х 10,2 х 6,5
Сахарница с крышкой 8,4 х 10,2
Чайник с крышкой 12,5 х 18 х 10,8
Чайник с крышкой 9 х 12,9 х 8
Чашка с блюдцем 6,9 х 8,8 х 7,1; дм блюдца — 13,8
Чашка с блюдцем 6,8 х 9,1 х 7,1; дм блюдца — 13,8
Эпопея ледокола «Челюскин», за спасением экипажа которого в начале 1934 года следил весь Советский Союз, нашла широкое отражение в разных видах искусства. В собрании Русского музея она представлена образцами скульптуры (этюд Веры Мухиной к скульптуре «Борей» для проекта памятника челюскинцам), графики (ксилография Федора Смирнова «Встреча челюскинцев» С.Гр.-4090; иллюстрация Василия Кобелева к книге «Как спасали Челюскинцев», С.Гр.-1836), декоративно-прикладного искусства (чайный сервиз «Поход „Челюскина“», выполненный на Ленинградском фарфоровом заводе имени М.В.Ломоносова), а также работами народных мастеров. Руслан Бахтияров. К берегам Антарктиды и Арктики || К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С.7.
Пароход, названный в честь русского мореплавателя и исследователя Севера Семена Челюскина (1700? — 1764/1766?), вышел из Мурманска во Владивосток 2 августа 1933 года. Предполагалось, что пароход откроет регулярную навигацию по Северному морскому пути и тем самым подтвердит приоритет Советского Союза в Арктике. Но 23 сентября он был заблокирован льдами в Чукотском море и дрейфовал почти пять месяцев. 13 февраля 1934 года «Челюскин» был раздавлен льдами и затонул. Люди сошли на окружающие льды, им удалось даже перенести кирпичи и доски, из которых они построили бараки. В результате катастрофы на льду оказались104 человека, в том числе дети. Трагедия в Беринговом проливе всколыхнула всю страну. В Москве был создан штаб по спасению челюскинцев. Эвакуацию решено было осуществлять с помощью авиации. С 5 марта по 13 апреля 24 рейсами челюскинцы были вывезены на материк летчиками Анатолием Ляпидевским, Василем Молоковым, Николаем Каманиным, Маврикием Слепневым, Михаилом Водопьяновым и Иваном Дорониным. 19 июня 1934 года в Москве участники экспедиции были торжественно встречены руководителями государства и жителями столицы. Летчики, снявшие челюскинцев со льдины, стали первыми Героями Советского Союза. К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С. 48.
Переход Красной армии через Сиваш
- 1935
- Холст, масло. 150 х 300
- Симферопольский художественный музей
- Ж-492
Картину «Переход Красной армии через Сиваш» русский и советский художник-баталист Николай Самокиш создал в 1935 году.
Перекопско-Чонгарская наступательная операция Рабоче-крестьянской Красной армии на Русскую армию генерала П. Н. Врангеля 7‑17 ноября 1920 года была последней крупной битвой Гражданской войны. В итоге в Крыму была окончательно установлена советская власть, а белогвардейцы и значительное число гражданского населения эвакуировались.
Академик Н. С. Самокиш в то время жил в Крыму, был очевидцем многих событий. «Участники перекопской эпопеи... помогали художнику правдиво изобразить один из героических моментов истории нашего народа». Искусствовед А.И. Полканов считал, что «вершиной творчества Самокиша стала картина «Переход Красной армии через Сиваш», за которую он был удостоен Сталинской премии второй степени в 1941 году.
На полотне бойцы Красной армии в бушлатах, шинелях, полушубках, папахах, фуражках и будённовках, а то и в гражданской одежде, в ледяную стужу, под ураганным огнём противника по топкому илистому дну «Гнилого моря» переходят с 8 на 9 ноября 1920 года на Литовский полуостров Крыма. На берегу слева изображены члены штаба во главе с М. В. Фрунзе – он на коне и смотрит на зрителя. Спускаются в воды Сиваша эскадроны 7-й кавалерийской дивизии. Полки отмечены красными потрёпанными в боях знамёнами. Представление о том, что в битве задействованы мощные орудия, дают взрывы на полотне. Основу противоборствующих сил составляли пехота и кавалерия, вооруженные винтовками и саблями.
Картина отличается точностью и детализацией. В живописи использованы графические приёмы – контуры, локальный цвет, что придаёт полотну эффектность, экспрессию, чёткость.
Принятие декрета о создании Рабоче-крестьянской Красной Армии
- 1935
- Холст, масло. 256,5 х 390
- Государственный Русский музей
- Жб-1987
Работа большевиков в солдатской и офицерской среде накануне Октябрьского переворота была направлена на разложение старой армии, которую, согласно идее Карла Маркса, после победы революции должно было заменить всеобщее вооружение народа. Однако надежды на лояльность народных масс и их способность к самоорганизации оказались преувеличенными. Уже совсем скоро правительство большевиков, чтобы удержать власть, было поставлено перед необходимостью создания регулярных войск. Для руководства созданием Рабоче-Крестьянской Красной Армии Совнарком учредил Всероссийскую коллегию из партийных работников и известных военспецов.
Картина Савинова являлась правительственным заказом к выставке «15 лет РККА». Работая над сложной, многофигурной композицией, художник тщательно изучал документальный и иконографический материал, встречался с Н. И. Подвойским, одним из участников исторического заседания, и даже соорудил специальный макет. В результате получилось монументальное произведение, абсолютно чуждое официальной парадности и исполненное суровой правды жизни.
Среди изображенных, помимо предсовнаркома В. И. Ленина, И. В. Сталин — нарком по делам национальностей, А. В. Луначарский — нарком просвещения, П. Е. Дыбенко — нарком по морским делам, К. Е. Ворошилов — председатель ЧК по охране Петрограда, Н. Е. Подвойский — нарком по военным делам, Н. В. Крыленко — член Комитета по военным и морским делам, Р. С. Землячка — член ЦК ВКП(б), В. А. Аванесов — секретарь ВЦИК, П. П. Прошьян — нарком почт и телеграфа, Я. М. Свердлов — председатель ВЦИК, Г. К. Орджоникидзе — временный чрезвычайный комиссар на Украине и другие. Состав участников заседания, скорее всего, был отчасти скорректирован заказчиком в соответствии с текущей политической ситуацией. (А. Д., Е. Л., В. У.)
Гражданская война
Захватив власть в России, большевики не собирались ею ни с кем делиться. Это предопределило неизбежность Гражданской войны (1918–1922/23), которая представляла собой цепь вооруженных конфликтов между различными политическими, этническими и социальными группами на огромной территории бывшей Российской империи. При этом основная борьба за власть велась между Красной Армией большевиков и вооруженными силами Белого движения, потерпевшими в конечном итоге поражение. Днем создания Рабоче-крестьянской Красной Армии принято считать 23 февраля 1918 года, когда перед лицом немецкого наступления было опубликовано воззвание «Социалистическое отечество в опасности» и началось ускоренное создание боеспособных отрядов. В основе формирования РККА, согласно декрету Совнаркома О Рабоче-Крестьянской Красной армии от 15/28 января, подписанному В. И. Лениным, лежал добровольческий принцип. Но уже 29 мая, когда Гражданская война в России стала суровой реальностью, вышло Постановление ВЦИК о принудительном наборе в армию, и началась всеобщая мобилизация.
Справа внизу: А. Савинов Ленинград 21/IV 1935 г. // Тамара Чудиновская. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 391.
Декрет о создании Рабоче-Крестьянской Красной Армии был принят 15 (28) января 1918 г. в Петрограде. См. текст документа на Викитеке.
В. И. Ленин на II съезде Советов среди делегатов-крестьян
- 1935–1936
- Холст, масло. 236 х 186
- Государственный Русский музей
- Ж-6149
Картина Герасимова изображает исторический съезд, провозгласивший переход всей власти в стране к Советам рабочих и крестьянских депутатов, утвердивший декреты о мире и земле. Ленин беседует с делегатами о передаче помещичьей земли крестьянам. Значительность происходящего выражена в глубокой серьезности, с какой слушают Ленина крестьяне. Скупые краски овчинных тулупов, солдатских шинелей, матросских бушлатов в огромном светлом зале Смольного звучат своеобразной мужественной гармонией.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 68.
II Всероссийский съезд Советов рабочих и солдатских депутатов состоялся 25—27 октября (7—9 ноября) 1917 года в Смольном, Петроград.
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Вождь, учитель и друг (И. В. Сталин в президиуме II Съезда колхозников-ударников в феврале 1935 года)
- 1936–1937
- Холст, масло. 340 x 260
- Государственный Русский музей
- Ж-5613
Картина впервые экспонировалась на грандиозной выставке «Индустрия социализма», приуроченной к XVIII съезду ВКП(б). Второй съезд колхозников-ударников, которому она посвящена, проходил в феврале 1935 года. Съезд принял устав сельскохозяйственной артели и знаменовал собой «полную победу социализма в деревне». Художник изобразил реальный эпизод работы съезда, выбранный по газетным публикациям. Как первый среди равных, Сталин общается с простой колхозницей Евдокией Федотовой, заведующей машинно-тракторной станцией колхоза «Возрождение» Ленинградской области, портрет которой делала также Софья Дымшиц-Толстая. В этот день она председательствовала на заседании. На трибуне — ударница хлопковых полей Узбекистана Ташланова. Ее фигура в колоритной национальной одежде, а также обрамляющие композицию изображения молодой туркменки в белом платке и узбека Ага-Юсуп-Али,— дань художника излюбленной теме.
Шегаль много и увлеченно работал в творческих командировках в азиатских республиках Советского Союза. Таким образом, содержание полотна обогащается темой дружбы народов. Не случайно и столь акцентированы в картине женские образы. Среди делегатов II съезда отмечался рекордный процент женщин-ударниц колхозного труда. Так художник констатирует успехи страны в укреплении женского равноправия.
Критика отмечала некоторое однообразие в решении верхней части композиции, которую занимает плоскость стены. Однако именно там помещается скульптурное изображение Ленина, осеняющее происходящее в нижнем ярусе картины. Особенности убранства зала позволили художнику реалистическими средствами выявить незримое присутствие на съезде основоположника советского государства. Значительность места, которое фигура Ленина занимает в этой крупномасштабной картине, давала современникам почву для рассуждений о распределении ролей в троичной формуле «вождь, учитель, друг».
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 82.
Встреча артистов театра имени Константина Станиславского со слушателями Военно-воздушной академии имени Николая Жуковского
- 1938
- Холст, масло. 297,5 x 375,5
- Государственный Русский музей
- Ж-5602
Картина написана для выставки „ХХ лет РККА и ВМФ“, также выставлялась на Всемирной выставке 1939 года (Нью-Йорк).
Среди гостей изображены: слева от К. С. Станиславского — Герой Советского Союза Н. П. Каманин, солисты балета М. И. Шарова и П. И. Макеев. Справа от К. С. Станиславского — старший лейтенант А. Н. Полосухин, народная артистка РСФСР М. Л. Мельтцер, заслуженный артист РСФСР М. Н. Жуков, актриса театра А. Т. Васильева. Напротив К. С. Станиславского — народная артистка РСФСР М. С. Гольдина. На первом плане в кресле сестра К. С. Станиславского — 3. С. Соколова.
Обращение к групповому портрету театральных деятелей не случайно в творчестве Ефанова — длительное время художник был увлечен театром, сам был актером, женой его стала актриса театра им. К. С. Станиславского. И хотя в середине 1930-х годов Ефанов отошел от сцены, театр оставался ему по-прежнему дорог.
Событие, послужившее сюжетом для картины, произошло 22 декабря 1935 года в квартире-студии К. С. Станиславского. Начал работать над картиной художник в 1937, закончил через год, когда великий режиссер уже умер. В композиции изображено тридцать восемь персонажей, портреты которых художник писал с натуры. В автобиографии Ефанов вспоминает: „Артисты и летчики — были мною написаны прямо с натуры. Позировали долго, подчас по ночам. Все детали картины — натюрморт на столе, стулья, огромный ковер — написаны также с натуры“. Не раз Ефанов встречался и со Станиславским, изучая его характер, манеры, позы и жесты делая многочисленные наброски, рисунки, этюды.
Многофигурная композиция удачно скомпонована, интерьер и праздничный застольный натюрморт написаны свободно, широко, не отвлекая, однако, внимания от происходящего. Смысловым центром композиции стала фигура: стоящего режиссера — все присутствующие обращены к нему. Театр, руководимый К. С. Станиславским, шефствовал над Высшей военно-воздушной академией им. Н. Е. Жуковского, и темой картины стали новые отношения разных социальных групп, их взаимопонимание и искреннее уважение друг другу. Полностью отвечая идеологическим требованиям времени, картина призвана проиллюстрировать идею красоты и благородства людей нового времени, подчеркнуть возможность подобного союза только в условиях социалистического общества. // Алиса Любимова. Большая картина. СПб., 2006. С. 251.
Появление В. И. Ленина на II Всероссийском съезде Советов
- 1940
- Холст, масло. 385 х 355
- Государственный Русский музей
- Жб-1947
Созданная накануне войны картина Самохвалова явилась выражением духа сталинской эпохи, образным воплощением новой коммунистической мифологии.
Впечатляющее своей масштабностью произведение изображает исторический момент: вскоре В. И. Ленин произнесет: совершилась рабочая и крестьянская революция, о которой долго мечтал народ. Ликующая толпа людей приветствует Вождя, стремительно направляющегося к президиуму зала Смольного. В свое время художник видел Ленина в коридоре Штаба Революции - это было в 1917 году, в разгар октябрьских событий. По словам самого художника, позднее „эпизод превратился в событие“, а образ Великого вождя и Спасителя народов в соответствии с идеологическими требованиями приобрел определенно мессианский характер.
В противоположность юным годам, когда Самохвалов проявил склонность к экспериментам в живописи, в 1930-е он становится все большим поклонником искусства Возрождения и античности, а среди его кумиров оказываются А. А. Иванов, В. И. Суриков и И. Е. Репин. Вряд ли есть сомнение, что знаменитое полотно „Явление Христа народу" А. А. Иванова подсказало художнику образное и композиционное решение картины „Появление В. И. Ленина на II Всероссийском съезде Советов“, в итоге явившее собой пример художественного воплощения „религии“ своего времени. // Ольга Мусакова. Большая картина. СПб., 2006. С. 237.
Вечером 25 октября 1917 года, когда отряды Красной гвардии еще продолжали методично занимать стратегические объекты столицы, в Смольном открылся II Всероссийский съезд Советов, на котором большевики имели подавляющее число делегатов. Среди важнейших документов, утвержденных съездом, были Декреты о мире, земле и «Декларация прав народов России». Съезд также сформировал высшие органы власти — ВЦИК и СНК, которые возглавили соответственно Я. М. Свердлов и В. И. Ленин. Масштабное произведение Самохвалова изображает ликующую толпу, которая приветствует своего вождя, стремительно направляющегося к президиуму. Вскоре с трибуны съезда Ленин произнесет исторические слова о победе социалистической революции.
В 1930-е годы Самохвалов, ранее проявлявший склонность к живописным экспериментам, постепенно становится все большим поклонником классического искусства. Среди его кумиров оказываются А. А. Иванов, В. И. Суриков и И. Е. Репин. «Появление В. И. Ленина…», представляющее собой пример художественного воплощения «религии» своего времени, сегодня можно рассматривать как своего рода советскую аналогию «Явлению Христа народу» Иванова. // Ольга Мусакова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 367.
Оборона Севастополя
- 1942
- Холст, масло. 200 x 400
- Государственный Русский музей
- ЖБ-954
Картина была написана в 1942 году, самом тяжелом для России. Художник рассказывал: «Я был на войне, видел бои, много тяжелых, героических эпизодов — а почему-то решил написать «Оборону Севастополя», хотя не видел, как обороняли этот город, а только слышал рассказы об этой обороне. Почему я сделал эту вещь? Я люблю Севастополь, до войны там часто бывал, плавал на катерах, на крейсерах… Любил севастопольских моряков. И вот, когда я увидел фотографии разбитого города, я понял, что должен это написать. Когда я работал, я по-настоящему все это переживал, волновался, вложил в эту работу свое сердце». Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 353.
К началу Великой Отечественной войны Дейнека — признанный мастер советского искусства. Главной характеристикой его творчества была современность; созвучность его образов типическому и новому в социалистической действительности. Начало войны художник переживал чрезвычайно остро, одним из первых активно включился в художественную работу над военной темой. Уже в конце 1941 года появляются его первые картины по фронтовым впечатлениям.
Импульсом к созданию картины «Оборона Севастополя» послужили фотографии разрушенного Севастополя, которые Дейнека увидел в начале 1942 года. Снимки потрясли его. При осмотре своих материалов, альбомов и рисунков по Севастополю, где пришлось много работать до войны, у художника родился замысел картины. Дейнека остро почувствовал любовь к городу, к его жителям и морякам, защищавшим любимый город, и непримиримую ненависть к врагам, разрушившим его. В основу композиции была положена яростная схватка, противопоставление человеческих устремлений, в отдельном эпизоде была сфокусирована основная идея борьбы за Отечество. Зимой 1942 года Дейнека привез из фронтовых поездок многочисленные зарисовки, которые были использованы в работе. Но этого было недостаточно: мастер делал в пластилине скульптурные наброски, раз за разом, проверяя правильность ракурсов, писал обнаженную натуру, чтобы избежать неточностей. Ему пришлось пригласить знакомую спортсменку для позирования, так как сильной мужской модели в Москве было не отыскать — все ушли на фронт. Своей «Обороной Севастополя» Дейнека вписал страницу в историю мировой батальной живописи. // Альфия Низамутдинова. Большая картина. СПб., 2006. С. 222-223.
«Памяти героической обороны Севастополя посвящается»
Мультимедийный фильм участников конкурса мультимедийных ресурсов "Герои и победы в русском искусстве"
Участники: Беляев Тимофей, 11 лет, Беляев Андрей Владимирович (папа)
Руководитель: Лучко Ирина Анатольевна
ИОЦ: Школа № 45 Приморского района Санкт-Петербурга
Прорыв блокады
- 1943
- Холст, масло. 299 х 464
- Государственный Русский музей
- Ж-5563
В картине запечатлен кульминационный эпизод операции под кодовым названием „Искра“, когда в 9 часов 30 минут в районе рабочих поселков № 1 и № 5 у южного побережья Ладожского озера, прорвав глубоко эшелонированную оборону противника, встретились 1-й отдельный стрелковый батальон 123-й стрелковой бригады Ленинградского фронта и 1-й стрелковый батальон 1240-го стрелкового полка 372-й стрелковой дивизии Волховского фронта.
Трудно было переоценить значение этого события для судеб города, его исстрадавшихся жителей, судьбы войны. В этот знаменательный момент прозвучали удивительные слова писателя, драматурга В. В. Вишневского: «...Душа не может вместить всего потока мыслей, чувств, эмоций, переживаний, которые нахлынули на каждого ленинградца: На каждого, где бы он ни был...» Тогда же к горожанам обратилась О. Ф. Берггольц, поэт сражающегося города: «Ленинградцы! Дорогие соратники, друзья! Блокада прорвана! Мы давно-давно ждали этого дня, мы всегда верили, что он будет...».
Спустя год, уже после снятия блокады города в Почетной грамоте Ленинграду с восхищением и благодарностью о дате прорыва вражеского кольца писал горожанам Ф. Д. Рузвельт: „От имени Соединенных Штатов Америки я вручаю эту грамоту городу Ленинграду в память о его доблестных воинах и его верных мужчинах, женщинах и детях, которые будучи изолированными захватчиками от основной части своего народа <...>, несмотря на несказанные страдания, <...> успешно защищали свой город в течение критического периода от 8 сентября 1941 года до 18 января 1943 года...".
За один месяц Серов, Серебряный, Казанцев создали свою картину и показали ее 23 февраля 1943 года на выставке к 25 годовщине Красной Армии. Каждый из авторов имел опыт работы с многофигурными композициями, основанными на развернутом драматургическом сюжете. В данном случае точность факта, достоверность изображенного места действия соединились в историческом полотне с радостью и воодушевлением советских воинов, одержавших трудную, замечательную победу, открывшую путь к полному освобождению города. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 230.
Крымская конференция / На Крымской конференции руководителей трех великих держав
- 1945
- Бронза. 24,5 х 29,5 х 59
- Государственный Русский музей
- СО/ПФ-69
Композиция, выполненная Александром Грубе по одной из многочисленных фотографий тех лет и изображающая сидящих в кресле союзников, является эскизом к так и не осуществленному памятнику. Картины военной жизни в отечественном искусстве XVI–XX веков. СПб, 2022. С. 175.
Ялтинская (Крымская) конференция союзных держав — вторая по счёту (после встречи в Тегеране в 1943 г.) многосторонняя встреча лидеров трёх стран антигитлеровской коалиции — СССР, США и Великобритании — во время Второй мировой войны, посвящённая установлению послевоенного мирового порядка.
Конференция проходила 4–11 февраля 1945 г. в Ливадийском (Белом) дворце в посёлке Ливадия недалеко от Ялты (Крым) и стала последней конференцией лидеров антигитлеровской коалиции «большой тройки» в доядерную эпоху. Союзники понимали, что у них уникальный шанс распорядиться историей Европы по-своему, поскольку впервые в истории практически вся Европа находилась в руках всего трёх государств. Требовалось провести новые государственные границы на территории, ещё недавно оккупированной Третьим рейхом. Одновременно нужно было установить неофициальные, но общепризнанные всеми сторонами демаркационные линии между сферами влияния союзников. Рузвельт, Черчилль и Сталин, пойдя на взаимные уступки, пришли к соглашению практически по всем пунктам. В результате конфигурация политической карты мира претерпела существенные территориальные изменения.
Подробнее об итогах конференции см. на сайте Википедии.
На Крымской конференции
- 1945
- Холст, масло. 74,5 x 120
- Государственный Русский музей
- Ж-5962
Картина Налбандяна представляет эпизод встречи глав трех великих держав — Великобритании, СССР и США, состоявшейся 4–11 февраля 1945 года в Ливадийском дворце города Ялты и получившей название Крымской конференции. Она проходила в период, когда военные действия уже велись на территории Германии и на повестку дня стал вопрос о послевоенном устройстве мира. В неформальной обстановке перерыва между заседаниями изображены: в центре группы — председатель СНК СССР И. В. Сталин и премьер-министр Англии У. Черчилль. Слева, вполоборота к зрителю, сидит президент США Ф. Рузвельт. Рядом с ним по левую руку стоят народный комиссар иностранных дел СССР В. М. Молотов и посол СССР в Англии И. М. Майский. Справа изображены (слева направо) министр иностранных дел Англии А. Иден, государственный секретарь США Э. Стеттиниус и посол США в СССР А. Гарриман. Тамара Чудиновская // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 470.
4–11 февраля 1945 года в Крыму проходила встреча глав трех стран антигитлеровской коалиции – Великобритании, СССР и США. Она состоялась в Ливадийском дворце города Ялты и получила название Крымской (Ялтинской) конференции. Она проходила в период, когда военные действия уже велись на территории Германии и на повестку дня стал вопрос о послевоенном устройстве мира. В конференции участвовали председатель СНК СССР Иосиф Сталин, премьер-министр Англии Уинстон Черчилль и президент США Франклин Рузвельт. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 113.
В неформальной обстановке перерыва между заседаниями изображены: в центре группы — председатель СНК СССР Иосиф Виссарионович Сталин (1879–1953) и премьер-министр Англии Уинстон Черчилль (1874–1965). Слева, вполоборота к зрителю, сидит президент США Франклин Делано Рузвельт (1882–1945). Рядом с ним по левую руку стоят народный комиссар иностранных дел СССР Вячеслав Михайлович Молотов (1890–1986) и посол СССР в Англии Иван Михайлович Майский (1884–1975). Справа изображены (слева направо) министр иностранных дел Англии Энтони Иден (1897–1977), государственный секретарь США Эдвард Стеттиниус (1900–1949) и посол США в СССР Уильям Аверелл Гарриман (1891–1986).
Парад Победы
- 1946
- Холст, масло. 138,5 х 184,2
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-2532 АОМИИ
Большая часть живописного наследия Василия Семеновича Пшеничникова, участника трех войн, посвящена героическим страницам советской и русской истории. Работа «Парад Победы» в их числе. Она была написана в 1946 году.
9 мая 1946 года в нашей стране был выходным днем, однако парад в этот день не проводился. Второй парад, посвященный Великой Победе, состоялся лишь через 20 лет после первого. Таким образом, Василий Пшеничников, ушедший из жизни в 1957-м, был свидетелем лишь одного, самого первого Парада Победы 1945 года. По всей вероятности, картина написана по впечатлениям от него.
Довольно интересно, как изображение действительности здесь переплетается с художественным вымыслом автора.
24 июня 1945 года в Москве было облачно и пасмурно, а за несколько минут до самого парада начался дождь. В связи с погодными условиями даже пришлось отменить воздушную часть парада. Однако у Пшеничникова мы видим совсем иную картину: Красная площадь залита солнечным светом, а на почти безоблачном небе намечены темно-голубые линии самолетов. Эти, казалось бы, незначительные детали создают атмосферу и помогают зрителю проникнуться праздничным настроением.
С точки зрения композиции на картине можно выделить три основных плана. На первом – вдоль нижней кромки полотна – мы видим участников парада, военных-победителей (для участия в Параде были сформированы 12 сводных полков). Образы бойцов написаны аккуратными темными мазками, но черты их лиц невозможно рассмотреть, они лишь слегка намечены. Однако это и не нужно: ведь среди них нет главного персонажа, все они равны, все они – герои, благодаря которым этот День оказался возможен. Кроме того, художник расположил бойцов спиной к нам, за счет чего создается впечатление, будто в следующей шеренге за ними идем мы – зрители, мы тоже становимся в ряды победителей.
Изображая участников парада, Пшеничников находит интересное цветовое решение: внимание к себе притягивают не маленькие темные фигуры людей, а большие полковые оранжево-красные знамена, украшенные орденскими лентами.
С одной стороны, в силу традиций, красный давно стал для нас символом праздника и радости. С другой, это яркое цветовое пятно на первом плане вызывает тревогу и становится символом кровавых сражений, пожаров и смерти, напоминая о том, сколько жизней унесла с собой война.
Красный цвет знамен здесь противопоставлен бело-голубому небу. В центральной части картины, где эти планы соприкасаются, контраст наиболее заметен. Светлое и чистое небо олицетворяет собой конец войны, небо – это воплощение мира, покоя и гармонии. Неслучайно именно небо занимает практически половину полотна.
На втором плане художник поместил главные архитектурные приметы Красной площади: Спасскую башню Московского Кремля и храм Василия Блаженного. Исторические символы России, написанные в пастельных тонах, как будто проступают из далекого прошлого. Слева, на фоне храма, хорошо просматривается скульптурный монумент – памятник Минину и Пожарскому, героям 1612 года. Этот образ подчеркивает идею преемственности: марширующие по площади бойцы – новые защитники Родины – наследуют дело ополченцев.
Артём в Донбассе
- 1949
- Холст, масло. 170,5 × 227
- Луганский художественный музей
Картину «Артём в Донбассе» украинский художник Кузьма Кохан написал в послевоенные годы. Артём – настоящая фамилия и имя Фёдор Андреевич Сергеев (1883 – 1921) – профессиональный революционер, советский политический деятель, организатор революционного движения в Донбассе. был председателем Совнаркома непризнанной Донецко-Криворожской Советской Республики в Украине и наркомом народного хозяйства. Его действия обеспечили национализацию промышленных центров, сосредоточенных на востоке Украины. С 1920 года Артём руководил восстановлением угольного бассейна, с 1921 года – председатель горнорабочих. Город Артемовск Луганской области назван в честь Артема.
Для счастья народа (Заседание Политбюро ЦК ВКП(б))
- 1949
- Холст, масло. 280 х 380
- Государственный Русский музей
- Ж-4408
Картина создана в юбилейный для руководителя партии Иосифа Сталина и правительства 1949 год и была показана на двух главных выставках — Всесоюзной художественной выставке и «Иосиф Виссарионович Сталин в изобразительном искусстве», но характер изображения вождя здесь принципиально отличается от парадных картин эпохи.
Над картой будущих лесонасаждений, обсуждая план преобразования природы («для счастья народа»), склонились ближайшие соратники Сталина: Вячеслав Молотов, Николай Шверник, Николай Булганин, Анастас Микоян, Никита Хрущев, Андрей Андреев, Алексей Косыгин, Климент Ворошилов, Георгий Маленков, Лазарь Каганович. Сам вождь показан «таким, как все», «простым и доступным», хотя и в маршальском мундире, но без всех его многочисленных орденов, только со звездой Героя Советского Союза. «Простота» вождя также была принципиальной и существенной для формируемой иконографии Сталина. Примечательно и то, что, как и властная верхушка приспосабливала искусство для своих идеологических целей, так и искусство научилось приспосабливаться к обстоятельствам. После развенчания культа личности Сталина и смерти Лаврентия Берии фигура последнего была автором картины благополучно закрашена, образовав вполне логичную композиционную паузу между Андреевым и Косыгиным. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 86.
Картина была создана в год 70-летия руководителя партии и правительства и показана на двух главных выставках — Всесоюзной художественной выставке и выставке «Иосиф Виссарионович Сталин в изобразительном искусстве». Над картой будущих лесонасаждений, обсуждая план преобразования природы, склонились Сталин и его ближайшие соратники (слева направо): В. М. Молотов (министр иностранных дел), Н. М. Шверник (Председатель президиума Верховного совета), Н. А. Булганин (министр Вооруженных сил), А. И. Микоян (министр внешней торговли), Н. С. Хрущев (Первый секретарь ЦК КП Украинской ССР), И. В. Сталин (Председатель Совета министров), А. А. Андреев (заместитель Председателя Совета министров), А. Н. Косыгин (министр легкой промышленности) и три заместителя Председателя Совета министров — К. Е. Ворошилов, Г. М. Маленков и Л. М. Каганович. Сам вождь показан «таким, как все» — «простым и доступным», хотя в маршальском мундире и со звездой Героя Советского Союза. Интересно, что между Андреевым и Косыгиным ранее помещалась фигура Л. П. Берии, члена Политбюро ЦК, руководителя «атомного проекта» и бывшего наркома внутренних дел. Однако после развенчания культа личности Сталина и расстрела Берии (1953), признанного вначале иностранным шпионом и контрреволюционером, а затем и главным виновником массовых репрессий, фигура последнего была автором картины закрашена в соответствии с секретным циркуляром 2-го Главного управления МВД СССР, которым предписывалось повсеместное изъятие любых художественных бериевских изображений. Павел Климов, Алиса Любимова // // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 473.
Письмо колхозников-животноводов
- 1949
- Холст, масло. 191 х 281
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- 2194-ж
Масштабное по формату и замыслу полотно Алексея Бортникова является характерным примером тематической картины, выполненной в стиле социалистического реализма. В ней документально точно переданы реалии послевоенного времени, выражен пафос радостного единения советских людей, победивших в страшной войне и своим беззаветным трудом созидающих новую мирную страну. Замечательно написан пейзаж на дальнем плане, на фоне которого пасутся несметные колхозные стада ‑ символ изобилия и счастливой жизни советского человека.
Первоначально данное произведение носило название «Письмо товарищу Сталину» и было посвящено 70-летию вождя, которое широко отмечалось в СССР в 1949 году. На волне десталинизации картина была переименована, а портрет Сталина, размещавшийся над входом в юрту, был записан автором. Полотно демонстрирует высокое профессиональное мастерство художника, его умение создать сложную многофигурную композицию, которая по своему характеру напоминает произведения русских художников-передвижников.
Во имя мира (Подписание договора о дружбе, союзе и взаимопомощи между Советским Союзом и Китайской Народной Республикой)
- Картина выполнена группой художников: В. И. Вихтинский (руководитель), Б. В. Жуков, Е. Н. Левин, Л. И. Чернов, Л. А. Шматько
- 1950
- Холст, масло. 271 x 400
- Государственный Русский музей
- Ж-5952
СССР был первым государством, установившим официальные дипломатические отношения с провозглашенной в 1949 году Китайской Народной Республикой. 14 февраля 1950 года в Москве был подписан договор о дружбе, союзе и взаимопомощи между СССР и КНР сроком на 30 лет. Проявив беспрецедентную лояльность, отказываясь от многих притязаний СССР на территории Китая, Сталин действовал в стратегических интересах укрепления „вечной и нерушимой дружбы“ с дальневосточным соседом. Среди изображенных на картине: Н. А. Булганин, А. М. Василевский, К. Е. Ворошилов, А. Я. Вышинский, Л. М. Каганович, Го Можо, Г. М. Маленков, Н. Г. Кузнецов, Мао Цзедун, А. И. Микоян, В. М. Молотов, И. В. Сталин, Н. С. Хрущев, Чжоу Эньлай. // Любовь Шакирова. Большая картина. СПб., 2006. С. 253.
Советский Союз был первым государством, установившим официальные дипломатические отношения с провозглашенной в 1949 году Китайской Народной Республикой. 14 февраля 1950 года в Москве был подписан договор о дружбе, союзе и взаимопомощи между СССР и КНР сроком на 30 лет. Проявив беспрецедентную лояльность к КНР, отказываясь от многих притязаний СССР на территории Китая, Сталин действовал в стратегических интересах укрепления «вечной и нерушимой дружбы» с дальневосточным соседом. На картине изображены советские и китайские государственные деятели, в том числе Го Можо, Мао Цзедун и Чжоу Эньлай.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 84.
И. В. Сталин на крейсере «Молотов»
- 1950
- Холст, масло. 148 × 280
- Луганский художественный музей
На картине советского и украинского живописца Виктора Пузырькова изображено историческое пребывание И. В. Сталина на корабле черноморцев, состоявшееся в августе 1947 года. Хотя поначалу оно и носило засекреченный характер, впоследствии нашло свое отражение в творчестве советских деятелей искусства. На корабле установился гражданский порядок: необходимо было создать все условия для отдыха вождя, избегать малейшего шума. В путешествии от Ялты к Сочи Иосиф Виссарионович общался с экипажем, взволнованным от столь близкого нахождения рядом с тем, кого прежде мог видеть только на торжественных портретах. Это был последний морской круиз генералиссимуса.
На картине, во втором ряду, слева направо: председатель Совета министров СССР А. Н. Косыгин, главнокомандующий Военно-морским флотом адмирал И. С. Юмашев и командующий Черноморским флотом адмирал Ф. С. Октябрьский.
Виктор Григорьевич Пузырьков в 1950 году за эту картину получил Сталинскую премию 3-й степени.
Молотов в Якутске
- 1950
- Холст, масло. 139,5 х 198,5
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-338
Сюжетно-тематическое полотно Петра Романова «Молотов в Якутске» (1950) посвящено знаковому историческому событию: в 1945 году делегация Советского Союза во главе с Вячеславом Молотовым летела в Сан-Франциско на учредительский съезд по созданию Организации Объединенных Наций. Путь проходил через территорию республики, и советская делегация остановилась в Якутске на несколько дней для отдыха.
В картине художник изобразил первого секретаря Якутского областного комитета ВКП (б) Илью Винокурова вместе с Вячеславом Молотовым. И. Е. Винокуров – государственный, политический деятель Якутии, оставивший о себе добрую память в народе. Несмотря на то, что художник очень серьезно работал над картиной, сделав много предварительных зарисовок и эскизов, полотно, однако, не стало творческой удачей художника.
Картина написана в принятых традициях парадного полотна своего времени, призванного увековечить значительность исторического момента. Низкая линия горизонта и почти игрушечный миниатюрный город на дальнем плане придают группе членов ВКП(б) монументальность. Фигура В. М. Молотова, ближайшего человека из окружения Сталина, возвышается над всеми гигантскими размерами. И. Е. Винокуров изображен в профиль. Жест его напоминает всем хорошо знакомый, неоднократно запечатленный в художественных произведениях, кинематографе и памятниках, жест партийного и государственного деятеля.
Подписание Декрета об образовании Татарской АССР
- 1950
- Масло, холст. 204,5 х 306
- Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан (Казань)
- Ж-1661
Одним из этапных произведений в живописи советской Татарии стало полотно «Подписание Декрета об образовании Татарской АССР», созданное к тридцатилетию татарской автономии совместно Харисом Якуповым и Лотфуллой Фаттаховым.
Задача была необычная: надо было соединить нити исторической судьбы татарского народа с жизнью и деятельностью В. И. Ленина в создании социалистической государственности, в национальном самоопределении татарского народа. Задача была чрезвычайно сложная и в художественном, и в политическом отношении. Кого изображать, как изображать тех, кто принял из рук В. И. Ленина подписанный 27 мая 1920 года Декрет. Чем больше углублялись художники в изучение исторического материала, тем больше возникало проблем. Долгое время вообще было неясно, как строить картину, какой эпизод взять.
Художники советовались с работниками обкома партии, искали аналогии в искусстве других республик. После некоторых колебаний было принято решение изобразить в кремлевском кабинете В. И. Ленина представителей трудящихся бывшей Казанской губернии, создать не портретные, а собирательные, обобщенные образы рабочих, крестьян, военных и партийных работников, татар и русских. Пусть в действительности никогда не было в кабинете В. И. Ленина именно таких людей – татарских крестьян, взволнованного старика-бабая с белой бородой, женщины-работницы в красной косынке, но в конечном итоге именно от их имени говорили на встречах с В. И. Лениным татарские коммунисты, именно их интересы представляли в 1920 году в Кремле руководящие работники Центрального бюро коммунистических организаций народов Востока при ЦК РКП(б). Работая над картиной, художники стремились сохранить верность исторической правде в самом главном: в возможности показать активное участие трудящихся, представителей разных социальных групп и национальностей Советского Татарстана в решении своей судьбы, в создании своего государства, чуткое, внимательное отношение В. И. Ленина к их интересам.
Решая свою картину как произведение торжественное и праздничное, художники выбирали краски звучные, чистые, смело распределяли по холсту сильные цветовые акценты. Композиция построена по центрическому принципу: сидящие и стоящие вокруг стола фигуры образуют круг, точнее – чуть удлиненный овал, разомкнутый в центре, там, где как бы занимает свое место у того же стола останавливающийся перед картиной зритель.
Выступление новатора И. Т. Валигуры на учёном совете
- 1951
- Холст, масло. 199 × 334
- Луганский художественный музей
На картине «Выступление новатора И. Т. Валигуры на учёном совете» советские украинские художники Григорий Боня и Владимир Давыдов изобразили представителя стахановского движения.
Валигура Иван Трофимович (1911 – 1973) — забойщик шахты № 1/2 «Красный Октябрь» треста «Орджоникидзеуголь» в городе Енакиево, Донецкой области, один из организаторов коллективного стахановского труда в забое. Герой Социалистического Труда.
В 1948 году он предложил и внедрил в забое участка № 4 бригадный метод угледобычи, вследствие чего резко повысилась производительность труда каждого забойщика. Совершенствуя организацию труда и технологию добычи, бригада Валигуры в марте 1948 года выдала на-гора 913 тонн угля, а 9 мая 1948 — 957 т (около 1360 % сменной нормы). 28 августа 1948 года Иван Валигура был награжден Золотой Звездой Героя.
Заседание Президиума Академии наук СССР
- 1951
- Холст, масло. 399 x 585.5
- Государственный Русский музей
- Ж-5955
Панно выполнено группой художников под руководством Василия Ефанова. Для работы над картиной художник привлек группу мастеров, которыми в общей сложности было написано около 200 этюдов. Многие портреты академиков, созданные для большой композиции, приобрели самостоятельное значение и вместе с картиной экспонировались на Всесоюзной художественной выставке в 1952 году в Москве. На полотне запечатлено заседание академиков, членов Президиума Академии наук СССР, посвященное плану строительства Главного Туркестанского канала. Фотографически-документальная достоверность заседания не умаляет достоинств этого группового парадного портрета, написанного в традициях реалистической школы. Коллектив художников за работу над полотном и отдельные портреты академиков был удостоен Сталинской премии 3-й степени за 1952 год . // Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 94.
Изображено заседание, посвященное плану строительства Главного Туркестанского канала, на котором присутствуют академики: Алексей Иванович Абрикосов (1875–1955) – патологоанатом, Александр Ерминингельдович Арбузов (1877–1968) – химик-органик, Иван Павлович Бардин (1883–1960), Виктор Владимирович Виноградов (1894/1895–1969) – языковед и литературовед, Иван Матвеевич Виноградов (род. 1891) – математик, Иннокентий Петрович Герасимов (род. 1905) – географ и почвовед (докладчик), Борис Дмитриевич Греков (1882–1953) – историк, Николай Севастьянович Державин (1877–1953) – филолог, Николай Дмитриевич Зелинский (1861–1953) – химик-органик, Николай Иванович Мусхелишвили (1891–1976) – математик и механик, Александр Николаевич Несмеянов (род. 1899) – химик-органик (председатель), Александр Иванович Опарин (род. 1894) – биохимик, Михаил Александрович Павлов (1863–1958) – металлург, Евгений Никандрович Павловский (1884–1965) – паразитолог, Николай Николаевич Семенов (1896–1986) – ученый в области химической физики, Дмитрий Владимирович Скобельцын (род. 1892) – физик, Константин Иванович Скрябин (1878–1972) – гельминтолог, Александр Митрофанович Терпигорев (1873– 1959) – ученый в области горного дела, Борис Борисович Полынов (1877–1952) – почвовед и геохимик, Александр Васильевич Топчиев (1907–1962) – химик, Владимир Александрович Фок (1898–1974) – физик-теоретик, Отто Юльевич Шмидт (1891–1956) – один из организаторов освоения Северного морского пути. // Алиса Любимова. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 287.
Выступление М.В. Фрунзе перед ополченцами в Самарканде
- 1953
- Холст, масло. 186 х 266
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- 834-ж
Творчество казахского художника Нагимбека Нурмухаммедова отличает жанровое и тематическое разнообразие. В пятидесятые годы в живописи Казахстана было мало картин на историко-революционную тему. И поэтому произведения Н. Нурмухаммедова, воссоздающие важные исторические события, явились своеобразным вкладом в зарождение жанра исторической картины в изобразительном искусстве республики. В Академии принято давать студентам историческую тему. Для дипломной работы Нурмухаммедова была выбрана тема «Выступление Фрунзе перед самаркандскими народными защитниками».
Н. Нурмухаммедов писал большеформатные многофигурные композиции, пейзажи и, конечно, портреты. Уже в тех первых работах раскрылся характер его дарования. Композиционный строй этих (как и многих последующих) монументальных картин окрашен героико-романтическими интонациями. Творчеству художника в целом присуще жизнеутверждающее начало. Н. Нурмухаммедову удается с большим темпераментом показать пафос революционной борьбы народов за освобождение от векового рабства. Картина написана живописцем на основе тщательного изучения конкретного материала в Средней Азии и Казахстане. Н. Нурмухаммедов беседовал с бывшими бойцами, участниками ополчения и красноармейцами, делал многочисленные этюды с натуры: писал архитектурные памятники, многолюдные базары, где искал подходящие типажи для будущих полотен. Отсюда ощущение достоверности в изображении народных сцен, конкретность в передаче древней архитектуры и своеобразной природы с характерным ослепительно ярким небом и цепью гор на горизонте.
Композиция картины многофигурна. Масса людей располагается полукругом, в центре ‑ фигура героя. Полотно отличает детальная проработанность предметов, каждому из которых соответствует свой локальный цвет ‑ синий, красный, желтый, белый. Колористическое единство достигается спокойным освещением, мягкой воздушностью пространственного построения. Многие люди, стоящие на фоне древней архитектуры Самарканда, с энтузиазмом слушают говорящего. В центре выступает главный герой ‑ всадник, размахивающий руками. Автор картины стремится передать ощущение природы юга с его жарким воздухом и чистым небом. Желтый, зеленый, синий, охристый, красный цвета видны в тенистых местах и, кажется, горят там, где светит солнце.
Михаил Васильевич Фрунзе (1885, Пишпек, Туркестанское генерал-губернаторство (ныне Бишкек, Киргизия) — 1925, Москва) — русский революционер, советский государственный деятель, военачальник Красной армии во время Гражданской войны, военный теоретик. С 15 августа 1919 по 10 сентября 1920 года Фрунзе командует войсками Туркестанского фронта. руководил штурмом Бухары 30 августа — 2 сентября 1920. (подробнее о Бухарской операции)
Пробуждение (За мир и независимость)
- 1957
- Холст, масло. 300 х 280
- Государственный Русский музей
- Ж-7566
Сюжет картины непосредственно связан с Московским фестивалем молодежи и студентов, бывшим одной из самых значительных празднично-торжественных акций в молодежном движении в период „холодной войны". Вместе с тем полотно Мыльникова по существу выходит за рамки конкретного события и по-своему воплощает представление автора о единстве юных, представляющих разные страны, континенты, национальности, в становлении мира. Этим объясняется не только характер облика героев его произведения, но и та цельность, сочетание динамики и статики, выразительность силуэта, которые заключают в себе черты монументальные. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 269.
23 января 1924. Горки
- 1964
- Холст, масло. 315 х 224
- Государственный Русский музей
- Ж-8289
Художник неоднократно обращался в своем творчестве к историко-революционным темам, ленинской в частности. Данная картина с опорой на известные фотодокументы воспроизводит вынос гроба с телом В. И. Ленина из дома в Горках перед тем, как траурный поезд доставил его на Павелецкий вокзал Москвы. В сравнении с документальными изображениями, автор акцентировал лица людей, их состояние во время скорбного шествия. Передал стынь морозного дня, торжественную значимость происходящего. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 257.
Солдаты революции
- 1964–1965
- Холст, масло. 291 х 592
- Государственный Русский музей
- Ж-8134
В традициях многофигурной композиции, характерной для русской и советской исторической живописи, исполнена картина Холуева. Используя известный документальный кадр „В. И. Ленин обходит фронт войск Всеобуча на Красной площади в Москве 25 мая 1919 года“, автор усиливает динамичность композиции за счет развернутого диагонального построения, словно подчеркивающего энергию движения вождя, пристально всматривающегося в строй бойцов. «Наш лозунг должен быть один — учиться военному делу настоящим образом», — эти ленинские слова реализовывались в создании Всеобуча.
Укрупненный фрагмент вытянутого по горизонтали холста позволяет акцентировать лица людей, ощутить их состояние. Художник так представлял свою задачу, подчеркивая стремление к документальности: „Постепенно память о прошлом становится как бы документом. А мне, как, наверное, каждому, хотелось самому проникнуть в живую напряженную жизнь славной эпохи. Увидеть людей, для которых революция была такой же каждодневной работой, как сегодня наш мирный труд". // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 262.
Художник, размышляя над замыслом картины, говорил: «Постепенно память о прошлом становится как бы документом. А мне, как, наверное, каждому хотелось самому проникнуть в живую напряженную жизнь славной эпохи. Увидеть людей, для которых революция была такой же каждодневной работой, как сегодня наш мирный труд». При создании полотна был использован известный документальный кадр «В. И. Ленин обходит фронт войск Всеобуча на Красной площади в Москве 25 мая 1919 года». Автор усилил динамичность композиции за счет развернутого диагонального построения, которое подчеркивает энергию движения вождя, пристально всматривающегося в строй бойцов. // Анатолий Дмитренко. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 392.
Солдаты революции
Кровавое время Гражданской войны нуждалось в своих героях, и они явились в сиянии героико-романтического ореола. О них слагались стихи и песни, писались романы и поэмы. Художники, особенно профессионалы исторического и батального жанра, делегировались в самые горячие точки, чтобы писать портреты «комиссаров в пыльных шлемах» (Б. Ш. Окуджава) и картины, увековечивающие их подвиги. Но основное бремя текущих революционных тягот ложилось на плечи простых людей — рабочих, солдат, матросов, крестьян — и они воспевались как исполненная доблести народная масса, составляющая единое целое со своими вождями и командирами. // Тамара Чудиновская. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 392.
Возвращение. Посадка «Восхода-2» на Урале
- 1967
- Холст, масло. 192,0 х 297,0
- Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
- Ж-103
Александр Бурак посвятил большое живописное полотно «Возвращение. Посадка корабля „Восход-2“ на Урале» одной из страниц в истории технических достижений СССР. Настоящим событием для отечественной космонавтики стал полет корабля «Восход-2» под управлением командира Павла Беляева и второго пилота Алексея Леонова.
Длительность полета составляла чуть больше суток. За это время наши космонавты совершили первый выход человека в открытый космос. Полотно А. Бурака рассказывает о финальном этапе космической эпопеи – приземлении.
19 марта 1965 года спускаемый аппарат космического корабля приземлился в глухой уральской тайге в Усольском районе Пермской области. Это произошло в незапланированном месте из-за нештатной ситуации – отказа автоматической системы посадки. Место посадки располагалось в 180 километрах на север от Перми и в 18 километрах от ближайшего жилья. В день приземления температура воздуха в тайге составляла минус 19 градусов. Высота снежного покрова достигала двух метров. Все это представляло угрозу для жизни космонавтов, поэтому наземными службами сразу были организованы спасательные операции. Однако обнаружить героев и вывезти их из тайги получилось только на третьи сутки.
Впечатленный этими историческими событиями, художник создает свое полотно. В трактовке Бурака заснеженный таежный пейзаж дополнен изображением спускаемого аппарата. Космическая капсула зависла над снегом на стропах большого полосатого оранжево-белого парашюта. Бурак побывал на месте приземления, чтобы сделать эскизы будущего полотна. Он также встречался с участниками событий: показывал свои наброски космонавтам. А затем привозил эскизы в Звёздный городок. В 1967 году полотно было завершено.
Обвинение. Нюрнбергский процесс
- 1967
- Холст, масло. 270 x 308
- Государственный Русский музей
- Ж-8928
В ноябре 1945 года в качестве корреспондентов газеты „Правда“ Кукрыниксы выехали на Нюрнбергский процесс, где они непосредственно встретились с персонажами своих карикатур военного времени. „Они оказались очень похожими, и это нас убедило, что мы не обманули советского зрителя..." Большой цикл рисунков и карикатур, выполненных художниками в зале суда и по непосредственным впечатлениям от заседаний, получил широкую известность. Их Кукрыниксы использовали в картине „Обвинение“, почти дословно перенеся в нижнюю часть картины изображение скамьи подсудимых и адвокатов, найденное и варьированное в рисунках „Последняя линия фашистской обороны“, „Последняя цифра“ и других. Напрямую сопоставив, „столкнув“ гротескно заостренные силуэты нацистских преступников с кадром из фильма об их зверствах, художники создали образ резкой, плакатной выразительности, — свой личный обвинительный приговор фашизму. // Любовь Шакирова. Большая картина. СПб., 2006. С. 267.
Декрет о земле
- 1969–1970
- Холст, масло. 135,0 х 204,0 см
- Национальный музей Таджикистана, Душанбе
- Ж 1169
Многофигурная композиция представлена в картине «Декрет о земле» кисти таджикского художника Ашура Хайдарова. Площадь, заполненная народом.
На переднем плане слева группа из трех человек: улыбающийся мужчина в рваном халате с чалмой на голове прижимает к груди лист бумаги, на котором напечатан декрет о земле. Рядом с ним женщина, откинувшая с лица паранджу: левее и чуть ниже мужчина в зеленом полосатом халате, тюбетейке, с палкой в руке. За их спинами красноармеец в буденовке на лошади с пачкой листовок в поднятой вверх правой руке. Справа на деревянном помосте (каше) сидит мужчина, подавшийся вперед к двум таджиком, рассматривающим напечатанный декрет. Рядом с ним стоит чернобородой человек в зеленом халате, красной чалме, с камчой. Он смотрит на мужчину с обнаженной головой, радостно поднявшего вверх руки. Всюду теснятся люди, над толпой алеет транспарант. Композицию замыкают дома, мечеть с арочным порталом, деревья с осенней листвой. Цветовая гамма картины выдержана в охристо-зеленых тонах.
Свет в деревню
- Из серии «Урал первых пятилеток»
- 1969
- Бумага «верже», линогравюра. Л: 74,2 х 89,2; и: 57,8 х 72,5
- Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
- Г-9605
В конце 1920-х годов в Советском Союзе разрабатываются пятилетние планы развития, задача которых состояла в том, чтобы превратить страну из аграрно-индустриальной в индустриальную.
Но строительство различных заводов и предприятий было бы невозможно без строительства новых электростанций. Благодаря увеличению количества электростанций появилась возможность электрификации деревень, что стало важнейшей составной частью модернизации аграрного труда в Уральском регионе. Электричество сделало доступными для сельских жителей многие блага цивилизации и стало важнейшим фактором преобразования не только сельскохозяйственного труда, но и быта сельчан.
Именно к этому периоду истории СССР обращается Спартак Киприн в своём произведении 1969 года «Свет в деревню». Работа, выполненная в технике линогравюры, в которой Киприн был несомненным мастером, соответствует стилистике «сурового стиля».
Героем произведения, чей образ мощно выведен на первый план композиции, является рабочий-электрик, который закрепился на вершине опорного электростолба и тянет провода. Торс рабочего обнажён, из чего можно сделать вывод, что работа ведётся в летний период. На заднем плане художник изображает деревенские дома и ещё один столб, на котором трудится другой рабочий.
Доверие. Прием в коммунисты в партизанском крае
- 1975
- Холст, масло. 180 х 210
- Магнитогорская картинная галерея
- Ж-175
Крупномасштабная многофигурная композиция на тему Великой Отечественной войны с тщательно продуманным замыслом и четко выраженной фабулой: прием молодого партизана в коммунисты. Судя по ярко-зеленой траве, цветущему дереву, событие происходит поздней весной. Фоном для действия служат до черноты обугленные стены деревенской избы; на дальнем плане - остовы сгоревших домов, печные трубы. Центральный образ произведения – светловолосый юноша с винтовкой перед старшими соратниками. Его внимательно слушают присутствующие, среди которых по военной выправке, армейской форме, шинелям угадываются руководители партизанского движения (слева, за столом). Одежда у большинства партизан смешанная – военная вперемежку с гражданской. У многих в руках оружие – автоматы, винтовки, том числе у женщины справа. Сама статичность происходящего (соблюден антураж сельского собрания в советской деревне в красном уголке с президиумом, рядовыми слушателями) на фоне полной разрухи говорит о стремлении людей, оказавшихся в тяжелейших условиях военного сопротивления, внести порядок, организованность в свою жизнь. Действию придан характер ритуала. Щемящую ноту вносит изображение оставшейся без хозяев черно-белой собаки: пес ластится к пожилому мужчине с окладистой бородой. Автор тщательно работал с натурой, искал наиболее характерные типажи.
Конец колчаковщины
- 1977
- Холст, масло. 130 х 205
- Красноярский художественный музей имени В. И. Сурикова
- Ж-1060
В живописи исторический жанр всегда был и остается одним из самых сложных, а обращение к противоречивым событиям советской истории чревато идеологическими перекосами. Честность и искренность красноярского художника Анатолия Марковича Знака во всем – и в отношении к творчеству, и к страницам истории страны, и к жизни в целом – позволяла ему избегать всякой фальши. Именно поэтому революционные полотна мастера воспринимаются не как героизированный путь к победе нового строя, а как размышления об общечеловеческих ценностях.
Напряженным ощущением, пожалуй, самого драматичного конфликта истории страны проникнуто большое историческое полотно А. М. Знака «Конец колчаковщины», в котором не просто запечатлена сдача в плен белогвардейцев, что, собственно, вполне соответствовало идеологии времени. В этом холсте образ Гражданской войны преподнесен художником как противостояние миров, двух враждующих лагерей – лагерей, в которых по разные стороны оказывались близкие друзья, братья, отцы и сыновья. Художник не дает никаких оценок в своем произведении. Но в то же время он акцентирует внимание не столько на доблестных бойцах Красной армии, браво восседающих на своих боевых конях, сколько на побежденных, и, хотя зритель не видит лиц этих людей, он не воспринимает их безликой массой. Пусть по сюжету колчаковские офицеры кидают на землю оружие в знак принятия своего поражения – их трудно назвать проигравшими. Созданные кистью мастера образы белогвардейцев с их статью, военной выправкой, гордыми прямыми спинами олицетворяют собой осколки уходящего мира. Неслучайно художник показывает их темные, острые, как свечи, силуэты со спины, а их черные бурки на белом снегу, рождающие массу ассоциаций, — «образ значительной силы и глубины». Могильными крестами воспринимаются телеграфные столбы, поэтому кажется, что офицеры уходят в Вечность. Чистая, белая, переливающаяся хрустальными гранями сибирская зима придает еще более возвышенный тон трагическому звучанию.
Первомайская демонстрация
- 1979
- Бумага, пастель. 84,3 х 88,4
- Художественный музей «Арт-Донбасс», Донецк
Провозглашение Марийской Автономной области
- 1983
- Холст, масло. 120х140
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- Ж-164
Базарная площадь Йошкар-Олы была центром свершения революционных событий. Здесь, 4 ноября 1920 года, состоялось публичное провозглашение Марийской автономной области. Внимание Заслуженного художника РФ и Заслуженного деятеля искусств Республики Марий Эл Владимира Демидовича Курочкина привлек пласт истории, совершенно не разработанный в изобразительном искусстве республики. В картине «Провозглашение Марийской Автономной области» он исследует и подает историю 1920-х годов сквозь призму собственного мироощущения, обращаясь к реакции на этот документ рядовых жителей столицы.
Декрет о земле
- 1984
- Холст, масло. 160,0 х 250,0 см
- Национальный музей Таджикистана, Душанбе
- Ж 2029
Спасибо, Москва!
- 1986
- Холст, масло. 150 х 200
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-2113
Характерным для картин ленинградского художника Александра Полозова является прежде всего мастерство композиционных решений, гармония всех частей и, главное, – эффект реального присутствия. Сдержанный колорит, отсутствие цветовых эффектов, достоверность деталей – все направлено на создание единого образа и раскрытие темы. Это мы видим и в его станковой работе "Спасибо, Москва!". В 1985 году Александр участвует в работе в Студии молодых художников на 12-ом Всемирном фестивале молодежи и студентов, проходившем в Москве. Это мы определяем по эмблеме фестиваля над заполненными зрителями трибунами. Работа была закончена художником лишь год спустя, ее размеры поражают. Но это не помешало ему передать сиюминутное торжество и ликование людей всех стран и народов, объединенных общей целью. Их взор устремлен в одну сторону – в светлое будущее человечества.
Протопопова Людмила Викторовна
1906–1981Живописец по фарфору.
Штриккер (Цайзель) Ева-Амалия (Ева Александровна)
1906, Будапешт, Австро-Венгрия – 2011, Нью-Йорк, СШАДизайнер. Училась в Королевской академии изящных искусств (с 1924). Основала собственную керамическую мастерскую в Будапеште (1920-е), работала внештатным сотрудником Киспетской керамической фабрики в Будапеште, на Шрамбергской майоликовой фабрике в Германии (1928–1930), разрабатывала посудные формы; занималась живописью и работала над чайно-кофейным сервизом по заказу К. Карстенса в Берлине (1930).
Приехала в СССР (1932). Работала в Украинском управлении фарфоровой и стекольной промышленности; на ЛФЗ, где под руководством Н. М. Суетина создала форму «Интурист» (1934); организовала модельную мастерскую на ДФЗ (1934). Арестована ГПУ (1935) и выслана в Австрию (1937). Эмигрировала в США (1938), организовала собственную мастерскую в Нью-Йорке (1947. Почетный доктор Королевского колледжа искусств в Лондоне (1988), доктор изобразительных искусств школы дизайна имени Парсонса (1991). Награда Венгерской республики (2004), звание почетного члена Королевского общества дизайнеров. Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 230.
Савинов Александр Иванович
1881, Саратов – 1942, ЛенинградРусский советский живописец, педагог, член Ленинградского Союза советских художников.
Родился в семье купца-лесоторговца. В 1897–1900 годах посещал Боголюбовское рисовальное училище в Саратове. В 1901 поступил на историко-филологическое отделение Петербургского университета, однако вскоре оставил занятия и перешел в Высшее художественное училище при Академии художеств, где занимался у Д. Н. Кардовского и Я. Ф. Ционглинского. Закончив Академию в 1908 году конкурсной работой "Купание лошадей на Волге" (ГРМ), получил право на заграничную командировку и в 1909–1911 годах совершил поездку в Италию как пенсионер Академии художеств. По возвращении начал свою педагогическую деятельность, сначала в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, затем в частной студии М. Д. Бернштейна. После Февральской революции 1917 года участвует в реорганизации Академии художеств, избирается профессором Петроградских государственных свободных художественно-учебных мастерских.
В годы Гражданской войны живет и работает в Саратове. В 1922 возвращается в Петроград, где начинается его многолетняя педагогическая работа в реформированной Академии художеств. В 1924–1926 ведет частную студию. В 1927–1930 вместе с К. С. Петровым-Водкиным руководит монументальной мастерской, затем персональной мастерской живописи. Возглавляет кафедру композиции, становится проректором по научной и учебной работе. Среди учеников Савинова А. Ф. Пахомов, М. Д. Натаревич, Д. К. Мочальский, Е. И. Чарушин и другие художники.
Участник выставок "Союза русских художников", "Мира искусства", "Нового общества художников", объединения "Четыре искусства".
Член Ленинградского Союза советских художников с момента его образования в 1932 году. После начала Великой Отечественной войны принимал активное участие в подготовке к эвакуации музейных экспонатов Эрмитажа, лично готовил к отправке в тыл полотна Рембрандта, работал над плакатами и рукописью неоконченной книги "Работа художника над картиной". Скончался 25 февраля 1942 года в блокадном Ленинграде. Отец художника Глеба Савинова.
Вильям Мейланд. Время и безвременье Александра Савинова // "Наше Наследие" № 70 2004
Самокиш Николай Семенович
1860, Нежин Черниговской губернии – 1944, СимферопольЖивописец, график, иллюстратор; баталист, анималист.
Учился в Академии художеств (1878–1885) у П. П. Чистякова, В. И. Якоби, Б. П. Виллевальде. В 1890 удостоен звания академика за картину "Табун на водопое". С 1913 – действительный член Академии художеств. В 1913–1918 руководил батальным классом Академии. Среди наиболее известных изданий, иллюстрированных им, "Великокняжеская и царская охота на Руси" (1896–1911), "Столетие военного министерства", "История лейб-гвардии драгунского полка" (1890-е) и другие. В 1941 получил Государственную премию СССР за картину "Переход Красной Армии через Сиваш". Один из родоначальников советской батальной живописи. 1934–1940 гг. – участвовал в качестве консультанта в создании панорамы «Штурм Перекопа».
Герасимов Сергей Васильевич
1885, Можайск Московской губернии — 1964, МоскваЖивописец, график, автор статей по искусству; автор пейзажей, историко–революционных и жанровых картин, портретов, натюрмортов. Учился в СЦХПУ (1901–1907) у К.А.Коровина, С.В.Иванова, Д.А.Щербиновского; в МУЖВЗ (1907–1911) у А.Е.Архипова, С.В.Иванова, К.А.Коровина, в 1912 — занимался литографией у С.С.Голоушева. Участник выставок с 1906.
Шегаль Григорий Михайлович
1889, Козельск, Калужская губ. – 1956, МоскваЖивописец, график. Член-корреспондент АХ СССР (1954). Учился в Рисовальной школе ОПХ в Петербурге (1912–1916) у Н. К. Рериха, А. А. Рылова, И. Я. Билибина, П. С. Наумова, А. И. Вахрамеева, ВХУ при АХ (1917–1918) у Г. Р. Залемана, Вхутемасе в Москве (1922–1925) у А. В. Шевченко. Участник выставок с 1913 (Петербург). Член объединений и экспонент выставок: «Бубновый валет» (1924), «Московские живописцы» (1925), АХР (1926–1932), ОМХ (1928). Член СХ с 1932. Преподавал в изостудии Пролеткульта в Туле (1918–1922), МХИ (1937–1941), ВГИКе (1947–1956), профессор с 1940. Автор монографии «Колорит в живописи» (М., 1957).
Казанцев Анатолий Алексеевич
1908, Хабаровск – 1984, ЛенинградЖивописец, график, монументалист; автор историко-революционных, батальных картин, пейзажей. Учился в Москве на курсах живописи АХР (1928–1929) у И. И. Машкова; на рабфаке ИНПИИ (1931) в Ленинграде; в ИЖСА (1932–1937) у К. Ф. Юона, Р. Р. Френца. Участник выставок с 1929. Член ОМАХР (1928–1930). Заслуженный деятель искусств РСФСР.
Грубе Александр Васильевич
1894, Уфимская губерния — 1980, МоскваСкульптор. Был вольноприходящим учеником ПХУ (1905–1913). Участник выставок с 1925.
Налбандян Дмитрий Аркадьевич
2 (15).09.1906, Тифлис – 1993, МоскваЖивописец, график; автор историко-революционных картин, портретов, пейзажей, натюрмортов.
Академик Академии художеств СССР (1953; член-корреспондент 1947). Народный художник СССР (1969). Герой Социалистического Труда (1976). Лауреат Ленинской премии (1982) и двух Сталинских премий (1946, 1951)? премии им. Джавахарлала Неру (1968). Награжден золотой медалью Академии художеств СССР (1978).
Учился 1922–1924 – народная художественная студия М.Тоидзе, Тифлис; 1924–1929 в Тбилисской Академии художеств у Е. Е Лансере и Е. М. Татевосяна, после чего работал художником-мультипликатором студии «Межрабпомфильм» – 1931–1934; в «Госкинопроме» и на Одесской киностудии (1938–1940). Участвовал в выпуске «Окон АрмТАГ», Ереван – 1941–1944.
Член и экспонент: АХРР – 1928. Участник выставок с 1935. В 1931 переехал в Москву. Получил известность, прежде всего, как мастер советского парадного портрета
Пшеничников Василий Сергеевич
1882–1957, МоскваЖивописец.
Художественное образование получил в Петербургской Академии художеств у профессоров Н. Ф. Ционглинского, Н. С. Самокиша и В. В. Матэ. С 1912 г. – участник выставок Общества петербургских художников. 1922 г. – вступил в Ассоциацию художников революционной России. Участник выставок к пятилетию и десятилетию РККА.
Бортников Алексей Ильич
1909, с. Кармакчи, Кзыл-Ординская обл. – 1980, Алма-АтаЖивописец. Заслуженный деятель искусств КазССР.
Родился 25 февраля 1909 года в селе Кармакчи Кзыл-Ординской области. В 1922–1928 учился в Художественной студии Н. Хлудова в Верном (Алматы). В 1932 окончил Одесский художественный институт, учился у Д. Крайнего. Участник выставок с 1933. Член СХ СССР с 1958. Жил и работал в Алма-Ате с 1938.
Кохан Кузьма Федорович
1967 – 2007Живописец. Работал в области станковой живописи, иллюстрации, плаката. Окончил Киевский художественный институт (1946). Участник выставок с 1943 года.
Вихтинский Виктор Иванович (с бригадой)
1918, Харьков — 2003, ХарьковЖивописец, график. Учился в 1934–1937 в Харьковском художественном техникуме; в 1938–1941, 1948–1950 в Харьковском художественном институте. Участник выставок с 1950. Член СХ СССР с 1951. В 1950-е работал также как оформитель праздничного убранства города, экспозиций выставок. Бригада: Жуков Борис Владимирович (1921–1974), Левин Евгений Нисонович (1922–1993), Чернов Леонид Иванович (1915–1990; заслуженный художник УССР, 1966), Шматько Леонид Александрович (1917–1981; заслуженный художник УССР, 1977).
Пузырьков Виктор Григорьевич
1918–1999Советский, украинский художник-живописец, педагог. Народный художник СССР (1979). Лауреат Государственных премий СССР (1948, 1950), Государственной премии УССР им. Т. Г. Шевченко (1976).
Романов Петр Петрович
1902, Мельжяхсинский наслег Чурапчинского улуса – 1952, г. ЯкутскЖивописец и график. Народный художник Якутской АССР, лауреат премии Ленинского комсомола Якутии. Член Союза художников СССР с 1941 года. Первый профессиональный художник из якутов. Родился в мае 1902 года во II-ом Мельжяхсинском наслеге Мегинского улуса. До революции окончил церковно-приходскую школу и реальное училище. Один из первых комсомольцев Якутии, участник гражданской войны. В 1927 году окончил Московский рабфак искусств при ВХУТЕМАСе, в 1934 году – литографическое отделение Московского института искусств, где учился у Д. С. Моора и А. А. Дейнеки.
В 1930-1932 годах состоял в объединениях «Октябрь» и РАПХ (Российская ассоциация пролетарских художников). В 1938-1939 годах учился в Москве на курсах повышения квалификации художников. Работал художником Якутского книжного издательства, главным художником Русского драматического театра (1939-1940). В 1935-1938 годах являлся председателем оргбюро Союза художников Якутии, в 1942-1948 годах – председателем правления Союза художников. Последние годы жизни преподавал в Якутском художественном училище, открытом по его инициативе в 1945 году и названном его именем в 2002 году. Ветеран труда, ветеран Великой отечественной войны 1941-1945 годов, награжден медалью «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг.» (1946). Принимал участие в выставках с начала 1930-х годов. Умер 1 мая 1952 года в Якутске.
Первый из плеяды национальных живописцев, обладавший незаурядными организаторскими и педагогическими способностями, он во многом повлиял на формирование творческого лица коллектива якутских художников. Свободно работавший в разных жанрах живописи, он успешно пробовал себя в политическом плакате, карикатуре, книжной иллюстрации, театрально-декорационном искусстве, художественной резьбе из бивня мамонта.
Якупов Харрис Абдрахманович
1919, Казань – 2010, там жеЖивописец, график, педагог. Лауреат Государственной премии СССР, Заслуженный деятель искусств ТАССР, лауреат Государственной премии РСФСР, Народный художник СССР, Действительный член-корреспондент АХ СССР. Кавалер ордена Великой Отечественной войны II степени, Кавалер ордена Ленина. Руководитель первой среди автономных республик и областей страны Творческой мастерской живописи Академии художеств СССР, открытой в Казани в 1976 году, председатель Союза художников ТАССР (1951–1975). В 1940 окончил Казанское художественное училище. Участник Великой Отечественной войны. В 1946 занимался в московской Центральной студии «Всекохудожника» под руководством Б.В. Иогансона. Член СХ СССР с 1947.
Родился в Казани. Учился в Казанском художественном училище (1935–1939). Учился у Н. К. Валиуллина, К. К. Счастнева. В 1940 был призван в армию. С первых дней войны находился в рядах действующей армии. Участвовал в боях на Курской дуге, Украине, Польше, Чехословакии и Германии. Принимал участие в освобождении Освенцима. День Победы 9 мая встретил в Праге в звании старшины. Всю войну прошёл, не расставаясь с карандашом и бумагой. В трёх сохранившихся альбомах художника — целая галерея фронтовых зарисовок и портретов советских солдат и офицеров.
После демобилизации с 1946 – в СХ СССР и Художественном фонде Татарской АССР. В 1946 учился в Центральной студии Всекохудожника в Москве у Б. В. Иогансона. С 1948 по 1952 преподавал в Казанском художественном училище. С 1951 по 1975 занимал пост председателя правления Союза художников Татарской АССР. За эти годы при его непосредственном участии в Казани появились Дом художника, Музей изобразительных искусств, Выставочный зал, мастерские художников. Также большое внимание уделял развитию изобразительного искусства в районах Татарстана. С 1976 по 2007 руководил творческой мастерской живописи Академии художеств России в Казани.
Внёс существенный вклад в становление школы советской татарской живописи как автор исторических и жанровых картин, портретов, пейзажей («Перед приговором», 1954; «Сильные люди». 1963; «Пролог», 1970; «Челнинские красавицы», 1975; «Мои шалинцы», 1985 и др.). Также проиллюстрировал много изданий Татарского книжного издательства («Опозоренные» М. Гафури (1950), «Татарские народные сказки» (1955—1956)). Много времени отдавал литературному творчеству и является автором 7 книг. В Национальной художественной галерее «Хазинэ» (Казань) в 2005 году открыты залы постоянной экспозиции произведений выдающегося художника.
Фаттахов Лотфулла Абдульменович
1918, д. Анда Сергачского уезда Нижегородской губернии – 1981, КазаньОдин из ведущих художников Советской Татарии, заслуженный деятель искусств ТАССР, заслуженный деятель искусств РСФСР, народный художник РСФСР, лауреат Государственной премии СССР и ТАССР.
Родился в 1918 в деревне Анда Сергачского уезда Нижегородской губернии. Детские рисунки и рассказы печатались в республиканской пионерской газете «Яшь ленинчы» («Юный ленинец»). В 1934 пешком пришел в Казань, чтобы учиться на художника. Окончил Казанское художественное училище в 1939, с этого же года был мобилизован в Красную Армию. Участник Великой Отечественной войне, был в плену, сидел в лагере, был освобожден в 1946.
С 1946, вернувшись в Казань, работал в «Татхудожнике», который с 1953 был переименован в Татарский художественный фонд. Сотрудничал с Татарским книжным издательством, работал художником в сатирическом журнале «Чаян» («Скорпион»). Наиболее сильные стороны дарования проявились в создании тематических картин бытового жанра, работ, посвященных исторической теме и современности.
Боня Григорий Васильевич
1918 – 1989Живописец, график. Работал в области станковой, монументальной живописи и графики. Окончил Киевский художественный институт (1950). Заслуженный художник УССР (1978). Участник выставок (1947).
Давыдов Владимир Васильевич
1924–2007Живописец. Работал в области станковой живописи и монументально-декоративного искусства. Окончил Киевский художественный институт (1950). Участник республиканских и международных художественных выставок (1949).
Мыльников Андрей Андреевич
1919, Покровск – 2012, Санкт-ПетербургЖивописец, график, монументалист. Учился в ИЖСА ВАХ (1937–1940) на архитектурном факультете, на живописном факультете (1940–1946) у И. Э. Грабаря, В. М. Орешникова. Участник выставок с 1946. Более 50 лет занимался педагогической деятельностью, преподавал в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина, руководил мастерской монументальной живописи (с 1953), с 1957 – профессор. Действительный член АХ СССР (1966). Народный художник СССР (1976). Лауреат Сталинской премии за картину "На мирных полях" (1951); серебряная медаль МК СССР за картину "Пробуждение" (1958). Лауреат Государственной премии РСФСР в области архитектуры как соавтор и руководитель творческой группы, создавшей художественную экспозицию музея «Битва за Ленинград» (1979). Умер 16 мая 2012 в Санкт-Петербурге.
Холуев Владимир Федорович
1932, станция Лев Толстой Рязанской области – 2002, Нижний НовгородЖивописец; автор жанровых, историко-революционных картин. Учился в рязанском областном ХУ (1946–1951); в ИЖСА им. И. Е. Репина (1951–1957) у Р. Р. Френца, П. И. Ивановского. Участник выставок с 1957. Член СХ с 1960. Заслуженный художник РСФСР (1975).
Бурак Александр Филиппович
1921, д. Ефремовка, Новосибирская обл. – 1997, ЕкатеринбургРодился 10 июля 1921 в деревне Ефремовка, Барабинского района, Новосибирской области. В 1930 семья переехала в г. Кемерово.
В 1938–1943 учился на архитектурном факультете Новосибирского строительного института им. В. В. Куйбышева. Одновременно подрабатывал художником-мультипликатором в Новосибирской студии научно-популярных фильмов. С 1946 жил в Свердловске, работал в проектном институте. Картины писал в свободное время.
В 1951 принят в Союз художников СССР, в 1964 получил звание «Заслуженный художник РСФСР». В 1958 путешествовал на теплоходе «Грузия» вокруг Европы, побывав в Брюсселе на Всемирной выставке, в Антверпене. В 1968–1989 работал зав. кафедрой рисунка, живописи и скульптуры Свердловского архитектурного института.
Автор около 3000 живописных работ, участник областных и всесоюзных выставок.
Кукрыниксы
Творческий коллектив советских художников — графиков и живописцев, в который входили М. В. Куприянов (1903—1991), П. Н. Крылов (1902—1990) и Н. А. Соколов (1903—2000). Псевдоним Кукрыниксы составлен из первых слогов фамилий Куприянова и Крылова, а также первых трёх букв имени и первой буквы фамилии Николая Соколова. Три художника работали методом коллективного творчества. Наибольшую известность им принесли многочисленные мастерски исполненные карикатуры и шаржи, а также книжные иллюстрации, созданные в характерном карикатурном стиле.
Народные художники СССР, Герои Социалистического Труда, лауреаты Ленинской и шести Государственных премий, члены Академии художеств СССР. Все трое учились в московском ВХУТЕМАСе - ВХУТЕИНе (1921-1929). В 1925 году сатирическими рисунками для журнала «Комсомолец» началась их совместная творческая жизнь. Под общим псевдонимом (составленным по начальным слогам фамилий) выступали в основном как графики, карикатуристы, плакатисты и иллюстраторы книги. С 1933 г. были постоянными карикатуристами газеты "Правда", что делало их главными в стране проводниками и пропагандистами (в сатирической форме) официальной политической линии. Работали также в газетах «Комсомольская правда», «Литературная газета», в журналах «Прожектор», «Смена», «Крокодил» и др. Порознь занимались живописью и показывали на выставках главным образом небольшие лирические этюды, преимущественно пейзажные.
В годы Великой Отечественной войны наряду с карикатурами выпустили ряд плакатов (среди них - самый первый после нападения Германии плакат «Беспощадно разгромим и уничтожим врага!», 1941 - с карикатурой на Гитлера) и сатирических «Окон ТАСС». В станковой живописи Кукрыниксы сообща стремились применить к большому холсту свой опыт политической и преимущественно сатирической графики. Уже в 1933 г. они показали серию «Лицо врага» - цикл живописных карикатур на белогвардейских генералов.
Отечественная война дала темы для новых больших картин Кукрыниксов: "Зоя Космодемьянская" (1942-1947), «Бегство фашистов из Новгорода» (1944-1946), «Конец. Последние часы в ставке Гитлера», (1947-1948). Здесь делались попытки совместить достоверное изображение событий с карикатурными, гротескно трактованными образами.
Уникален сам по себе рабочий метод Кукрыниксов: художники добивались единого, «кукрыниксовского» почерка, объединяя личные дарования в совместном творческом процессе. Произведения художников имеются в ГТГ, ГРМ и других музеях страны. Участники художественных выставок в СССР и за рубежом. Многократно награждались золотыми и серебряными медалями. Творчество Кукрыниксов завоевало мировое признание.
Куприянов Михаил Васильевич
1903, Тетюши – 1991, МоскваЖивописец, график и карикатурист, участник творческого коллектива Кукрыниксы.
Народный художник СССР (1958), Герой Социалистического Труда (1973), Действительный член Академии художеств СССР (1947), Лауреат Ленинской (1965), пяти Сталинских (1942, 1947, 1949, 1950, 1951) и Государственной премии СССР (1975).
1919 – участвует в выставке самодеятельных художников. Первая премия за акварельный пейзаж. 1920–1921 – учеба в ташкентских Центральных художественных учебных мастерских. 1921–1929 – учеба на графическом факультете Высших художественно-технических мастерских (ВХУТЕМАС, позднее переименованы во ВХУТЕИН) в Москве у Н. Н. Купреянова, П. В. Митурича.
1925 – образование творческой группы трех художников: Куприянова, Крылова, Соколова, которая получила всенародную известность под псевдонимом «Кукрыниксы». 1925–1991 – творческая деятельность в составе коллектива «Кукрыниксы».
1929 – создание костюмов и декораций для феерической комедии В. В. Маяковского «Клоп» в театре Мейерхольда. 1932–1981 – создание иллюстраций к произведениям М. Горького, Д. Бедного, М. Е. Салтыкова-Щедрина, Н. В. Гоголя, Н. С. Лескова, М. Сервантеса, М. А. Шолохова, И. А. Ильфа и Е. П. Петрова, карикатур для газеты «Правда», журнала «Крокодил» и пр. 1941–1945 – создание антивоенных карикатур, плакатов и листовок, опубликованных в газете «Правда» и в «Окнах ТАСС». 1945 – аккредитация Кукрыниксов в качестве журналистов на Нюрнбергском процессе.
Крылов Порфирий Никитич
1902, д. Щелкуново (ныне - Богородицкий район Тульской области) – 1990, МоскваГрафик и карикатурист, живописец, член творческого коллектива Кукрыниксы.
Герой Социалистического Труда, действительный член Академии художеств СССР, Народный художник СССР, Лауреат Ленинской и Государственных премий СССР, Почётный гражданин города-героя Тулы.
Учился во ВХУТЕМАСе у А. А. Осмёркина и А. В. Шевченко. Во время учёбы сблизился с М. В. Куприяновым и Н. А. Соколовым, с которыми было создано содружество «Кукрыниксы». Оно принесло художникам мировую славу. Однако каждый из них обладал талантами живописца и графика и оставил большое собственное наследие. В ТОХМ хранится более тысячи произведений П. Н. Крылова. В 1997 году в Туле был открыт музей П. Н. Крылова.
Соколов Николай Александрович
08 (21).07.1903, Царицыно под Москвой – 17.04.2000, МоскваЖивописец, график, член творческой группы Кукрыниксы. Учился: 1917–1919 – реальное училище К. П. Воскресенского; 1920–1923 – Изостудия рыбинского Пролеткульта у М. М. Щеглова; 1923–1929 – ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН. М у Н. Н. Купреянова, П. И. Львова, П. В. Митурича, В. А. Фаворского. Участник выставок с 1926, с 1929 выставлялся в составе Кукрыниксы. С 1924 работал в жанре политического плаката, книжной иллюстрации и карикатуры в газетах «Комсомольская правда», «Литературная газета», «Правда», журналах «Прожектор», «Крокодил», «Смехач», «Смена», в годы ВОВ в «Окнах ТАСС» (совместно с М. В. Куприяновым и П. Н. Крыловым). Действительный член АХ СССР (с 1947). Народный художник СССР (1958). Лауреат Ленинской (1965), Сталинских премий (1942, 1947, 1949, 1950, 1951), Государственной премии СССР (1975), Государственной премии РСФСР им. И.Е. Репина (1982). Герой Социалистического Труда, кавалер ордена Ленина, золотой медали «Серп и Молот» (1973). В 1998 издал книгу мемуаров «Наброски по памяти».
Киприн Спартак Семенович
1930, д. Сунгурово, Тюменская обл. – 1986, СвердловскУральский художник, иллюстратор. Член Союза художников СССР (с 1964).
Родился 23 февраля 1930 в деревне Сунгурово Ялуторовского района Тюменской области. В 1950 окончил Свердловское художественное училище, в 1956 – Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова. В 1956–1964 преподавал в Свердловском художественном училище, в 1970–1986 – в Свердловском архитектурном институте. В 1965–1978 возглавлял секцию графики Свердловской организации СХ СССР, в 1981–1986 – заместитель председателя правления Свердловской организации СХ СССР. С 1958 сотрудничал с уральскими книжными издательствами. В 1960-е создал образ знаменитого журнала «Уральский следопыт».
Участник всесоюзных, зональных, республиканских, международных выставок.
Хайдаров Ашур Карабаевич
1916, Самарканд – 1998, ДушанбеСоветский, таджикский живописец.
Родился 14 июля 1916 в городе Самарканде. В 1930 поступил учиться в Художественный кустарно-промышленный техникум на керамическое отделение, который ликвидировали через два года. В 1934 поступил в Самаркандское художественное училище на живописное отделение. В 1938 с отличием окончил училище и получил образование преподавателя по рисованию. Его педагогами являлись Заслуженные деятели искусств Узбекистана Павел Беньков, Зинаида Ковалевская, Лев Буре.
Заслуженный деятель искусств Таджикской ССР, народный художник Республики Таджикистан, член Союза художников СССР (1957), в 1991 было присвоено звание Народного художника Таджикистана. Произведения живописца находятся в музеях изобразительных искусств Омска, Нижнего Новгорода, Воронежа, в художественных музеях Самарканда, в Национальном музее Таджикистана, Душанбе, а также в Дирекции художественных выставок и панорам в Москве, Санкт-Петербурге, Алматы, в частных коллекциях.
Литвинов Вячеслав Александрович
р. 1939, ЛенинградЖивописец. Монументалист. Педагог. Член Союза художников России (1967). Дипломная работа «За власть Советов» была отмечена похвалой ГЭК, грамотами Министерства культуры СССР и Академии художеств СССР, автор был премирован творческой поездкой в Италию (1966). Почетный работник высшего профессионального образования Российской Федерации (2010), профессор кафедры живописи. Имеет многочисленные награды за художественную и педагогическую деятельность. Окончил Харьковское государственное художественно-педагогическое училище (1959). В 1965 окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина (мастерская А.А. Мыльникова). С 1970 неоднократно избирался членом бюро секции живописи ЛОСХ. Избирался председателем комиссии по работе с молодыми художниками и искусствоведами ЛОСХ, членом республиканской комиссии по живописи, работал в комиссии Управления культуры Ленинградской области. Преподает на кафедре живописи факультета изобразительного искусства РГПУ им. А.И. Герцена с 1987. В 2006 преподавал живопись в аспирантуре Пекинской академии художеств.
Знак Анатолий Маркович
1939, ст. Козулька Красноярского края – 2002, КрасноярскЧлен Союза художников России, народный художник Российской Федерации, член-корреспондент Российской академии художеств, профессор Красноярского государственного художественного института.
Родился в 1939 на станции Козулька Красноярского края в семье учительницы и железнодорожника. После перенесённой в детстве болезни остался глухонемым. Его талант художника разглядел школьный учитель, который стал учить его писать с натуры. После окончания школы переехал в Красноярск, где поступил на вечернее отделение художественной школы имени В. И. Сурикова. Потом было обучение в Ленинградской студии изобразительного и прикладного искусства при Всесоюзном обществе глухих и учеба в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина в мастерской известного художника и педагога Е. Е. Моисеенко. Блестяще окончив институт в 1971 году, вернулся в Красноярск, и вся дальнейшая жизнь была связана с сибирской землёй. Художник был удостоен высших наград и званий Российской академии художеств: награжден орденом «Знак Почета», серебряной медалью им. М. Б. Грекова, дипломами Совета Министров РСФСР, Академии художеств России, Союза художников РСФСР. Именем мастера названа детская художественная школа в Ачинске.
Поляков Алексей Иванович
Р. 1943, с. Калиново, Ворошиловградская обл., УССРХудожник-пейзажист. Заслуженный художник Украины (1996). Народный художник Украины (2009).
Родился 27 августа 1943 в селе Калиново Ворошиловоградской области (с 1990 – Луганская область). Всепоглощающее пристрастие к рисованию проявилось с первых школьных лет. Но мечта поступить после школы в художественное училище не осуществилась. Работал художником во дворце культуры, оформителем, художником-исполнителем в художественном фонде Донецкой организации НСХУ, обучался рисунку и живописи в изостудии Дворца культуры им. И. Я. Франко.
В 1972 впервые участвует в выставке Донецкой областной организации Союза художников Украины. В 1974 проходит первая персональная выставка художника (г. Донецк). С 1976 участвует в республиканских (УССР), а с 1978 и всесоюзных выставках молодых художников.
Произведения художника находятся в ведущих музеях Украины, частных коллекциях Австралии, Англии, Германии, Египта, Израиля, Польши, Канады, России, Словакии, США.
Курочкин Владимир Демидович
р. 1955, г. Йошкар-ОлаЖивописец, график, педагог. Заслуженный художник Российской Федерации. Заслуженный деятель искусств Республики Марий Эл.
Родился 26 февраля 1955 года в городе Йошкар-Ола. Окончил Государственную детскую художественную школу, Чебоксарское художественное училище. Член Союза художников.
Никитин Николай Никанорович
р. 1925 г.Таджикский художник.
Родился в 1925. Окончил Сталинабадское художественное училище до 1954. Специализировался на тематических картинах, портретах. Жил и работал в Сталинабаде (Душанбе), Таджикистан.
Полозов Александр Федорович
1947, ВенаРодился 3 марта 1947 года в Вене в семье военнослужащих. В 1948 семья переехала в Ленинград. Успехи в живописи и рисунке в детской художественной школе позволили ему в 1966 поступить в Академию художеств. В 1972 уходит в армию. Творческая жизнь в этот период не прерывается. Александр собирает материалы для будущих картин, в поездках караульным наблюдает пейзажи Родины. Его интересует сочетание личного, человеческого и чувства долга. В 1975 становится членом Союза художников, а в 1992 организует Гильдию живописцев Санкт-Петербурга.
Художник реалистического направления. Диапазон его творчества охватывает все жанры живописи: тематические полотна, портреты, пейзажи. Наибольшей силы и выразительности художник достигает в монументально-тематических работах и портретах.
Праздник в честь II Конгресса Коминтерна 19 июля 1920 года. Демонстрация на площади Урицкого
- 1921
- Холст, масло. 133 х 268
- Государственный Русский музей
- Ж-6148
Послеоктябрьская реальность вносила свои коррективы в творчество Кустодиева... До 1917 года не писавший исторических картин, художник теперь время от времени обращался к темам революции и современных политических событий – «Степан Разин» (1918), «Большевик» (1920, ГТГ), «Праздник на площади Урицкого» (1921, ГРМ), «Ночной праздник на Неве» (1923), «Волжская красная флотилия под Астраханью в 1918 году» (1926), «Октябрь в Петрограде» (1927). Первые три вошли в золотой фонд советской живописи. Круглов В.Ф. Кустодиев: между лирикой и гиперболой // Борис Михайлович Кустодиев. К 125-летию со дня рождения. СПб, 2003. С. 17.
Работа над картиной была начата в 1920 году по заказу Петроградского Совета рабочих и солдатских депутатов.
Коминтерн или Коммунистический Интернационал представлял собой международную организацию, созданную для объединения мирового коммунистического движения. Второй Конгресс Коминтерна начал работу 19 июля 1920 года в Петрограде. В нем участвовали делегаты из 35 стран. Один из крупнейших художников объединения «Мир искусства», Борис Кустодиев, был привлечен И. Бродским к написанию полотна, посвященного одному из важнейших событий постреволюционного времени.
В картине с присущей художнику декоративностью, тщательностью характеристики народных типов передана атмосфера празднества представителей разных национальностей, прибывших на Конгресс. Лишенный из-за болезни возможности двигаться, художник на машине Петросовета ездил по городу, внимательно вглядываясь в необычные для него приметы нового в городской жизни, делал натурные зарисовки, проникаясь атмосферой торжества. Все эти наблюдения воплотились в свободной композиции, доминантой которой был разный по интонации красный цвет. Этот цвет в его модификациях наряду с трактовкой массы в целом и отдельных персонажей выражал идею праздника. «Ведь такой улицы надо было дождаться», - воспоминал живописец, убежденный, что «картина должна быть документом нашего потомства». Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 449.
Запечатлевая на холсте, казалось бы с документальной достоверностью конкретное событие, Кустодиев создает тот же, что и прежде собирательный образ массовых народных гуляний, вольно объединяя в одном картинном пространстве разнородные мотивы. Тут показаны десятки различных сценок, изображены все слои населения, люди разных профессий, возрастов, национальностей. Причем экзотические облики и одежды запечатленных здесь иноземных делегатов конгресса Коминтерна придают сверкающему торжеству картины особо широкий смысловой диапазон. Надо всей этой пестрой толпой развеваются красные знамена, подобные пламени радостного пожара, сыплется дождь листовок, мчится быстрый ветер, подгоняя разорванные облака, – ощущение праздника в итоге становится очень широким, масштабным и метафоричным.
Одноименный эскиз картины (1920, холст, масло) – ГРМ.
Рисунок „Международный митинг перед дворцом искусств (Международный праздник)“(1920, бумага, итальянский карандаш) – Музей-квартира И. И. Бродского, Петербург.
Рисунок „На площади Урицкого. Праздник“ (1920, бумага, карандаш) – ЦМЛ, Москва.
Рисунок „Праздник на площади Урицкого“ (1920, бумага, графитный карандаш) – ОР РНБ.
РЕКОМЕНДУЕМ
![]() |
Подробная информация о картине И.И.Бродского "Торжественное открытие II конгресса Коминтерна во дворце Урицкого в Ленинграде". 1920—1924 гг. и персонажах картины в приложении ARTEFACT. |
Пластина «Сельский сход»
- Палех, Ивановская область
- 1927
- Папье-маше, темпера, золото, лак, роспись. 12,5 х 18,5 х 0,8
- Государственный Русский музей
- ОНИ/Р-1791
Праздник 1 Мая у оседлых ненцев
- 1927
- Холст, масло. 126х163
- Национальная галерея Республики Коми, Сыктывкар
- Ж205
Народный художник РСФСР Федор Модоров известен своими портретами партизан, рабочих, руководителей партии и правительства.
В 1925 по заданию Ассоциации художников революционной России (АХРР) художник отправился в Коми, на Ижму и Колву, с целью изобразить, как народы северных окраин встретили Октябрьскую революцию. В поездке он создал ряд живописных произведений, портретов, сюжетно-тематических картин, которые были показаны на юбилейной выставке к 10-летию Октябрьской революции в Москве (1927), а затем в ноябре 1928 в Усть-Сысольске и переданы впоследствии в художественный отдел краеведческого музея Коми автономной области.
Полотно написано Федором Модоровым по впечатлениям от поездки в Коми край в 1925 году, когда он посетил Усть-Сысольск, проплыл по реке Печоре, посетил северные коми селения. Работа представляет празднование 1 Мая в селе Колва. Картина экспонировалась на выставке, посвященной десятилетию Октября, открывшейся в январе 1928 года в Москве, под названием «Первомайский праздник у зырян».
Демонстрация
- Эскиз картины «Демонстрация на проспекте 25 октября (в Ленинграде)» (1934, ГТГ)
- 1930
- Холст, масло. 88 х 61
- Государственный Русский музей
- Ж-4378
В 1920–1930-е годы историко-революционная тема стала определяющей в творчестве Бродского. Портреты руководителей советского государства, картины, посвященные октябрьским событиям и гражданской войне, сцены празднеств художник писал в строго академической манере, добиваясь наибольшей визуальной достоверности. В этом смысле подобные работы заметно отличались по своему решению от более свободных, подчас с импрессионистскими колористическими интонациями, портретов и пейзажей более раннего периода. В плане классической перспективы развернуто пространство Невского проспекта, заполненное колоннами демонстрантов с красными транспарантами. Движущаяся масса людей, кумачовые полотнища с лозунгами над их головами, пронзительно голубое небо с дальними легкими облаками, высвеченные солнцем дома и само шествие придают картине мажорное праздничное звучание. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 444.
Встречают челюскинцев
- 1934
- Цветной картон, цветной карандаш, сангина. Л.: 68,2 x 100,8; И.: 68,2 x 100,8
- Государственный Русский музей
- РС-586
Пароход, названный в честь русского мореплавателя и исследователя Севера Семена Челюскина (1700? — 1764/1766?), вышел из Мурманска во Владивосток 2 августа 1933 года. Предполагалось, что пароход откроет регулярную навигацию по Северному морскому пути и тем самым подтвердит приоритет Советского Союза в Арктике. Но 23 сентября он был заблокирован льдами в Чукотском море и дрейфовал почти пять месяцев. 13 февраля 1934 года «Челюскин» был раздавлен льдами и затонул. Люди сошли на окружающие льды, им удалось даже перенести кирпичи и доски, из которых они построили бараки. В результате катастрофы на льду оказались 104 человека, в том числе дети. Трагедия в Беринговом проливе всколыхнула всю страну. В Москве был создан штаб по спасению челюскинцев. Эвакуацию решено было осуществлять с помощью авиации. С 5 марта по 13 апреля 24 рейсами челюскинцы были вывезены на материк летчиками Анатолием Ляпидевским, Василем Молоковым, Николаем Каманиным, Маврикием Слепневым, Михаилом Водопьяновым и Иваном Дорониным. 19 июня 1934 года в Москве участники экспедиции были торжественно встречены руководителями государства и жителями столицы. Летчики, снявшие челюскинцев со льдины, стали первыми Героями Советского Союза. К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С. 48.
«... И вот мы спасены! Последний этап челюскинской эпопеи был сплошным радостным праздником. Я никогда не думал, чтобы мне, изведавшему невеселое детство, годы скитаний и горечь одиночества, довелось пережить [439] такие дни, такую теплоту и внимание, какие оказывали нам на пути в Москву. Это была дорога, переполненная теплом, радостью встреч и цветами. Еще во Владивостоке самолеты сбрасывали нам на палубу маленькие пучки душистых ландышей. И вплоть до Москвы вокзалы городов, станций и полустанков утопали в знаменах, плакатах, цветах. Так встречала нас родина, и в ответ на это внимание и любовь мы клятвенно заверяли рабочих, красноармейцев, колхозников, заверяли на митингах и в документах быть мужественными и преданными нашей стране, как и в дни ледяного плена». (Фрагмент главы Федор Решетников. История и география моей жизни из книги «Поход «Челюскина». М. 1934)
Юным ленинцам большевистский привет
- 1934
- Бумага, хромолитография. 69,9 х 96,2
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-661
Плакат 1920-х годов представлял собой яркое, харизматичное явление. Диапазон и композиционных, и пластических решений, а также качество исполнения — как художественного, так и технического — был чрезвычайно широк. И в этом многообразии действительно отражались и беды, и надежды, и устремления общества той противоречивой эпохи. Но начиная с 1930-х годов в государственном масштабе проявляется тенденция к лакировке действительности. Акценты в сфере визуальной пропаганды смещаются в сторону достижений при замалчивании проблем. Плакат вообще, и «детский» в том числе, приобретает декларативно-ритуальные черты, нередко сводясь к чистому идеологическому посылу.
Плакат 1920-х годов представлял собой яркое, харизматичное явление. Диапазон и композиционных, и пластических решений, а также качество исполнения — как художественного, так и технического — был чрезвычайно широк. И в этом многообразии действительно отражались и беды, и надежды, и устремления общества той противоречивой эпохи. Но начиная с 1930-х годов в государственном масштабе проявляется тенденция к лакировке действительности. Акценты в сфере визуальной пропаганды смещаются в сторону достижений при замалчивании проблем. Плакат вообще, и «детский» в том числе, приобретает декларативно-ритуальные черты, нередко сводясь к чистому идеологическому посылу.
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С.13.
Всероссийский праздник труда 1 мая 1920 года
- 1935
- Холст, масло. 150,5 х 252
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1829
Изображен один из первых всероссийских коммунистических субботников в Ленинграде. Возможно, Бучкин готовил картину для Первой выставки ленинградских художников (1935), на которой тема труда и ударничества стала программной. Необходимая в условиях Гражданской войны и экономической разрухи работа в субботу — в данном случае посадка первых деревьев на площади Жертв Революции, как называлось тогда Марсово поле, стала позднее народным движением. Но художника в этом событии увлекала темы современности, массового праздника и народного гуляния. Картина создавалась на материале натурных зарисовок и набросков.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 26.
С. М. Киров принимает парад физкультурников
- 1935
- Холст, масло. 305 х 372
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1962
Киров (Костриков) Сергей Миронович (1886–1934) — деятель Коммунистической партии и Советского государства, в 1926–1934 годах первый секретарь ленинградского губернского комитета ВКП(б).
После убийства Кирова (1934) в живописи и скульптуре появляется множество портретов и произведений на тему его реальной или мифической биографии. Самохвалов пишет портрет Кирова, картину «Киров на стройке» и, наконец, первую в своем творчестве «большую» картину-панно «С. М. Киров принимает парад физкультурников». Работа над картиной длилась долго. Увлеченный идеей фресковости, Самохвалов занимался колористическими экспериментами, добиваясь, чтобы цвет звучал декоративно и вместе с тем был близок к жизненной естественности.
Действие картины происходит на Дворцовой площади Ленинграда. Ее пространство замыкает фасад здания Штаба с огромным портретом Ленина. Взгляды физкультурников устремлены к трибуне, к радостно приветствующим их Кирову и другим членам ленинградского правительства, которым группа девушек в стремительном движении подносит цветы. В замысле и воплощении картины отразилась важная тенденция советского искусства 1930-х годов — утверждение образа «нового человека» коммунистического «завтра». Физкультура и спорт становятся залогом грядущего физического совершенства «нового человека» и актуальной темой в искусстве. «Я любил физкультуру именно как культуру здорового человека, жизнелюбивого и жизнерадостного... Меня привлекал здоровый творящий дух в здоровом теле» — писал Самохвалов. Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 347.
Премирование ударниц-текстильщиц фабрики «Красная роза»
- 1936
- Картон, масло. 92,0 х 142,0 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-2693
Сергей Михайлович Луппов – известный советский живописец и график. художник активно разрабатывает темы созидательного труда, красоты и силы советского человека – молодого строителя социализма в СССР. С. М. Луппов принимал активное участие в оформлении городов к революционным праздникам, выполнял агитационные плакаты. Темой многих его полотен становятся такие неотъемлемые составляющие нового образа жизни гражданина молодого советского государства, как парады и массовые праздники.
В 1988 году из Министерства культуры РСФСР в Калининскую областную картинную галерею поступила работа 1936 года «Премирование ударниц-текстильщиц фабрик и ”Красная роза“». До 1919 года это московское предприятие было крупнейшей в Российской империи шелкоткацкой фабрикой, которой владело акционерное общество «К. О. Жиро Сыновья». После национализации по просьбам многотысячного трудящегося женского коллектива она получила название «Красная Роза» в честь известного деятеля социал-демократии, представительницы революционного марксизма Розы Люксембург.
На полотне, находящемся в постоянной экспозиции Тверского императорского дворца, изображена многофигурная композиция праздничного мероприятия. В основе колористического решения картины – излюбленное мастерами социалистического реализма сочетание светлых тонов и красного кумача, который служит объединяющим рефреном всего полотна. Торжественность и всеобщая радостная атмосфера трудового подвига пронизана солнечным светом теплого летнего дня.
Колхозный праздник
- 1937
- Холст, масло. 188 x 307
- Государственный Русский музей
- Ж-5699
На картине изображена сцена колхозного праздника урожая. Этот праздник совсем не относится к числу нововведенных советской властью; он вырос из традиционных русских народных гуляний, отмечающих важные вехи в годовом жизненном цикле. Суть праздника осталась прежней: закончены труды по выращиванию урожая, пришло время труженикам «пожинать плоды», природа была милостивой и щедро наградила их дарами. «Жить стало лучше — жить стало веселее!» — читаем на транспаранте, который венчает портрет правителя советского государства И. В. Сталина. Это уже примета советского времени. Она призвана подчеркнуть новую «историческую правду» и перенести народный праздник, завершающий страдную пору, за рамки конкретного села, превратив его в праздник всенародный.
Пластов создал свою картину на основе огромного числа этюдов, выполненных с односельчан. Он родился и прожил бoльшую часть своей жизни в селе Прислониха (недалеко от Ульяновска), посвятив все свое творчество сельской теме. Персонажи его картины — реальные люди 1930-х годов, навсегда, поэтично и искренне, запечатленные рукой мастера. Вместе с тем, идеализированное изображение изобилия, веселья — программное явление в советском искусстве 1930-х годов, для которого сюжет праздника становится одним из насущных. Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 348.
Колхозный той
- 1937
- Холст, масло. 100 х 150
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- Ж-385
Ярким примером соцреализма является полотно крупнейшего казахского художника Абылхана Кастева «Колхозный той». Социалистический реализм являлся основным методом советского искусства и требовал от художника отражения культурной и индустриальной революции того времени. Художники были призваны творить искусство «национальное по форме и социалистическое по содержанию».
На картине с большой многофигурной композицией с развернутым сюжетом о колхозной жизни изображен праздник урожая, радость, окончившего труда. Полотно привлекает своей яркой красочностью и массовостью. В кругу зрителей танцует девушка, слева коллектив колхозников угощается кумысом, на дальнем плане, в палатке гости слушают патефон. Произведение ярко передает радостное настроение праздника. Картина олицетворяет соединение прошлого через сохранение национальных традиций – танцы, костюмы, ритуалы, – с новаторскими проявлениями настоящего – сельскохозяйственная техника, знамя социализма, патефон…
Ысыах
- 1937
- Холст, масло. 139,5 х 200,0.
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-1107
Монументальное полотно якутского художника Петра Романова «Колхозный ысыах» – первое в истории якутского изобразительного искусства живописное сюжетно-тематическое произведение. Ысыах был организован в сентябре 1936 г. недалеко от с. ЧаранУсть-Алданского улуса, в честь празднования 15-летия Якутской автономии.
На этот народный праздник были приглашены многие известные люди того времени: политические деятели, представители творческой интеллигенции, легко узнаваемы в толпе писатели Амма Аччыгыйа, Кюннюк Урастыров, слева художник изобразил себя. В центре изображен легендарный якутский спортсмен Дмитрий Босиков – «Кынаттаах кылыыhыт», равных которому не было в состязаниях по якутским традиционным прыжкам в 30-40-е гг. XX века.
В полотне по-новому предстает образ советских людей – это сильный духом, переживший революцию и гражданскую войну народ с верой в светлое будущее, еще не ведающий о предстоящих скорых репрессиях и начале Великой Отечественной войны. Написанная в наивно-реалистической манере, работа демонстрирует умение автора создать композиционную картину народного праздника, передать своеобразную энергетику времени. Введение в повествовательную канву полотна портретных изображений известных людей Якутии придало ему историко-документальный характер.
Праздник на Неве
- 1939
- Бумага, литография. Л. 41,6х57,1; И. 32х43,3
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-16247
Гимн Октябрю
- 1942
- Холст, масло. 406 х 710
- Государственный Русский музей
- Ж-5846
Изображено торжественное заседание московских депутатов трудящихся с представителями партийных и общественных организаций Москвы 6 ноября 1942. Среди изображенных: А. А. Андреев, А. И. Антонов, Л. П. Берия, С. М. Буденный, В. Л. Василевская, А. М. Василевский, Н. А. Вознесенский, Н. Н. Воронов, К. Е. Ворошилов, автор, И. Э. Грабарь, Джамбул Джабаев, А. А. Жданов, Л. М. Каганович, М. И. Калинин, A. Е. Корнейчук, А. Н. Косыгин, Н. Г. Кузнецов, Г. М. Маленков, К. А. Мерецков, А. И. Микоян, С. М. Михоэлс (Вовси), В. М. Молотов (Скрябин), И. М. Москвин, B. И. Немирович-Данченко, И. Д. Папанин, И. В. Сталин (Джугашвили), А. К. Тарасова, И. Ф. Тевосян. С. К. Тимошенко, А. Н. Толстой, Д. Ф. Устинов, Н. С. Хрущев, К. И. Чуковский, Б. М. Шапошников, Н. М. Шверник, М. Ф. Шкирятов, Д. Д. Шостакович, А. С. Щербаков, А. А. Яблочкина, Е. М. Ярославский.
Герасимов — один из самых известных выразителей официального советского искусства, непревзойденный мастер помпезных композиций, отражающих культ вождя. И в этом смысле «Гимн Октябрю» — выдающееся в своем роде произведение. Вымысел и действительность, их взаимопроникновение, составляли суть реализма эпохи. Выразить миф в реалистическом образе значило отразить в искусстве истинную правду жизни. Оптимизм такого рода не был связан с реалиями будней, он существовал как принцип, как установка. На картине изображено торжественное заседание московских депутатов трудящихся с партийными и общественными организациями Москвы, проходившее 6 ноября 1942 года в Большом театре и посвященное 25 годовщине Октябрьской революции.
В картине нарисовано более 200 человек, и помимо точного соответствия партийных и общественных деятелей в президиуме, в ложах художник изобразил известных ученых, писателей, артистов, композиторов, художников, среди которых показал и себя. Картина была написана за шесть месяцев. Состояние праздничной атмосферы, торжественный пафос в этом полотне ничем не напоминают о трагедиях войны за пределами картинного мира. Подобное содержание требовало соответствующей экспрессии, сложной композиции, особой режиссуры света, способных подчеркнуть миссию вождя, его волевую энергию, подчиняющую себе внимающих с благоговением людей. Цвет и свет играют самостоятельную содержательную роль в картине и создают свою пластическую драматургию. Начинаясь в декоративных элементах убранства театрального зала, играя всеми оттенками малиново-пурпурного бархата и золотой резьбы, переходя в украшения революционных и государственных атрибутов, цвет становится образно-метафорическим средством выражения идеи. Центр композиции образован вертикалью с бюстом В. И. Ленина, медальоном с профильным силуэтом И. В. Сталина, знаменательными цифрами «XXV» и гербом государства. Однако идеологической кульминацией и пластическим ядром становится фигура вождя на трибуне, сияющая в золотых лучах нисходящего сверху света. Так идеология и ее пластическое выражение неразрывным образом сложились в «большой стиль» эпохи, отмеченный Сталинской премией I степени 1943 года. // Алиса Любимова. Большая картина. СПб., 2006. С. 220-221.
Среди них (в президиуме): С. М. Буденный, К. Е. Ворошилов, М. И. Калинин, А. Н. Косыгин, Н. Г. Кузнецов, И. Д. Папанин, И. В. Сталин, Н. С. Хрущев. Написанное в годы Второй Мировой войны, это полотно приобрело особое значение. Торжествующие красные тона помогли внушить уверенность в том, что страна выйдет из войны победителем.
В ложе справа от сцены сидят представители Московского Художественного театра — основатель и директор театра В. И. Немирович-Данченко, слева от него в чёрном фраке — актер и режиссер МХАТа И. М. Москвин, а левее всех, опершись на руку, — О. Л. Книппер-Чехова, актриса и жена А. П. Чехова. Стоит — композитор Д. Д. Шостакович.
В соседней ложе — художник И. Э. Грабарь, писатели А. Н. Толстой и К. И. Чуковский, актриса А. К. Тарасова.
В ложе выше, в черном костюме с бабочкой — автор картины А. М. Герасимов, актриса А. А. Яблочкина (?).
Невский в праздник 9 июля 1945 года
- 1945
- Холст, масло. 75,5 х 101
- Государственный Русский музей
- Ж-9200
Изображен праздник, связанный с возвращением Ленинградской гвардии. Воины-победители прошли по Невскому проспекту, люди встречали их хлебом-солью, дарили цветы. Вечером состоялся праздничный салют. Согласно историческим документам праздник состоялся 8 июля 1945. Фактическая ошибка, допущенная Пакулиным, возможно, объясняется тем, что праздник продлился на следующий день, мистическим образом соединившись с праздником иконы Тихвинской Божией Матери. Помните!. К 80-летию полного освобождения Ленинграда от фашистской блокады. СПб. 2024. С. 145.
В определенном смысле завершает серию пейзажей Пакулина военных лет работа «Невский в праздник 9 июля 1945 года» (1945). Созданный художником образ вводит нас в атмосферу всеобщего ликования. Многочисленная толпа хлынула на просторы Невского. Увиденный с высоты, поток этот, кажется, нескончаем. В рассеянном свете летнего дня стирается граница между небом и землей и тем самым острее воспринимается масштаб происходящего. Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.15.
9 июля город встречал войска Ленинградского фронта. Радость этой встречи выплеснулась на солнечный Невский проспект бесчисленными группами людей, флажками на Аничковом мосту, откликнулась в жарком небе. Безмерна была радость горожан, встречавших победителей, отраженная в картине Пакулина. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 430.
В праздник. (В выходной день)
- Праздник в рабочем городке. [В выходной день. - Всесоюзная художественная выставка 1949 г.]
- 1949
- Холст, масло. 157 x 248
- Государственный Русский музей
- Ж-6069
Водный праздник
- 1949-1950
- Холст, масло. 185,0 х 242,0
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Ж-367
Народный художник РСФСР Георгий Нисский создал работу «Водный праздник» на рубеже 1940‑1950-х годов.
Высокое и чистое небо, в которое вписана крутая парабола вышки для прыжков и устремлены нарядные флагштоки и белоснежные паруса яхт, ‑ пожалуй, главный персонаж картины. Во всем разлиты умиротворенность и покой. В картине так легко дышится! Водный праздник ‑ лишь повод для обращения к теме парусного спорта Г. Нисского, который писал: «Трудно сказать, что я люблю больше ‑ живопись или парус. Пожалуй, сначала все-таки первое, но уж наверняка на втором месте парусный спорт».
Яхтенная серия, посвященная каналам Москва-Волга, возникла в творчестве художника еще в конце 1930-х годов. Картина «Водный праздник», продолжающая серию и написанная уже после войны, наполнена поистине эпическим звучанием: мастер индустриального пейзажа стремится пропеть гимн гармонии природы и творениям рук человеческих.
День выборов в Верховный Совет СССР
- 1949
- . 250 х 212
- Государственный Русский музей
- Ж-4405
В 1936 году новая (сталинская) Конституция утвердила всеобщее равное избирательное право. Первые выборы в Верховный Совет СССР прошли 12 декабря 1937 года. Пресса отмечала: «Выборы превратились во всенародный праздник. В голосовании приняли участие фактически все жители страны избирательного возраста». Александр Волков инсценирует один из фрагментов «всенародного праздника» в сельской местности. Радостно и воодушевленно спешат войти нарядные люди на избирательный участок, торжественно и чинно выходят оттуда; на крыльце перед входом играет гармонист; здание украшено приветственным транспарантом, плакатами, лентами в гирляндах, развеваются флаги. Изображенное вырастает до масштаба народного гуляния, в котором переплетены новые и старые традиции, воодушевление и наивная жажда праздника.
Новый год
- 1949 г.
- Холст, масло. 70,0 х 90,0
- Белгородский государственный художественный музей
- Ж-318
Московский живописец Юрий Пименов неоспоримо признан одной из самых ярких, непревзойденных и выдающихся фигур в советском изобразительном искусстве, его произведения хранятся в крупнейших музеях страны.
Творчество Пименова на тему повседневной жизни своих современников – это своего рода оттепель в советском изобразительном искусстве, ведь художник, вглядываясь в будущее, будто бы предчувствовал его, как новое свежее дыхание жизни возрождающейся страны, светлую ежедневную радость счастливых людей, верящих в прекрасную утопию коммунизма. И в соответствии с этим ожиданием лучшей жизни, он поэтически-позитивно воспел будни обыкновенных людей намного раньше, чем в официально признанном периоде «Оттепели» советского искусства.
Пименов написал картину «Новый год» в 1949 году. Центральным ее персонажем стал мужчина в военной форме, который стоит у праздничного стола с бокалом в руке. Полотно было создано всего через четыре года после завершения Великой Отечественной войны. В то время многие советские мужчины еще носили солдатские гимнастерки и галифе. В композиции картины Пименов использует прием построения кадра в кинематографе или сцены в спектакле. Передний план полотна «Новый год» занимает своеобразная авансцена — полутемная прихожая, в которой видны шубы и пальто на вешалке, обувь, пакет с мандаринами на тумбочке. Открытые двери, которые ведут из прихожей в комнату, напоминают театральные кулисы. «Сценой», где разворачивается основное действие, стала комната, в ней за праздничным столом собрались гости. Она ярко освещена, герои улыбаются.
Пименов тщательно проработал мелкие детали на картине. Обувь под вешалкой стоит в беспорядке, будто гости снимали ее поспешно, чтобы не мешать друг другу в маленькой прихожей. Мандарины лежат на тумбочке возле телефона: похоже, что в праздничной суете о них забыли. Вокруг стола расставлены разномастные стулья – скорее всего, их собрали по квартире или одолжили у соседей, чтобы рассадить всех гостей. Стрелки часов на комоде близятся к полуночи, до Нового года осталось всего несколько минут.
Произведение «Новый год» вызывает теплые чувства у зрителя благодаря убедительно-доверительной интонации, с которой художник повествует о неподдельной радости празднования Нового года в жизни обычных советских людей.
Первоклассница
- 1949
- Холст, масло. 148,5 × 120,5; в раме 161 × 134 × 9.
- Самарский областной художественный музей
- Ж-844
С возникновением Советского Союза ведущим художественным методом изобразительного искусства стал социалистический реализм. В 1950-е годы он сохраняется, но меняется интонация картин и главные герои. Художники все больше повествуют о буднях и праздниках простых советских людей. Картина Владимира Васильева «Первоклассница» (1949) по композиционному решению близка картине Ф. П. Решетникова «Прибыл на каникулы» (1948). В подобных оптимистичных картинах-рассказах каждая деталь, взгляд, жест красноречиво характеризуют изображенных автором персонажей.
Картина «Первоклассница», написанная в тёплой цветовой гамме, посвящена одному из самых волнительных и запоминающихся событий в жизни каждого человека – первому школьному дню. Здесь отображено не только личное переживание первоклашки. Важность ответственного момента ощущает и вся семья от мала до велика. Заранее куплена школьная форма, приготовлен букет для первой учительницы и, конечно же, предмет зависти для младшего братишки-дошколёнка – новенький портфель. На лице матери читаем разные эмоции – радость за дочь, волнение за её новый жизненный уклад, надежду на хорошее будущее. При этом старшая сестра смотрит снисходительно, у нее уже есть значительный школьный опыт. Нескрываемое восхищение и желание быть причастным к происходящему выражают поза и жесты младшего члена семьи.
Тема художником взята неспроста, картина написана в знаменательное время: первоклассники 1948–1949 годов были детьми, рождёнными в первые годы войны, теперь им под мирным небом открывается путь в светлое будущее.
«Великому Сталину слава!»
- 1950
- Холст, масло. 351 х 525
- Государственный Русский музей
- Ж-5872
Композиционно-колористический строй картины, созданной коллективом авторов (Ю. П. Кугач, В. К. Нечитайло, В. Г. Цыплаков) к Всесоюзной художественной выставке 1950 года, целиком и полностью подчинен идее представления вождя государства как вдохновителя и организатора величайших побед. Парадная лестница, ведущая вверх, руки аплодирующей толпы, распахнутые двери, символизирующие прорыв в бесконечность, и удачно срежиссированное освещение как нельзя лучше передают ликующее настроение присутствующих. Сталин предстает в сияющем ореоле, подобно небожителю, спустившемуся к толпе, близкий и недоступный одновременно.
В непосредственном окружении вождя находятся видные члены партии и правительства (Н. А. Булганин, А. И. Микоян, А. А. Андреев, Л. П. Берия, В. М. Молотов, А. Н. Косыгин и другие), знаменитые военачальники и летчики (К. Е. Ворошилов, И. Н. Кожедуб, А. И. Покрышкин), передовики производства (А. Г. Стаханов), а также видные ученые — президент Академии наук СССР физик С. И. Вавилов и директор Института генетики АН СССР Т. Д. Лысенко. Эта «встреча» академиков Вавилова и Лысенко (изображены слева, за перилами лестницы) — один из многочисленных парадоксов сталинского времени. Известно, что родной брат Сергея Вавилова Николай, виднейший генетик, основатель и директор Института генетики, был в 1940 году не без помощи Трофима Лысенко, начавшего борьбу против классической генетики, арестован и в 1943 году умер в тюрьме. Лысенко же после его ареста возглавил Институт и довершил разгром генетики. Далее на полотне следуют представители многочисленных народов, населяющих Советский Союз, дети и типические представители народных масс. Таким образом, идеологема «человек — толпа — вождь» находит здесь каноническое воплощение. // Алиса Любимова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 476.
За нашу партию. Золотая свадьба
- 1959-1960
- Холст, масло. 189,0 х 330,0
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Ж-460
Появившись в 1960 году на республиканской выставке в Москве, работа художника Ахмеда Китаева не осталась не замеченной критиками искусства, вызвав неоднозначные отзывы и оценки. Действительно, картина привлекает своей масштабностью и композиционным мастерством. Сочный колорит, праздничный строй произведения, крепкий живописный мазок воплотились в счастливых образах современников, в ярких красках нарядной одежды и щедро накрытого деревенского стола. Художник не забывает и героев произведения, вкладывая в их образы жизнеутверждающее начало ‑- веру в светлое будущее ‑ необходимое составляющее многих произведений советского периода. Из-за несоответствия идеи, заложенной в названии, и раскрытия темы, главные действующие герои оказались на втором плане, но художник намеренно увел их в глубь картины, стремясь сделать родоначальниками огромной «страны-семьи».
Праздник в Вороново (Чувашия)
- 1959–1960
- Холст, темпера. 240,0 × 304,0
- Самарский областной художественный музей
- Ж-1007
Картина «Праздник в Воронове» – одно из центральных в большом цикле произведений, созданных Леонидом Кабачеком и Ниной Веселовой о быте и труде, буднях и праздниках Чувашии. Село Вороново в Чувашии, расположенное в живописном месте, у моста через реку Цивиль, на старом тракте Нижний Новгород — Казань, всегда было излюбленным местом народных гуляний. На одном из таких событий в 1956 году удалось побывать ленинградским художникам Л. В. Кабачеку и Н. Л. Веселовой во время их творческой экспедиции по Поволжью, Приуралью и Кустанайским степям. Впечатление от увиденного легло в основу картины «Праздник в Воронове».
Композиция строится на перехлесте диагоналей – из верхнего правого угла в нижний левый движется ватага поющих подвыпивших парней с гармошками (важным событием такого праздника в селе Вороново было состязание парней – кто кого перепоет). Другая диагональ, составляемая женской половиной села, изгибается слева направо. На ветру, существуя как бы отдельно, парусят женские юбки. И если характерные фигуры парней вполне трактуются в духе 1950-х, то женщины чувашского села воплощают собой народную стихию. Похоже, что авторы, находясь под впечатлением от работ художников-символистов рубежа XIX–ХХ веков, нагружают особым смыслом женские образы в картине, являя нам основные фазы женского возраста: детство, молодость, старость.
Мы видим здесь наивную маленькую девочку – в нижнем левом углу; чуть выше – серьезную девочку-подростка; вот испуганно глядящая молодуха в платке, повернувшаяся в нашу сторону, именно с ней мы сразу встречаемся взглядом. Правее в рост – женщина в сиреневом сарафане, с заметной болью в глазах, она одинока в этой бурлящем действе и своим интеллигентным видом выпадает из общего «этнографического» фона. Прямо под ней – старуха с благостно-спокойным, лунообразным лицом. Рядом же несколько вполне колоритных веселящихся баб – в совершенно малявинском духе.
Удивительно, что в конце 1950-х Веселова и Кабачек сумели ускользнуть от стереотипов тематической картины в традиционном соцреалистическом духе. Их «Праздник» органично сочетает в себе как некоторые приемы «хоровой композиции» исторических полотен рубежа XIX–ХХ веков, так и явственные особенности декоративного панно стиля модерн. При этом, несмотря на перенасыщенность полотна фигурами, деталями, подчеркнутую экспрессию отдельных форм, «Праздник в Вороново» не воспринимается эклектичным и пестрым, напротив, он привлекает своей целостностью и завершенностью.
Первомайская демонстрация в г. Барнауле
- 1964
- Картон, масло. 51,7 х 71,4
- Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
- Ж-2749
Торжественный городской пейзаж, в котором автор легко и точно передает атмосферу одного из главных советских праздников в Барнауле.
1 мая - День международной солидарности трудящихся.
Праздник возник в середине XIX века в рабочем движении, выдвинувшем в качестве одного из основных требований введение восьмичасового рабочего дня.
Первыми с требованием восьмичасового рабочего дня выступили рабочие Австралии 21 апреля 1856 года, отмечая с тех пор праздник ежегодно.
1 мая 1886 года в США и Канаде также прошли митинги и демонстрации. При разгоне такой демонстрации в Чикаго 4 мая 1886 года погибли шесть демонстрантов. В результате последовавших массовых выступлений погибли полицейские. Восемь рабочих были казнены по ложному обвинению в организации взрыва.
В память о казнённых Парижский конгресс II Интернационала по предложению американских рабочих объявил эту дату Днём солидарности рабочих всего мира, и предложил отметить его демонстрациями с требованием 8-часового рабочего дня и другими социальными требованиями.
В Российской империи Первое мая как день международной солидарности трудящихся впервые отметили в 1890 году в Варшаве. С 1897 года маёвки стали носить политический характер и сопровождались массовыми демонстрациями.
После Октябрьской революции 1917 года праздник стал официальным. В РСФСР первоначально он назывался «День Интернационала», позднее, с 1972 года, он стал называться «День международной солидарности трудящихся — Первое Мая» и отмечался 1 и 2 мая. 1 мая проводились демонстрации трудящихся и военные парады. На второй день праздника, как правило, во всей стране проходили «маёвки» — массовые празднования на природе.
1 сентября
- 1969
- Холст, масло. 96 х 65
- Национальный музей им. А.В.Анохина, Горно-Алтайск
- Ж-1010
Уроженец Казахстана Сергей Янсон основную часть жизни прожил в Горно-Алтайске. Природа Горного Алтая заворожила художника, он посвятил свое творчество этой удивительной земле, ставшей для него второй родиной. В течение 20 лет он работал преподавателем рисования в Горно-Алтайском государственном педагогическом училище. С 1971 по 1988 возглавлял Горно-Алтайскую художественную школу. Работал в жанрах пейзажа, портрета, натюрморта, станковой живописи.
На картине «1 сентября» изображена сидящая девочка в школьной форме: белый бант, воротник и красный галстук украшают школьную форму темно-коричневого цвета.
Единая советская школьная форма в СССР была введена в эпоху Сталина. В 1949 году, когда начался переход ко всеобщему семилетнему образованию, для советских школьников было решено вновь ввести обязательную школьную форму. Девочки стали носить коричневое платье с чёрным фартуком по будням и белым по праздникам. Белый бант, как на портрете Сергея Янсона, девочки носили по праздникам.
Картина написана в Горном Алтае.
Праздник
- 1970-е
- Холст, масло. 200 × 202
- Ярославский художественный музей
- Ж-1963
В коллекциях различных музеев стран СНГ можно встретить как театральные работы казахской художницы Гульфайрус Исмаиловой (эскизы декораций, нарядов), так и множество портретов её кисти. Полотно «Праздник», в свою очередь, является жанровым произведением, раскрывающим красоту восточного торжества. Работа декоративна, в выверенной композиции звучат отголоски народных орнаментов. Танцующие девушки изображены в национальных казахских костюмах. Их фигуры, словно лозы, обрамляют, обвивают главное действующее лицо любого праздника – музыканта. В руках молодого человека народный инструмент – домбра (струнный щипковый музыкальный инструмент, существующий в культуре казахов, ногайцев, калмыков). Традиции, праздники объединяют поколения, поэтому слева изображена пожилая женщина, символизирующая прошлое, предков, справа же – новое поколение, молодежь страны Советов, которая знает и чтит народные традиции.
Неслучаен и фон – яблоневые деревья с сочными плодами. В отличие от европейской, христианской трактовки, в Казахстане яблоко является символом плодородия и целомудрия. Важно, что и название прежней столицы – на казахском языке «Алматы» – переводится на русский язык как «Яблоневое».
Талант Гульфайрус Мансуровны, развивавшийся, расцветавший в условиях академического искусства, своими корнями уходил в казахскую традицию. Поэтому и в работах художницы классическая техника сосуществует с народными образами и символами.
Омск. Первомай
- 1971 г.
- Бумага, темпера, пастель. 73 х 102
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-882
В 1971 году омский пейзажист-лирик Валентин Васильевич Кукуйцев написал праздничную картину, увиденную им из окна мастерской в Доме художника: красочное шествие первомайских колонн под алыми флагами. Эта работа – уникальный пример обращения художника к событиям из жизни города. В тот год Омск был награжден орденом Трудового Красного знамени, а четыре омских завода, Омский сельскохозяйственный институт имени С. М. Кирова и ряд предприятий были удостоены ордена В. И. Ленина.
Праздник во Владивостоке
- 1971
- Бумага на картоне, темпера. 60х80
- Приморская государственная картинная галерея (Владивосток)
- Ж-671
В пейзажах приморского живописца Василия Бочанцева большое место занимает природа севера Сибири (Ленские прииски, Витим), белокаменные храмы Древней Руси. Бочанцев был превосходным портретистом. Подлинным размахом отличается историческая живопись мастера. Главной темой творчества живописца Василия Бочанцева стала история России начала ХХ века. Белое движение, революционные события 1917 г. и связанная с ними народно-освободительная борьба.
День Победы
- 1972–1975
- Холст, масло. 199 x 187
- Государственный Русский музей
- Ж-9536
Глеб Александрович Савинов ‒ известный советский живописец и педагог, заслуженный художник РСФСР. Родившись под Харьковом, уже в семь лет вместе с семьей переезжает в Петроград. Отец художника Александр Иванович Савинов ‒ известный живописец и педагог, профессор в Академии художеств, знакомый со многими художниками того времени, что существенно повлияло на становление дарования Глеба Савинова в будущем.
В 1940 году Глеб Александрович заканчивает Институт имени Репина и в том же году призывается на службу на Балтийский флот, где служил рядовым стрелковой бригады и участвовал в обороне Ленинграда. Даже во время тяжелой службы художнику удавалось реализовать свой талант художника, что скоро было оценено по достоинству командованием ‒ его назначают художником Балтийского экипажа. Опыт службы на фронте, потеря преданного искусству отца в блокадном Ленинграде ‒ эти жизненные вехи навсегда оставят отпечаток на творчестве Глеба Савинова. В его работах ‒ красочных и мастерски выполненных всегда много воздуха, свободы, они полны ощущением мирной жизни.
К тридцатилетнему юбилею Победы Глеб Александрович заканчивает крупную картину “День Победы”. Картина написана в ярких радостных тонах ‒ всюду солнце, цветение и жизнь. Искаженная перспектива отсылает к опытам со сферической перспективой К.П. Петрова-Водкина, дружившего с отцом Глеба Савинова. Здесь изображен не величественный государственный праздник, а семейный личный день памяти о прошлом. Три поколения большой семьи собрались за столом девятого мая, как их многочисленные соседи. Молодые выглядят мирно и беззаботно, и только в фигурах и выражении лиц ещё совсем не старых родителей видны следы тяжелых испытаний, тревожной памяти о прошлых днях.
Е.Б. Могилевский, В.М. Ахунов. Материалы к аудиогиду по выставке «Память» для платформы Izi.travel. 2020
Молодые. Свадьба
- 1972
- Холст, масло. 133,0 х 219,0 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-2280
Для выдающихся мастеров реалистической школы живописи послевоенных лет Сергея Петровича и Алексея Петровича Ткачевых Тверской край сыграл особую роль в развитии их искусства. В первые послевоенные годы братья Ткачевы учились в Московском художественном институте имени Сурикова у таких признанных классиков отечественного изобразительного искусства, как Игорь Грабарь, Георгий Ряжский и Дмитрий Мочальский. Сами братья Ткачевы отмечали, что на развитие их таланта значительное влияние оказали Сергей Герасимов и Аркадий Пластов, чьи пейзажи и пейзажно-жанровые полотна вдохновляли молодых художников.
Совместную творческую деятельность живописцы начали в начале 1950-х годов, когда однажды Алексей нарисовал эскиз, а Сергей раскрасил его акварелью. Это был этюд к их первой картине. Удивительно, но совместная работа не стерла индивидуальную живописную манеру братьев: каждому из них удалось сохранить свое творческое начало, обогатить и дополнить художественный метод друг друга. Созданию каждой картины предшествует огромная подготовительная работа – большое количество этюдов и рисунков. Работая над композиционным решением полотен, они пробуют разные варианты, особое внимание уделяя точности деталей изображаемого.
К темам, отраженным в картинах художников Ткачевых, относятся: быт русской деревни, военные будни, восстановление села, тяжелый женский труд, но вместе с тем и озорные забавы детворы, деревенские праздники и отдых простых людей. Изображая реальных персонажей, авторы стремятся к типизации образов и ситуаций, раскрывая правду времени, одновременно наполняя свои работы тонким лиризмом, поэтизируя своих героев.
Тема широких деревенских гуляний отражена в жанровой картине «Молодые. Свадьба» (1972). Многофигурная композиция изображает гостей и новобрачных, идущих по расстеленному половику в дом, где их встречают караваем с солью. Картина, повествующая о свадебных обычаях и создании новой семьи, наполнена ярко выраженным национальным колоритом.
Москва праздничная
- 1974-1975
- Холст, масло. 338 x 400
- Государственный Русский музей
- Ж-10397
Никонов никогда не повторял раз найденных приемов. В любой своей картине он находит уникальное живописно-образное воплощение, разрабатывает новую стилистику. „Москва праздничная“ была подготовлена и экспонирована на выставке московских художников и Пятой республиканской выставке „Советская Россия“, посвященных очередному ХХV съезду партии. Картина была написана как парная к картине „Москва трудовая" Э. Г. Браговского и прекрасно живописно-композиционно передавала праздничную атмосферу столичного утра, песенную широту московских просторов; приподнятость и свежесть интонаций звучали гимном любимому городу. // Альфия Низамутдинова. Большая картина. СПб., 2006. С. 282.
Парная к картине Э.Г.Браговского "Москва трудовая". 1974-1975 (ГРМ).
День Победы
- 1975
- Холст, масло. 114 x 125
- Государственный Русский музей
- Ж-10144
Торжество жизни после опустошительной войны, наряду с памятью воевавших и не вернувшихся предков — частые темы художников послевоенного поколения. Праздник на этих полотнах лишен бравурного великолепия — это время воспоминаний, время отдать дань павшим и насладиться миром.
Памятный день Победы нашел свое отражение в жизнерадостной работе Валентина Сидорова. Победа яркой, бьющей ключом жизни над смертью — вот главная тема таких полотен.
Егор Могилевский. «ЛУЧШАЯ ПАМЯТЬ ИМ — ПРАВДА…» // Память. К 75-летию победы в Великой Отечественной войне . СПб, 2020. С. 10.
У Вечного огня
- 1970-1980-е (?)
- Холст, масло. 79,5 х 60
- Вольский краеведческий музей
- ВКМ 15149-2
Вечный огонь — постоянно горящий огонь, символически знаменующий собой торжественную память народа о павших героях, борцах за свободу, за честь Родины. В нашей стране сложилась замечательная традиция у молодоженов приходить к вечному огню и возлагать к нему цветы. На картине вольского художника Алексея Тагаева, прошедшего всю войну в составе зенитно-артиллерийской части, молодожены отдают дань павшим воинам, возлагают цветы к мемориальному комплексу «Вечный огонь» на центральной площади города Вольска. Этим символическим ритуалом они благодарят своих предков за то, что они имеют счастье сейчас стоять на этой земле и праздновать такой важный день в своей жизни как свадьбу, создание новой семьи.
Зажгли ёлку
- 1976
- Холст, наклеенный на дерево, масло. 150 х 100
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-1370
Радость встречи Нового года для каждого из нас ассоциируется с множеством приятных моментов – ароматами хвои и мандаринов, поиском подарков, детскими воспоминаниями, семейными традициями, надеждами и ожиданиями. Атмосфера Нового года привлекала многих как отечественных, так и зарубежных художников. Они с удовольствием писали нарядные ели, заснеженные улицы и весёлые гуляния, тем самым создавая праздничное настроение.
Картина Михаила Кугача «Зажгли елку» – по-настоящему волшебная работа. Перед сверкающей яркими огнями елью, замерли в немом восхищении и предвкушении чуда две детские фигурки. С удивительной нежностью и теплотой изображает автор, полные трепетного ожидания и трогательной сосредоточенности, лица. Художник использует световые эффекты для выделения зелёной красавицы, искрящейся в отблесках огней гирлянд, из-за чего сцену окутывает золотистое мерцание. Михаилу Юрьевичу действительно удалось запечатлеть ту самую, добрую, сказочную и радостную атмосферу праздника, благодаря чему от картины невозможно оторвать взгляд.
8 марта
- 1978
- Холст, масло. 58,0 x 67,0
- Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
- Ж-151
Дмитрий Константинович Свешников придерживался реалистического направления в живописи. В 1950-е годы в творчестве художника появилась тема, определившая на многие годы его творческую судьбу, – ненецкая тундра и её люди. Быт этого народа, испокон веков занимавшегося оленеводством и морскими промыслами, получил отражение в живописи Свешникова. Более пятидесяти лет творчества отдал он Северу, Заполярью.
Картина «8 марта» отражает праздничное настроение ненецкой женщины: она – мать и хозяйка, швея и неутомимая труженица, она та, кто налаживает и держит весь тундровый быт. На холсте художника мы не увидим весны в полном понимании этого слова, мы не увидим и весенних цветов, но зато здесь ярко представлено многообразие ненецкой женской традиционной одежды, сшитой руками неутомимых мастериц. Праздник в тундре – это время и повод, когда можно продемонстрировать свои наряды и мастерство их пошива. Женщины тундры скромны и полны достоинства, на полотне они запечатлены в движении вперёд – к новой жизни, к новым целям и достижениям. Если можно так выразиться, динамичность композиции – кредо художника.
Дмитрий Константинович говорил: «Я всегда думал, что искусство должно правдиво отображать эпоху, должно быть понятно каждому человеку, должно служить своему народу. Главное в искусстве – правда. Я горд, что мои картины, разлетевшиеся по стране, не просто висят на выставках, а работают там, рассказывая всем о ненецком народе».
Праздник в моей деревне. Сабантуй
- 1978
- Холст, масло. 190 х 200
- Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан (Казань)
- Ж-1557
Со второй половины 1970-х годов имя молодого живописца Шамиля Шайдуллина становится заметным в изобразительном искусстве Татарстана. Художник работает в области портрета, пейзажа, композиционной, тематической картины, посвященной как современной, сельской жизни татарского народа, так и революционной, героической истории края и страны. Произведения Шайдуллина наделены большой цветосилой, извлеченной на раннем этапе из школы Е. Е. Моисеенко, который учил глубоко вживаться в тему произведения, мыслить крупно и масштабно.
«Праздник в моей деревне. Сабантуй» посвящен народному, национальному празднику. Художник создает «ковер» – плоскостное пространство до предела равномерно и обобщенно заполнено группами людей, между которыми происходят различные действия и сюжеты – сцены праздника в антураже летней зелени. Это и борьба «куреш», и лазание на шест, бег с яйцами, бой мешками и многое другое, что наполняет этот праздник. Татарский праздник предстает поэтическим видением, в котором отдельные сцены сливаются в единую симфонию. Ликующее восприятие жизни выражено звонкостью и насыщенностью красок. Ритмически повторяющиеся округлые линии образуют орнаментальные узоры. Создавая картину, художник опирался на фольклорное представление о сабантуе как кульминации народного веселья, ему удалось выразить эту идею всем образным строем произведения.
Первомайская демонстрация
- 1979
- Бумага, пастель. 84,3 х 88,4
- Художественный музей «Арт-Донбасс», Донецк
Праздник на советско-монгольской границе
- 1979
- Холст, масло. 94,5 х 125,0
- Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
- Ж-999
Физкультурное представление в день провозглашения Таджикской Автономной Советской Социалистической республики 15 марта 1925 г.
- 1979
- Холст, масло. 115,0 х 139,5 см
- Национальный музей Таджикистана, Душанбе
- Ж 1725
В картине «Физкультурное представление в день провозглашения Таджикской Автономной Советской Социалистической Республики 15 марта 1925 г.» вновь использована характерная для творчества таджикского художника Ашура Хайдарова многофигурная композиция. На переднем плане справа изображены три всадника. Впереди, на светло-коричневатом коне – мужчина в полосатом халате, буденовке, с саблей у пояса. Рядом – конник в темно-охристом халате и чалме. Правее анфас – молодой красноармеец в красном халате и буденовке с опущенными ушами. Над ним развевающееся Красное знамя. Все трое смотрят на всадника, берущего на коне барьер в виде сложенных крестом досок. За скачками наблюдают зрители. Здесь на невысоком топчане, покрытом паласом, сидит старик в полосатом халате, на голове – тюбетейка, обвязанная чалмой. Рядом, спиной к зрителю, стоит мальчик в халате. Перед стариком чайник с пиалой. За спиной старика стоит мужчина в пестром халате, в высокой меховой шапке. Левой рукой он касается подбородка. На дальнем плане на фоне высокого здания – толпа людей с транспарантами. Вдали – высокие горы, облачное небо.
Праздник
- 1980
- Холст, масло. 170 х 150
- Национальный музей им. А.В.Анохина, Горно-Алтайск
- Ж-1425
Нина Сергеева родилась в поселке Юзовка близ Донецка на Украине. Училась в Харьковском художественном институте. После войны (1945–1950 гг.) продолжила обучение в МГХИ им. В. И. Сурикова. В 1960–1970-е годы художница много ездила по стране. Результатом этих поездок стали большие и интересные серии работ, рассказывающие о природе и людях нашей страны, их труде и жизни.
На картине «Праздник» изображена первомайская демонстрация в Горно-Алтайске. На первом плане в центре – молодая семья. Слева – две девушки в алтайской национальной одежде.
Подробнее:
1 мая – День международной солидарности трудящихся (с 1972. В РСФСР первоначально он назывался «День Интернационала» – с 1917 по 1972).
Праздник возник в середине XIX века в рабочем движении, выдвинувшем в качестве одного из основных требований введение восьмичасового рабочего дня. Первыми с требованием восьмичасового рабочего дня выступили рабочие Австралии 21 апреля 1856 года, отмечая с тех пор праздник ежегодно. 1 мая 1886 года в США и Канаде также прошли митинги и демонстрации. При разгоне такой демонстрации в Чикаго 4 мая 1886 года погибли шесть демонстрантов. В результате последовавших массовых выступлений погибли полицейские. Восемь рабочих были казнены по ложному обвинению в организации взрыва.
В память о казнённых Парижский конгресс II Интернационала по предложению американских рабочих объявил эту дату Днём солидарности рабочих всего мира, и предложил отметить его демонстрациями с требованием 8-часового рабочего дня и другими социальными требованиями.
В Российской империи Первое мая как день международной солидарности трудящихся впервые отметили в 1890 году в Варшаве. С 1897 года маёвки стали носить политический характер и сопровождались массовыми демонстрациями.
После Октябрьской революции 1917 года праздник стал официальным. В РСФСР первоначально он назывался «День Интернационала», позднее, с 1972 года, он стал называться «День международной солидарности трудящихся — Первое Мая» и отмечался 1 и 2 мая. 1 мая проводились демонстрации трудящихся и военные парады. На второй день праздника, как правило, во всей стране проходили «маёвки» — массовые празднования на природе.
5 Августа. Первый салют
- Из серии «Белгород – город первого салюта»
- 1981
- Бумага, цветная линогравюра. 79,5 х 57,5; 65,5 х 48,5
- Белгородский государственный художественный музей
- Г-148
В коллекции Белгородского художественного музея произведения заслуженного художника России Станислава Степановича Косенкова (1941–1993) занимают особое место, его мемориальная мастерская является филиалом Белгородского художественного музея. Он стал одним из художников, внесших наибольший вклад в развитие искусства печатной графики на Белгородчине.
В творчестве Станислава Косенкова изображения Белгорода, в котором художник жил с 1976 года до самой смерти, – это вовсе не бытовые образы, не зарисовки из городской жизни. Как правило, город показан в его работах с некоторой дистанции, художник смотрит на него со стороны, извне – либо из мира мастерской, либо с холма, либо показывает вид города за окном. Эти приемы применяет Косенков и в цветных линогравюрах из серии «Белгород – город первого салюта» (1981–1983).
В линогравюре «5 августа. Первый салют» художник изображает мать с ребенком в комнате, перед окном, а центральную площадь города и праздничный салют – отраженными в оконных стеклах. Таким образом, один из самых светлых образов искусства – мать и дитя – неразрывно связаны с важным для Белгорода и всей страны событием. По приказу И. В. Сталина № 2 от 5 августа 1943 года, в этот день в Москве был дан артиллерийский салют войскам, освободившим Орёл и Белгород. Этот салют был первым за время Великой Отечественной войны, поэтому за Орлом и Белгородом закрепилось название «город первого салюта». С 1943 года салют в день освобождения Белгорода стал традицией, а 5 августа белгородцы празднуют День города.
Мои земляки
- 1981
- Холст, масло. 135 х 201
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- Ж-155
В картине «Мои земляки» Заслуженный художник РФ и Республики Марий Эл Измаил Варсонофьевич Ефимов стремился раскрыть встречу людей с разными судьбами, разных возрастов, показать человеческие характеры, красоту народных обычаев и обрядов.
Праздник Аристотеля в Риге (Праздник студентов)
- 1982
- ДВП, масло. 170 х 275
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-1204
Латвийский художник Янис Анманис начинал свой творческий путь в 1960-е годы. Для него, как и для всего латышского искусства того времени, было характерно возрастающее значение ассоциативного начала, моменты эмоционального выражения, и в связи с этим уменьшение роли развёрнутого сюжета. В картине «Праздник Аристотеля в Риге», впервые показанной на Всесоюзной выставке «СССР — наша Родина» в 1982 году, художник изобразил событие, происходящее в латвийской столице ежегодно 4 сентября.
Накануне нового учебного года студенты-первокурсники главного университета страны, а также прошлые и будущие студенты и гости Риги собираются на Домской площади, чтобы отметить традиционный праздник Аристотеля, который ведет свою историю с 1966 года. Среди студентов на картине изображены деканы факультетов, ректор университета и творческий коллектив (хор Ювентус), а также сам Аристотель. Художник использует форму триптиха, прибегая к приему монтажного сопоставления образов, сцен, отражающих духовный мир человека. Здесь нет развернутого сюжетного повествования, каждый из фрагментов замкнут в себе, статичен, но этой неизменностью утверждается непреходящая ценность бытия.
Провозглашение Марийской Автономной области
- 1983
- Холст, масло. 120х140
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- Ж-164
Базарная площадь Йошкар-Олы была центром свершения революционных событий. Здесь, 4 ноября 1920 года, состоялось публичное провозглашение Марийской автономной области. Внимание Заслуженного художника РФ и Заслуженного деятеля искусств Республики Марий Эл Владимира Демидовича Курочкина привлек пласт истории, совершенно не разработанный в изобразительном искусстве республики. В картине «Провозглашение Марийской Автономной области» он исследует и подает историю 1920-х годов сквозь призму собственного мироощущения, обращаясь к реакции на этот документ рядовых жителей столицы.
Праздник урожая (Хлеб убран)
- 1985
- Холст, масло. 186х306
- Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
- Ж-1683
Игорь Сидельников получил прекрасное художественное образование. Несмотря на перспективы, которые открывались для него в столице, он вернулся в родной город, активно участвовал в художественной жизни малой родины: организовывал выставки, помогал авторам. Он развивал культурную жизнь в глубинке, за что и получил звание Почетный гражданин Рузаевки.
В творчестве художник часто обращался к теме современной ему советской жизни в разных проявлениях: на его полотнах – железнодорожники, революционеры, деятели культуры и простые сельские труженики. Картина «Праздник урожая» 1985 года повествует о процветании и благоденствии советских граждан в Мордовской АССР. Реалистическая картина жизни приобретает особое звучание благодаря слиянию национальных традиций с советским укладом жизни. Венок из колосьев, перевязанных лентой, как символ благополучия отсылает зрителя к одному из символов СССР – гербу. День урожая, отмечавшийся колхозной бригадой, перекликается с обрядовыми традициями мордвы, посвященными сбору урожая.
Человек родился
- 1985
- Холст, масло. 175 х 200
- Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
- ХНКМ КП-5782/3
Хабаровский художник Владимир Михайлович Торгашин работает в жанре тематической картины. Тема трудовых будней и праздников, жизнь дальневосточников, исторические события, происходившие на дальневосточной земле, находит отражение в его живописных произведениях. В числе этих картин – масштабное полотно «Человек родился», написанное в 1985 году, но посвященное периоду 1920–1930-х годов.
Праздник
- 1986
- Холст, масло. 100,5 х 120,0
- Ямало-Ненецкий окружной музейно-выставочный комплекс им. И. С. Шемановского, Салехард
- ЖВ-177
На картине «Праздник» кисти Анатолия Лободы изображены гонки на оленьих упряжках – традиционный элемент празднования Дня оленевода. Как и множество других профессиональных праздников, День оленевода появился в 1950–1960-е годы. Он проводится весной, в марте–апреле.
Во времена СССР праздник начинался с делового совещания. Развлекательная программа включала выставки прикладного искусства, концерты, традиционные спортивные состязания: гонки на оленьих упряжках, стрельбу, бросание аркана. В современной России многие элементы празднования Дня оленевода сохраняются, в том числе и гонки на оленьих упряжках. В ЯНАО, Якутии, на Таймыре главным призом в забеге по традиции является снегоход.
Спасибо, Москва!
- 1986
- Холст, масло. 150 х 200
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-2113
Характерным для картин ленинградского художника Александра Полозова является прежде всего мастерство композиционных решений, гармония всех частей и, главное, – эффект реального присутствия. Сдержанный колорит, отсутствие цветовых эффектов, достоверность деталей – все направлено на создание единого образа и раскрытие темы. Это мы видим и в его станковой работе "Спасибо, Москва!". В 1985 году Александр участвует в работе в Студии молодых художников на 12-ом Всемирном фестивале молодежи и студентов, проходившем в Москве. Это мы определяем по эмблеме фестиваля над заполненными зрителями трибунами. Работа была закончена художником лишь год спустя, ее размеры поражают. Но это не помешало ему передать сиюминутное торжество и ликование людей всех стран и народов, объединенных общей целью. Их взор устремлен в одну сторону – в светлое будущее человечества.
Котухин Александр Васильевич
1886, Палех - 1961Палех, Ивановская область
В поселке Палех Ивановской области в 1920—1930-е годы на основе традиций древней иконописи, развитой в этой местности, возникло искусство живописи темперой (краски, растертые на яичном желтке, традиционные для иконописи) по папье-маше. Воспользовавшись федоскинским опытом изготовления коробочек из папье-маше, расписанных по черному лаку, в новом искусстве Палеха развивали сугубо местные художественные традиции и приемы темперной живописи.
В 1924 году был основан первый творческий коллектив палешан – Артель древней живописи. В него вошли семь бывших иконописцев – И. И. Голиков, И. В. Маркичев, А. В. Котухин, В. В. Котухин, А. И. Зубков, И. И. Зубков, И. М. Баканов.
Мастера лаковой миниатюры Палеха выработали общий стиль нового искусства, который вобрал в себя характерные черты местной иконописи. Палехской миниатюре свойственны изящество рисунка, отточенность композиции, красивые удлиненные пропорции фигур, использование в колористической гамме обязательного черного фона, на котором особенно ярко звучат чистые тона красок, обилие золотых украшений и орнамента. Кроме миниатюры, где само письмо соответствовало небольшим размерам украшаемых предметов, превращающих их в драгоценности, палешане занимались книжными иллюстрациями, оформляли спектакли, исполняли настенные росписи и лаковые панно для общественных интерьеров, создавали в содружестве с мастерами художественной обработки металлов ювелирные украшения.
Обширен и разнообразен сюжетно-тематический круг произведений палешан. Они обращались и обращаются к истории и современности, сказочным и литературным темам, песенному фольклору, пейзажу, в котором нередко присутствуют виды самого села. И сегодня Палех – самобытное село-академия, богатая талантливыми художниками, которые не только продолжают сложившееся в XX веке искусство лаковой миниатюры, но и возрождают местную иконопись.
Модоров Федор Александрович
15.02.1890, Мстера Вязниковского уезда Владимирской губернии – 04.03.1967, Москва.Живописец и педагог. Портретист, автор историко-революционных и жанровых картин. Один из основателей соцреализма в искусстве. Член-корреспондент Академии Художеств СССР (1953). Народный художник РСФСР (1966). Заслуженный деятель искусств Белорусской ССР.
Родился в семье мстёрских иконописцев. Первые навыки рисования получил в иконописной школе братства Александра Невского. В 1909 году поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, не окончил, параллельно работал живописцем в иконописной мастерской. Обучался в Казанской художественной школе у Н. И. Фешина (1910-1914), в Высшем художественном училище при Императорской Академии Художеств в Петрограде, мастерская В. Е. Маковского (1914 - 1918). В 1918 году под руководством И. Э. Грабаря принимал участие в реставрации Владимирской иконы Божьей Матери.
Организатор и директор Мстёрского художественно-промышленного училища и художественной школы-коммуны (1918–1922). С 1922 работал в Москве. С 1923 активный член руководства Ассоциации художников революционной России.
В своих картинах отразил жизнь Советской Армии, новые стройки, образы рабочих. Много работал над портретами руководителей партии и правительства. В годы войны был связан с центральным штабом партизанского движения. Создал портретную галерею партизан Великой Отечественной войны. С 1948 по 1962 был ректором Московского Государственного художественного института им. В. И. Сурикова. С 1949 – профессор. С 1964 по 1967 – профессор Московского государственного заочного педагогического института.
Произведения хранятся в Государственной Третьяковской Галерее, Государственном Русском Музее, других музеях.
Имя Модорова присвоено Мстёрской художественной школе и одной из улиц г. Владимира.
Бродский Исаак Израилевич
1883 (1884), Софиевка Таврической губ. - 1939, ЛенинградЖивописец, график, художник театра, педагог, автор статей, посвященных искусству.
В 1896-1902 учился в Одесском художественном училище (ОХУ); 1902-1908 в Высшем художественном училище (ВХУ при ИАХ). В 1909-1911 как пенсионер Академии художеств (ИАХ) посетил Германию, Францию, Испанию, Англию, Австрию, Италию. С 1904 участник выставок. Член и экспонент объединений: Новое общество художников (НОХ) - 1904, 1906; Общество им. Леонардо да Винчи (ОЛ) - 1907; Товарищество южно-русских художников (ТЮРХ) - 1907, 1910, 1912-1913; Союз русских художников (СРХ) - 1908-1918 (член с 1910); Московское общество любителей художеств (МОЛХ) - 1908-1909; "Группа художников" (ГХ) - 1909-1911; "Мир искусства" II-1911; Товарищество передвижных художественных выставок (ТПХВ) -1914-1916; Еврейское общество поощрения художеств (ЕОПХ) - 1915-1919; Общество им. Куинджи (ОбК; председатель правления) - 1917, 1920, 1924, 1929-1930; "Дом искусств" (ДИ) - 1920-1922; Общество художников-индивидуалистов (ОХИ) - 1921; Община художников (ОХ) - 1921-1922, 1924(?); "Шестнадцать" (ГХ 16) - 1922-1924, 1927; Ассоциация художников революционной России (АХРР) - 1925, 1926, 1928; Объединение художников им. И.Е. Репина (ОбР) - 1927-1928; Общество живописцев (ОЖ) - 1928-1930; "Цех художников" (ОЦХ) - 1930-1932; Объединение работников изобразительных искусств (ИССТР) - 1932. С 1932 член СХ СССР. С 1932 профессор. С 1934 директор Всероссийской академии художеств (ВАХ). С 1934 заслуженный деятель искусства РСФСР.
Кацман Евгений Александрович
1890, Харьков – 1976, МоскваЖивописец, график. Один из основателей и секретарей АХРР (1922), известный борец с «формализмом». Учился в Боголюбовском рисовальном училище в Саратове (1902–1905) у В. В. Коновалова, РШ ОПХ (1906–1907) и частной студии Я. С. Гольдблата (1907–1908) в Петербурге, МУЖВЗ (1909–1917) у А. Е. Архипова, К. А. Коровина, С. В. Малютина. Участник выставок с 1908. Заслуженный деятель искусств СФСР (1935), член-корреспондент АХ СССР (1947), народный художник РСФСР (1970).
Пинус Наталья Сергеевна
1901–1986Бучкин Петр Дмитриевич
1886, деревня Софроново Тверской губернии –1965, ЛенинградЖивописец, график, педагог; автор исторических и жанровых картин, портретов, пейзажей. В 1899–1904 учился в ЦУТР, в 1904–1912 в ВХУ при ИАХ в Петербурге. Участник выставок с 1907. Член СХ с 1932. Преподавал в ИЖСА (1936–1940); в ЛВХПУ (1947–1965). С 1953 профессор.
Костров Николай Иванович
1901, село Васильевское Вятской губернии — 1996, Санкт-ПетербургЖивописец, график; акварелист, рисовальщик, литограф; периодически оформлял театральные спектакли.
Учился на историко-философском факультете Казанского университета (1920–1921), во ВХУТЕМАС– ВХУТЕИН–ЛВХТИ (1922–1926) у А. И. Савинова, А. Е. Карева и М. В. Матюшина, которого считал главным учителем. Служил на Балтийском флоте (1926– 1928). Участник выставок с 1932. Ездил в творческие командировки — в Казахстан, на Белое и Баренцево моря, в Новгород (1930-е). Работал в Экспериментальной литографской мастерской ЛОССХ (с 1939). В годы Великой Отечественной войны в Казани организовал совместно с Д. Б. Дараном издание военных открыток (1942), оформлял спектакли в театрах. Вернулся в Ленинград в 1945, с этого времени активно работал в ЛОССХ. В последние годы жизни вновь обратился к идеям „органического искусства“ Матюшина, создал акварельную и живописную серию „Кристаллы“. Жил и работал в Ленинграде.
Васильев Владимир Александрович
1895, Москва – 1967, МоскваЖивописец, график, художник театра, педагог. Профессор. В 1910–1918 учился в Строгановском художественно-промышленном училище на скульптурном отделении у А.П. Барышникова, С.В. Ноаковского, в 1918–1923 во ВХУТЕМАСе на живописном факультете у П.П. Кончаловского. Член учредитель Общества художников-станковистов (ОСТ) (1924). Оформлял и иллюстрировал книги для Госиздата, Детгиза и др. Участвовал в создании монументальных панно для советских павильонов на Всемирных выставках в Париже (1937) и Нью-Йорке (1939), для павильона «Дальневосточный край» на Всесоюзной сельскохозяйственной выставке в Москве (1939). В годы Великой Отечественной войны создавал плакаты «Окна ТАСС» совместно с Ю. Пименовым. Оформил спектакли для московских театров (совместно с Ю. Пименовым). В 1945–1952 преподавал в МИПИДИ, с 1952 – в МВХПУ. Участник выставок с 1919.
Волков Александр Васильевич
1916, Москва — 1978, МоскваЖивописец. Учился в изостудии ВЦСПС (1935–1937), продолжил образование в МИИИ (1937–1942). Участник выставок с 1943, в 1950-е начал активно работать в жанровой картине, совмещая в ней бытовые сцены и пейзаж. С 1960-х и до конца жизни его интересовал преимущественно пейзаж, решение в нем формальных задач. Художественный руководитель Дома творчества «Академическая дача« (на рубеже 1940–1950-х), преподавал в МГХИ им. В. И. Сурикова (с 1962).
Кугач Юрий Петрович
1917, Суздаль – 2013, д. Малый Городок Вышневолоцкого района Тверской областиЖивописец, педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Народный художник РСФСР. Народный художник СССР. Член-корреспондент АХ СССР, действительный член Академии художеств СССР. Лауреат Государственной премии СССР, лауреат Государственной премии РСФСР им. И.Е. Репина. В 1931–1936 учился в Московском техникуме изобразительного искусства в память восстания 1905 года у К.Ф.Морозова, Н.П.Крымова. В 1936–1942 учился в МГХИ им. В.И.Сурикова у С.В.Герасимова, И.Э.Грабаря, Н.Х.Максимова, в 1942–1945 – в аспирантуре МГХИ. Преподавал в МГХИ им. В.И.Сурикова в 1948–1951.
Нисский Георгий Григорьевич
1903, станция Новобелица, Могилевская губ. – 1987, МоскваЖивописец. Народный художник РСФСР (1965). Действительный член Академии художеств СССР (1958). Лауреат Сталинской премии третьей степени (1951). В 1919–1921 гг. – поступил в Гомельскую художественную студию им. М. А. Врубеля, учился под руководством А. Я. Быховского.
1922–1930 гг. – учился во ВХУТЕМАСе, в мастерской А. Д. Древина и Р. Р. Фалька. 1928 г. – первая поездка на Черное море для сбора материалов к дипломной работе. 1930–1931 гг. – служба в Особой Краснознаменной Дальневосточной армии, оформлял стенгазеты и плакаты.
1936 г. – поездки в Севастополь и Балаклаву на этюды совместно с А. А. Дейнекой, Г. Г. Ряжским и Ф. С. Богородским.
Торхов Федор Семенович
10 октября 1930, с. Верх-Коевал Новокузнецкого района Кемеровской области – 7 ноября 2012, г. БарнаулЖивописец. Работал в жанре тематического пейзажа, портрета. Заслуженный художник России. Почетный гражданин Баян-Ульгийского аймака Монголии, Почетный работник культуры Монголии (1994), Почетный гражданин г. Ульгия (2000). Награжден Орденом «Полярная звезда» (1998, Монголия), почетным знаком «Звезда дружбы» (2005), медалями «Найрамдал» (Дружба), «За трудовую доблесть» и др.
Учился в изостудии при Союзе художников Алтайского края (1947–1948), окончил Республиканское художественное училище им. П.П. Бенькова в г. Ташкенте (1958).
В 1958 года приехал в г. Барнаул. Работал в Алтайских художественно-производственных мастерских Художественного фонда РСФСР, в 1964–1973 гг. – директор предприятия.
С 1974 года совершает многочисленные творческие поездки в Монгольскую народную республику. В 1979–1991 гг. возглавлял Алтайское отделение Общества советско-монгольской дружбы, в 1981–1991 гг. – заместитель председателя Общества советско-монгольской дружбы, был членом Центрального правления Общества друзей Монголии. В начале 1990-х гг. являлся художественным руководителем в Домах творчества СХ РСФСР «Академическая дача», «Горячий ключ».
Член объединений: Союз художников России (1970; председатель правления Алтайской организации 1990–1991; член Правления Союза художников СССР 1989–1991), «Алтай-Баганур-Гоби» (1982-1984, руководитель), «Алтай-горы дружбы» (1986–1988, руководитель).
Участвовал в краевых, зональных, республиканских, зарубежных выставках с 1959 года, в том числе «Сибирь социалистическая» (1967, Омск; 1969, Красноярск; 1975, Томск; 1980, Барнаул; 1985, Кемерово), «Земля алтайская (1970, Москва), «Советское искусство в Японии» (1974-1975, Саппоро, Йокогама, Токио), «Советское искусство в Швеции (1975), «Земля алтайская» (1977, Улан-Батор, Монголия), «Советский пейзаж» (1983, Берлин), «Мир отстояли – мир сохраним» (1985, Москва), «Алтай – горы дружбы» (1988, Ульгий, Ховдо, Горно-Алтайск, Барнаул) «Русская галерея (1993, Даллас, США), «Россия-Х» (2004, Москва), «Победа» (2005, Москва) и др.
Состоялось около 25 персональных выставок с 1968 года, в том числе в гг. Барнауле (1968, 1972, 1980, 1986, 2010), Бийске (1968, 1973), «По монгольскому краю» (1974, Барнаул; 1975, Москва), «На просторах Монголии» (1979, Горно-Алтайская АО; Ульгий, Монголия; 1994, Москва, Улан-Батор; 1995, Барнаул, Бийск, Горно-Алтайск, Ульгий) и др.
Произведения художника хранятся в Государственном художественном музее Алтайского края, в коллекциях музеев Алтайского края, Бийска, Горно-Алтайска, Москвы, Красноярска, Томска, Якутска, в Австралии, Англии, Австралии, Германии, Канаде, Сингапуре, США, Японии, в городах и аймаках Монголии. С 2000 года в краеведческом музее города Ульгия (Монголия) работает персональная картинная галерея, где экспонируется 50 произведений Ф.С. Торхова.
Янсон Сергей Карлович
1926, урочище Каран-Куль Бостандыкского района Казахской ССР – 2002, Горно-АлтайскРодился 25 августа 1926 в урочище Каран-Куль Бостандыкского района Казахской ССР. В 1933 году семья переехала в г. Ташкент. Художественное образование начинал с посещения школы-студии Дворца пионеров г. Ташкента, которой руководил живописец, герпетолог, педагог, выпускник Петербургской Академии художеств Б. Пестинский. С 1945 по 1948 проходил обучение в Республиканском художественном училище имени П. П. Бенькова на живописном и театрально-декорационном отделениях.
С 1948 по 1950 учился в Московском художественно-графическом училище, получив специальность преподавателя рисования и черчения. Был направлен на работу в г. Барнаул, а затем в Горно-Алтайск, где остался на всю жизнь.
Природа Горного Алтая заворожила художника, он посвятил свое творчество этой удивительной земле, ставшей для него второй родиной. В течение 20 лет работал преподавателем рисования в Горно-Алтайском государственном педагогическом училище. С 1971 по 1988 возглавлял Горно-Алтайскую художественную школу. Участник всероссийских, зональных, краевых и республиканских выставок.
Член Союза художников России (с 1982). Ветеран труда. Заслуженный работник культуры РСФСР (с 1979). Отличник народного образования России.
Работал в жанрах пейзажа, портрета, натюрморта, станковой живописи. Стиль художника отличает верность избранной теме, колористические поиски, светлая палитра.
Бочанцев Василий Иннокентьевич
1932, с. Комой, ныне Эхирит-Булагатский район, Иркутская область – 1975Живописец и педагог. В 1954–1959 учился в Иркутском художественном училище. В 1965 окончил Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова (мастерская В. Г. Цыплакова), отделение станковой живописи. В 1964–1975 преподавал на кафедре живописи и рисунка в Дальневосточном государственном институте искусств. Член Союза художников СССР (1967).
Одинаково мастерски работал в масляной технике, писал акварелью и тушью, был виртуозным мастером быстрого карандашного наброска. Пробовал свои силы и в печатной графике. Главной темой творчества живописца стала история России начала ХХ века. Сохранились также проникновенные, написанные с особой теплотой портреты членов его семьи.
Кукуйцев Валентин Васильевич
1922, с. Кабаклы Чановского района Новосибирской области – 2011, ОмскЗаслуженный художник РСФСР. Живописец. Участник Великой Отечественной войны (1941–1946). Родился в 1922 в с. Кабаклы Чановского района Новосибирской области. Работал художником на Научно-экспериментальной керамической станции в Алма-Ате (1946–1949).
Учился в Алма-Атинском театрально-художественном училище им. Н. В. Гоголя на художественно-педагогическом отделении (1949–1954, с отличием) у А. М. Черкасского, Л. П. Леонтьева, А. И. Бортникова. Работал художником в Омском отделении ХФ РСФСР (1954–1982). Участник выставок с 1954. Член СХ с 1964. Председатель правления Омской организации СХ РСФСР (1968–1970), член правления СХ РСФСР (1968–1972), член зонального выставкома, неоднократно назначался членом Художественного совета (с 1954), член комиссии по охране памятников и архитектуры. Делегат II–V съездов Союза художников РСФСР (1968, 1972, 1973, 1981), III и IV съезда художников СССР (1968, 1973). Работал в Домах творчества: им. Д. Н. Кардовского (1961, 1963), «Горячий Ключ» (1965, 1971, 1973), на передвижной творческой даче РСФСР «Акварель и рисунок» (Алтай, 1977). Совершил творческие поездки в Среднюю Азию, Казахстан, на Алтай, Кавказ. Заслуженный художник РСФСР (1983).
Савинов Глеб Александрович
1915, Натальевка, Харьковская губерния – 2000, Санкт-ПетербургЖивописец и педагог. Заслуженный художник РСФСР. Сын живописца, профессора Академии художеств, А. И. Савинова. Окончил Институт живописи, скульптуры и архитектуры ВАХ (1934–1940). Участник Великой Отечественной войны, служил в частях Балтийского флота, рядовым морской стрелковой бригады участвовал в обороне Ленинграда. Именно в эти годы, по словам художника, началась его самостоятельная творческая жизнь. Он был назначен художником Балтийского экипажа. Ему поручалось изготовление агитационных панно, плакатов, он рисовал отличившихся в боях бойцов, раненых в госпитале, участвовал в подготовке выставок военных художников, посвящённых боевым действиям войск Ленинградского фронта и Краснознаменного Балтийского флота. В 1945—1947 гг. преподавал в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, а с 1949 года — в Высшем художественно-промышленном училище имени В. И. Мухиной, где впоследствии будет избран профессором (1969 год) и возглавит индивидуальную мастерскую на кафедре монументально-декоративной живописи.
Никонов Павел Федорович
Род. 1930, МоскваЖивописец, график; автор жанровых картин, пейзажей, натюрмортов. Учился в московской СХШ (1942–1949), в МГХИ им. В. И. Сурикова (1949–1956). Участник выставок (с 1957). Член СХ (с 1958). Участник «Группы девяти». Народный художник РФ (1994), лауреат Государственной премии РФ, действительный член РАХ (2000).
Тагаев Алексей Михайлович
1907, Вольск, Саратовской губ. – 1990Живописец, график, театральный художник, член Союза художников СССР (1934). Заслуженный художник Чувашской АССР (1978). Родился в Вольске Саратовской губернии. Учился в художественной студии г. Вольск и в Саратовском художественно-промышленном училище, окончил Пензенское художественное училище (мастерская профессора И. С. Горюшкина-Сорокопудова, 1932). В 1933 по приглашению художников приехал в Чувашию, принял участие в комплексной экспедиции по республике.
Работал преподавателем в художественно-гравёрной школе, художником-декоратором Чебоксарского театра юного зрителя (1934–1937). Значительным явлением в живописи Чувашии стали тематические полотна художника, отражающие историческое прошлое чувашского народа. Активно сотрудничал с республиканскими журналами. В Вольск вернулся перед войной в 1938 году и в первый же военный год уходит добровольцем на Ленинградский фронт.
В составе зенитно-артиллерийской части воевал до последних дней войны. Были ранения, госпитали – и снова на передовую. Последний бой – за Кенигсберг (Калининград). Между боями Тагаев, при любой возможности, остро и правдиво запечатлевает места боев, товарищей по оружию, их повседневный походный быт, короткие минуты отдыха. Много рисунков погибло, но уцелевшие – бесценная часть художественно-документальной летописи Великой Отечественной войны. Алексей Михайлович был награжден орденом «Отечественной войны» 1 степени, медалью «За отвагу», медалью «За взятие Кенигсберга», медалью «За победу над Германией».
В фондах краеведческого музея хранятся удивительно легко написанные графические листы мастера (зарисовки военных будней, портреты, эскизы) «Заряжающий», «Фронтовой повар», «Землянка», «На посту» и др. Карандашные работы точно передают дух воинов, прославляют их подвиги.
Кугач Михаил Юрьевич
р. 1939, г. МоскваСоветский, российский художник-живописец, педагог, заслуженный художник РФ, действительный член Академии художеств. Председатель художественного объединения «Москворечье».
В 1949-1956 годах учился в Московской средней художественной школе при Государственном художественном институте им. В. И. Сурикова. В 1962 году окончил МГХИ имени В. И. Сурикова, мастерская П. Д. Покаржевского. Участник художественных выставок с 1964 года. Член Союза художников СССР с 1967 года. В 1967-1968 годах работал в творческой мастерской профессора Б. В. Иогансона. Художественный руководитель Московского художественного училища памяти 1905 года.
Михаил Юрьевич известен как автор жанровых картин, пейзажей и натюрмортов. Его произведения проникнуты любовью к природе среднерусской земли, людям, живущим и творящим на ней. Произведения хранятся во многих музеях России и за рубежом, в том числе частных коллекциях.
Шайдуллин Шамиль Муртазович
1947, д. Берлек Тетюшского района Татарской АССР – 2021Заслуженный деятель искусств Татарской АССР, народный художник Республики Татарстан, заслуженный художник РФ, лауреат Государственной премии Республики Татарстан имени Габдуллы Тукая
Родился 1 августа 1947 в деревне Берлек Тетюшского района Татарской АССР. В 1963 поступил на отделение театрального искусства Казанского художественного училища, которое окончил в 1968. В 1968–1974 учился в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, где специализировался на отделении станковой живописи по курсу мастерской Е. Е. Моисеенко, с дипломной работой «Сабантуй».
После службы в армии поступил на работу в Художественный фонд Союза художников ТАССР. В 1977–1980 обучался в аспирантуре Творческой мастерской живописи Академии художеств СССР в Казани под руководством Х. А. Якупова, пройдя полный курс подготовки художника-живописца высшей квалификации.
Член Союза художников СССР. В 1980-е являлся членом правления, выставочного комитета, заместителем председателя правления СХ ТАССР, председателем художественного совета Художественного фонда СХ ТАССР. В 2003 президент Татарстана Минтимер Шаймиев назвал Шайдуллина в числе девяноста выдающихся татарстанцев XX века, внёсших наибольший вклад в развитие нации.
Являлся одним из ведущих художников Татарстана, чьи полотна стали классикой национального изобразительного искусства, а сам он непревзойденным мастером портрета и тематической картины.
Сергеева Нина Алексеевна
р. 1921, п. Юзовка, Донецкая обл. - 2018Живописец. Заслуженный художник России. 1940–1941 гг. – учеба в Харьковском художественном институте у С. М. Прохорова и Н. С. Самокиша. 1945–1950 гг. – учеба в Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова у И. Э. Грабаря и С. И. Дудника. С 1951 г. – участник всесоюзных выставок.
Ефимов Измаил Варсонофьевич
р. 1946, д. Порандайкино Горномарийского района Марийской АССРЗаслуженный художник Российской Федерации и Республики Марий Эл, главный герольдмейстер при президенте Республики Марий Эл, автор гербов Марий Эл.
Родился 14 ноября 1946 года, в д. Порандайкино Горномарийского района Марийской АССР. В 1971 году окончил Казанское художественное училище, в 1977 году – Московский государственный художественный институт имени В. И. Сурикова. С 1980 года – член Союза художников СССР. В 1987-1989 и 1992-1993 годах был председателем Союза художников Марийской АССР и Республики Марий Эл. В 1997 назначен на должность герольдмейстера при Президенте Республики Марий Эл. С 2006 года является действительным членом Гильдии геральдических художников.
Косенков Станислав Степанович
1941, с. Рождественка Курская область (ныне Белгородская) область – 1993, БелгородГрафик. Заслуженный художник РСФСР.
Родился в селе Рождественка Белгородской области. В 1960 окончил Курское художественно-графическое училище. В 1967 окончил Харьковский художественно-промышленный институт. С 1970 член Союза художников СССР. С 1976 жил и работал в Белгороде. С 1992 член Союза художников России. Работал в области станковой графики и живописи. Награжден золотой медалью в Лейпциге (ГДР) (1970), золотой медалью Биеннале прикладной графики и иллюстрации в Брно (Чехословакия) (1976), медалью «За доблестный труд» (1986), другими премиями и дипломами. С 1961 года участник республиканских, зональных, Всероссийских, областных выставок. В 1982 году удостоен почетного звания «Заслуженный художник РСФСР». Его художественное наследие составляет более 6 000 работ. Его произведения хранятся в ГМИИ им. А.С. Пушкина, Государственной Третьяковской галерее, других собраниях в России и за рубежом. Фондам БГХМ принадлежит 235 графических листов С. Косенкова.
Анманис Янис Гейнцович
1943Латвийский художник. Учился в Латвийской академии художеств. Лауреат премий ЛКСМ Латвии (1978) и ВЛКСМ (1979). Окончил Рижскую среднюю школу художеств Я. Розенталя (1963) и отдел промышленного искусства Латвийской Государственной академии художеств (1969, по специальности художественного конструирования). Участвует в выставках с 1965 (персональные выставки – 1970 в Лудзе, Салдусе, 1971 в Юрмале, 1972, 1980, 1984 в Риге). Создает стилизованные фигурные композиции, романтические пейзажи и натюрморты. Работает в технике масляной и акварельной живописи. Активный организатор художественной жизни республики, неоднократно руководил проведением Дней искусства. Член Союза художников Латвии. Музыкант, поэт и педагог.
Сидельников Игорь Иванович
1937, с. Сенгилей, Куйбышевская обл. – 2020, г. Рузаевка, МордовияЖивописец, график, монументалист. Член Союза художников СССР (1971), Заслуженный художник РФ (2005), Заслуженный художник Мордовской АССР (1985), Народный художник Республики Мордовия (1997), Лауреат Государственной премии Мордовской АССР (1977).
Прошел все ступени к становлению профессионального мастерства, начиная с художественной школы. В 1962 окончил Пензенское художественное училище им. К. А. Савицкого (учился у Г. В. Панкова, М. Е. Валукина, А. В. Сиверина). В 1968 окончил Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова (мастерская профессора В. Г. Цыплакова). В 1968–1970 стажировался в мастерской Г. М. Коржева в Академии художеств СССР.
Помимо мордовских музеев, его работы хранятся в Научно-исследовательском музее РАХ, Пензенской областной картинной галерее им. К. А. Савицкого, частных собраниях России, Беларуси, Финляндии, Венгрии, Болгарии. У художника было много возможностей остаться в столице, но он вернулся в Рузаевку, где развивал культурную жизнь, стал почетным гражданином этого города. В 2015 Выставочному залу г. Рузаевка присвоено имя художника.
Торгашин Владимир Михайлович
1933, г. Минусинск Красноярского краяРодился 22 октября 1933 в г. Минусинске Красноярского края. В 1971 окончил художественно-графический факультет Хабаровского государственного педагогического института. В 1966–1981 – художник-оформитель Хабаровских художественно-производственных мастерских Художественного фонда РСФСР. Лауреат премии администрации Хабаровского края в области изобразительного искусства (1998), лауреат премии администрации города Хабаровска в области изобразительного искусства (2002) в номинации «живопись». Награжден грамотой секретариата Союза художников РСФСР и дипломом Союза художников России.
Лобода Анатолий Андреевич
Р. 1940Живописец. В фондах Музейно-выставочного комплекса имени И. С. Шемановского (Салехард) хранится работа художника.
Текстильщицы
- 1927
- Холст, масло. 171 х 195
- Государственный Русский музей
- ЖБ-988
Картина "Текстильщицы" явилась результатом поездки Дейнеки по заданию журнала "Безбожник", с которым художник сотрудничал. Одновременно он был одним из лидеров Общества станковистов, где велись разработки метода синтетического отражения реальности.
С тем, что изменилась жизнь, настало время других героев, согласны были все – и создатели радикального авангарда, и последователи фигуративной линии. «Нельзя сейчас в позе купца или фабриканта, – замечает Александр Дейнека, – писать нашего ударника. У него <…> другая стать <…> и художник должен увидеть эту стать и суметь показать ее». «Жизнь выдвигала новое – прежде всего нового, социалистического человека, новую молодежь, комсомольцев, <…> рабфаковцев <…>». «И именно это новое время, – утверждали молодые художники, – надо втащить на холст». Такими персонажами становятся у Дейнеки «Текстильщицы» — женщины-работницы, наравне с мужчинами управляющие огромными станками-механизмами.
В картине художник применяет характерный для фотографии и кино принцип монтажной композиции. Он писал: «Я увлекался кружевом заводских конструкций, но они только фон. Я всегда изображал человека большим планом, в сильных типичных движениях». Фигуры ткачих решены на контрасте масштаба, объема и цвета, они будто противопоставляются фону. Изображенные в сложных ракурсах, объемные фигуры выделяются на фоне графически четкого рисунка деталей фабричного оборудования, что придает композиции особую динамику. Господствующие в картине радостно-мажорные интонации дают новое осознание не только внешних обстоятельств труда, но и его психологии, его духовного смысла. Основное здесь – чувство свободы и достоинства.
Художник удивительно чутко ощущал пульс времени и отражал его в своих полотнах. Он мастерски выстраивает композицию в смежных разновременных планах, ритмы работающих ткацких станков объединяются в своего рода орнаментальное пространство, почти монохромный серебристо-белый колорит придает картине четкость и графичность авторской пластической манеры, которая приобретает публицистическую заостренность и убедительность.
Баку
- Около 1930
- Холст, масло. 83,5 х 141,5
- Вольский краеведческий музей
- ВКМ 22497/3
Баку – столица Азербайджанской ССР (с 1936 по 1991), с 1991 – Азербайджанской Республики.
Картина вольского художника Сергея Ивановича Куликова, изображающая бакинские нефтяные вышки, создана в 1930-е годы. На переднем плане рабочие укладывают рельсы. Справа стоит нефтяная вышка. На песчаной косе изображены многочисленные нефтяные вышки.
Батум
- 1929
- Холст, масло. 91 х 107
- Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
- Ж-1032
Картина «Батум» написана Александром Шевченко, ярким представителем русского авангарда. Она относится к батумской серии работ художника, созданной в 1929 году в ходе творческой поездки по заданию Народного Комиссариата по Просвещению. Об этом свидетельствует текст удостоверения, хранящийся в семейном архиве Шевченко: «на основании постановления Совнаркома … о поездке художников в индустриальные районы, совхозы и колхозы, командируется в Батум – Керосиновый завод, нефтепровод в порту – [… ] для исполнения художественных работ, отображающих индустриальное и сельскохозяйственное строительство…».
Сюжет картины «Батум» конкретен и соответствует теме заказа. Изображен морской порт, где среди бочек голубого цвета, скорее всего с рыбой, огромных коробок-ящиков и грузовиков проходят трудовые будни приморских рабочих. Над всей этой «повседневностью» торжественно и значимо возвышаются голые мачты парусного судна, огромная черная дымящая труба парохода и подъемный кран. Обращаясь к теме труда и индустриализации, художник уходит от пафоса, патетики трудового героизма, что было одним из приоритетных направлений официального искусства той поры. Работа мастера относится скорее не к пропагандистским, восторженным, «воспевающим» полотнам, а к его поэтическим городским пейзажам. Стилистика и техника изображения, трактовка образов остаются чисто шевченковскими – с цветовым «сезанновским» построением пространства и объемов, с легкой кубизацией форм, примитивистски решенными фигурами, удивительно тонкой живописью и гармонично уравновешенной композицией.
1929 год был важным рубежом для художника, когда в его творчестве зарождалась система изображения, которую можно назвать «новым реализмом», основанным на синтезе достижений авангарда и классических традиций. В пейзаже «Батум», вместо дробности и динамичности форм, Шевченко «стремится к пластической цельности, объемности, покою и уравновешенности во всем: в композиции, ритме, цвете. Он отказывается от произвольных масштабных соотношений фигур, во имя их соразмерности друг с другом и с пространством». Автора картины «Батум» интересует не столько событийная, сколько визуальная информация. И в этом отношении – это просто мотив из жизни приморского портового города. Но с точки зрения живописи – это настоящая картина, достойный пример станкового искусства, в защиту которого активно выступал А.В. Шевченко.
Ткацкий цех
- 1929
- Холст, масло, темпера. 68 х 98
- Государственный Русский музей
- Ж-8149
В конце 1920-х годов для многих советских художников, в том числе и для Александра Самохвалова, становится актуальной индустриальная тема. Художники командируются на различные предприятия для обретения «знания жизни». Картина «Ткацкий цех» явилась результатом поездки Самохвалова в город Иваново, славящийся ткацким производством. Художника поразила «ярко-белая архитектоника ткацкого цеха». «Две-три юные ткачихи спокойно, как няни, ходили среди станков <...>, как бы одобряя их довольно буйный ритм и с той же человеческой ласковостью исправляя возможные неполадки»,— вспоминал художник. Его ткачихи — обычные девушки своего времени. Ритм деталей станков, окрашенных в дополнительные красный и зеленый цвета, перекликается с розовыми косынками девушек и усиливает декоративные качества картины. Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 345.
В Иваново-Вознесенск Самохвалов был командирован Изогизом на ткацкие фабрики для создания картины о ткацком производстве. (В автобиографии художник указывает дату «1931» — РГАЛИ, ф. 78, оп. 3, д. 49, л. 25). Был собран материал в виде 9 акварельных этюдов работниц и 2 картин — «Ткацкий цех» (1929, ГРМ) и «Печатный цех» (местонахождение не установлено). Александр Самохвалов. СПб, 2014. С. 207.
В модельном цехе
- 1930-е гг.
- Холст, масло. 151 х 221
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-2202
Творческая командировка художника Вениамина Павловича Белкина на крупнейшее предприятие отечественного машиностроения – Ленинградский металлический завод имени И. В. Сталина была не случайна: в 1920-е годы на заводе были созданы первые гидравлические машины, обеспечившие выполнение почти трети плана ГОЭЛРО, изготовлены первые турбины по собственным проектам. Действие на картине происходит в модельном цехе завода: рабочие применяют колеровку на готовой к отливке формы турбины отечественного производства.
ГОЭЛРО - (сокр. от Государственная комиссия по электрификации России) — государственный план развития электроэнергетической отрасли в Советской России после Октябрьской революции 1917 года. Часто расшифровывается как Государственный план электрификации России. Разработан Государственной комиссией по электрификации России по заданию и под руководством В. И. Ленина. К работе комиссии, которой руководил Г. М. Кржижановский, было привлечено около двухсот учёных и инженеров.
План ГОЭЛРО с рядом замечаний и дополнений был принят Советом Народных Комиссаров, который принял 22 декабря 1920 г. постановление «О плане электрификации России».
ГОЭЛРО был планом развития не одной энергетики, а всей экономики. В нём предусматривалось строительство предприятий, обеспечивающих эти стройки всем необходимым, а также опережающее развитие электроэнергетики. И всё это привязывалось к планам развития территорий. План ГОЭЛРО, рассчитанный на 10—15 лет, предусматривал строительство 30 районных электрических станций (20 ТЭС и 10 ГЭС) общей мощностью 1,75 млн кВт. В числе прочих намечалось построить ГЭС — Нижегородскую, Волховскую (1926), Днепровскую, две станции на реке Свирь и др. В рамках проекта было проведено экономическое районирование, выделен транспортно-энергетический каркас территории страны. Параллельно велось развитие транспортной системы страны (строительство новых железнодорожных линий, сооружение Волго-Донского канала).
Проект ГОЭЛРО положил основу индустриализации в СССР. План, в основном, был перевыполнен к 1931 году. Выработка электроэнергии в 1932 году по сравнению с 1913 годом увеличилась почти в 7 раз: с 2,0 до 13,5 млрд кВт•ч.
Выплавка стали
- 1930
- Холст, масло. 143 x 176,5
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1830
Картина была написана во время командировки художника в Днепропетровск на металлургический завод имени Г. И. Петровского. «Громадный металлургический завод дышал паром, дымами и огнями,— записал в 1930 году художник в дневнике.— Внутри, в цехах, пришлось много наблюдать, изучать последовательность различных трудовых процессов, делать зарисовки фигур в движении. Один светоцветовой эффект сменялся другим. То человеческие фигуры и механизмы, фермы, скрепления, блоки, краны, как вуалью, закрывались дымами, то тонули во мраке, то фантастически освещались расплавленным металлом. Картина менялась, как хамелеон» (Кравченко К. С. А. В. Куприн. М.: Советский художник, 1973. С. 202).
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 28.
Литейщики
- Эскиз
- Начало 1930-х
- Холст, темпера. 108 x 146
- Государственный Русский музей
- ЖС-2000
В начале 1930-х годов Осолодков пишет несколько композиций на тему «Литейщики», а также отдельные фигуры рабочих. В данной картине художник концентрируется на сакральности трудового процесса, таинстве обращения с огнем, световых эффектах. Судя по расчерченным клеткам, эта работа предназначалась для переноса на стену, что вполне соответствовало требованиям времени, но мало кем было осуществлено.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 32.
Прокатный цех завода «Серп и молот»
- 1930
- Холст, масло. 172 x 132,5
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1799
В годы первых пятилеток одним из главных героев изобразительного искусства был завод, и для зрителя представал он как «преображенное пространство», как Храм Свободного Труда. Художников интересовал невероятный размах индустрии, гигантские сооружения, удивительные механизмы, фантасмагория действа, поклонение чудесам техники. В подобных картинах около заводских громад, среди дыма и грохота, пламени и блеска металла рабочие оказывались одушевленными частями большого механического организма.
В картине Рождественского «Прокатный цех завода „Серп и молот“» людей на первый взгляд нет вообще, их не видно. В центре композиции, представляющей собой огромное пространство цеха, — огненное пламя, вырывающееся из котлов и рассыпающееся тысячами искр. Почти демоническая сцена укрощения стихии огня наполнена звуками, динамикой, жаром, контрастами освещения.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 28.
Московский металлургический завод «Серп и Молот» — один из старейших и крупнейших заводов Центральной России, занимавшийся производством стали. Был основан в 1883 году французским предпринимателем Юлием Гужоном. В 1918 году национализирован. Именно в начале 1930-х годов, период, когда была написана картина Рождественского, на заводе была создана техническая база с современным оборудованием и освоена новая технология производства продукции из качественной стали. Были построены корпуса фасонно-литейного, калибровочного и лентопрокатного цехов.
Вход в шахты
- 1931
- Бумага, темпера, акварель. 89 x 70,5
- Государственный Русский музей
- РС-4951
Сохранился большой массив графических произведений художника. Поразительно мастерство и демонстрация широкого диапазона возможностей, выраженных в них. От гротескного стиля сатирической графики до выразительного лаконизма рисунков в духе супрематизма, от рисунков натурщиков, заставляющих вспомнить «школу» Петрова-Водкина, до беглых, экспрессивных рисунков пером или щепкой, в которых есть явный намек на интерес к наследию классики. Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.11.
Деревенские мотивы, виды Донбасса и юга России — такова география произведений художника начала 1930-х годов. Наряду с пейзажами, в графическом наследии художника мы найдем большое количество жанровых композиций, этюдов натуры и редких по своей выразительности портретов горняков, шахтеров, сталеваров, колхозников (конец 1920-х — 1930-е). Казалось бы, многие рисунки Пакулин создает в преддверии рождения живописного произведения как этап движения к совершенному слиянию образа и пластического решения, но именно эта заключенная в них целеустремленность делает каждый рисунок значимым в своей самоценности. Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.12.
Днепрострой
- 1931–1932
- Холст, масло. 49 × 111
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-216
Индустриальный пейзаж «Днепрострой» работы Константина Федоровича Богаевского из коллекции Донецкого республиканского художественного музея выполнен на основе натурных зарисовок 1930–1931 (акварелей и рисунков карандашом). Художником был собран огромный документальный материал, пользуясь которым он выполнил серию картин, изображавших строительство Днепрогэса. На картине «Днепрострой» изображен один из этапов грандиозной стройки: панорама пейзажа связана со строящейся плотиной. Удачен выбор точки зрения, позволяющий охватить взглядом оба берега с развернутым на них строительством. Пространство насыщено действием, вертикальный ритм строек, башенных кранов вносит в картину активное динамическое начало. Картина цельна по колориту. Красочная гамма выдержана в светлых тонах, построенных на сочетании охристых и серо-сиреневых оттенков. Индустриальный пейзаж Богаевского доносит до зрителя дыхание первых пятилеток. За цикл картин о Днепрострое в 1933 году художник получил звание Заслуженного деятеля искусств РСФСР.
Кондострой
- 1931
- Холст, масло. 69 х 94
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- Ж-466
Творчество Михаила Цыбасова тесно связано с Севером. Под влиянием времени у художника возникло стремление отразить в своём творчестве новую действительность, и в 1929 году он приезжает в творческую командировку на одну из новостроек Карелии – Кондопожскую ГЭС. «И мне предложили сделать серию рисунков по истории карельских заводов…», – напишет позже художник в своём дневнике. В результате были созданы два варианта «Кондостроя» и серия графических работ на эту же тему.
Живописная работа «Кондострой» посвящена строительству новой Кондопоги – возведению новых цехов бумагоделательного комбината, основанию Кондопожской ГЭС, закладке домов для рабочих. На небольшом холсте сконцентрировано внушительное большое пространство молодого города. Показаны и красота северного пейзажа, и заводские цеха, и выверенные движения строителей, прокладывающих новые дороги. Для воплощения столь грандиозной композиции Михаил Цыбасов использует так называемое «расширенное смотрение» и следует совету своего учителя П. Филонова «нагружать картину». «Правильно, что холст является общей формулою Кондостроя», – писал Филонов своему ученику в Карелию, – «нагрузите и развейте его в этом направлении сюжетно до последней возможности исчерпывающе».
Магнитострой
- 1931
- Холст, масло. 72 х 101
- Магнитогорская картинная галерея
- Ж-120
На картине советского живописца Фёдора Модорова изображён индустриальный пейзаж со строящейся домной (шахтной печью для выплавки чугуна из железной руды) в окружении техники. Присутствие на Магнитострое в начале 1930-х годов башенных кранов и экскаваторов служило доказательством преодоления разрухи гражданской войны, подъема промышленности.
На стройке комсомольской домны
- Магнитогорск
- 1931
- Бумага, тушь, гуашь. 43,3 х 29,5
- Магнитогорская картинная галерея
- Г-148
В 1931 году молодой московский художник Ярослав Титов с бригадой АХРа совершил творческие поездки по новостройкам Урала (Магнитогорск, Челябинск, Свердловск).
«На стройке комсомольской домны» – индустриальный пейзаж. Это вид строительства Магнитогорского металлургического комбината. На первом плане часть железнодорожного пути, складированные конструкции, далее – две домны в лесах и строительный кран. Работа написана в смешанной технике с применением «набрызга», подчеркивающего материальную фактуру объектов. Есть ощущение воздуха и пространства. Композиция решена в теплой цветовой гамме с преобладанием коричневого и серого цветов и создает мажорное звучание.
Нефтепромысла
- 1931
- Холст, масло. 108 x 206,5
- Государственный Русский музей
- Ж-2337
Постройка домны
- Магнитогорск
- 1931
- Бумага, тушь. 47 х 35,4
- Магнитогорская картинная галерея
- Г-579
В 1931 году молодой московский художник Ярослав Титов с бригадой АХРа совершил творческие поездки по новостройкам Урала (Магнитогорск, Челябинск, Свердловск).
В графической работе «Постройка домны» изображен момент строительства будущего Магнитогорского металлургического комбината. Справа видна домна со строительными лесами внизу. Вверху по тулову домны надпись «Комсомольская» и изображение комсомольского значка. Слева на всю высоту листа строительный кран и два высоких столба освещения. Масштаб мощных форм металлических конструкций подчеркнут маленькими фигурками рабочих по центру композиции внизу.
Летом 1930 года на строительстве Магнитогорского металлургического комбината оказался молодой художник Николай Аввакумов. По одной версии – по призыву комсомола, по другой – был командирован Наркомпросом по рекомендации А. В. Луначарского… Работал много, жадно, с энтузиазмом. Радуясь общим успехам. Под завывание яростного ветра, стоя в раскачивающейся люльке, большой малярной кистью на стальном теле домны именно он вывел надпись «Комсомольская». Стоявшие внизу товарищи, затаив дыхание, с восторгом наблюдали за действиями отчаянного смельчака. (Художественная летопись Магнитки. Живопись. Графика. Скульптура: Каталог собрания МКГ.- Магнитогорск. 2004).
Ремонт паровоза
- 1931
- Холст, масло, темпера. 82,5 x 86
- Государственный Русский музей
- Ж-9324
Картину «Ремонт паровоза» (1930–1931, ГРМ) Самохвалов написал по заказу Изогиза. Репродукция картины «Ремонт паровоза» была издана массовым тиражом с текстом о значении железнодорожного транспорта.
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»:
«Я страстно любил беспокойную и соответственно размеренную звонками, гудками, свистками жизнь железных дорог, жизнь, идущую под аккомпанемент вагонных колес, мощных вздохов паровозов с тимпанными звуками буферов. Всякая дорога ‒ и особенно железная дорога ‒ изменяет содержание жизни едущего (тогда ещё не было авиалиний) и потому навевает мысли об изменениях жизни и о новой жизни.
С самого раннего детства я любил паровозы, их технику, их "пастбища" на станциях, где они отдыхали, подновлялись и готовились к новым пробегам. Я особенно любил пассажирские паровозы с огромными двухметровыми колесами, окрашенными ярко-красным цветом.
Я любовался этим гигантским стальным конем на остановках, когда он грузился дровами или пил воду, шипя и вздрагивая от полноты дыхания и жажды движения, и той безудержной радостью, когда после звонков и гудков, испустив глубочайшие вздохи, он медленно, но мощно рванется вперед, чтобы исчезнуть за поворотом или в голубой дымке далеких далей.
Я мечтал написать поэму о паровозе. Без жеребенка. С жеребенком уже написал великолепную поэму Есенин. Я хотел написать поэму о паровозе и о людях, его построивших и управляющих им. Обстоятельства сложились так, что я смог написать лишь эскиз этой поэмы. Это небольшой холст, но все же это был этап в моем творческом труде, и в нем отразился также некий этап нашей истории, когда после разрушений, нанесенных войной империалистической и войной гражданской, после разрухи восстанавливался транспорт нашей страны, и эти огнедышащие гиганты, эти пожиратели пространства получали новую жизнь…
Композиционный строй этой небольшой картины не имеет планов. Она вся ‒ первый план. Рабочий, квалифицированный мастер устраняет неполадку в золотниках над цилиндром. Молодой рабочий, лежа на мостике, помогает ему. Другой рабочий, "культурник", укрепляет на перилах мостика плакат-лозунг. Четвертый, стоящий спиной, приводит в порядок детали цилиндра. В глубине сложного механизма видна фигура еще одного рабочего, обследующего исправность деталей. Все движения работающих людей, их ритмы и движения конструкций машины располагаются в единой плоскости» (из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»).
Строительство в Армении
- 1931
- Холст, масло. 132 х 161
- Государственный Русский музей
- Ж-9077
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
* В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Строительство в Армении
- 1931
- Холст, масло. 97,4 х 142
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1181
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
* В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Строительство новой улицы в Ереване
- 1931
- Холст, масло, темпера. 99 х 120
- Государственный Русский музей
- Ж-9339
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
* В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Стройка в Магнитогорске
- 1931
- Бумага, карандаш, тушь. 48,3 х 37,8
- Магнитогорская картинная галерея
- Г-585
В 1930-х годах Василий Хвостенко выполнил большую серию графических рисунков, посвященную строительству заводов на Урале.
В своей работе «Стройка в Магнитогорске» художник зафиксировал рабочий момент на строительной площадке. Справа – установленные элементы цилиндрических конструкций, за ними видна домна в строительных лесах. В центре композиции полукруглый элемент конструкции на крюке крана и группа рабочих. Справа вдали – железная дорога, по которой движется паровоз. Многоплановая композиция подчеркивает ритм и масштаб производственных работ.
У нас
- Эскиз. Правая часть диптиха "У нас и у них"
- 1931
- Фанера, гуашь. 115 × 89
- Ярославский художественный музей
- Ж-363
Диптих «У нас и у них», выполнен двумя московскими художниками Г. Г. Григорьевым и Б. В. Иорданским, сокурсниками ВХУТЕИНА, для Антиимпериалистической выставки, посвященной международному Красному Дню. Международный Красный День борьбы против империалистической войны, в защиту СССР отмечался 1 августа по постановлению IV Конгресса Коминтерна и ЦК ВКПБ с 1929 года (пятнадцатой годовщины начала Первой мировой войны).
Один из разделов выставки назывался «Мы и они». Художники символически изобразили и противопоставили два мира: мир западного капитала с его милитаристской разрушительной политикой и мир советского государства, целями которого являются созидание и укрепление оборонной мощи страны. Этот прием прямого столкновения нередко использовался в советских политических плакатах 1930–1950-х годов.
Хибиногорск на фоне Вудъяврчорр
- Из серии этюдов «По Северу»
- 1931
- Холст, масло. 62 х 80
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-2215
Тема освоения Советского Заполярья нашла воплощение в пейзаже Василия Крайнёва «Хибиногорск на фоне Вудъяврчорр». В 1928 году начались подготовительные работы для промышленной добыче апатита (сырьё для фосфорных удобрений) на Кукисвумчоррском месторождении, имевшем общесоюзное значение. Художник неоднократно ездил на Кольский полуостров, в Хибины, писал рабочий поселок и комбинат «Апатит», строившийся спецпереселенцами – крестьянами, отправленными в «кулацкую ссылку», гору Вудъяврчорр, которую называл «жемчужиной северной». Этюд из омской коллекции был показан на первой крупной советской выставке «Художники РСФСР за XV лет», проходившей в Ленинграде и Москве в 1932–1933 годах.
Чеканщики
- Магнитогорск
- 1931
- Бумага, карандаш, тушь. 42,5 х 31,6
- Магнитогорская картинная галерея
- Г-586
В 1930-х годах Василий Хвостенко выполнил большую серию графических рисунков, посвященную строительству заводов на Урале.
Графический лист «Чеканщики» – репортажная зарисовка, где крупным планом в центре листа изображены цилиндрические конструкции больших размеров с круглыми отверстиями и фигуры рабочих. Справа видна часть домны в строительных лесах. Рисунок документально точен, с плотной проработкой объемов и деталей. Художник стремился запечатлеть не только величие трудового подвига, но и мощь нового индустриального объекта Южного Урала.
Нефтяные промыслы
- 1932
- Холст, масло. 81 х 191
- Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
- Ж-186
Константин Федорович Богаевский вошел в историю отечественного искусства как выдающийся мастер пейзажной живописи. В 1920—1940-е годы он продолжал работать в соответствии с творческими принципами, сложившимися до революции, однако, помимо любимых образов крымской природы, начал обращаться к актуальным темам индустриального строительства. В отличие от молодых живописцев, с энтузиазмом бравшихся за художественное воплощение достижений технического прогресса, мастер тяжело переживал необходимость подстраиваться под жесткие требования властного заказа. Обращение к индустриальной тематике – компромисс, на который он вынужден был пойти, чтобы иметь возможность работать и участвовать на выставках, поскольку в критике 1930-х годов все чаще звучали радикальные суждения о «безыдейности» и «буржуазной реакционности» классической пейзажной живописи.
В 1930 году в составе бригады художников Богаевский совершил поездку на Днепрострой; осенью 1931 года полтора месяца прожил в Баку, в старом промышленном районе Биби-Эйбат. Пейзаж «Нефтяные промыслы» из собрания Радищевского музея производит впечатление торжественного кульминационного аккорда бакинского цикла. Свободно синтезируя впечатления, полученные в ходе командировок, живописец подчиняет индустриальный мотив теме грандиозного величия и гармонии природы.
Вытянутая по горизонтали композиция, открывающая широкую панораму биби-эйбатской бухты, тяготеет к классической пейзажной схеме, где чередующиеся планы имеют различную силу освещенности. Дальний, самый светлый план картины, образуют монументальные массивы выжженных солнцем холмов, написанных в теплой охристой гамме с оттенками розового и коричневого. Высокая линия горизонта подчеркивает доминирующую роль природного ландшафта. Средний план занимают расположенные у подножия холмов индустриальные постройки, деликатно вписанные в пространство пейзажа. Нефтяные вышки, резервуары, заводские корпуса застыли в неподвижности клонящегося к закату знойного дня. Кажется, ни одно дуновение прозрачного воздуха, ни один звук не нарушают этого всеобъемлющего покоя. Зеркальная гладь залива отражает плывущие в небе жемчужно-розовые облака, коричневато-охристые конструкции промыслов, золотистое, словно изнутри идущее свечение холмов. «Сыном света – Гелиосом» называл Богаевского его близкий друг, известный искусствовед С. Н. Дурылин, имея в виду способность живописца добиваться сияния неярких красочных сочетаний. На переднем плане, написанном в более темных тонах, узкая полоса берега замыкает пространство картины, придавая композиции целостность.
Осваивая новые изобразительные формы, художник остался верен основным принципам своего творчества: в письме С. Н. Дурылину он причислял себя к тем немногим художникам, которые воспринимают «мир и природу и с любовью и бескорыстно, и для которых она не только один неистощимый запас сил и энергии годных лишь для эксплуатации, но еще представляет и неистощимый источник красоты и чистой радости». Романтически одухотворяя природу, мастер создал эпический образ незыблемого совершенства мироздания.
Отепленный бассейн и бревнотаски
- Из серии «Лесозаготовки»
- 1932
- Холст, масло. 104 х 68,5
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1394
Обращаясь к теме созидательного труда, столь актуальной для живописи 1920–1930-х годов, Борис Цветков пишет серию работ «Лесозаготовки», в число которых входит работа «Отепленный бассейн и бревнотаски». Выбирая довольно необычный сюжет, художник находит удачную точку зрения — с высоты птичьего полета, позволяющую построить диагональную композицию, логически соответствующую динамике происходящего, а в самой манере отдает предпочтение четкому контуру. Название картины раскрывает суть изображенного процесса. Отепленный бассейн служит для оттаивания бревен с целью их лучшей распиловки, а механизированное транспортное устройство — бревнотаска — поставляет бревна в цех. Группа рабочих с баграми, как отправная точка производственного этапа, является визуально-смысловым центром работы. Вся композиция пронизана ярким светом морозного зимнего дня, атмосферой оптимистичного и плодотворного труда, в целом характерной для советской живописи той эпохи.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 39.
Металлургический завод в Сталино
- 1933
- Холст, масло. 82 × 62
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-1922
Украинский художник Лев Юрьевич Крамаренко неоднократно бывал в Донбассе: писал шахты и металлургические заводы Сталино, Горловки, Константиновки. Романтика и мощь индустриального края вдохновляли художника. Пейзаж «Металлургический завод в Сталино» полон динамики, написан широким, вольным мазком. На фоне пепельно-бурого неба, среди облаков густого пара – монументализированное изображение доменной печи, соединенной с каупером широкой трубой. Между ними – металлурги, разливающие горячий чугун в формы. На первом плане эскизно обозначены фигуры рабочих.
Ленинградский порт. Лесоэкспортная механизированная гавань
- Правая часть триптиха "Ленинградский порт"
- 1935
- Холст, масло. 200 х 297
- Государственный Русский музей
- Ж-4486
Две части триптиха Дроздова интересны как опыт новаторских исканий в творчестве художника, придерживающегося традиционных форм в искусстве. Новый подход подчеркивается каждой деталью многочастной композиции, форматным решением, светлым и радостным колоритом. Образ кипучей жизни речного порта, с его шумным мощным движением, был созвучен энтузиазму „страны строящегося социализма", оптимизму первых пятилеток. Альфия Низамутдинова // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 314.
Косогорский металлургический завод. Перед сменой
- 1937
- Холст, масло. 118 х 165
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-625
Представление о металлургических гигантах, построенных за годы двух сталинских пятилеток, дает картина Алексея Вольтера «Косогорский металлургический завод. Перед сменой», написанная для Всесоюзной художественной выставки «Индустрия социализма» (1939). Она экспонировалась в 12-м зале на тему «СССР стал металлическим». В год ее написания Вольтер совершил творческую командировку в Тульскую область, где находился Косогорский металлургический завод имени Ф. Э. Дзержинского. В плавильном цехе, горячий воздух которого наполнен клубящимся паром, художник изобразил группу рабочих, с воодушевлением воспринимающих газетные новости о трудовых успехах завода.
М. И. Калинин на вагонном заводе
- Левая часть панно для коридора Калининского дворца пионеров
- 1940–1941
- Фанера, паволока, левкас, темпера. 120,0 х 89,5 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-2610/1
Владимир Андреевич Фаворский (1886–1964) – один из крупнейших представителей русской художественной культуры, чей талант носил бесспорный универсальный характер: выдающийся мастер гравюры, художник книги и иллюстратор, график, живописец-монументалист, художник театра, педагог и теоретик искусства. Фаворский оставил богатое творческое наследие, которое оказало несомненное влияние на формирование стилистики и эстетического мировоззрения целого ряда поколений советских художников.
В 1940–1941 годах В. А. Фаворский и художники-монументалисты Академии архитектуры СССР работали над заказом по художественному оформлению интерьеров Дворца пионеров в Калинине. Реорганизация здания фабрики-кухни под нужны дворца для детей и юношества – крупный проект, с 1937 года осуществляемый выдающимся архитектором Иваном Леонидовым и командой проектной мастерской №3 Наркомтяжпрома под руководством Моисея Гинзбурга.
В контексте декорации здания был создан комплекс панно, выполненный в традиционной иконописной технике – темперой по левкасу. Артикулируемые мотивом тонких колонок, задающих ритм и членящих стены на плоскости, предназначенные для живописного декора, панно гармонично вписывались в концепцию оформления интерьеров и демонстрировали единство архитектурного и художественного замысла.
«М. И. Калинин на вагонном заводе» – панно, которое В. Фаворский написал для коридора «Наша область», где были представлены сюжеты, маркирующие связь видных исторических личностей и деятелей искусств с Тверским краем. Оформленные виньетками, выдержанные в светлой цветовой гамме, композиции содержат активное декоративное начало, при этом оставаясь топографически и исторически достоверными. Участники работ отмечают активную роль натурных зарисовок и эскизов в процессе подготовки живописных панно.
К сожалению, война прервала работы по оформлению интерьеров Калининского дворца пионеров, и впечатляющий художественно-архитектурный ансамбль так и не был реализован во всей его полноте.
Наступление начинается здесь
- 1944
- Холст, масло. 183,0 х 132,4
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Ж-140
Произведение свердловского художника Николая Голубчикова «Наступление начинается здесь», возможно, было выполнено по натурным впечатлениям. Во время войны была практика творческих командировок художников на заводы для создания образов передовиков производства или изображения подготовки орудий ‑ военной мощи страны. Такие работы часто писались специально для выставок, которые служили поднятию боевого духа граждан. На картине Н. Голубчикова изображена подготовка к отправке на фронт зенитного оружия 52-К.
Производство 52-К велось исключительно на заводе № 8 им. М. И. Калинина, который до зимы 1941-1942 гг. располагался в деревне Подлипки (Подмосковье), а затем был эвакуирован в г. Свердловск. В 1940 году цена одного орудия 52-К составляла 118 тыс. руб.
52-К или КС-12 ‑ советское зенитное орудие калибра 85 мм. Полное официальное название орудия ‑ 85-мм зенитная пушка образца 1939 года. Это орудие активно использовалась в Великой Отечественной войне как в роли собственно зенитного, так и противотанкового орудия, а после её окончания долго состояло на вооружении Советской Армии до принятия на вооружение зенитных ракетных комплексов. Орудие было разработано ведущим конструктором Г. Д. Дорохиным на основе предшествующей 76-мм зенитной пушки образца 1938 года, созданной М. Н. Логиновым.
Осенью 1941 года завод № 8 был эвакуирован в Свердловск и Молотов (в настоящее время город Пермь). Строительство завода происходило в исключительно трудных условиях суровой уральской зимы 1941‑1942 годов, при морозах минус 30‑43 градусов и отсутствии отопления в основных цехах. Тем не менее, работы шли полным ходом. Разгружались десятки платформ с заводским имуществом, которые скопились у железнодорожного ввода на предприятие и в тупиках. Как только заканчивался монтаж оборудования в цехах, станки сразу же пускались в работу. Для обогрева корпуса, в оконных проёмах которого ещё не было стёкол, а крыша прикрывалась брезентом, установили паровоз, но холод всё равно был жуткий, не помогали и поставленные у станков железные печки, костры в пролётах. Замерзала эмульсия, коченели руки. И ни слова упрёка, жалобы, нытья. Рабочие – а среди них всё больше становилось женщин, подростков ‑ молча, с суровыми лицами, строили, монтировали, выпускали детали, узлы.
В феврале 1942 года калининцы уже не из запасов, привезённых с собой, а из деталей, изготовленных в Свердловске, собрали первые 118 зенитных пушек, выполнив задание Государственного комитета обороны.
Предназначенные для борьбы с авиацией противника, для стрельбы по воздушным десантам, по живым наземным целям и огневым точкам противника, эти орудия с успехом применялись и для уничтожения фашистских танков. С необычной для зенитки задачей 52-К справлялась успешнее, чем иные противотанковые орудия тех лет. С приданным ей бронебойным снарядом она могла прошивать броню всех типов танков, находившихся на вооружении германской армии до середины 1943 года. И когда в 1942 году Г. Д. Дорохину было присвоено звание лауреата Государственной премии, наградой отмечались не только зенитные, но и противотанковые качества орудия.
Юноши и девушки города Ленина, самоотверженно трудитесь на помощь фронту!
- 1944
- Бумага, автолитография. 72,2 х 47,2
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-643
Военное лихолетье отняло у многих подростков детство — они заменили ушедших на фронт или погибших взрослых на различных видах производства. И эта тема также активно пропагандировалась — плакаты взывали к чувству патриотизма, самоотверженности в оказании помощи родной стране.
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 15
Дмитровский шлюз
- 1947
- Холст, масло. 137 x 180
- Государственный Русский музей
- Ж-5603
Знатный сталевар завода «Серп и молот» М. Г. Гусаров со своей бригадой
- 1949
- Холст, масло. 200 х 200
- Государственный Русский музей
- Ж-6068
Из серии портретов, выполненных на заводе «Серп и молот», за которые автор получил в 1949 Сталинскую премию 3-й степени.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 41.
У токарного станка
- 1949
- Литография с тоном. И.:51,7х38. Л.:71,7х49,4
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-3080
У фрезерного станка
- 1949
- Литография с тоном. И.:53,4х40,4. Л.:71,7х49,6
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-3081
Свежий номер цеховой газеты
- 1952
- Холст, масло. 168 x 232
- Государственный Русский музей
- Ж-6028
Строительство Куйбышевской ГЭС
- 1953
- Холст, картон, масло. 71 х 96
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-2355
Важное место среди созданных Владимиром Георгиевичем Гремитских произведений занимает цикл «Строительство Куйбышевской ГЭС» (1952), которому принадлежит представленная картина. Строительство Куйбышевской (ныне – Жигулевской) ГЭС началось после Великой Отечественной войны, хотя многие объекты, необходимые для этого гидроузла, были возведены еще в 1937-1940 годах. 21 августа 1950 г. был утвержден проект строительства Куйбышевской гидроэлектростанции мощностью 2,1 млн. кВт/ч. Через год на месте будущей гидроэлектростанции развернулись строительные работы, а уже к 1957 году она была введена в эксплуатацию.
На строительстве Южсиба
- 1955
- Холст, масло. 90 х 115
- Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
- ХНКМ КП-4918/21
Александр Михайлович Новоселов (1917–1994), прожил в Абакане с 1940 по 1990-е гг. и внес значительный вклад в изобразительное искусство Хакасии.
Картина «На строительстве Южсиба» написана в середине 1950-х годов, в период становления хакасского искусства. Художник изобразил глухую сибирскую тайгу со скалами и работающими экскаваторами, которые прокладывают участок пути в тайге. Здесь мы видим немногочисленные, слегка намеченные фигурки людей, которые занимаются созидательным трудом. В таёжной низине, пробитой через горы, в глубину уводит новая дорога, на дальнем плане – трактор, силуэты людей, редкие ели. К сюжету картины художник обратился неслучайно, именно в 1950-е годы в СССР велось строительство одного из участков Южно-Сибирский железнодорожной магистрали. Железная дорога строилась несколько лет (1940–1966), ее длина составила около 3000 километров от Магнитогорска до Тайшета, известная трасса проходила и через город Абакан.
Первая плавка чугуна на Череповецком металлургическом заводе 24 августа 1955 г.
- 1956
- Холст, масло. 119 × 151
- Череповецкое музейное объединение
- ЧерМО-2928
После поездки на новостройку металлургического завода в город Череповец вологодский художник Борис Шварков почувствовал возможность написать картину о строительстве первой домны. Было сделано множество эскизов, здесь и общий вид стройки, и отдельные детали. На картине, написанной в 1956 году, художник запечатлел важное событие в жизни Череповецкого металлургического завода – первую плавку чугуна.
Плавка выдана
- 1956
- Холст, масло. 196,0 х 67,0
- Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
- Ж-111
Индустриальная живопись – одна из тенденций советского изобразительного искусства. Она оформилась в отдельный жанр в первой трети XX столетия и получила особый размах в послевоенное время, когда было необходимо восстанавливать экономику и прославлять героизм труда. Поэтому неудивительно, что многие советские художники обращались к образу рабочего человека.
Желание рассказать о рабочих с заводов появилось и у уральского живописца Александра Бурака. Он задумал масштабную картину, воспевающую трудовой подвиг.
Полотно рождалось трудно. Характеры героев и основная идея формировались не столько в мастерской, сколько в мартеновском цехе Уральского машиностроительного завода.
Наконец после долгого времени, проведенного в цехах, Бурак нашел свою историю и своих героев. Момент, который запечатлел художник, — отдых после выдачи плавки.
Прообразом для центрального героя послужил сталевар Фёдор Захарович Анощенко, работавший на Уралмаше почти с самого его основания. Его художник изображал в течение полугода в разных ракурсах. Наибольшие трудности для живописца представлял образ сталевара, закуривающего папиросу. Бурак неоднократно переписывал его, пытаясь поймать характер и нужный настрой. Картина «Плавка выдана» за участие в Республиканской художественной выставке была удостоена Почетного диплома Первой степени Министерства культуры РСФСР.
Богатыри Донбасса
- 1957
- Холст, масло. 147 × 265
- Луганский художественный музей
Масштабное полотно киевского художника Михаила Поплавского «Богатыри Донбасса» создано в конце 1950-х годов. На нем как былинные герои в подземном царстве «чёрного золота» предстают перед нами шахтёры. Горят и переливаются драгоценными камнями кристаллы угля и на их фоне – добрый и сильный человек, побеждающий суровую природу, несущий свет и радость людям. Он на минуту оторвался от работы, смахнул пот с лица и, улыбаясь, смотрит на зрителя. Произведение воспринимается как вдохновенная песнь труду, как символ жизненной силы и нравственной красоты рабочего человека.
На строительстве мартена Череповецкого металлургического завода
- 1957
- Холст, масло. 75 × 150
- Череповецкое музейное объединение
- Ж-635
После поездки на новостройку металлургического завода в город Череповец вологодский художник Борис Шварков почувствовал возможность написать картину о строительстве первой домны. Было сделано множество эскизов, здесь и общий вид стройки, и отдельные детали. На большом холсте решена композиция: строится гигант металлургии.
Будни Сталинградской ГЭС
- 1959–1960
- Холст, темпера. 235,0 × 150,5
- Самарский областной художественный музей
- Ж-1034
Уроженец Самарканда и выпускник ЛВХПУ им. В. И. Мухиной Юрий Боско в 1956 оказался в Сталинграде, где прожил 16 лет. В эти годы много работал как монументалист, создавая крупные мозаичные панно. После войны Сталинград восстанавливался и практически строился заново. Молодой художник видел свою задачу в том, чтобы отразить и запечатлеть этот процесс. Наблюдая за строительством Волжской ГЭС, художник создает монументальные полотна «Будни Сталинградской ГЭС» и «Над Волгой». Картины были показаны на республиканских, зональных, всесоюзных, а также на выставках произведений советского искусства в Англии, Китае, Румынии.
Картина «Будни Сталинградской ГЭС» (1959–1960) написана Юрием Боско в духе «сурового стиля», когда героями произведений художников становились полярники, геологи, строители – те, кто совершал ежедневный подвиг на благо страны. Здесь рабочие представлены не просто людьми, выполняющими свою обыденную рутинную работу, а вершителями эпохальных событий. Художник воспевает героику трудовых будней. Смело и уверенно идут они по шаткому навесному мосту через Волгу, несмотря на резкий, порывистый ветер.
Крупноформатное полотно написано темперой яркими контрастными цветами, смелый ракурс, динамика композиции роднит это произведение с творчеством Александра Дейнеки.
Будни завода
- 1959
- Холст, масло. 100,0 х 150,0
- Вологодская областная картинная галерея
- Ж-442
Произведение «Будни завода» (1959) кисти вологодского художника Владимира Николаевича Корбакова посвящено пуску первого на Вологодчине Череповецкого металлургического завода, где 24 августа 1955 года был получен первый череповецкий чугун на доменной печи № 1. В ноябре 1959 года Правительство страны поздравило строителей и металлургов с вводом в действие крупнейшего в Европе листопрокатного стана, после чего Череповецкий завод, названный «Северной Магниткой», стал предприятием с полным металлургическим циклом.
С конца 1950-х годов в течение трех десятилетий Владимир Корбаков обращался к мотивам и образам строящегося Череповца. Он был инициатором и бессменным руководителем Череповецкой индустриальной творческой группы, в которую кроме вологжан входили живописцы и графики из других регионов России. Можно смело сказать, что В. Н. Корбаков стал летописцем Череповецкого металлургического комбината, за что был удостоен звания Почетного металлурга.
На запани
- 1959
- Холст, масло. 96 х 210
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-788 АОМИИ
С именем художника Михаила Сергеевича Баранчеева связана целая эпоха в изобразительном искусстве Севера. Он был первым, кто открыл новый круг тем и сюжетов, новаторским в его картинах стало живое наблюдение жизни. Его творчество было хорошо известно не только в Архангельске, он постоянно участвовал в областных, зональных и всесоюзных выставках.
Впервые в Архангельск Михаил Сергеевич приехал в 1950 году, когда был еще студентом. «Архангельск поразил меня своей колоритностью, своим многообразием, и в 1953 году, после окончания учебы, я приехал сюда работать, – вспоминал художник. – Знаете, здесь все – и Россия, и множество северных народностей – все, что нужно для творческой натуры. Такой он – наш Север. Такой наш Архангельск».
Северный край во всем своем многообразии был главной темой произведений Баранчеева. Старый и новый Архангельск, морские и речные порты, поморские деревни, индустриальные и лирические пейзажи стали предметом подлинного интереса художника.
Особый интерес вызывают созданные художником живые и реалистичные жанровые сцены. Проникнутая воздухом и солнечным светом, живописная работа «На запани» 1959 года увлекает зрителя динамикой композиции и обаянием сюжета, в котором улавливается поэтическая романтика 60-х годов прошлого столетия.
За́пань (За́понь) — инженерное заградительное сооружение (обычно из брёвен), используемое для временного или окончательного задержания твёрдых плавучих объектов (леса и др.) в определённом месте водоёма
Портрет делегата XXI съезда КПСС А. Ф. Кузьмина
- 1959
- Холст, масло. 124,0 × 99,0
- Самарский областной художественный музей
- Ж-975
Первой важной работой молодого самарского художника Василия Панкратова стал «Портрет делегата XXI съезда КПСС Героя Социалистического Труда А. Ф. Кузьмина» (1959). В 1960 году он экспонировался на республиканской выставке «Советская Россия» в Москве и в том же году был приобретен Куйбышевским художественным музеем.
Герой изображен в заводском цеху, рядом со станком. В этом образе художник стремился раскрыть лучшие черты нашего современника, человека физического труда, наделенного интеллектом. Этим портретом начинается работа художника над произведениями о передовых людях Куйбышевской области – колхозниках, рабочих, ученых. Панкратов всегда изображал их в процессе трудовой деятельности.
В этой работе проявилась важная черта творчества Панкратова – взгляд у всех моделей обращен внутрь себя, нет открытого позирования. Этим портретом началась работа живописца над созданием портретной галереи своих современников.
Казахстанский мартеновский цех
- 1960
- Холст, масло. 78 х 100
- Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
- ИНВ 1339
В начале 1960 – х годов художник посетил Казахстанскую Магнитку в Темиртау. Художник внутренне готовился к создании. Этого произведения, собирал многочисленный материал, зарисовывал сам процесс производства металла, характерные позы металлургов, детали цеха и оборудования, сложное освещение помещения, когда горячий свет металла соперничает с естественным солнечным светом. Он совершенно точно, почти геометрически, изобразил цех со всеми его коммуникациями, создав достоверную картину промышленного интерьера, строго выстроенного, но достаточно скучного. Жизнь в картину вдохнули изображения рабочих, показанных в разных позах и движениях, полностью захваченных трудовым процессом, вкладывающих душу в свою работу, и светлые отблески солнечного света, связывающие из с жизнью за заводскими пределами.
Куйбышевская ГЭС
- 1960-е годы
- Холст, масло. 140 × 200
- Самарский областной художественный музей
- Ж-МП-38
В центре творчества художников конца 1950–1960-х годов – тема преобразования природы, строительства новой жизни, нового города, распространяющегося в пространство окружающей «естественной» природы.
Главной задачей в это время, как формулирует ее коммунистическая партия, становится «изображение трудового подвига советского народа». Все свои силы они должны направить на создание художественной летописи грандиозной «стройки века»: выше по течению, у Ставрополя перекрывается Волга, углубляется котлован будущей Волжской ГЭС им. В. И. Ленина.
На картине Валентина. Пурыгина «Куйбышевская ГЭС» изображен берег нового Жигулевского моря. Вдоль берега растянулись вышки линий электропередач, видно здание ГЭС. Картина написана в период всеобщего энтузиазма, когда художник еще не видел разрушительных шагов цивилизации, он фиксирует происходящее, скорее, как летописец.
Запуск Куйбышевской ГЭС должен был дать стране дешёвую энергию. Поволжье заплатило за неё сполна многочисленными затопленными населенными пунктами, вместе с заливными лугами, ценными сенокосами и плодородными пашнями.
С конца 1960-х красной нитью в творчестве художника проходит тема трагической обреченности живой, естественной природы, которую перемалывают цивилизация, научно-технический прогресс.
Погрузка «Оби»
- 1960
- Холст, масло. 170 х 232,4
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-567
Михаил Григорьевич Пясковский, в отличие от многих своих современников, трактовал индустриальную тему скорее эмоционально, чем рационально. Композиция некоторых его индустриальных картин построена на контрасте между миром людей и миром техники – и «Погрузка “Оби”» не исключение. Здесь, среди кранов, машин и судов, энергично течёт будничная жизнь портовых рабочих, занимающихся привычными рутинными делами. На представленной картине зритель видит процесс погрузки различных предметов на известный дизель-электроход «Обь», бывшего флагманом Советских Антарктических экспедиций в 1955-1975 годах. Это транспортное судно ледового класса, спущенное на воду 10 октября 1953 года и имевшее портом приписки Мурманск, долгие годы служило плавучим общежитием для исследователей антарктических вод.
Ваза «Строительство»
- 1961
- Керамика, роспись подглазурная. Высота - 57 см.
- Магнитогорская картинная галерея
- ДПИ-258
Ваза «Строительство» Антонины Ладур выполнена в бирюзовой гамме и имеет стилизованную форму с глазурованной поверхностью. Роспись отличается особым ритмом, созданным резким пересечением черных стрел башенных кранов, рельефно проработанных по керамической форме, и висящих на крюках коричневых квадратов-панелей. Сквозь них видны плотные ряды деревьев с пышными кронами, благодаря чему стилизованный вид стройки выглядит весьма романтично.
Караван
- 1961
- Холст, темпера. 39 х 41
- Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
- Ж-344
В начале 1960-х годов алтайскими художниками Владимиром Добровольским и Семеном Черновым была создана серия работ «Обь целинная», одна из них – «Караван». Работы, выполненные в «суровом стиле», образно и ярко рассказывают о человеке-труженике.
Шахтёр
- 1961
- Холст, масло. 258х182
- Приморская государственная картинная галерея (Владивосток)
- Ж-423
Одна из сторон творческой деятельности художника Вениамина Гончаренко – тематические картины из жизни шахтеров Живописец создал ряд психологических портретов современников, известных людей Приморья. В своих произведениях он стремится передать внутреннюю суть человека, его неповторимую индивидуальность.
Картина «Шахтёр» представляет героизированный образ профессии шахтёра, который только что вышел из забоя. Его фигура кажется вырубленной из пласта горной породы, а пейзаж как бы досказывает настроение героя.
Грузы для Красноярской ГЭС
- 1962
- Холст, масло. 140 х 160
- Магнитогорская картинная галерея
- Ж-13
Полотно Петра Оссовского посвящено строительству Красноярской ГЭС.
Красноярская ГЭС (имени 50-летия СССР) – гидроэлектростанция на реке Енисее вблизи города Дивногорска Красноярского края. Входит в Енисейский каскад ГЭС, составляя его третью ступень. Является второй по мощности (после Саяно-Шушенской ГЭС) электростанцией России. В комплекс Красноярского гидроузла входит единственный в России судоподъёмник.
Строительство Красноярской ГЭС было начато в 1955 году и было объявлено ударной комсомольской стройкой. Множество художников старались запечатлеть покорение могучего Енисея. Не остался в стороне и Петр Оссовский – один из ведущих художников советского времени.
Цементный завод «Большевик»
- 1962
- Картон, гуашь. 49 х 112
- Вольский краеведческий музей
- ВКМ 22551
Основной темой работ вольского художника Вячеслава Невского всегда оставалась Волга, в том числе Волга индустриальная. По широкому водному простору движутся катера и баржи. На противоположном берегу – большое количество дымящихся заводских труб, слева – цементный завод «Большевик». Видно как завод работает в полную силу.
Мост строится
- 1963
- Картон, масло. 46 х 64
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-2082 АОМИИ
Архангельский живописец Дмитрий Кузьмич Ширяев создал сотни произведений, на которых изображён любимый город Архангельск.
В 1958 году в Архангельске началось строительство моста через русло Северной Двины. Пятого ноября 1964 года железнодорожный и автомобильный мост был торжественно открыт, решив многие транспортные проблемы Архангельска. Он стал самым северным разводным мостом в мире, что позволило пропускать крупнотоннажные суда по реке.
Ширяева захватил процесс строительства моста и размах проводимых работ. На картине «Мост строится» (1963) изображена панорама реки. В воде виден мощный фундамент железобетонных колонн-опор, на которых закреплена большая металлическая конструкция будущего моста. На переднем плане широкая река, около берега видны части корпусов барж, буксиров. Справа, на палубе буксира, – маленькая фигурка мужчины в черной одежде. Слева, на берегу, стоит высоковольтная вышка, различаются силуэты разных строений.
Вся композиция картины развёрнута по горизонтали и даёт ощущение основательности, масштаба стройки. Единственная вертикаль в работе – вышка – нарушает спокойный композиционный строй. Низкий горизонт позволил передать водную гладь и размеры будущего моста. Противопоставление огромной конструкции маленьким фигуркам людей на баржах ещё больше подчёркивает масштаб стройки. Общий светло-серый сдержанный колорит картины нарушает тяжёлый, ржавый цвет металлических конструкций.
В последующем картина «Мост строится» и натурные впечатления художника послужили написанию эпической работы «Новостройки Архангельска. Мост через Двину» (1963-1964).
Кучукский сульфатный комбинат
- 1964
- Холст, картон, масло. 49,5 х 72
- Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
- Ж-2748
Кучукский сульфатный комбинат – один из крупных заводов Алтайского края. Его появление относится ко второй половине XX века. Художник посещал строительство крупных объектов, создавал большие сюжетно-тематические композиции.
Отдел контроля
- 1964
- Холст, масло. 169,0 х 215,0 см; 177,0 х 222,0 х 8,0 см (с рамой)
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-2369
Художник-пейзажист Никита Петрович Федосов совершил несколько творческих поездок по стране. Главное «место силы», где Федосов, уже став зрелым художником, долго жил и много писал, была Академическая дача художников имени И. Е. Репина в Тверской области с живописной рекой Мстой, берущей начало из красивейшего озера Мстино. Магия этих мест произвела на мастера глубочайшее впечатление: «Во всем ощущается единая, гармоническая связь всего – и домов, и сараев, и луга, и леса, звезд над головой».
В 1970 году Федосов купил дом в глухой деревушке Вели в Калининской (ныне Тверской) области неподалёку от Академической дачи художников, вокруг которой в различных деревнях уже давно обосновались к этому времени многочисленные ленинградские и московские художники. Среди них были такие известные мастера советской живописи, как Фёдор Решетников и его жена Лидия Бродская, Юрий Кугач, братья Ткачёвы, Владимир Токарев со своей женой Александрой Токаревой и многие другие. Эти места завораживали своей красотой, живописностью, тишиной, поэтичностью. В Велях, а позже и в деревне Вёшки, куда живописец переехал вместе с семьей в 1985 году, художник упоённо работал. Это были годы тихой, неспешной жизни, счастливого постоянного творчества, посвящённого деревенскому пейзажу: Федосов любил писать пейзажи, считая этот жанр самым высоким в живописи. Но первую славу художника ему принесли тематические работы, одна из которых хранится в коллекции Тверской областной картинной галереи.
Живописное полотно «Отдел контроля» (1964) создано на Черемушкинском ткацком комбинате. На нем художник изобразил прекрасных молодых тружениц текстильного цеха. Их тела наполнены энергией и целеустремленностью, но это не ложно-патетическое изображение работниц, здесь есть правда и романтический подход к изображаемому сюжету. Автор выбирает эффектный момент: одна из работниц, проверяя качество продукции, взмахивает тканью, и полотно красиво взвивается в воздухе. Динамичная композиция и подчеркнуто звонкий колорит картины создают радостное и торжественное настроение.
Строители Волго-Балта
- 1964
- Холст, масло. 90,0 х 200,0
- Вологодская областная картинная галерея
- Ж-3908
Волго-Балтийский канал, проходивший по отдельным районам Вологодской области, стал второй крупнейшей стройкой в нашем регионе. Волго-Балтийский водный путь был сдан в эксплуатацию в июне 1964 года. Вытегорский гидроузел – Шлюз № 1, именно с него и началось строительство Волго-Балта. Канал строился в сложных природных условиях. Его прокладывали через топи, болота и лесные чащи, в торфяниках, песчаных и глинистых грунтах. Волго-Балт был стройкой молодых. Тысячи молодых людей приехали сюда с разных концов страны по комсомольским путевкам, чтобы строить Волго-Балт.
Романтике новой жизни, покорению человеком природной стихии посвящает свой индустриальный пейзаж «Строители Волго-Балта» (1964) Борис Павлович Шварков, один из ярких представителей сурового стиля среди вологодских художников шестидесятых годов ХХ века. 5 июня 1964 года все шлюзы Волго-Балтийского пути пропустили суда. Волга соединилась с Балтикой. Древняя Мариинская система ушла в историю. Ей на смену пришел канал, по которому ежегодно можно перевозить до 20 млн. тонн грузов.
На буровой. Белая ночь
- 1965
- Картон, темпера. 42,0 х 64,0
- Ямало-Ненецкий окружной музейно-выставочный комплекс им. И. С. Шемановского, Салехард
- ГР-81
На Ямале 1960-е годы – это начало активного освоения нефтяных и газовых месторождений. Бурение – это один их процессов, необходимых для изучения земных недр. Множество буровых установок было размещено в разных уголках северной земли. Рядом вырастали и маленькие жилые комплексы, состоящие в основном из вагончиков, в которых проживали геологи. На картоне «На буровой. Белая ночь» работы Владимира Емельянова изображен один из таких комплексов в летний период. Ямальское лето знаменито своими белыми ночами. Кроме того, художник показывает, что работа зачастую затягивалась до глубокой ночи, ведь пионеры освоения Севера работали, не считаясь со временем.
Сахалинрыбпром
- 1960-е
- Холст, масло. 90 х 146
- Сахалинский областной художественный музей
- Ж/дв-1160
Тема картины сахалинского художника Юрия Степанова «Сахалинрыбпром» носила заказной характер и должна была демонстрировать успехи в рыбопромышленной отрасли, становление которой было сложным, но необходимой для послевоенной экономики страны.
Рыбная отрасль являлась доминирующей в Сахалинской области. Для решения ее проблем необходимы были люди. Правительство СССР принимает решение по переселению людей с материка поэтапно, с начала 1946 года по 1950 год. Только в 1947 году переселено 3500 семей для работы в предприятиях «Сахалинрыбпрома» и создаваемых рыболовецких колхозах.
Условия работы первые два-три года были тяжелыми – стопроцентный ручной труд. Это переноска, засолка рыбы, приготовление тузлука (раствор соли для засолки рыбы), мойка рыбы, ее укладка в тару, транспортировка. Рыба в основном выпускалась в соленом виде, и только незначительная часть реализовывалась в свежем виде на местах. Не было холодильных емкостей, что не позволяло расширять ассортимент выпускаемой продукции. Рыбу обрабатывали в неприспособленных помещениях, а нередко и под открытым небом. Текучесть людей была очень высокая.
Но уже в 60-е годы XX века всё меняется. На заводе произошли передовые изменения – замена ручных средств труда машинами и механизмами, что не только облегчило работу, позволив обеспечить рабочими местами молодых женщин, но и в разы увеличило выпуск рыбной консервной продукции.
Сахалинский художник Юрий Степанов с поставленной задачей справился – достижения социалистического труда отражены в его картине в благоприятных производственных условиях работы советского народа. Женский коллектив молод и красив. Девушки в белых халатах, в головных уборах теперь работают на производстве, где условия труда стали чистыми и комфортными.
Куликов Сергей Иванович
1877-?Живописец. Жил и работал в Вольске. Участник областных выставок.
Шевченко Александр Васильевич
1883, Харьков – 1948, МоскваЖивописец, график, теоретик искусства.
Родился в Харькове. В 1890–1898 занимался рисунком в реальном училище и брал частные уроки изобразительного искусства. Учился в Строгановском центральном художественно-промышленном училище (1898–1908, с перерывами) и в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1907–1909). В 1904 посетил Турцию, Грецию, Египет. В 1905–1906 в Париже работал в Академии Р. Жюльена, затем в мастерской Э. Каррьера, экспонировался в Салоне независимых. Начинал с импрессионизма (парижские пейзажи 1905–1906). В 1907 испытал влияние символизма, участвовал в XIV выставке Московского товарищества художников. В 1908 сблизился с М. Ф. Ларионовым. Разделял ориентацию его группы на неопримитивизм и лучизм, участвовал во всех выставках группы (1911–1914). В 1913 издал брошюры «Неопримитивизм. Его теории. Его возможности. Его достижения» и «Принципы кубизма и других современных течений в живописи всех времен и народов». Писал полотна в футуристическом духе (1913). В 1914 был призван в действующую армию, в 1916 – контужен, в 1917 – эвакуирован в Москву и демобилизован.
После революции 1917 заведовал литературно-художественным подотделом Коллегии по делам искусств Наркомпроса (1918–1921), вел большую общественную работу при Моссовете, Совнаркоме по охране памятников искусства и старины, участвовал в создании Музея живописной культуры. Преподавал с 1918 в 1-х Государственных свободных художественных мастерских, в Высших художественно-технических мастерских – Высшем художественно-техническом институте (1920–1928), работал в Государственной академии художественных наук. В манифесте «Цветодинамос и тектонический примитивизм» (подготовленном совместно с А. В. Грищенко и опубликованном в каталоге одноименной выставки; 1919) отверг «прикладничество всех родов и направлений» (т.е. чистый дизайн, которым занимались наиболее радикальные из новаторов типа В. Е. Татлина), отстаивая динамически-живописную станковую картину как наиболее адекватный современности вид творчества. Участвовал в комиссии Живскульптарха, создал проекты Дома Советов, которые экспонировались на Первой русской художественной выставке в Берлине.
В конце 1910 – 1920-х пейзажи, натюрморты и жанровые композиции Шевченко постепенно обретали все более традиционные свойства, сочетая острую авангардную чувствительность к живописной фактуре с поэтикой романтизма. С годами в его искусстве вновь усилились черты символизма, но в новом, обобщенно-монументальном облике. Таковы, в частности, приглушенные по колориту, по-своему эпические фигурные композиции, созданные по впечатлениям творческих командировок на Кавказ и в Среднюю Азию. В поздние десятилетия не раз подвергался остракизму как «формалист», однако стоически продолжал работать как живописец, создавая лирически-задумчивые пейзажи и жанры в духе «тихого искусства». Не оставлял и преподавания – прежде всего, в Текстильном институте, где с 1941 руководил кафедрой живописи.
Рождественский Василий Васильевич
12(24).05.1884, Тула – 20.05.1963, МоскваЖивописец, график, художник театра. Учился: 1900–1910 (с перерывами) – МУЖВЗ у В. А. Серова, К. А. Коровина, А. Е. Архипова. Участник выставок с 1907. Член и экспонент: «Бубновый валет» – 1911–1917 (экспонент выставок, Москва – 1912, 1914; Петербург – 1913); «Мир искусства» – 1917–1918, 1922; «Московские живописцы» – 1925; АХРР – 1926; ОМХ – 1927–1929. Преподавал: 1918–1920 – ГСХМ II; 1920–1922 – основатель и руководитель филиала ГСХМ в Удомле Тверской губернии.
Григорьев Григорий Григорьевич
1901, Москва –1941Иорданский Борис Вячеславович
1903, Ковров, Владимирская губ. – 1983, МоскваЖивописец, график, монументалист.
Учился во ВХУТЕМАСе–ВХУТЕИНе в Москве (1922–1930) у И. М. Рабиновича, А. В. Шевченко, Н. И. Шестакова. Член АХР (1928–1931), РАПХ (1931), ССХ (1932). Участник выставок с 1929: московские, республиканские, персональные (1935, 1963, 1964, 1975 – Москва). Оформлял павильоны на ВСХВ (1923, 1939), международных выставках в Кёльне (1927–1928), в Филадельфии (1931), Всемирной выставке в Париже (1936–1937; Гран-При), колонны физкультурников СССР и РСФСР на физкультурном параде в Москве (1945), а также улицы и площади Москвы к революционным праздникам. Автор декоративных панно и мозаик для вестибюля станции метро «Добрынинская» (1948–1951), гостиницы «Украина» в Москве (1956–1957) и др. Преподавал в Московском институте прикладного и декоративного искусства (1950–1952), в Московском высшем художественно-промышленном училище (с 1952, профессор с 1961).
Крайнев Василий Васильевич
1879, с. Ключищи Нижегородской губернии (ныне — Верхнеуслонский район, Республика Татарстан) – 1955, г. МоскваХудожник-пейзажист, мастер северного пейзажа. Родился в 1879 в селе Ключищи на берегу Волги. Принадлежит к художникам старшего поколения, которые после Великой Октябрьской революции органично вошли в круг советских художников.
В 1908 окончил Казанскую художественную школу и поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где начал заниматься под руководством Архипова и Пастернака. Позже перешёл в мастерскую А. М. Васнецова. Ученик А. Е. Архипова, С. В. Малютина. В 1915 окончил с отличием Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Тогда же присвоено звание художника живописи и присуждена премия имени Левитана.
Участник выставок Товарищества московских художников. В 1922–1923 выступает на 47-й и 48-й передвижных выставках, вступает в АХРР.
В 1925 осуществляет первую поездку на Крайний Север. Природа Заполярья прочно входит в круг творческих интересов. С начала 1930-х в северные пейзажи входят индустриальные мотивы (этюды, написанные в Хибинах).. В эти же годы становится участником выставки пищевой индустрии; занимается росписями павильонов Сельскохозяйственной и Нью-йоркской выставок и вместе с художником Б. В. Иогансоном работает над созданием диорамы «Переход через Сиваш» (1934).
Поездки на север повторяются вплоть до 1941 года. Их прерывает Великая Отечественная война, начало которой художник застает на Севере среди моряков Северного флота.
Автор батальных картин, созданных в годы войны («365 зенитная батарея в обороне Севастополя» (1945)). После войны входит в одну из творческих бригад, которые направляются на новостройки. Вместе с К. Корыгиным, Ф. Модоровым и Е. Львовым уезжает на Урал и работает на Чусовском заводе.
Титов Ярослав Викторович
1906, г. Варшава — 2000, г. МоскваЖивописец, график. Заслуженный работник культуры РСФСР. Заслуженный художник РФ. Ветеран Московской организации СХ РСФСР. Родился 2 января 1906 в Варшаве. В 1920 принят по конкурсу детского рисунка в школу художественного воспитания детей в Голицыно (учителя: Н. П. Ульянов, В. Д. Фалилеев). В 1922 переведен в художественную школу-интернат МОСКПРОФОБРа (московского профессионального образования) в Звенигороде по классу литографии, которую окончил в 1924 (учителя: В. П. Остров, П. П. Захаров). По окончании работал хромолитографом в типографии «Рабочей Москвы». С 1924 по 1928 учился в Высших художественно-технических мастерских (ВХУТЕМАС) в мастерской Н. Н. Куприянова.
Участник художественных выставок с 1927. С 1928 по 1931 – служба в рядах Красной Армии. С 1929 – член молодежного объединения Ассоциации художников революции (АХР). В 1930-е дважды был чемпионом СССР по баскетболу, в числе самых первых атлетов был удостоен звания мастера спорта СССР. В 1931 совершил творческие поездки по новостройкам Урала с бригадой АХРа (Магнитогорск, Челябинск, Свердловск), в 1932 году – поездка с бригадой АХРа на Дальний Восток. С 1932 – член Московской организации союза советских художников (МОССХ). С 1936 по 1939 – учеба в Московском институте изобразительных искусств при Академии Художеств СССР на отделении по повышению квалификации живописцев у академика В. Н. Бакшеева. В 1941 — один из организаторов «Окон ТАСС» (Бригада ДИТС).
В 1942-м был мобилизован на фронт. Участник сражений Великой Отечественной войны на Волховском фронте, под Ленинградом и Новгородом, на 1-м Дальневосточном фронте. Создал цикл этюдов, отражающий пребывание советских войск на Дальнем Востоке и в Китае. В 1946 эти произведения экспонировались на персональной выставке художника во Владивостоке. Награжден многими медалями и орденами (медаль «За отвагу», «За оборону Ленинграда», «За оборону Москвы», «За оборону Советского Заполярья», «За победу над Германией в ВОВ 1941–1945», «За победу над Японией», медаль Верховного народного Собрания Кореи «За освобождение Кореи», орден Красной Звезды). В 1946 демобилизован из армии в звании майора. Возвратился в Москву.
С 1948 по 1951 преподавал в студии инвалидов ВОВ. С 1950 по 1954 – ответственный секретарь правления МОССХа. С 1960 по 1980 – председатель Федерации наглядной пропаганды Спорткомитета СССР. В 1975 присвоено звание «Заслуженный работник культуры РСФСР». В 1976 утвержден персональным пенсионером республиканского значения. В 1980 занесен в Книгу почета Спорткомитета СССР. Награжден Почетными грамотами за пропаганду спорта, почетным знаком Спорткомитета СССР «За заслуги в развитии физкультуры и спорта СССР», Почетной грамотой Союза художников СССР, знаком «Ветеран спорта РСФСР». В 1982 награжден дипломом МОСХа и знаком лауреата Магнитогорского металлургического комбината за создание высокохудожественных произведений, отражающих труд металлургов. Имеет дипломы СХ СССР, СХ РСФСР, МОСХ РСФСР. Участник всех ежегодных выставок художников-ветеранов ВОВ, всесоюзных и республиканских выставок. Девять графических работ художника из серии «О Магнитогорске» 1931 года создания экспонировались на юбилейной выставке «50 лет Магнитогорску» (Магнитогорск. 1979). В 1939, 1957, 1968, 1976, 1981, 1986, 1996, 1999 состоялись персональные выставки работ художника в Москве. В ноябре 1997 ему присвоено звание «Заслуженный художник Российской Федерации». Произведения художника находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного центрального музея современной истории России, Центрального музея Вооруженных Сил РФ, Магнитогорской картинной галереи, в других музеях и частных коллекциях России и за рубежом.
Цветков Борис Иванович
1893 (5?) — 1942 (3?)Живописец, график, художник театра, декоратор-оформитель. Учился в частной художественной студии А. В. Маковского в Петербурге (конец 1900-х — начало 1910-х). Участник выставок с 1920-х. Занимался сценографией (1921–1925).
Крамаренко Лев Юрьевич
1888, г Умань, Киевская губерния –1942, г. Самарканд, Узбекская ССРРодился в 1888 в г. Умань Киевской губернии. В 1906–1908 – учеба на юридическом факультете Петербургского университета, параллельно – мастерская Д. Кардовского в Академии Художеств. 1914 – руководитель мастерской, преподаватель живописи и композиции в Петроградской школе народного искусства. 1918 – директор Глинской керамической школы на Полтавщине. 1920 – руководитель Межигорского художественно-керамического техникума в Киевской области. 1920–1930 – профессор монументальной живописи Всеукраинской Академии художеств (с 1922 – Киевский институт пластических искусств). 1926 – вместе с Л. Тараном организовал Объединение современных художников Украины и был участником всех его выставок. 1928–1929 – декан факультета живописи КХИ. В 1931 – руководитель мастерской монументальной живописи Харьковского художественного института. В 1932 переехал в Москву, вступил в Московский союз художников. В 1936 по заданию «Всекохудожника» работал как консультант по росписи Дворцов пионеров в Сталино и Мариуполе (разрушены во время Великой Отечественной войны).
Дроздов Иван Георгиевич
1880, с. Введенское, Московская губ. - 1939, ЛенинградЖивописец, график, монументалист, работал в области декоративно-прикладного искусства. Учился: 1890-е – иконописная мастерская М. Молова, Школа Большакова; 1900-1904 – Пензенское училище у К. А. Савицкого; 1904-1910 – Высшее художественное училище при ИАХ у В. Е. Маковского, И. Е. Репина, В. Е. Савинского. 1911-1912 – пенсионер ИАХ в Италии, Франции, Германии. Председатель Ленинградского филиала АХР(Р) – 1924-1926).
Фаворский Владимир Андреевич
1886, Москва — 1964, МоскваГравер, рисовальщик, мастер книги, монументалист, театральный художник, теоретик искусства, педагог. Учился в школе рисования и живописи К. Ф. Юона в Москве у И. О. Дудина, посещал вечерние занятия по скульптуре в ЦСУТР (1898–1905). В Мюнхене учился на экономическом факультете университета (1905), затем в частной художественной академии Ш. Холлоши и на искусствоведческом отделении мюнхенского университета (1906–1907). Продолжал учебу на историко-филологическом факультете Императорского московского университета (1907–1913). Участник выставок с 1910.
Находился в действующей армии (1915–1918), в РККА (1919–1921). Член обществ: МТХ (1915), „4 искусства“ (1922–1928). Преподавал в Москве во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1920–1930), ректор ВХУТЕМАС (1923–1926), в МПИ (1930–1934), в МАРХИ (1933–1934), в МИИИ (1934–1938), в МИПИДИ (1941–1948). Профессор. Начало работы в театре — оформление „Двенадцатой ночи“ В. Шекспира в МХТ-2 (1933). Консультант в мастерской монументальной живописи при АХ СССР (1935–1947). Присуждена Ленинская премия „за иллюстрации к классическим произведениям русской литературы“ (1962). Народный художник СССР (1963), действительный член АХ СССР (1962). Жил и работал в Москве.
Левитин Анатолий Павлович
1922, Москва - 2018, Санкт-ПетербургСоветский и российский живописец, педагог, профессор.
В 1936—1941 годах занимался в Средней художественной школе при Всероссийской Академии художеств в Ленинграде. Участник Великой Отечественной войны. После демобилизации в 1945 году был принят на второй курс живописного факультета Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина. В 1951 году окончил институт по мастерской академика Б. Иогансона. Дипломная работа — картина «Обмен стахановским опытом». В 1951 году принят в члены Ленинградского Союза художников. Участник ленинградских, республиканских и всесоюзных выставок с 1951 года. Первую большую известность принесло участие во Всемирной выставке в Брюсселе в 1958 году, где его картина «Тёплый день» получила бронзовую медаль. Писал портреты, жанровые и исторические картины, пейзажи. С 1987 года возглавлял живописную мастерскую Красноярского государственного художественного института. Член Президиума (с 2000 года) и Вице-президент (с 2009 года) Российской академии художеств. Академик АХ СССР (1988; член-корреспондент 1975). Народный художник РСФСР (1980).
Тулин Юрий Нилович
1921-1983Живописец. Автор жанровых композиций, портретов, пейзажей. Учился в Ленинградской средней художественной школе (1936-1941) и в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина (1941-1950). В годы блокады оставался в Ленинграде, работал на заводе. В 1943 поступил на последний курс возобновившего работу Таврического художественного училища. В 1944 после возвращения из эвакуации ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры возобновил занятия на факультете живописи и в 1950 окончил институт по мастерской профессора Б.Иогансона. Участник выставок с 1950. Жил и работал в Ленинграде. Заслуженный деятель искусств РСФСР.
Гремитских Владимир Георгиевич
1916, Новониколаевск – 1991, МоскваПрошел обучение в Московском художественном училище памяти 1905 года в 1932–1936, а затем поступил в Московский художественный институт им. В. И. Сурикова, где учился у В. В. Почиталова, И. Э. Грабаря и С. В. Герасимова, по мастерской которого и окончил институт. С августа 1941 и вплоть до приказа И. В. Сталина, согласно которому были отозваны все студенты высших учебных заведений и научные работники с фронта, воевал в дивизии народного ополчения, которой потом присвоили звание 11-й гвардейской. С 1943 являлся постоянным участником московских, республиканских и всесоюзных выставок. В 1944 художник был принят в члены Союза художников СССР.
Новосёлов Александр Михайлович
1917, рудник Юлия в Ачинском округе Енисейской губернии — 1997Родился 4 ноября 1917 на руднике Юлия в Ачинском округе Енисейской губернии в семье ссыльного с Волги, который работал на руднике. Среднюю школу закончил в Уйбате. В начале Великой Отечественной войны в июле 1941 был призван Приморским городским военкоматом и направлен в г. Уссурийск на курсы военных переводчиков с китайского языка, где затем служил при штабе дивизии. Позднее, в 1945, участвовал в войне с японцами на Дальнем Востоке. После войны вернулся в Абакан.
Художник-любитель, окончил два курса заочной школы народного творчества в Москве. Кандидат в члены Союза художников СССР. Работал художником-ретушёром в газете «Советская Хакасия» и фотокорреспондентом в газете «Хызыл аал». Был разносторонним в своих интересах, наряду с живописью занимался графикой и скульптурой. В графических произведениях проявились его незаурядное дарование, яркая творческая индивидуальность и особый национальный колорит. В 1950–1960-е стал активно сотрудничать с Хакасским областным книжным издательством, где иллюстрировал книги. Творческое наследие художника в настоящее время хранится в Хакасском национальном краеведческом музее имени Л. Р. Кызласова. Это живописные и графические работы 1940–1950-х, которые дают представление о творчестве художника и уровне развития живописи и графики Хакасии того периода.
Шварков Борис Павлович
1920, д. Новое Вологодского района — 1978Родился в 1920 в деревне Новое Вологодского района. Детство кончилось рано, после смерти отца семья переехала в город. Закончив семилетку, поступает учеником в мастерские товарищества «Художник» и одновременно посещает студию, занятия в которой вели известные вологодские художники В. В. Тимофеев, Н. М. Ширякин, В. В. Перов.
Работал много, настойчиво и мечтал о хорошей академической подготовке, но все планы нарушила война. Он идёт в армию. После демобилизации некоторое время работал на Иркутской киностудии.
Стосковавшись по родным местам, в 1947 переезжает в Вологду уже семейным человеком. Снова работа в товариществе «Художник». Время было нелёгкое, страна вставала из руин, залечивала раны. В мастерской писали агитационные плакаты, портреты государственных деятелей, ездили на субботники на уборку хлеба и картофеля. В свободное время художник работает над этюдами, часто пишет зиму.
В 1958 был принят в члены Союза художников СССР. По своей натуре он был мобилен и не любил засиживаться в мастерской. Часто любил бывать в Череповце и следить за тем, как трудились обычные люди. Бывал он и на строительстве Волго-Балта, проехал по старой Мариинской системе, долго работал в Вытегре; в итоге получилась дюжина добротных этюдов.
Был постоянным участником всех областных и зональных выставок. Вся творческая и общественная деятельность была тесно связана с Вологодской организацией Союза художников.
Поплавский Михаил Константинович
1914–2001Живописец. Работал в области станковой живописи. Окончил живописное отделение Ленинградского института живописи, архитектуры и скульптуры (1947). Член СХ СССР.
Боско Юрий Иванович
1930, Самарканд, Узбекская ССР–2019Советский и российский художник-монументалист, живописец, педагог. Яркий представитель советской и российской реалистической школы живописи. Член СХ СССР. Заслуженный художник РСФСР (1963), народный художник Российской Федерации (2006).
Родился в Самарканде, рано остался без отца, в детстве жил в Куйбышеве, на родине матери. С началом Великой Отечественной войны переехал к тётке в Самарканд, там начал художественное образование. Позднее учился в Ташкенте и Москве. В 1956 с отличием окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В. И. Мухиной по специальности «Монументально-декоративная живопись». Затем жил в Волгограде, возглавлял местную организацию союза художников, работал в Самаре и Тольятти, Ульяновске. С 1978 проживал в Москве, являлся профессором кафедры рисунка Московского архитектурного института.
В 1956 оказался в Сталинграде, где прожил 16 лет. В эти годы много работал как монументалист, создавая крупные мозаичные панно. После войны Сталинград восстанавливался и практически строился заново. Молодой художник видел свою задачу в том, чтобы отразить и запечатлеть этот процесс. Наблюдая за строительством Волжской ГЭС, художник создает монументальные полотна «Будни Сталинградской ГЭС» и «Над Волгой». Картины были показаны на республиканских, зональных, всесоюзных, а также на выставках произведений советского искусства в Англии, Китае, Румынии.
Ладур Антонина Казимировна
1908, Могилевская губерния — 1986, г. МоскваНевский Вячеслав Юрьевич
1927, Тюмень – 1997Родился в городе Тюмень. В 1928 году семья переехала в Тобольск, где прошли детские и юношеские годы Вячеслава. Профессиональное образование получил в Саратовском художественном училище. Его учителями были известные живописцы В.Ф.Гуров, Н.А.Архангельский, Б.В.Миловидов. В 1955 году, после окончания училища, приехал в город Вольск, где прожил до последних дней.
Творческая биография художника сложилась в городе Вольск, на Волге. Художник работал в технике масляной живописи, темперы, писал гуашью, акварелью, создавал офорты. Постоянное участие в многочисленных городских, областных, зональных выставках, регулярные персональные выставки художника снискали ему известность широкого круга любителей современного искусства.
Оссовский Петр Павлович
1925, с.Малая Виска Кировоградской области - 2015, ИзборскНародный художник СССР. Лауреат Государственной премии СССР. Действительный член Академии художеств СССР. Награжден Серебряной медалью Академии наук СССР (1963), орденом «Дружбы народов» (1995), орденом «За заслуги перед Отечеством» III степени (2013). В 1950 окончил Московский государственный художественный институт им. В.И.Сурикова (мастерская профессора С.В.Герасимова). Стал одним из родоначальников "сурового стиля" – течения, появившегося в отечественном искусстве в начале 1960-х. Термин «суровый стиль» впервые употреблен искусствоведом А.А.Каменским применительно к работе П. П. Оссовского «Три поколения» (1959).
ШИРЯЕВ Дмитрий Кузьмич
1913, деревня Мудьюг Архангельской губернии – 2000, АрхангельскЖивописец, график. Член Союза Художников СССР. Заслуженный художник России. Лауреат премии им. А.А.Борисова. В 1930–1933 учился в Ярославском художественно-педагогическом техникуме. В 1934–1937 – в архангельской студии ИЗОРАМ у В.П.Преображенского. Участник выставок с 1938 года.
Федосов Никита Петрович
1939, Москва – 1992, д. Вели, Тверская обл.Советский живописец, художник-пейзажист. Родился 12 января 1939 в Москве. С раннего детства, ещё в детском саду, увлекся рисованием. Получив профессиональное художественнее образование в МГХИ им. В. И. Сурикова (мастерская профессора Д. К. Мочальского), а затем в Творческих мастерских Академии художеств СССР у Б. В. Иогансона, художник совершил несколько творческих поездок по стране.
Лауреат Государственной премии РСФСР, член Союза художников СССР (1964). Персональная выставка состоялась в Москве (2000). Произведения художника хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Тверской картинной галерее, Тульском и Серпуховском художественных музеях, а также в частных коллекциях России и за рубежом.
Емельянов Владимир Александрович
Р. 1937, МоскваГрафик, живописец. Заслуженный художник России.
Учился в средней школе при Академии художеств СССР (1949–1956), на факультете графики в Институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина (1956–1962). С этого времени живет в Ленинграде – Санкт-Петербурге.
В 1964 в составе коллектива ленинградских художников побывал на Ямале, по итогам пленэра участвовал в выставке «Север нашими глазами» (Салехард).
Работает в техниках пастели, линогравюры. Произведения входят в собрания Государственного Русского музея, Государственного музея истории Санкт-Петербурга, Музея Академии художеств, Центрального Военно-Морского музея, Музейно-выставочного комплекса имени И. С. Шемановского, Новоуренгойского музея изобразительных искусств и других музейных учреждений.
Степанов Юрий Викторович
Род. 24.04.1935, п. Воскресеновка, Сахалинской обл. – 19.12.2020, г.Южно-СахалинскЖивописец. Окончил художественно-графический факультет Московского государственного института им. В.П.Потемкина (1955–1960). С 1960 жил и работал в Южно-Сахалинске. 1966–1983 – преподавательская работа в Детской художественной школе Южно-Сахалинска. Член Союза художников России с 1985.
Творческие экспедиции: о. Итуруп (Сахалинская область, 1960-е–1970-е, 1993;), Петропавловск-Камчатский (Камчатская область, 1989). Участник областных (с 1960-х), зональных (1980, Чита; 1985, Владивосток; 1990, Якутск), республиканских (1981, Москва; 1982, Хабаровск; 1984, Ленинград), всесоюзных (1986, Южно-Сахалинск; 1988, Петропавловск-Камчатский; 1990, Южно-Сахалинск), зарубежных (1989, Саппоро; 1996, Ниигата; 1998, Саппоро; Япония). всероссийских (1999, 2009; Москва), региональных (2003, Хабаровск) выставок. Автор двух персональных выставок (1997, 2007; Южно-Сахалинск). Работы находятся в собраниях Сахалинского государственного областного художественного музея, Сахалинского областного краеведческого музея, Музея книги А. П. Чехова «Остров Сахалин» (Южно-Сахалинск), частных коллекциях России и зарубежья.
Женщина с ведрами
- 1928
- Холст, темпера. 185 x 150
- Государственный Русский музей
- Ж-10265
Основные три выставки «Круга художников» прошли в Русском музее (1927, 1928, 1929) и Киевской картинной галерее (1930). Поиски декларируемого «стиля эпохи», монументального по форме и емкого по содержанию, воплотились в создании серии программных живописных произведений. Пожалуй, самое известное из них — «Жница» (1926–1927), показанная на первой выставке общества. Оглядываясь на «крестьянский цикл» Малевича, Пакулин создал свою версию реализма. Он написал огромное полотно, добиваясь внешнего сходства с фреской, лишь отдаленно напоминающее о первоначальных натурных зарисовках и этюдах, и некоторые из них, представленные на выставке, об этом ясно свидетельствуют. Тот же путь «очищения» мотива от суетной будничности прослеживается и в другой программной работе художника «Женщина с ведрами». Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.10.
Сбор яблок
- 1928
- Холст, масло. 94,0 х 120,0 см
- Калужский музей изобразительных искусств
- Ж-699
Константин Федорович Юон – один из известнейших русских и советских художников. Его полотна отличает яркий, звучный колорит, четкое композиционное построение, а также жизнерадостные сюжеты из жизни простых людей. На протяжении всей творческой деятельности, Юон не изменял своим принципам – писал правдиво и с большой достоверной точностью.
В произведении «Сбор яблок», написанном в 1928 году, художник изобразил группу людей за сбором урожая. Вечер теплого августовского дня, раскидистая яблоня, изобилующая яркими плодами, и женщины с детьми, занятые работой. Произведение написано в теплых чистых тонах. Мирное занятие, как порождение человеческого бытия. Позади – годы невзгод революционных преобразований, разрухи и голодного времени, а теперь – налаживание мирной жизни, как основа будущего спокойствия каждой семьи и каждого человека.
В центральной части картины «Сбор яблок» доминантой выступает возвышающаяся фигура женщины, которая стоит на стуле и тянется за высоко растущими яблоками. Правая часть полотна отведена под изображение раскидистого дерева, слева – фигуры детей и сидящей женщины, что зрительно уравновешивает композицию. Силуэт деревьев и фигур людей, красота уходящего дня в вечерних сумерках, создают лирическое настроение произведения.
Молодые. Смех
- 1930
- Холст, масло. 94 x134
- Государственный Русский музей
- Ж-1812
В послереволюционные годы становления новой идеологической системы в творчестве Юона наступил перелом, когда он пытался найти созвучные времени темы. Так, во второй половине 1920-х — начале 1930-х годов художник обращается к специфической жанровой форме, своего рода «сюжетному портрету», посредством которого запечатлевает типических героев своего времени, комсомольцев, физкультурников, парашютистов, то есть новую советскую молодежь. Обращается он и к теме новой русской деревни, избирая типаж деревенских девушек, простолицых, румянощеких, демонстрирующих собой культ физического и нравственного здоровья. Скорее всего, он немало встречал таких девушек в подмосковном Лигачеве, которое называл своим «эстетическим убежищем» и где еще с 1908 года прочно обосновался в своей мастерской.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 46.
Бригада во время перерыва
- 1931
- Холст, масло. 123 x 99
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1727
В свиноводческом совхозе
- 1932
- Холст, масло. 88 x 100
- Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
- Ж-319
Картина Петра Строева «В свиноводческом совхозе» была написана в эпоху формирования в искусстве метода социалистического реализма, в то время, когда представление о светлом советском будущем являлось основой мифотворчества многих живописцев. Особой популярностью пользовались темы идеализированного труда. Подобное искусство вполне отвечало морали нового общества и в то же время отражало мечты людей о преображении окружающей жизни, о всеобщем изобилии.
«Эйфория коллективизма» стала главной темой искусства первой половины 1930-х, фундаментом мифологемы «светлого будущего». Не случайно одним из центральных персонажей картины «В свиноводческом совхозе» стала огромная свинья с поросятами – символ плодородия и благосостояния колхозных деревень. Женщины, кормящие поросят, однотипны, с одинаковыми лицами, и скорее представляют собой собирательные образы ударников труда. Работу отличает ясное графическое начало, проработанность каждой детали. Колорит картины решен в светлых разбеленных тонах, что соответствует общему строю картины.
Беседа колхозной бригады (Колхозная бригада)
- Эскиз панно для здания Народного комиссариата земледелия
- 1934
- Холст, масло. 128 х 176
- Государственный Русский музей
- Ж-4436
Работая над эскизами росписей здания Народного комиссариата земледелия, Дейнека многократно выезжал в подмосковные села и колхозы, где черпал материалы для своих образов. Им была выбрана сдержанная аскетичная гамма, берущая начало в богатейшей традиции фресковой живописи, которой поклонялся Дейнека. В данном случае художник запечатлел колхозную бригаду, слушающую, видимо, своего председателя.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 49.
На току в колхозе. Молотьба
- 1935
- Холст, масло. 192,5 х 294
- Государственный Русский музей
- ЖБ-985
Эпоху «Круга» Пакулин завершил живописными полотнами, подытожившими его поездки на шахту в Макеевку, Донбасс, состоявшиеся между 1929 и 1931 (точнее, 1930– 1931) годами, и, наконец, масштабными полотнами «Турбокорпус завода „Электросила”» (1931–1932), «На току в колхозе. Молотьба» (1935). С 1930 года в отношении Донбасса осуществлялась правительственная программа, благодаря которой десятки лучших художников приобщились к работе над образами шахтеров, людей труда, а по итогам ее оказалось возможным создание художественной галереи в городе Сталино (Донецк). Стилистически работы Пакулина, связанные с поездками в Донбасс, на юг России <...> — продолжают тенденции, наметившиеся в «Круге». Многочисленные рисунки и эскизы к ним свидетельствуют о стремлении облечь содержание в емкие, монументальные, обобщенные пластические формы (1929 — первая половина 1930-х). Каждый новый эскиз — путь к достижению ясной и выразительной «живописной формулы», где есть только главное и где есть гармоническое слияние идеи с живописным воплощением. Ярким примером тому служат около десятка эскизов «Молотьбы» в живописи и столько же в графике, материалом для которых послужила поездка на юг России в 1931 году (над эскизами Пакулин работает в течение нескольких лет). Сравнивая их с окончательным воплощением замысла («На току в колхозе. Молотьба»), можно проследить постепенный и длительный путь к достижению желаемого синтеза, пластической завершенности. Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.10.
Сбор хлопка
- 1935
- Холст, масло. 93 х 128
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- Ж-386
Одна из первых картин основоположника казахской живописи Абылхана Кастеева «Сбор хлопка» была написана в период его обучения в Москве, куда он был направлен Наркомпросом КазССР в 1934 году. Все творчество выдающего казахского художника было посвящено отражению глобальных перемен, которые происходили в Казахстане в годы советской власти. Осваивая соцреалистические каноны, А. Кастеев создает полотно, в котором показаны такие новации того времени, как индустриализация, эмансипация женщин Востока, коллективизация казахского аула. В данном произведении начинающий художник стремится к максимальной точности в воспроизведении всех деталей избранного им сюжета. Важнейшим элементом картины является изображение американской хлопкоуборочной машины «Турман», которая использовалась в южных регионах Казахстана в 1930-е годы. В полотне «Сбор хлопка» присутствуют такие характерные для всего творчества А. Кастеева черты, как актуальность темы, документальная достоверность, простота и выразительность композиции, оптимистический пафос созидания, которым проникнуто каждое произведение первого народного художника Казахстана.
Сбор ягод
- Вторая треть XX века
- Холст, масло. 177,5 х 77,5
- Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
- Ж-623
И. С. Горюшкин-Сорокопудов принадлежал к поколению русских художников, продолжавших работать в русле русского модерна даже в условиях идеологизации отечественного искусства. В суровые 1930-е годы основной движущей силой его творчества была любовь к человеческой личности.
Жизнь и творчество Горюшкина-Сорокопудова, неразрывно связаны с Астраханью. Уроженец села Нащи Тамбовской губернии, он очень рано осиротел и воспитывался дальними родственниками, саратовскими мещанами Сорокопудовыми. Повзрослев, стал подрабатывать при буфете на пароходах, ходивших от Саратова до Астрахани и вверх по Волге. В одном из таких рейсов «буфетного мальчика» и его рисунки приметил известный путешественник, доктор медицины П. Я. Пясецкий. Он рекомендовал юноше поступать учиться к П. А. Власову в Астрахань. Одновременно с Горюшкиным у Власова в то время обучался Б. М. Кустодиев.
С 1908 года до последних дней жизни художник постоянно проживал в Пензе, где преподавал в Художественном училище имени К. А. Савицкого, а летом выезжал на дачу в Ивановку. Там он писал сочные по колориту жанровые сцены из жизни местных жителей.
Работа «Сбор ягод» была подарена Астраханской картинной галерее самим автором в 1954 году. Картина наполнена светом и движением. Спелые ягоды, пересыпающиеся из молочно-белой миски в берестяной туес, придают композиции ощущение динамики, а освещённые ярким солнцем улыбающиеся лица селянок наполняют полотно оптимизмом.
Выходной день в колхозе
- 1936
- Холст, масло. 103х138
- Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
Картина 1936 года «Выходной день в колхозе» стала одним из самых известных произведений Федота Сычкова, народного художника Мордовии, заслуженного деятеля искусств МАССР и РСФСР, за советский период. Художник запечатлел сцену многолюдного праздничного отдыха. Действие разворачивается на залитом солнцем берегу полноводной реки Мокши, заросшем полевыми цветами.
На первом плане мастер изобразил трогательную сцену завязывающихся отношений между сельской девушкой и, вероятно, приезжим парнем из города. Девушка стыдливо опустила глаза и в смущении покусывает стебель полевого цветка. Ее соседка, прикрывающая глаза рукой от солнца, едва сдерживает добродушную улыбку и переглядывается со стоящими поодаль двумя подружками — девушки шепчутся о происходящем и улыбаются.
На втором плане персонажи полукругом расположились возле гармониста. Кто-то лихо отплясывает под музыку, кто-то весело и с любопытством глядит на танцующих, лузгая семечки.
Картина наполнена атмосферой радости и непринужденного веселья. Нарядная одежда героев, бусы и цветочные венки у девушек — все это усиливает праздничное впечатление. Во многом такому эффекту помогает и цветовой строй картины. Мастер создал колорит на основе сочетаний нежных голубых и зеленых оттенков. Вода, небо и молодая зелень мягко оттеняют пестрые одежды людей.
Федот Сычков мастерски уравновесил многолюдную композицию, гармонично распределив сцены по разным планам. Герои дальнего плана оживляют изображение, привносят в картину глубину.
Художник любил писать подобные сюжеты. За искренний интерес к народу и его быту живописца прозвали «певцом народной жизни». Во второй половине 1930-х годов тематика произведений Сычкова расширилась: он стал обращаться к советской действительности с ее колхозами и коллективными гуляниями. Созданные в это время полотна «Колхозный базар», «Праздник урожая» и «Вручение акта на вечное и бесплатное пользование землей» отличаются мастерством компоновки многофигурных композиций и умением выделить среди массы персонажей индивидуальные характеры. Прослеживая несколько сюжетных линий, художник создавал яркие народные типы.
Группа «Колхозный молодняк»
- Ленинградский фарфоровый завод им. М. В. Ломоносова (г. Ленинград)
- 1936
- Фарфор, роспись надглазурная. В.-22,7; Дл.-20,0; Ш.-11,0
- Государственный Русский музей
- СФ-61
Колхоз в Армении
- 1936
- Холст, масло. 127 x 100
- Государственный Русский музей
- Ж-9071
Значительное место [в творчестве П.Кузнецова в 1930-е годы] по-прежнему занимало изображение работы на земле. Таковы солнечный, выдержанный в гамме нежных тонов холст «Колхоз в Армении» (1936, Ж-9071) и мастерская акварель «Колхозные стада» (1935-1936, РС-6070). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 18.
Рыбацкий колхоз на реке Шексне
- 1937
- Холст, масло. 125 × 155
- Ярославский художественный музей
- Ж-251
Александр Веденеев принадлежит кругу художников, которые связаны с ярославским краем. В своих тематических картинах, как и многие другие его современники, мастер создает образы людей труда. Полотно рассказывает о повседневной жизни тружеников «Рыбацкого колхоза» на Шексне. До создания Рыбинского водохранилища (конец 1930-х годов) эта река впадала в Волгу и славилась обилием рыбы. Художник запечатлел радостный момент – богатый улов. Эмоциональный подъем, оптимистический настрой и восторг видны на лицах рыбаков.
Стадо тагилок
- 1945
- Холст, масло. 175,0 х 215,5
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Ж-427
В 1945 году по просьбе городских властей Нижнего Тагила Московское управление пропаганды сделало заказ художнику А. Пластову на выполнение картины «Стадо тагилок». Художник работает над произведением без этюдного материала, пользуясь фотографиями и описаниями природы Урала. Незнакомая и суровая ‑ она естественно связывается у живописца с землистым темным колоритом, характерным для его произведений военных лет. Смелый, уверенный мазок, прекрасно выверенная композиция выдают в работе руку истинного мастера. Пластов добивается почти эпического звучания крестьянской темы в простом, незатейливом сюжете. Пейзаж для живописца становится своеобразным символом естественного течения времени, вечности законов бытия.
Социалистическое животноводство
- 1947
- Холст, масло. 124,5 х 200
- Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
- ИНВ 1194
Панорамное полотно известного казахского художника Абылхана Кастеева – вид на джайлау в летнюю пору. На переднем плане картины в правом нижнем углу сидят трое мужчин. Справа, мужчина в возрасте – аксакал. Слева – мужчина средних лет, а между ними сидит юноша. Мужчина средних лет и юноша внимательно смотрят на аксакала. Он расположен в профиль, левой стороной к зрителю. У него белая борода и усы. На голове традиционный казахский головной убор – борик, отороченный мехом. На теле – коричневый шапан – верхняя, утепленная одежда с рукавами и воротом. Юноша одет в белую рубаху, на голове – тюбетейка. На мужчине средних лет – серый пиджак и белая рубашка. На левой груди – две медали. На голове – шапка. В руках мужчина держит сложенный вдвое кнут. Нижнюю часть тела людей скрывают высокие травы и цветы. Чудь дальше от людей, пасется запряженная лошадь пастуха.
За группой мужчин на просторе степи художник изображает стада коров, косяки лошадей, отары овец. Есть и верблюды. Слева животные изображены крупно – корова светло-коричневой масти и черно-белый бык. Отара овец пасется справа, на втором плане композиции. По центру картины – лошади.
Слева небольшой аул с четырьмя белыми юртами. Между ними ходят люди, стоит грузовая машина. За юртами у подножия холмов протекает река. На дальнем плане холмы и горная гряда с заснеженными вершинами, растворяющаяся в голубоватой дымке дневного света. По светло-голубому небу летят легкие белые облака.
Художник живописно отображает цветущую степь, ее холмистые изгибы. Кое-где голубыми островками на зеленой траве, выделяются небольшие водоемы. Передний план заявлен торжественным присутствием степной красоты – полевых цветов с их удивительной палитрой белого, розового, голубого, фиолетового и зеленого.
Произведениям А. Кастеева свойственно воспевание красоты родной природы. Он тщательно выписывает детали, внимателен к образам своих современников, поэтизируя их взаимоотношения и быт. В правом нижнем углу картины имеется авторская подпись: «Абылхан Кастеев. 1947».
На приволье (Животноводство в Сибири)
- 1949
- Холст, масло. 100 х 202
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-2201
Картина омского художника Николая Бачинина «Животноводство в Сибири» рассказывает о подъеме животноводства в госплемсовхозе «Омский» – ведущем племенном хозяйстве Омской области. На привольных лугах с березовыми перелесками пасется тучное стадо коров голштинской породы, завезенной сюда после Великой Отечественной войны.
На мирных полях
- 1950
- Холст, масло. 200 x 400
- Государственный Русский музей
- Ж-6070
Привольна, светоносна, солнечна, исполнена радости картина, словно олицетворение надежд, выстраданных людьми в военное лихолетье. Она — и своего рода воплощение образа Родины, обратившейся к мирному труду. Бескрайнее, кажется, пространство, высокое, чистое небо. Крестьянки, идущие по полю свободным широким шагом. Их фигуры на фоне неба по-своему монументализированы, ладный выразительный ритм подчеркивает движение женщин. Трагедия войны и радость мира постоянно перекликаются в творчестве живописца. «После „Клятвы балтийцев“, где оплакал товарищей, павших в войну, я написал „На мирных полях“. И с той поры вольно или невольно передавал свет и тьму. Может, само сердце подсказывало: устанет, потом поправится, ожесточится, потом посветлеет». // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 247.
Субботник по заготовке дров в Егорьевске
- 1950
- Холст, масло. 56,0 х 73,0
- Егорьевский историко-художественный музей
- Ж 318
Выпускник Казанского художественного училища Яков Дмитриевич Трофимов приехал в Егорьевск в 1920-е годы вместе с женой, уроженкой этих мест. Он вел кружок живописи в ДК им. Г. Конина, а также проявил себя как талантливый музейный художник: оформлял новые экспозиции, изготавливал макеты и мини-панорамы для краеведческого отдела музея.
В 1930–50-е годы Яков Дмитриевич создал ряд пейзажей и жанровых картин, хранящихся в собрании Егорьевского краеведческого музея. Они посвящены жизни города и его жителей. Картины отличает занимательность сюжета и большое внимание к деталям.
Витя-подпасок
- 1951
- Холст, масло. 121 x 186. (В раме)
- Государственный Русский музей
- Ж-5957
Доярка Нина Болотина
- 1951
- Холст, масло. 66х95
- Приморская государственная картинная галерея (Владивосток)
- Ж-278
Картина приморского художника Степана Арефина «Доярка Нина Болотина» – портрет передовика производства. Это был заказ Управления культуры Примкрайисполкома для галереи передовиков сельского хозяйства, создававшейся в Приморском краевом краеведческом музее имени В. К. Арсеньева во Владивостоке. «Я писал её в 1951 году, в селе Поповка Ханкайского района. Тогда там существовал знаменитый колхоз, председателем которого был Герой Социалистического Труда Самохватко. Его колхозники как при коммунизме жили, в хороших домах, на асфальтированных улицах. Такой был руководитель», – рассказывал Степан Фёдорович.
Художник не стал писать парадный портрет знаменитой доярки, сидящей на стуле в дорогой одежде с медалями. Он изобразил её в движении, за работой на ферме, где ухоженные коровы одной породы содержатся в чистоте, где всё механизировано. Характер крепкой молодой женщины можно уловить во взгляде
Агролаборатория колхоза «Красный Октябрь»
- 1952
- Холст, масло. 108 x 152
- Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
- Ж-1158
Живописец из Кирова (Вятки) Фаина Шпак посвятила свою картину «Агролаборатория колхоза «Красный Октябрь» (1952) успехам колхозного строя. В большой светлой комнате сельской лаборатории группа колхозников вместе с молодыми агрономами, собравшись вокруг стола, рассматривают зеленые ростки злаковых растений, оценивая качество их прорастания и всхожести семян. Справа женщина с мужчиной под микроскопом более детально изучают молодые растения, перед столом ‑ несколько мешков с семенами. Специалисты колхоза вместе с опытными хлеборобами готовятся к весенней посевной. На стене кабинета висит портрет И. В. Мичурина, советского биолога и селекционера, автора многих сортов плодово-ягодных культур, доктора биологии. Также в комнате ‑ шкаф со специальным оборудованием, карта земель колхоза, снопы злаков. За окном ясный солнечный день конца зимы.
События, описанные художником, происходят в колхозе «Красный Октябрь». Это был передовой колхоз в Куменском районе (с. Вожгалы) Кировской области. В 1967 году колхоз был награжден орденом Ленина. Председателем колхоза 44 года был П. А. Прозоров, дважды Герой Социалистического Труда (с 1924 по 1968 год). Это был один из самых успешных колхозов в Кировской области. Яркая, оптимистичная картина напоминает по колориту и настроению советские фильмы о деревне 1950-х годов.
Кормозапарник при скотном дворе колхоза им. Сталина
- 1952
- Холст, масло. 80 × 90
- Череповецкое музейное объединение
- ЧерМО-2499/4
На колхозной птицеферме
- (Дипломная работа)
- 1952
- Холст, масло. 120 х 200
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
В картине «На колхозной птицеферме», автор стремится объединить воздушность среды с пластическим присутствием человека. Произведение передает атмосферу жизнеутверждающей и очень органичной среды для человека, где традиционно господствующее положение принадлежит ему. Художник демонстрирует свое увлечение пленэрной живописью, блистательно вводит фигуру в пейзаж, широко использует пейзажные возможности сюжета. В его работе, созвучной многим устремлениям художников, «присутствует стремление раскрыть идейный смысл и поэзию жизни в обычных, повседневных ее проявлениях».
На джайлау
- 1953
- Холст, масло. 104 х 173
- Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
- ИНВ 1237
В основе сюжета дипломной работы известного казахского художника Сабура Мамбеева «На джайлау» лежит немаловажное событие: приезд гостя на пастбище. На ближнем плане развернута мизансцена: возле юрты семья чабана слушает соплеменника-горожанина, пристроившегося на табурете, поскольку сидеть на ковре ему уже не комфортно. Замечательно написанные детали – самовар, ведро, полотенце и чайник на круглом столе, ягненок на руках девушки – придают композиции ноту естественности. Вдали овцы, всадник, юрта. Все вполне убедительно.
На картине изображены три всадника, которые играют в игру кок-пар – это древняя конная игра, популярная среди казахов, киргизов, таджиков, узбеков и других народов Средней Азии. Кони мчатся по кругу, их мышцы напряжены, рты раскрыты. В центре круга изображена туша козленка, которого в правой руке держит всадник, скачущий спиной к зрителю. У него длинная развевающаяся борода, на голове борик. В левой руке он держит поводья коня.
Перед ним скачет другой всадник. У него круглое лицо, на голове тюбетейка, на лице улыбка, за спиной развевается широкий тканевый пояс. Всем корпусом тела он тянется в сторону центра круга, правой рукой пытается схватить козленка. Третий всадник, похожий на предыдущего, замыкает круг. Он тоже тянет правую руку к козленку и вот-вот его схватит. Левую руку игрок отвел за спину, в ней он держит поводья.
На полях Киргизии
- 1953
- Холст, масло. 101,0 х 169,0
- Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
- 1577-626ж
Самым значительным полотном одного из первых национальных художников Кыргызстана Сабырбека Акылбекова и одним из лучших произведений киргизской живописи является картина-пейзаж «На полях Киргизии» (1953), где раскрывается яркий, запоминающийся облик киргизской земли. Тонкие градации желто-оранжевого цвета ясно выделяют массив пшеницы. Светоносность сверкающего под полуденным солнцем поля подчеркивается силуэтами комбайна, автомашины, бричек. В легкий изящный силуэт слиты лиловатые дальние горы со снежными шапками на вершинах. Тонко моделируются желтоватые холмы, удивительно точно взятые в тоне и не нарушающие целостности объема гор. Над залитой солнцем равниной сияет прозрачное голубое небо, объединяющее всю картину в единое состояние искрящегося света. Немногие краски палитры художника в этом пейзаже применяются во всем богатстве их оттенков – от звучных, насыщенных, до легких, серебристых тонов. Красочные пятна, пластически определяющие формы, связаны общим тоном, являющимся ключом утонченной живописности и завершенности этого произведения.
Полотно «На полях Киргизии», явившееся итогом многолетних поисков, творческим откровением автора, несет акцент личного мировосприятия художника, создавшего в нем образ Киргизии как мира гармонии чудесной природы и человеческого бытия.
Весна на целине
- Из цикла «Люди целины»
- 1954 (1957 в Госкаталоге)
- Бумага, автолитография. 51,2х59,6; 42,7х52,2
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Г-346
Будучи 22-летней начинающей художницей, студенткой Московского художественного институт им. В. И. Сурикова, в 1954 году Ирина Воробьева прибыла в Казахстан в составе группы студентов под руководством В. Богданова для прохождения пленэрной практики. За это время ею было создано большое количество этюдов, набросков, которые вылились в серию цветных автолитографий дипломного проекта «Люди целины». Неизгладимые впечатления от поездки позволили молодой художнице с легкостью, без нарочитого приукрашивания и героизации рассказать о грандиозности действия ‑ освоении целинных и залежных земель в Казахстане.
В листах цикла «Люди целины» живет правдивое повествование о первых месяцах освоении целины: автор рассказывает о неустроенном быте народа, очертаниях первых домов и улиц, и конечно, о самих героях-тружениках. Яркий пример тому ‑ работа «Весна на целине». Воспроизведенные здесь портреты ‑ это не собирательный образ, а портреты конкретных людей, людей того времени, так преисполненных чувством трудового энтузиазма. Произведение привлекает внимание зрителей убедительностью воссозданной сцены, богатством деталей, и конечно, выразительностью образов самих персонажей – с веселым нравом и радостным настроением. Подобным образом Воробьева со всей точностью передает неповторимый романтический дух времени.
Становище седьмого стада Индигского оленсовхоза
- 1954
- Картон, масло. 17,0 х 49,0
- Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
- Ж-140
Картины Дмитрия Константиновича Свешникова – это мир тундры. Красива, могуча, своеобразна природа Севера. Художник считал, что его задача не описание природы и человека, такими, какие они есть, не фотографировать и переносить это на холст, а помочь тому, кто смотрит эти художественные произведения, увидеть всю красоту этого края, его богатую историю в пейзажах, картинах, во всём жанровом разнообразии. Этому кредо Свешников следовал всегда.
На холсте художник изобразил стойбище из нескольких чумов седьмого стада Индигского оленсовхоза в летний вечер в период белых ночей.
Дмитрий Константинович не раз был на ненецком празднике «День оленевода». Видел всю подготовку празднику, когда люди суетятся между чумами: ждут гостей, развешивают флаги и транспаранты, готовят самую красивую одежду. Эту предпраздничную обстановку и попытался передать автор. Он писал в своих заметках: «Да, тундра, оконечность того края, что принято называть Русским Севером, теперь совсем не та, какой открылась в начале века, а потом в 20-е и даже 30-е годы с картин художника Александра Борисова − всепобеждающая стужа, льды и крохотная фигурка ненца-охотника, бредущего под необъятным небом в просторах бескрайних снегов. Теперь тундра − это многочисленные стада оленей, разведанные месторождения нефти и газа. И авиация. И сотни дипломированных специалистов. Но так же, как и прежде, величественна и сурова природа, требующая от здешних людей, несмотря на все успехи цивилизации и культуры, мужества и любви».
Птичница Таня Куратова
- 2 треть XX века
- Холст, масло. 118,5 х 95,0 см
- Калужский музей изобразительных искусств
- Ж-0740
Народный художник СССР Дмитрий Аркадьевич Налбандян получил известность, прежде всего как мастер советского парадного портрета, хотя также работал в жанрах пейзажа и натюрморта. Создал портреты многих представителей советской партийной элиты, таких как И. В. Сталин, Н. С. Хрущёв, Л. И. Брежнев. Также работал по заказу государственных организаций, создавая портреты передовиков труда.
Портрет «Птичница Таня Куратова» написан художником во второй половине XX века. Теплый и удивительно душевный облик простой девушки, работающей на птицеферме, передан мастером. Она изображена в процессе работы. Возле нее пасутся куры, в руках – большой петух. На втором плане слева – незатейливые строения птицефермы. Яркий, сочный колорит переднего плана картины поддержан сине-голубой гаммой высокого летнего неба.
Нужно отметить, что Д. А. Налбандян создал цикл произведений, посвященный трудовым будням советского человека, среди них портрет «Птичница Таня Куратова», хранящийся в Калужском музее изобразительных искусств.
Ремонт сельхозинвентаря
- 1955
- Холст, масло. 103,0 х 147,0
- Егорьевский историко-художественный музей
- Ж 304
Выпускник Казанского художественного училища Яков Дмитриевич Трофимов приехал в Егорьевск в 1920-е годы вместе с женой, уроженкой этих мест. Он вел кружок живописи в ДК им. Г. Конина, а также проявил себя как талантливый музейный художник: оформлял новые экспозиции, изготавливал макеты и мини-панорамы для краеведческого отдела музея.
В 1930–50-е годы Яков Дмитриевич создал ряд пейзажей и жанровых картин, хранящихся в собрании Егорьевского краеведческого музея. Они посвящены жизни города и его жителей. Картины отличает занимательность сюжета и большое внимание к деталям.
Хлебоуборка в Хакасии
- 1950-е
- Холст, масло. 90 х 150
- Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
- ХНКМ КП-4918/17
Александр Калинин стоял у истоков становления хакасского профессионального изобразительного искусства . Он много ездил по Хакасии, его привлекало своеобразие хакасской природы. На картине «Хлебоуборка в Хакассии», написанном в 1950-е годы, на переднем плане изображена заросшая ковылём дорога и могильные камни – свидетели далекого прошлого. Слева – поля, засеянные золотистой пшеницей, вдали – невысокие горы. Главными участниками картины становятся люди труда, работающие на сельскохозяйственной технике. Автор работы мастерски прорисовывает трактора и комбайны. Картина написана в широкой свободной манере с красивым сочетанием рыжеватых, серых и зеленых тонов. Для хакасской природы характерен мягкий свет, не ярко сияющий, а как бы сквозь прозрачную нежную дымку. Это умело передает художник в своем пейзаже, располагая зрителя к созерцанию и раздумью.
Полдень
- (Дипломная работа)
- 1956
- Холст, масло. 120 х 172,5
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
В работе «Полдень» художник стремится широко использовать возможности пейзажа для передачи общего эмоционального состояния.
Наслаждение природой и органичный труд сливаются в картине в едином радостном порыве. Вводя в пейзаж людей, показывая их труд как действие и состояние, художник утверждает труд как основу жизни. Его произведение подтверждает, что присутствие человека в пейзаже обогащает содержательность пейзажного образа. Правда реальной жизни природы, поэтическое отношение к природе и человеку, определяет ту ясность и законченность формы, к которой стремится автор. Можно отметить живописную свежесть, с которой передано состояние летней природы, точность и верность колорита. Название картины «Полдень» как бы заостряет существо замысла.
Рождение совхоза
- 1956
- Холст, масло. 47,5 х 43
- Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
- Ж-145
Уборка урожая в колхозе им. Сталина Череповецкого района
- 1956
- Холст, масло. 94 × 161
- Череповецкое музейное объединение
- Ж-628
На винограднике
- 1957
- Холст, масло. 105,0 х 157,0
- Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
- 1850-741ж
Одна из известнейших картин мастера Народного художника Киргизской ССР Гапара Айтиева «На винограднике» (1957) написана в конце 1950-х годов. Она представляет собой классический образец произведения эпохи социалистического реализма. Вся сцена дана на фоне виноградника, за которым виднеются высокие горы, безоблачное синее небо знойного полудня. Девушки, опорожнив корзины, идут на обеденный перерыв. Образы молодых колхозниц поэтичны, нежны. Радостна расцветка картины: розовый, зеленый, светло-сиреневый, ярко-красный, голубой и другие тона. Очень выразителен пейзаж, создающий общее лирическое настроение. Картина яркая, солнечная, показывающая труд, работающих юношей и девушек, богатство кыргызской земли и красоту ее природы.
На колхозной стройке
- 1957
- Холст, масло. 121 х 240
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
Произведения Юрия Кугача сильны своей глубиной и душевной проникновенностью. В каждом ‒ частичка души человека. Художник застал своих героев во время перерыва. Их крупные монументальные фигуры заполняют почти все вертикальное пространство холста. Доминантой и самым светлым пятном является фигура женщины в белом платье и цветном фартуке, ее голова повернута в сторону мужчин, и взгляд зрителя, повторяя это направление, идет влево, останавливаясь на каждом герое. Характер человека, национальный быт он передает очень ярко и трогательно. Тонко подмечены все нюансы, обобщенно и одновременно выразительно показаны характеры персонажей.
В отпуске
- 1958
- Холст, масло. 138 × 197
- Череповецкое музейное объединение
- Ж-645
Вологодский художник Владимир Корбаков работал почти во всех жанрах живописи, исходя, прежде всего, из желания выразить волнение души и передать яркие, необычные зрительные впечатления.
Картина «В отпуске» создана в конце 1950-х годов. В этот период раскрылся колористический дар мастера. Живопись для Владимира Корбакова, по словам его друга, искусствоведа и художника Льва Дьяконицына, – «нетерпеливое, взволнованное познание мира, азартная борьба с белой немотой холста, пока не разгорится и не зазвучит на нем красочная симфония».
Полдень на целине
- 1958–1960
- Холст, масло. 166 х 200
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-1338
Освоение целины – в 1954–1965 годах в СССР комплекс мероприятий по увеличению производства зерна путём введения в оборот обширных целинных земельных ресурсов главным образом в Казахстане, а также в Поволжье, на Урале, в Сибири, на Дальнем Востоке и в Крыму.
Колхозные ясли
- 1957-1960
- Холст, масло. 140 х 200
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
Основная тема работ М. В. Савченковой это материнство, крестьянский быт и семья. Очень лиричная и светлая работа «Колхозные ясли» с двумя героинями, молодыми женщинами, которые присели в тени дерева в знойный летний день. Они погружены в заботу о своих младенцах и нежно «воркуют» с ними. Одна, почти девочка в светлых одеждах, ее лицо освещено солнечными бликами, она улыбается, глядя на своего карапуза, другая в тени устало смотрит в сторону, о чем-то размышляя, а ребенок, схватившись за бутылочку с молоком, жадно опустошает ее содержимое.
Трактористка
- 1959
- Холст, масло. 156 x 90
- Государственный Русский музей
- Ж-7550
Утро
- 1959–1960
- Холст, масло. 160 x 330
- Государственный Русский музей
- Ж-7740
Картина „Утро“ принадлежит к числу живописных шедевров Загонека. Ее замысел связан с впечатлениями художника от окрестностей Онежского озера, которые он посетил в 1955 году. В картине обобщены мотивы встречающихся в онежских произведениях шествующих женщин, плещущихся гусей, отражений в воде с переживанием своеобразия северной русской природы, которые художник преломил в поэтический образ весеннего колхозного утра. На этот единый, цельный образ, отражающий программную для советского искусства идею позитивной демонстрации современной трудовой жизни, работают все художественные приемы — и горизонтальное фризовое решение картины с ее ритмической насыщенностью, и пластико-колористическая изысканность, богатство эмоциональных оттенков. Картина воспринимается как монументальное панно, как своего рода песня о небесных, водных и земных просторах и о жизнерадостности обитателей этого мира.
В отличие от произведения „Гроза прошла“, написанного за исключительно короткий срок (около года), „Утро“ вынашивалось более трех лет, не считая тех заготовок, что присутствовали в работах онежского периода. Художник писал для нее многочисленные этюды и эскизы, решая проблему большеформатной картины и стремясь согласовать свои творческие задачи с контекстом советского искусства, переживавшего на рубеже 1950-1960-х годов энтузиазм „сурового стиля“. На выставке произведений ленинградских художников 1960 года картина стояла особняком, выделяясь своими лирико-поэтическими особенностями. // Тамара Чудиновская. Большая картина. СПб., 2006. С. 273.
Замысел картины "утро" связан с впечатлениями художника после посещения в 1955 году окрестностей Онежского озера. В ней обобщены мотивы, которые художник преломил в поэтический образ весеннего колхозного утра. На этот образ работают все художественные приемы — горизонтальное фризовое решение картины, ритмическая насыщенность, богатство эмоциональных оттенков. Картина воспринимается как монументальное панно, как своего рода песня о жизнерадостности обитателей этого мира.
Каталог выставки в Малаге «Времена года. Произведения из собрания Русского музея». 2015. С. 112.
На поле
- 1958–1960
- Холст, масло. 170 x 306
- Государственный Русский музей
- Ж-7691
Портрет доярки Натальи Клименко
- 1960
- Холст, масло. 184 × 212
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-554
«Портрет доярки Натальи Клименко» украинского художника и педагога Виктора Зарецкого – групповой портрет, являющийся по своей сущности и форме типичной бытовой картиной. Главная героиня, именем которой названа вся картина, изображена в полный рост, широко шагая с полным ведром молока, несколько левее центра. На ней светлая косынка, красное в зеленый горошек платье и белый халат, на нагрудном кармане которого красным вышиты инициалы «Н. К.» - Наталья Клименко. Портрет написан в селе Кураховка Селидовского (ныне – Марьинского) района Сталинской (ныне Донецкой) области.
Семья. 1945 год
- 1957–1964
- Холст, масло. 175 x 254
- Государственный Русский музей
- Ж-8141
Виктор Иванов ‒ советский и российский живописец и педагог, академик, народный художник СССР и лауреат ряда государственных премий. Источником вдохновения для Виктора Иванова всегда служила его историческая родина ‒ Рязанская земля.
«Смысл моего творчества, ‒ говорит Виктор Иванович, ‒ не в отстаивании той личной свободы, которую сейчас объявили приоритетной над всем и вся, а в том, чтобы выразить духовно-нравственные устремления народа. А без этого искусство ‒ пустяк. Я изображаю только то, что хорошо знаю. Ищу положительное в людях. Хотя многие мои картины о тяжелой, изнурительной крестьянской жизни. Но посмотрите, какой в этих условиях рождается человек – сильный, красивый, добрый. Этот человеческий идеал я нашёл на Рязанской земле». Через все творчество художника проходит образ простого русского человека, собирательный образ современной русской крестьянки.
Виктор Иванов, обращаясь к теме послевоенной деревни, пишет картину “Семья. 1945 год”. Дав себе слово рисовать только то, что трогает сердце, то, что волнует душу, художник пишет строгий и лаконичный образ. Здесь нет семейной идиллии, на лицах семьи, собравшейся за трапезой, лежит мрачная тень. Их лица не выражают радости возвращения к мирному быту, ликования по поводу победы. Усталые, тяжелые взгляды членов семьи как будто устремлены вглубь себя, в тяжелые воспоминания последних лет. Волевой профиль матери семейства ‒ бледная маска скорби. Отец семейства ‒ изрытый ранними морщинами ветеран, он смотрит поверх головы собственного сына, устремив взор в прошлое. И даже дети здесь сохраняют неподвижность и торжественное молчание.
Е.Б. Могилевский, В.М. Ахунов. Материалы к аудиогиду по выставке «Память» для платформы Izi.travel. 2020
В послевоенное советское время семья была призвана к общественному служению «большой картиной». В конце 1959 — начале 1960-х художники «сурового стиля» и близких к нему течений намеревались пробить стену официоза, ориентированного на коллективного зрителя-государство, и достучаться до личности. Тематически их работы соответствовали государственному заказу: революция, война, трудовые будни современников. Но представление этих событий в зеркале частных, семейных историй должно было разбудить личную память, личные переживания зрителя. Так, Великая Отечественная война в советском искусстве — протяженная череда проводов, ожиданий, встреч и оплакиваний; великие удаленные стройки — место зарождения отношений, становление молодых семей и их проверка на прочность. Ритуальные моменты семейного быта становятся метафорами чего-то большего, отсылают к бытию. Сельские семейные трапезы — диалог поколений, сопричастность прошлому и планы на будущее, сбор урожая в семейном саду — память предков, преемственность поколений, прозрачно завуалированное подключение к долгому ряду библейских архетипов. Любовь Шакирова. Семейный альбом Русского музея // Портрет семьи. СПб, 2014. С. 14.
С именем Виктора Иванова связано представление об образах значительных, мужественных, мудрых, красивых. Именно такие черты воплощают в себе "крестьянская мадонна", собравшая за столом семью после военного лихолетья. Она, все вынесшая, вытерпевшая, дождавшаяся мужа с фронта, – во главе стола, чинной деревенской трапезы. В подобной рельефу композиции картины, строгости силуэтов есть определенная торжественность. В угловатом, словно рубленом рисунке, жестковатых формах – напряженность. Крупнейший мастер русской живописи Павел Корин писал: "Талантлив Виктор Иванов с его лаконичным и вместе с тем умным и простым видением, с мощным цветовым тоном, колоритом, носящим подчас драматический характер".
Весна
- 1961
- Холст, темпера. 31 х 79
- Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
- Ж-456
В начале 1960-х годов алтайскими художниками Владимиром Добровольским и Семеном Черновым была создана серия работ «Обь целинная», одна из них – «Весна».
Работы, выполненные в «суровом стиле», образно и ярко рассказывают о человеке-труженике.
Ловля лошади
- Авторское повторение. Оригинал – в ГТГ
- 1961
- Холст, масло. 102 х 202
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- 1753-ж
В изобразительном искусстве Казахстана второй половины ХХ века значительное место занимает творчество Народного художника КазССР М. Кенбаева. Он принадлежит к поколению первых казахских художников, получивших академическое художественное образование за пределами республики. Написанное им эпическое полотно «Ловля лошади» выражает радостное предчувствие перемен, которым было охвачено все советское общество в период политической «оттепели» 1960-х годов. Вся картина пронизана ощущением свободы и счастья, символом которых выступает словно летящая по бескрайней степи белая лошадь. Авторскому замыслу соответствует колористическое решение полотна, построенное на контрастном соотношении локальных цветов. Художник мастерски передает яркий свет предзакатного солнца, лучи которого озаряют неповторимый по красоте пейзаж осеннего джайлау (летнего пастбища).
Оригинал данного произведения сразу после его создания был приобретен Государственной Третьяковской галереей, что в те годы являлось признанием не только таланта молодого художника, но и высокой оценкой достижений казахского изобразительного искусства в целом.
Портрет колхозницы Л. Синюриной
- 1962
- Холст, масло. 100 х 80
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-2533
Творчество Виктора Иванова тяготеет к циклизации, поскольку, по его словам, «философия судьбы открывается лишь в круге человеческой жизни, который не может отразиться в одном полотне». Основная тема циклов – «прочность нравственных устоев, исторически заложенных в крестьянстве». Иванов — автор многочисленных жанровых картин из деревенской жизни, отличающихся присущими «суровому стилю» монументальностью образных решений, острой выразительностью композиционных построений, сдержанностью и строгостью колорита. По собственным словам Иванова, его «…из детства восхищала сила русского духа, несгибаемость характера, способность русских крестьян проходить через горнило тяжелейших испытаний, не теряя духовной красоты, веры и надежды». Наряду с этим Виктор Иванов создал образ русской женщины второй половины ХХ века, «ставшей главной опорой и семье, и стране» — именно такой, величавой, сильной и спокойной, предстает перед зрителем работница колхоза Синюрина на своем портрете.
Молодежь на ферму
- 1963
- Холст, масло. 140,0 х 90,0
- Вологодская областная картинная галерея
- Ж-573
Тема деревенской жизни была близка вологодским художникам, ведь практически каждый из них был родом из сельской местности и свою связь с родной землей чувствовал и отражал в своем творчестве.
Михаил Ларичев родился в селе Лебзово Усть-Кубинского района Вологодской области. Участие в жестоких боях на Белорусском фронте, контузия, плен, три с половиной года лагерей смерти Бухенвальда и Заксенхаузена, освобождение весной 1945. Этот трудный путь и сформировал мировоззрение художника на долгие годы вперед. Любить жизнь, видеть красоту будней и радоваться ей – вот основной девиз Ларичева как художника.
Образы пастухов, доярок часты в его творчестве. Портреты сельских жителей принесли ему известность («Коммуны рядовой», «Все на ферму», «Ветеран» и другие).
Материнские думы
- 1969
- Холст, масло. 210 x 250
- Государственный Русский музей
- Ж-9814
Под старой яблоней
- 1969
- Бумага, уголь, левкас, темпера поливинилацетатная, древесно-стружечная плита, соус. Плита 202 х 140, картина 178 х 98
- Государственный Русский музей
- Ж-11303
Картина «Под старой яблоней» написана в период творческой зрелости мастера. Сложившаяся манера, формальный стиль, излюбленная техника — темпера по левкасу — свидетельствуют о сознательном обращении к эстетическому опыту мастеров раннего Возрождения Италии и Северной Европы. Как и во многих картинах Жилинского, изображены близкие художнику люди — мать и дети. «Под старой яблоней» — своего рода философская элегия. Старая, изогнувшаяся, но плодоносящая яблоня — символ. Старая яблоня и старая женщина согнулись под тяжестью пережитого, о именно они рождают непрерывность жизни, и «древо жизни» продолжает плодоносить, а те, кто ушел, остаются в памяти живых. Так литературная сторона и пластическая соединились воедино в лирическом произведении художника. Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 360.
Творческие устремления художника более всего проявились в жанре портрета и его разновидности портрете-картине. Одна из особенностей искусства Жилинского заключается в том, что он выявляет в конкретном не сиюминутное, а главное, устойчивое, определяющее личность человека. Жилинский тяготеет к образам ясным, собранным, интеллектуальным, опираясь в создании их на искусство старых мастеров, прежде всего раннего итальянского Возрождения и древнерусскую живопись. Открытая обращенность к этому наследию в создании современных образов воспринимается как программа. «В искусстве люблю точность выражения, завершенность формы, в моем, конечно, понимании…» Произведения Жилинского красивы декоративностью чистых цветовых тонов, мелодичностью линий, пластикой силуэтов, гармонией композиции. Не вполне обычна и техника его письма. Художник нередко пишет темперой по левкасу, что придает повышенную колористическую звучность работам. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 297.
Как и многие картины Жилинского — это произведение, посвященное матери художника, автобиографично. В нем автор изобразил два поколения семьи Жилинских. Рядом с матерью Анастасией Федоровной (1898–1987), образ которой запечатлен на переднем плане картины, под яблоней стоят двое детей — ее внуки. Созданная Дмитрием Жилинским рама, использованная художником как дополнительное поле изображения, вносит в произведение трагические ноты. Слева на раме художник пишет фигуру отца, Дмитрия Константиновича (1900–1939), репрессированного, расстрелянного (1939) и посмертно реабилитированного, справа — образ брата, погибшего на фронте (1944). В верхней части рамы надпись: «Посвящаю моей маме». Таким образом, рама становится не только дополнением, завершением живописного полотна, но и его неотъемлемой частью.
Картина «Под старой яблоней» в своей выкрашенной белой краской широкой плоской раме с размещенными на ней двумя изображениями вызывает в памяти древнерусские иконы с клеймами на полях. Техника, в которой выполнено произведение (темперными красками по левкасу) также идет из древнерусской иконописи. Любовь к ней привили Д. Д. Жилинскому его учителя — В. А. Фаворский и Н. М. Чернышев.
Хозяева земли
- 1969
- Масло, холст. 280 х 125
- Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан (Казань)
- Ж-1659
Исмагил Халилуллов принадлежит к той плеяде художников, которые в наибольшей степени способствовали своим творчеством успешному развитию татарской тематической картины послевоенного периода.
Картина «Хозяева земли» первоначально была задумана Халилулловым в очень конкретной связи с историей первой тракторной бригады в Татарской АССР. Но в решении этой темы художник пошел по пути широких образных обобщений. Символическая наполненность этой картины ярка выражена. Изображены три поколения: дед, отец и сын.
Главной задачей является передача идеи преемственности поколений, начиная с революции, через Великую Отечественную войну к современности. Поэтическая символика во всем приходит здесь на смену жанровой описательности, бытовизму. Выразителен пейзаж в этой картине: пасмурное небо, пашня и зеленеющее всходами озимых поле, виднеющаяся вдали деревушка с одиноким минаретом татарской мечети. В красках природы гармония, мягкость, тонкая перекличка зеленоватых, пепельно-серых, сиреневых и голубых тонов; живописно передано то состояние раннего утра, которое в общем образном строе картины обретает определенный символический смысл. Сюжетная завязка, действие выражены мало, но внутренняя значительность героев, сопоставленных как бы лицом к лицу со зрителем, словно смотрящих на нас из своей тревожной исторической дали, очень велика.
Портрет доярки Л. Стефановой
- 1970-е
- Холст, масло. 140,0 х 225,0 см
- Калужский музей изобразительных искусств
- Ж-1053
Иосиф Андреевич Павлишак родился в Калуге и прожил в городе на Оке всю жизнь. Живописец создавал свои произведения в традициях соцреализма. Его пейзажи и натюрморты, звонкие, мелодичные, наполненные солнечным светом, в них органично соединились традиции русского изобразительного искусства. Творчество И. А. Павлишака понятно и близко каждому – оно истинное, большое и народное.
Тема простого человека в творчестве мастера представлена достаточно широко. Он обращает свое внимание на повседневный быт людей, их профессиональную деятельность и пишет ряд произведений этой тематики. Так в период 1953–1977 годов им создан цикл портретов, воспевавших тружеников села. Доярки, простые работники колхоза за повседневной работой и в часы досуга.
Произведение «Портрет доярки Л. Стефановой» написано художником в 70-е годы прошлого века и является ярким образцом манеры письма и колористических предпочтений художника. На фоне раскинувшегося вдалеке села изображены фигуры молодой женщины и девочки. Летний знойный день, пора сенокоса. Женщина с девочкой возвращаются с луга, где трудились, заготавливая на зиму сено животным.
Наряду с портретным жанром в творчестве И. Павлишака активно присутствует пейзажный жанр. Любовь к родному краю также находила отображение в работах живописца.
Село Большая Пысса. Весна
- 1971
- Холст, масло.
- Смоленский государственный музей-заповедник
В 1960-е годы Владимир Федорович Стожаров несколько раз приезжал в Коми АССР. Более десятка панорамных картин, созданных им по впечатлениям от этих поездок, посвящено северному селу Большая Пысса. Она стала для художника неисчерпаемым источником творческого вдохновения. Стожаров писал ее в разное время года с похожих ракурсов, любуясь живописными спусками, заменяющими привычные улицы, «сбегающими» с пологих склонов к реке Мезень бревенчатыми домиками, так похожими на пчелиные ульи.
Картина «Село Большая Пысса. Весна» (1971) открывает неожиданную возможность познакомиться с самобытной материальной культурой жителей Удорского района. Например, с необычными банями – домиками «на курьих ножках», плотной группой расположенными на переднем плане. Большинство бань этого северного села стоит вдоль берега полноводной Мезени на деревянных столбах. Подобный тип не имеет аналогов в Республике Коми.
Использование столбовых конструкций связано с особенностями ландшафта: Большая Пысса раскинулась на высоком холме, с которого дома спускаются к реке, поэтому для устройства ровной площадки на склоне нужны столбы-подпорки. Строить бани на столбах жителей подталкивали и высокие наводнения, часто случавшиеся на Мезени
Хлопкоробы
- 1972
- Холст, масло. 135,0 х 170,0 см
- Национальный музей Таджикистана, Душанбе
- Ж 1304
На картине таджикского художника Ашура Хайдарова «Хлопкоробы» мы видим хлопковое поле, в центре стоят три девушки-механизатора в сапогах и комбинезонах. Позади, среди кустов хлопка, высится хлопкоуборочная машина. Левее девушек стоит мужчина средних лет – почтальон. Он в зеленой чалме с тюбетейкой, зеленом полосатом халате, сапогах, с почтовой сумкой, набитой газетами, на боку. За его спиной конь, изогнув шею, щиплет траву. На горизонте, почти сливаясь с безоблачным небом, тянется горная цепь.
У родника
- Серия «Сельские механизаторы». Цикл «Край марийский»
- 1974
- Бумага, линогравюра. 76,5х84; 56х74
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- Г-739
В художественном образе картины «У родника» (серия «Сельские механизаторы» из цикла «Край марийский») Заслуженный деятель искусств Республики Марий Эл Иван Алексеевич Михайлин воплотил жизненный процесс деревни 1970-х годов. Художник поэтизирует крестьянский труд, а также пытается гармонизировать связь человека и природы.
Щедрая осень
- 1974
- Картон, масло. 70 х 100
- Сахалинский областной художественный музей
- Ж-552
Значительным самобытным явлением в культурной жизни Сахалина стало творчество заслуженного художника РСФСР Гиви Михайловича Манткавы. Выбор молодым выпускником Тбилисской Академии художеств места своей профессиональной реализации в пользу островной земли, сделанный в 1956 году, стал его судьбоносным шагом. Земле, которой он обязан своей творческой зрелостью и признанием, Гиви Манткава посвятил всю свою жизнь без остатка.
Творческая плодотворность Гиви Манткавы в 1970-х годах не случайно совпала с общим сахалинским культурно-экономическим подъёмом. Своими творческими достижениями художник отождествлял уровень успехов культурного строительства на Сахалине.
В 1972 году Манткава был принят в ряды Союза художников СССР. Это событие означало официальное признание художника, который на самых престижных выставках страны представлял профессиональный уровень сахалинского искусства.
В незаурядных по-сахалински бытовых сюжетах торжествует свободный и счастливый труд советского человека. Яркий, выразительный, импрессионистического характера пленэр в работах Манткавы, основанный на эффекте многослойно-мерцающей живописной системы, развитой в 1970-е годы, усиливает их оптимистическую мажорность. К данному периоду относится картина «Щедрая осень» (1974).
Автопортрет. (Трудовые будни)
- 1975–1977
- Холст, масло. 118,0 х 123,0 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-2595
Для выдающихся мастеров реалистической школы живописи послевоенных лет Сергея Петровича и Алексея Петровича Ткачевых Тверской край сыграл особую роль в развитии их искусства. В первые послевоенные годы братья Ткачевы учились в Московском художественном институте имени Сурикова у таких признанных классиков отечественного изобразительного искусства, как Игорь Грабарь, Георгий Ряжский и Дмитрий Мочальский. Сами братья Ткачевы отмечали, что на развитие их таланта значительное влияние оказали Сергей Герасимов и Аркадий Пластов, чьи пейзажи и пейзажно-жанровые полотна вдохновляли молодых художников.
Совместную творческую деятельность живописцы начали в начале 1950-х годов, когда однажды Алексей нарисовал эскиз, а Сергей раскрасил его акварелью. Это был этюд к их первой картине. Удивительно, но совместная работа не стерла индивидуальную живописную манеру братьев: каждому из них удалось сохранить свое творческое начало, обогатить и дополнить художественный метод друг друга. Созданию каждой картины предшествует огромная подготовительная работа – большое количество этюдов и рисунков. Работая над композиционным решением полотен, они пробуют разные варианты, особое внимание уделяя точности деталей изображаемого.
В собрании Тверской картинной галереи находится «Автопортрет. (Трудовые будни)» (1975–1977) кисти братьев Ткачевых, в котором художники изобразили себя за натурной работой во время уборки картофеля. Простые рутинные сцены в прочтении художников наполняются поэтическими образами и смыслами, а вдумчивая работа с композицией позволяет раскрыть авторский замысел.
Июньская пора
- 1976-1977
- Холст, масло. 203 х 233
- Государственный Русский музей
- Ж-10289
Урожай
- 1977
- Холст, масло. 120,3 х 147,0
- Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
- 7210-2057ж
Для картины «Урожай» (1977) работы известного киргизского живописца Абдрая Осмонова характерна повышенная декоративность цвета. В ней сочетается как бы два жанра: пейзаж и тематический сюжет – широкое яркое поле и работающие люди. Вместе с тем главной темой композиции является не бытовой жанр – группа людей на первом плане, а тема летней природы, решенной с большой правдивостью благодаря точно найденным масштабным соотношениям всех планов картины.
Красный трактор, из триптиха «Вехи Страны Советов»
- 1978
- Холст, масло. 140 х 140
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- РМИИ КП-4331/3
Картина «Красный трактор» является частью триптиха «Вехи Страны Советов», созданного Заслуженным художником РФ и Республики Марий Эл Измаилом Варсонофьевичем Ефимовым в конце 1970-х годов.
Сюжет картины связан с появлением в деревнях тракторов. Первый советский трактор был выпущен в 1923 году. Трактора обеспечили повышение производительности труда в сельском хозяйстве, подъем народного хозяйства и успех первых пятилеток. В работе много конкретных наблюдений, подмеченных из реальной жизни деталей, самобытных особенностей в облике горномарийской деревни и ее обитателей.
Проводы на фронт, из триптиха "Вехи Страны Советов"
Период создания: 1978
Материал, техника: холст, масло
Размер: 140х140
Номер по КП (ГИК): РМИИ КП-4331/1
Инвентарный номер: —
Центральная часть, из триптиха "Вехи Страны Советов"
Период создания: 1978
Материал, техника: холст, масло
Размер: 140 х 220
Номер по КП (ГИК): РМИИ КП-4331/2
Инвентарный номер: —
В страдную пору. Жатва окончена
- 1979
- Холст, масло. 98,0 х 200,0
- Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
- Ж-134
Основным жанром в творчестве Олега Бернгарда стал живописный пейзаж. У него были достойные учителя, среди которых – Леонард Туржанский, признанный мастер пейзажа лирического направления. У него Бернгард учился понимать цвет, чувствовать природу, выбирать натуру. В 1979 году появляется живописная композиция «В страдную пору. Жатва окончена». В ней автор не ограничивается изображением природы. На фоне любимого им пейзажа он выводит на передний план образ главного героя картины – немолодого комбайнера. Сельскохозяйственный рабочий, занятый на уборке зерновых, изображен неподалеку от своей машины, на которой нарисованы пять красных звезд. В 60-х годах прошлого века в советских колхозах и совхозах существовала традиция таким образом отмечать передовиков производства. Так, каждая полученная тысяча тонн зерна обращалась в красную звезду на сельхозтехнике.
Художник героизирует образ комбайнера с помощью композиционных особенностей, подчеркивает значимость человека труда через масштаб его фигуры и уверенную позу хозяина земли. На втором плане художник изображает сам процесс уборки зерновых, его завершающую стадию, как следует из названия полотна. По золотистому полю двигаются комбайны, напоминающие СК-4 – без крытой кабины для водителя. Рядом едет ЗИЛ, в кузов которого сыплется зерно.
Красивый золотисто-охристый колорит полотна не только передает атмосферу погожего солнечного дня, но и символизирует результат единения созидательных сил человека и могучей природы – богатый урожай.
Горюшкин-Сорокопудов Иван Силыч
1873, с. Наща Елатомского уезда Тамбовской губ. – 1954, с. Ивановка, Пензенская обл.Живописец, график, педагог.
Учился в студии Власова (1893-1894), в Высшем художественном училище при Императорской академии художеств у П.О. Ковалевского и И.Е. Репина (1895-1902). Основные направления творчества: исторический и портретный жанр, пейзаж. Преподавал в Пензенском училище (1908-1954).
Рукавишникова Варвара Федоровна
1878, Санкт-Петербург — 1966 (7)?, ЛенинградСычков Федот Васильевич
1870, с. Кочелаево, Пензенская губ. – 1958, Саранск, МордовияЖивописец, график. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1950), Народный художник Мордовской АССР (1937). Почетный член Союза художников Мордовии (1937). Автор жанровых полотен, портретов, пейзажей, натюрмортов, акварелей, рисунков.
Член Общества русских акварелистов (до 1917). Окончил рисовальную школу Общества поощрения художеств в Санкт-Петербурге (1895), Высшее художественное училище живописи, ваяния и архитектуры при Академии художеств в Петербурге (1900, мастерская Н. Д. Кузнецова, П. О. Ковалинского).
Жил в Кочелаеве (1870–1892, 1918–1956), в Санкт-Петербурге (1892–1918), Саранске (1956–1958). Участник всесоюзных, всероссийских, международных выставок. Награжден премиями и дипломами Общества им. А. И. Куинджи, Общества поощрения художеств, Академии художеств. В Мордовском республиканском музее изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи действует постоянная экспозиция работ автора. Произведения художника хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Мордовском республиканском музее изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи, музеях России, частных российских и зарубежных коллекциях.
Трофимов Яков Дмитриевич
1895, г. Аткарск Саратовской губернии – 1970Художник, член Союза художников СССР. Уроженец г. Аткарска Саратовской губернии. Работы хранятся в собрании Егорьевского музея.
В юности проявил способности к живописи и был принят в Казанское художественное училище, где закончил 4-хлетний курс обучения. В 1920-е знакомится со своей будущей женой, молодой учительницей Клавдией Ионовой, выпускницей егорьевской гимназии и переезжает на ее родину в Егорьевский уезд, где оба стали учительствовать в сельских школах. С 1937 работает преподавателем Егорьевского педучилища.
Писал маслом пейзажи, самостоятельно изготавливал музыкальные инструменты, на которых мастерски сам играл. Вокруг Якова Дмитриевича стали собираться творческие люди Егорьевска. Он имел недюжинные организаторские способности: в конце 1930-х организовал инструментальный ансамбль (три скрипки, виолончель, пианино), создал сводный хор егорьевских педагогов при Доме Учителя, вел кружок живописи в ДК им. Г. Конина. Проявил себя как талантливый музейный художник: оформлял новые экспозиции, изготавливал макеты и мини-панорамы, часть из которых сохранилась и до недавнего времени экспонировалась в краеведческом отделе музея.
Арефин Степан Фёдорович
1922, с. Боголюбовка Михайловского района Приморского края – 2006, ВладивостокCоветский и русский художник, заслуженный художник РФ (1999), член СХ СССР (с 1948), Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» и Приморского отделения Всесоюзного театрального общества, живописец, график, художник театра.
Родился 19 декабря 1922 года в селе Боголюбовка Михайловского района Приморского края. С 1930 жил в г. Уссурийске Приморского края, с 1972 – во Владивостоке.
Служил и учился в Студии военных художников хабаровского Дома Красной Армии (1941–1947). Совершенствовал мастерство в Доме творчества «Академическая дача» им. И. Е. Репина (1949, 1950, 1960).
Начало выставочной деятельности – 1943. Участник краевых, зональных, республиканских, всесоюзных и зарубежных художественных выставок, а также зональных выставок театрально-декорационного искусства и всесоюзных выставок произведений художников театра и кино.
Главный художник Уссурийского драматического театра (1963–1972). Художник-постановщик Приморского краевого драматического театра им. М. Горького (1972–1977). Главный художник краевого Театра юного зрителя во Владивостоке (1977–1987). Художник-постановщик (1987–1997) и главный художник (1997–1999) Приморского академического краевого драматического театра им. М. Горького. Умер во Владивостоке 27 апреля 2006 года.
Среди наград – Дипломы Министерства культуры РСФСР (1951, 1954, 1968). Произведения находятся в Государственном центральном театральном музее имени А. А. Бахрушина, в Приморской государственной картинной галерее, Дальневосточном художественном музее, Сахалинском областном художественном музее, Пермской государственной картинной галерее, Камчатском краеведческом музее, Государственном объединённом музее-заповеднике истории Дальнего Востока, в частных коллекциях в стране и за рубежом.
Варення Николай Романович
1917 – 2001Живописец, автор сюжетно-тематических композиций.
Калачев Сергей Алексеевич
1910, д. Матурино Череповецкого района Вологодской области – 2004Живописец. Художник-самоучка. Родился в 1910 в деревне Матурино Череповецкого района Вологодской области. Служил в армии с 1936 по 1945. Участник Великой Отечественной войны. Жил и работал в Череповце. Большая часть работ посвящена родной природе, труженикам села. В 1960-е работал художником-оформителем в Череповецком краеведческом музее.
Шпак Фаина Анатольевна
1906, с. Великая река Орловского уезда Вятской губ. 1984, КировЖивописец, скульптор. Заслуженный художник РСФСР.
Родилась в 1906 в с. Великая река Орловского уезда Вятской губернии. Училась в Вятском художественно-промышленном техникуме у М. А. Демидова и А. Н. Князева. С 1928 по 1931 работала учителем в школе кружевниц города Советска и в школе ФЗУ Косинской бумажной фабрики. В 1939 окончила живописный факультет Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина. Жена художника А. П. Широкова.
В это же время вместе с семьей вернулась в Киров. С 1939 член Кировского отделения Союза художников РСФСР. В период с 1939 по 1941 была научным сотрудником Кировского областного художественного музея. Во время Великой Отечественной войны исполняла плакаты и сатирические рисунки для окон ТАСС, участвовала в выпуске боевых листков «На врага», иллюстрировала сборники рассказов о войне для «Детгиза» («Наш старший товарищ», «Как воевали с немцами» и др.), писала картины на военные темы («Здесь прошел враг», «Раненый среди детей»). В годы войны появились первые скульптурные композиции – «Прощание» и «Горе». Постоянно работать как скульптор начала с 1952, в результате создала более 40 станковых и декоративно-монументальных произведений, ставших главным украшением города Кирова.
Акылбеков Сабырбек Мамбетсадыкович
1914, с. Кум-Арык (ныне Калининский район Чуйской области) – 1968, Бишкек, Киргизская ССРЖивописец. Заслуженный деятель искусств Киргизской ССР (1958). Член Союза художников СССР (с 1934). Один из первых национальных художников Кыргызстана.
Родился 15 февраля 1914 в селе Кум-Арык (ныне Калининский район Чуйской области). В 1932 окончил Джалал-Абадский педагогический техникум. В 1936–1938 учился в Московском художественном училище «Памяти 1905 года» у Н. П. Крымова и П. И. Петровичева. Участник I Республиканской выставки (1934). Один из ярких представителей первого поколения художников Кыргызстана. Вошел в историю кыргызского изобразительного искусства как мастер лирического пейзажа. Творческой, педагогической и общественной деятельностью внёс большой вклад в становление кыргызского изобразительного искусства.
Воробьева Ирина Николаевна
1932, Москва — 1993, Щелково, Московская областьГрафик. Заслуженный художник РСФСР. Окончила факультет графики МГХИ им. В.И.Сурикова, мастерская Е.А.Кибрика (1951-1957). Иллюстрировала книги издательств: "Малыш", "Детская литература", "Молодая Гвардия" и др. (1956-1960). Работала в эстампных мастерских Изогиза (1957-1961) и в комбинатах Московского отделения Художественного фонда РСФСР. Разрабатывала технику цветной гравюры на картоне. В 1985 создала серию гравюр на картоне «В годы войны».
Калинин Александр Фёдорович
1922, с. Иванов Мыс Омской области — 2003Родился в с. Иванов Мыс Омской области. Живописец, член Союза художников СССР (1961), заслуженный художник РСФСР, ветеран Великой Отечественной войны. Окончил Свердловское художественное училище (1953). Стоял у истоков становления хакасского профессионального изобразительного искусства. Он много ездил по Хакасии, его привлекало своеобразие природы Хакасии. Работал на рудниках Абазы и Теи, делал зарисовки новых станций, тоннелей на железной дороге Абакан-Новокузнецк, писал первые буровые вышки на льду Енисея, у створа Саяно-Шушенской ГЭС. Основное направление живописи – хакасский пейзаж и натюрморт. В Абакане многие годы работал в Абаканских художественно-производственных мастерских Красноярского Художественного фонда (1955–1979). Участник областных, зональных, республиканских, всесоюзных выставок.
Буров Сергей Павлович
1925 – 2004Живописец, автор сюжетно-тематических композиций, пейзажист.
Ларькин Михаил Дмитриевич
1886, г. Дядьков Брянской области — 1959Живописец. Родился в г. Дядькове Брянской области в 1893. Профессиональное образование художник получил в Ленинградском высшем художественно-техническом институте на факультете живописи (1926-1933).
С 1943 до конца жизни (1959) жил и работал в Вологде. В годы войны работал над созданием портретов фронтовиков. Но и на войне люди оставались людьми. Они дорожили своей любовью к красоте родного пейзажа, к привычным предметам быта, домашнему уюту.
Участник областных и региональных художественных выставок с 1941. Член Вологодского товарищества «Художник» с 1943. Член Союза художников СССР с 1946.
Автобиография, написанная в 1956 для Череповецкого музея: «Ларькин Михаил Дмитриевич родился в г. Дятькове Брянской области в 1893. Сын рабочего Брянского завода. До 1922 работал на заводе по хрусталю, последние три года был заведующим живописно-керамическим цехом - живопись по хрусталю. В 1922 Управлением Завода и самим Луначарским был направлен в Ленинградскую Академию художеств, каковую в 1926 окончил по классу живописи. С 1926 по 1941 работал в Ленинграде творческим художником. Выставлялся в Ленинградских дворцах культуры, в Академии, в Доме искусств. С 1942 в период Ленинградской блокады как дистрофика меня привезли в Вологду, где я вошел в члены Союза советских художников, все время работаю творчески. Выставляюсь на всех областных выставках. Темы колхозные, индустриальные, лесозаготовка и ряд других тем, бытовых и жанровых, отражающих наши достижения».
Лысенко Андрей Гаврилович
16 июля 1916 года, с. Сандата Ростовской области – 21 августа 2000 года, МоскваЖивописец. Заслуженный художник РСФСР (1973). Лауреат Сталинской премии (1948).
В 1936 окончил Краснодарское художественное училище. В 1939–1947 учился в Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова у И. Э. Грабаря, А. В. Лентулова, Б. В. Иогансона, С. В. Герасимова.
С 1938 жил, учился и работал в Москве.
Представитель социалистического реализма, работал в жанре исторической картины, пейзажной и портретной живописи.
Основные работы: «Клятва» (1947), «Автопортрет на фоне окна», «Купание ребенка», серия пейзажей о «Золотом Кольце», «Волжская вода», «Победа», «Встреча с прекрасным», «Молодые», «Москва строится», «Ленин на броневике».
Член объединений: Союз художников России (1948).
Участие в выставках. Участник московских, всесоюзных, республиканских, зарубежных, международных выставок с 1948.
Произведения находятся в Государственной Третьяковской Галерее, Государственном Историческом Музе, Музее Революции, Музее ПВО в Москве, Краснодарском краевом художественном музее имени Ф. А. Коваленко, Сальской картинной галере, Томском художественном музее, Музее-усадьбе Абрамцево, Самарском художественном музее, Брянском художественном музее, Миланском художественном музее «SanCarloBorromeo», Туринском художественном музее «Торе Кановезе» в Италии, в Музее современного искусства Америки, в галереях и частных собраниях России и стран Европы, Австралии, Америки, Японии, Китая.
Айтиев Гапар Айтиевич
1912, с. Тулейкен, Ошская обл.– 1984, Бишкек, Киргизская ССРХудожник-живописец, педагог. Заслуженный деятель искусств Киргизской ССР (1937). Лауреат Государственной премии Кыргызской Республики имени Токтогула Сатылганова (1967). Народный художник Киргизской ССР (1954). Народный художник СССР (1971). Герой Социалистического Труда (1982). Член-корреспондент Академии художеств СССР. Один из первых профессиональных киргизских художников.
Родился 28 сентября 1912 в селе Тулейкен Кара-Суйского района Ошской области. Окончил Киргизский институт просвещения (1932). В 1935–1938 учился в Московском художественном училище «Памяти 1905 года» у Н. П. Крымова и П. И. Петровичева. Работал в различных жанрах станковой и монументальной живописи. Уделял внимание и скульптуре, являясь автором ряда портретов и памятника Т. Сатылганова в Бишкеке. Работал также как театральный декоратор. С 1941 по 1944 был участником Великой Отечественной войны. С 1977 руководил мастерской живописи Академии художеств Киргизской ССР города Фрунзе, где занимались выпускники художественных вузов.
В историю кыргызского искусства вошел как очень разносторонний мастер, работающий в различных жанрах, но основным направлением его творчества стал пейзаж.
Кабанов Виктор Павлович
1924, Саратов – 2007, МоскваРодился в 1924 в Саратове. В 1940–1942 учился в Саратовском художественном училище (СХУ) у И. Н. Щеглова, Б. В. Миловидова, М. Д. Егорова. В 1945–1947 учился в Московском высшем художественно-промышленном училище у П. В. Кузнецова, А. В. Куприна. В 1947 вернулся в Саратов, закончил СХУ (1947–1948). С 1948 по 1952 учился в Московском институте прикладного и декоративного искусства у В. Г. Одинцова, А. А. Дейнеки.
В 1958 окончил Московский государственный институт имени В. И. Сурикова – мастерская П. И. Котова, затем П. П. Соколова-Скаля. В 1968–1969 преподавал в Королевском университете искусств в Пном-Пене, Камбоджа.
С 1953 участник республиканских, всесоюзных и зарубежных выставок. С 1958 член Союза художников СССР.
Работы художника находятся в Красноярском художественном музее, Саратовском государственном художественном музее им. А. Н. Радищева, в частных собраниях Германии, Японии, Вьетнама, Камбоджи, Швеции, Америки. За несколько десятилетий воспитал множество учеников.
Кенбаев Молдахмет Сыздыкович
1925, Джангильдинский р-н, Кустанайская обл. – 1993, АлматыРодился в 25 июля 1925 в Джангильдинском районе Кустанайской области. В 1948 окончил Алматинское художественное училище им. Н. В. Гоголя. В 1956 – МГХИ им. В. И. Сурикова, учился у Ф. Решетникова. Участник выставок с 1949. Член СХ СССР с 1955. Жил и работал в Алма-Ате с 1956. Народный художник Республики Казахстан. Награжден орденом «Знак Почета».
Ларичев Михаил Алексеевич
1921, с. Лебзово Усть-Кубинского района Вологодской обл. — 1995Живописец. Член Союза художников СССР. Родился в селе Лебзово Усть-Кубинского района Вологодской области. Первые навыки в рисунке и живописи получил у В. В. Тимофеева в средней школе № 1. Окончив семилетнюю школу, в 1937 поступил в Рязанское художественное училище, но не закончил его. В начале Великой Отечественной войны ушел на фронт. Жестокие бои на Белорусском фронте, контузия, плен, три с половиной года лагерей смерти Бухенвальда и Заксенхаузена, освобождение весной 1945. Этот трудный путь и сформировал мировоззрение художника на долгие годы вперед.
Любить жизнь, видеть красоту будней и радоваться ей – вот основной девиз Ларичева как художника. Спустя 50 лет, уже в 1980-е, создал цикл картин, посвященных узникам концлагерей.
Основными темами работ художника стали картины северной природы, портреты современников, жанровые зарисовки, пейзажи, натюрморты. Как уроженцу села, ему была близка деревенская тема. Образы пастухов, доярок часты в его творчестве. В начале своего пути неоднократно обращался к автопортрету, приобретая опыт для дальнейшей работы над портретами — типами сельских жителей, принесших ему известность («Коммуны рядовой», «Все на ферму», «Ветеран» и другие).
Еремин Алексей Григорьевич
1919, село Углевщина Заонежского района Карелии — 1998, Санкт-ПетербургЖивописец. Учился в СХШ при АХ (1935–1939). Учился в ИЖСА им. И. Е. Репина (1945–1951) у Б. В. Иогансона. Участник выставок с 1939. Член СХ (с 1951). Заслуженный художник РСФСР (1970), народный художник РСФСР (1978).
Служил в Красной армии (с 1939). Участник Великой Отечественной войны (1941–1945), награжден боевыми орденами и медалями.
Автор жанровых произведений и пейзажей. Учился в Ленинградской средней художественной школе (окончил в 1940) у В.А.Горба. Член Союза художников России с 1951 года. Систематически работал в Карелии (Заонежье). Жил в Ленинграде.
Халилуллов Исмагил Минтагирович
1929, с. Татарские Выселки Ставропольского района, Куйбышевская область – 2009, КазаньРодился в 1929 с. Татарские Выселки Ставропольского района Куйбышевской области. С 1947 жил в Казани. Окончил Казанское художественное училище. С 1952 работал в Татарском художественном фонде. В 1957‑1975 – председатель художественного совета Татарского художественного фонда. Принадлежит к той плеяде художников, которые в наибольшей степени способствовали своим творчеством успешному развитию татарской тематической картины послевоенного периода. Постоянной параллелью к исторической живописи в творчестве И. М. Халилуллова являются бытовой жанр, портрет, пейзаж, обретающий нередко приподнято-романтический характер, волнующий и поражающий воображение неожиданным ракурсом живописного воспроизведения природы.
Он любовно пишет портреты людей разных национальностей, пейзажи Поволжья, Сибири, Прибалтики. Есть в его живописи изумительные, ценнейшие находки, открытия, свидетельствующие о живом и богатом таланте, о тонкой интуиции художника, умеющего найти тактичное, убедительное, порою неожиданное решение в цветовой гамме, в самом подходе к исторической и бытовой теме. Такие достижения особенно очевидны в картинах «Родные мои», «Хозяева земли», «Комсомольская свадьба», которые относятся к числу лучших, серьезных, добротных по идейно-художественному качеству произведений татарской тематической живописи 1960-70-х.
Павлишак Иосиф Андреевич
1923, Калуга – 1995, КалугаРодился 20 сентября 1923 в Калуге.
С 1939 занимался в изокружке Дворца пионеров г. Калуга, руководитель М. А. Викторова. В возрасте 19 лет (март 1942) ушел добровольцем на фронт. Участвовал в Сталинградской битве. Награждён орденом Отечественной войны I степени, медалями «За оборону Москвы», «За победу над Германией», юбилейными медалями.
В 1944 после ранения вернулся в Калугу. Учился в Государственном художественном институте Эстонской ССР в Тарту (1945–1951). После окончания института вернулся в Калугу, работал преподавателем рисования в педучилище, затем в товариществе «Калужский художник». В 1953 начал работать в Калужском отделении ХФ РСФСР. Член Союза художников СССР (1953), председатель Калужской организации Союза художников СССР (1957–1982), избирался членом правления Союза художников РСФСР, членом живописной комиссии Союза художников РСФСР, делегатом съездов художников РСФСР и СССР.
С 1951 участник более 50 зональных, республиканских, всесоюзных и зарубежных выставок, в том числе: Всесоюзная выставка к I съезду художников СССР в Москве (1957); республиканские выставки (1954, 1957, 1977, 1980, 1981, 1983, 1991); межзональная выставка в Воронеже (1955); V–VII выставки «Советская Россия» (1975, 1980, 1985), VIII выставка «Россия» в Москве (1992); I – VII зональные выставки (Воронеж, Тула, Курск, Орел, Рязань, Кострома, Владимир) (1964, 1967 , 1969 , 1974 , 1980 , 1985 , 1990); «600 лет Калуге» в Москве (1971); республиканская выставка «Натюрморт» в Москве (1972); «Интерьер и натюрморт» в Ленинграде (1988); выставки калужских художников в ГДР (округ Зуль, 1976, 1980).
Персональные выставки: «Крымские этюды» в Калуге (1967, 1973, 1983, 1994); к юбилеям художника в Калуге (1973, 1983, 1994); Обнинске (1972), Тарусе (1974, 1984), Туле (1984), с. Ульяново (1984), персональная мемориальная выставка «Цвет небесный, синий цвет…», агентство «Ангажемент» (проект «Наследие») в Калуге (2000).
Произведения находятся в собраниях Калужского музея изобразительных искусств, Музея истории г. Обнинска, Тульского областного художественного музея, Ульяновской картинной галереи; в частных собраниях в России, Франции, Германии, США.
Стожаров Владимир Федорович
1926 (1922?), Москва – 1973, МоскваЖивописец, график. Учился в Московской средней художественной школе (1935–1945) у П. Т. Кошевого, С. М. Михайлова, В. В. Почиталова, А. П. Шорчева; в МГХИ (1945–1951) у Д. К. Мочальского, Г. К. Савицкого, В. В. Почиталова. Участник выставок с 1954.
Оригинальная манера письма, неповторимая живописная „кладка“ сразу выделили Стожарова среди современников. Продолжая и развивая импрессионистические традиции русских живописцев, художник реализовал свой самобытный дар в открытом „чистом“ цвете, в самоценном звучании каждой отдельной краски в общей полифонии картины.
Михайлин Иван Алексеевич
1926, д. Новая Александровка Саратовской области – 2005График, живописец, художник книги. Заслуженный деятель искусств Марийской АССР. Родился 15 августа 1926 года в деревне Новая Александровка Саратовской области. Участник Великой Отечественной войны. В 1954 году окончил Саратовское художественное училище, в 1964 году – Московский полиграфический институт. Лауреат Государственной премии Марийской АССР имени А.В. Григорьева, лауреат Государственной молодежной премии Республики Марий Эл имени Олыка Ипая. Член Союза художников России.
Осмонов Абдырай (Абдрай) Осмонович
1939, с. Шалба, Киргизская ССРЖивописец. Народный художник Кыргызской Республики, действительный член Национальной академии художеств Кыргызской Республики.
Родился 27 декабря 1939 в селе Шалбаа Джеты-Огузского района Иссык-Кульской области. В 1954–1959 учился во Фрунзенском художественном училище. В 1959–1965 учился в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина в Ленинграде (мастерская Б. В. Иогансона). С 1968 член Союза художников СССР. С 1965 преподавал в Кыргызском государственном художественном училище им. С. А. Чуйкова. Участник республиканских и международных выставок.
Произведения хранятся в Кыргызском национальном музее изобразительных искусств им. Айтиева, музеях стран СНГ и в частных коллекциях.
Художник работал главным образом в области сюжетно-тематической картины и портрета. Остался верен академическим принципам в живописном построении картин. В 1970-х написал произведения, охватывающие многие стороны современной жизни кыргызского народа. Внес большой вклад в развитие изобразительного искусства республики.
Бернгард Олег Эдгардович
1909, Мюнхен (Германия) – 1998, ЕкатеринбургРодился 7 июля 1909 в Мюнхене, в семье театрального художника и пианистки. В 1914 семья эмигрировала в Швейцарию, потом в Петроград, в 1916 переехала в Екатеринбург.
В 1924 поступает в Уральский художественно-промышленный техникум, где изучает основы пейзажной живописи под руководством И. К. Слюсарева. Член Ассоциации художников революционной России (с 1928). Член Союза художников СССР (с 1932).
В 1942 признан «социально опасным по национальному признаку», мобилизован в Трудармию и направлен в Нижний Тагил.
В 1942–1945 был художником Тагиллага НКВД. В 1945–1956 работал художником Нижнетагильского драмтеатра и Театра кукол, а также преподавателем Нижнетагильского училища прикладного искусства.
В 1958 был реабилитирован, вернулся в Свердловск. Участник городских и республиканских выставок.
В разделе «Защита Родины» немало произведений посвящено героям Великой Отечественной войны, отдавшим свои жизни за мир на советской земле. Среди самых значительных полотен — «Краснодонцы» П.П.Соколов-Скаля, «Сталинградцы» А.Н.Самохвалова, «Он защищал Родину (Подвиг Юрия Смирнова)» А.А.Потехина, «Оборона Севастополя» А.А.Дейнеки, «Муса Джалиль. Перед приговором» Х.А.Якупова.
Красный флот - защита СССР от врагов
- 1924
- Бумага, хромолитография. Л. 102,5х67,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1171
Чем сильнее будет мощь флота, тем прочнее станет советская власть
- Первая половина XX века
- Бумага, хромолитография. Л. 57,2х58,6
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1164
Группа «10 лет Красной Армии»
- Государственный фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова (г. Ленинград). Автор модели — Н.Я.Данько, автор росписи — М.П.Кириллова
- 1936 (модель — 1928)
- Фарфор, роспись надглазурная. В.-25,5; Дл.-13,5; Ш.-10,0
- Государственный Русский музей
- СФ-137
На Дальнем Востоке. Красноармеец
- 1928
- Холст, масло. 98 х 78
- Государственный Русский музей
- Ж-8392
В 1919 году Александр Лабас оставил Государственные свободные художественные мастерские, организованные на базе Строгановского училища, и ушел добровольцем на фронт. «Впереди неизвестное, новые события, новые впечатления. Мне было восемнадцать лет». Эта запись объясняет поступок молодого художника как романтический порыв физически ощутить, измерить пространство «взвихренной» страны, присутствовать при рождении будущего. Вместе со своими товарищами по бригаде художников Политотдела 3-й армии Восточного фронта Лабас писал плакаты, транспаранты, оформлял агитпоезда.
Позднее, в 1928 году, он напишет картину «На Дальнем Востоке. Красноармеец», лирический портрет своего поколения. Хрупкий, интеллигентный еврейский юноша в пыльном шлеме-буденовке темным силуэтом замер на фоне заснеженных туманных далей. Кинематографическим наплывом приближена к зрителю плотная, замкнутая в себе фигура. Она кажется врезанной, вмонтированной в пробегающий вдали почти бесплотный пейзаж. В направленном внутрь себя взгляде, в позе юноши, скованного грубой шинелью, словно спрятанного в ней, – завороженная отстраненность. Он не столько присутствует, сколько грезит, вспоминает, видит внутренним взором строящихся в колонны людей, дома, устремленные вдаль дороги, кружащие в белесом, словно тоже заснеженном небе аэропланы. Образ «книжного мальчика», мечты которого обрели живую красочную плоть, – своего рода манифест художника. В нем он собрал основные образы своего творчества и утвердил себя создателем собственного мира, материалом для которого служит пропущенная через себя реальность. Сегодня перипетии гражданской войны на Дальнем Востоке поражают нас жестокостью и трагизмом. Художник был их свидетелем, но в его творчестве мы не найдем их отражения. «Мы вглядывались пристально в настоящее и представляли фантастику будушего», – слова, сказанные Лабасом, отражают мироощущение молодого поколения творцов постреволюционной эпохи.
Смерть комиссара
- 1928
- Холст, масло. 196 х 248
- Государственный Русский музей
- Ж-7685
В начале 1920-х годов художник окончательно формулирует теоретическое обоснование своего творческого метода, в числе основополагающих моментов которого — использование «сферической» или «наклонной» перспективы и доминирующего «трехцветия». Если красный, синий и желтый цвета, главенствующие в его палитре, базировались на вековых традициях иконописи и к тому же нашли в ХХ веке научное объяснение, то «сферическая» перспектива родилась из опыта собственных наблюдений, обогащенных открытиями футуристов. <...> Использование сферической перспективы не стало для художника некой догмой и целиком зависело от образной характеристики. «На линии огня» (1916), «Полдень. Лето» (1917), «Смерть комиссара», запоминающиеся своей монументальностью и возвышенной патетикой, во многом обязаны сферической перспективе. Ольга Мусакова. Мгновения вечности // Кузьма Сергеевич Петров-Водкин. СПб. 2018. С. 12.
Попытки увязать сюжеты из новой советской действительности с прежними принципами и взглядами художника вполне очевидны. В этапных произведениях, к каковым, в числе других, относятся «После боя» (Центральный музей Вооружённых Сил) и «Смерть комиссара», находит развитие тема «жертвенной смерти», которая заведомо предполагала параллели с религиозным искусством. В отношении «Смерти комиссара» неоднократно было отмечено в литературе сходство фигур комиссара и Христа в сценах оплакивания. Ольга Мусакова. Мгновения вечности // Кузьма Сергеевич Петров-Водкин. СПб. 2018. С. 14.
«Смерть комиссара» – работа, написанная Петровым-Водкиным в 1928 году по заказу Реввоенсовета для выставки «10 лет РККА». Картина занимает центральное место в советском периоде творчества Петрова-Водкина. Эта, одна из основных для художника тема жизни, жертвенности и смерти, была решена здесь впервые в образах героев революции. В основе сюжета – эпизод Гражданской войны.
Здесь, как и в полотне «На линии огня», также зримо доминирует трагический момент боя. И действие вновь разворачивается на высоком холме. На первом плане две фигуры – смертельно раненный комиссар и поддерживающий его боец. Уносимый вихрем сражения, скатывается с холма отряд красноармейцев. Движимые вперед верой в праведность своей борьбы, бойцы исчезают за полукружьем зеленого холма, словно проваливаются в неведомую бездну. И снова смерть, пусть и во имя иных идеалов, обретает высокий смысл жертвенного служения человечеству. Поэтому неслучайно в композиции двух главных героев, изображенных на первом плане, прочитывается иконография Пьеты – сцены Оплакивания Христа.
В этом произведении нашла свое выражение оригинальная художественная система автора, его понимание живописного пространства и колористического строя. Сосредотачивая внимание на основной группе, данной крупным планом, мастер широко раскрывает пространственную глубину с плавными силуэтами холмов, дальними селениями, синей лентой реки. Петров-Водкин отказывается от традиционной линейной перспективы в пользу «сферической», которая играет роль художественной метафоры, выражающей в поэтической форме мировосприятие автора. Здесь ключ к пониманию замысла – в последнем мгновении раскрывается смысл жизни комиссара, его героической жертвы, утверждающей революцию. Изображенное событие перерастает рамки единичного факта, приобретает поистине планетарное, общечеловеческое звучание. Это произведение подвело итог многим живописным и философским исканиям К. С. Петрова-Водкина.
« Когда говорят о Петрове-Водкине и его школе, то возникают слова: трехцветка (очень дурно названо), наклонная перспектива или сферичность. Эти названия не объясняют вопроса <…> вопрос – какое отношение цвета к задачам движения. Цвет, как нам известно, имеет свои плотности, весомости, прозрачность, но цвет, принимаемый как удовольствие, как впечатление чисто эстетическое, дает меньше, чем мог бы дать, если бы мы предъявили вопрос другого порядка – его органической сущности <…> вопрос о зависимости цвета от насыщения формы тем или иным цветом, от композиционного их положения <…> Взять хотя бы „Смерть комиссара“. Люди движутся, бегут не потому, что у них бегущая поза, а потому, что это динамически разработанная композиция формы и цвета, которые дали разрешение сюжета <…> Мне хочется, товарищи, дать представление об увязке формального и содержательного значения картины <…>» (Из стенограммы выступления на творческом вечере К. С. Петрова-Водкина в МОССХе 25 мая 1933)
Военизированный комсомол
- 1932-1933
- Холст, масло, темпера. 198,5 x 278
- Государственный Русский музей
- Ж-8235
Во второй половине 1920-х годов страна Советов превратилась в лабораторию, в которой начался эксперимент по созданию нового пролетарского искусства – социалистического реализма.
В своей крупноформатной картине Самохвалов изображает членов коммунистической молодежной организации, демонстрирующих целеустремленность коллектива в подготовке к обороне страны. Несмотря на милитаристский характер занятий, кажется, что речь идет, скорее, о спортивном мероприятии для укрепления коллективной воли и тренировки индивидуальных способностей.
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»: «Картина была связана с пятнадцатилетием Красной Армии. Однажды, катаясь на лодке с друзьями, Н. З. Стругацким и Л. А. Мессом, я увидел небольшой участок поля, занятый молодежным стрельбищем. Девушки с винтовками лежа стреляли по цели, где-то тут же учились строю комсомольцы. Возле зенитки стояла группа молодежи, изучая механизм этого орудия обороны. С отдельными группами девушек работали инструкторы. Я написал эскиз будущей картины… Композиция картины очень ясная. Море и громадный участок свежевспаханного поля. На зеленом лугу переднего плана группа девушек, лежа, вырабатывает в себе снайперские навыки. Яркие, цветные одежды молодежи обогащают колорит картины. Горизонтали пересекаются стоящими двумя фигурами в левой части и большой группой в правой. Часть этой группы направлена влево и за ней, прямо на зрителя идет строй вооруженных комсомольцев, а на переднем плане девушка в военном костюме с противогазом замыкает композицию. К композиции сохранились два этюда. Один из них - "Девушка на военной учёбе", другой - "Комсомолец с винтовкой"».
Члены коммунистического союза молодежи, запечатленные на монументальном полотне Александра Самохвалова, представляли собой свежую силу партии. Идеалы нового мира были близки этим молодым строителям коммунизма. Дружно, плечом к плечу, единым строем стоят в строю молодые комсомольцы. Коллективизм, пропагандируемый государством, охватывал как идеологические взгляды, в которых не допускался индивидуализм и отклонение от единого курса, так и продиктованные идеологией поведенческие принципы. Самохвалов сумел ухватить этот общий дух коллективизма, создав обобщенный образ современника, формировавшегося в условиях «труда и подвига».
Группа «Готовы к обороне»
- Ленинградский фарфоровый завод им. М. В. Ломоносова (г. Ленинград)
- 1932
- Фарфор, роспись надглазурная. В.-28,2; Дл.-21,0; Ш.-13,0
- Государственный Русский музей
- СФ-115
Группа «Готовы к обороне»
- Государственный фарфоровый завод имени М.В.Ломоносова (г. Ленинград) (автор модели — Н.Я.Данько, автор росписи — М.П.Кириллова)
- 1936 (модель — 1932)
- Фарфор, роспись надглазурная. В.-28,2; Дл.-21,6; Ш.-13,5
- Государственный Русский музей
- СФ-116
Империалисты готовят нападение с моря. Усилим мощь обороны морских границ СССР
- 1932
- Бумага, хромолитография. 74,4х54,6
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-410
Командиры РККА
- 1932
- Холст, масло. 83,5 х 86
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-53
«Первая демонстрация. Семья рабочих в I годовщину Октября. 1918 год» (1927, ГЦМСИР), «1919 год. Тревога» (1934),«Семья командира» (1936, ТО ИКХМ), «Командиры РККА» (1932) — многословное повествование выдвигается здесь на первый план. Однако это не помешало Петрову-Водкину воплотить востребованные временем сюжеты в формах монументального искусства. Зритель, требовавший правдоподобия в 1930-е годы, все же замечал некоторые «странности» в картинах Петрова-Водкина: и нереальность его персонажей, и некий подтекст, обращенный к думающей аудитории. Ольга Мусакова. Мгновения вечности // Кузьма Сергеевич Петров-Водкин. СПб. 2018. С. 15.
Вероятно, портрет был написан в преддверии крупной выставки «15 лет РККА», которая стала одним из значимых этапов формирования социалистического реализма.
Комсомолец
- Этюд к картине «Военизированный комсомол» (1932–1933)
- 1932
- Холст, темпера. 142,5 x 64
- Государственный Русский музей
- Ж-10396
Этюд к картине «Военизированный комсомол» (1932–1933).
Осоавиахимовка
- Этюд к картине «Военизированный комсомол» (1932–1933)
- 1932
- Холст, темпера. 120 x 116
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1787
Этюд к картине «Военизированный комсомол» (1932–1933)
Часовой
- Модель статуи
- 1932
- Гипс крашеный. 40 x 45 x 32
- Государственный Русский музей
- СО/ПФ-1
Скульптура Шервуда «Часовой», созданная в период формирования и утверждения официального стиля соцреализма, стала своеобразной пластической метафорой духа революционной романтики. Вылепленная в реалистических, но достаточно обобщенных скульптурных формах, лишенная конкретной портретной характеристики, фигура воплощала собирательный образ солдата-героя революции, соответствующий канонам нового стиля. Наряду со скульптурной композицией Веры Мухиной «Рабочий и колхозница» «Часовой» стал одним из самых популярных скульптурных символов сталинской эпохи. Картины военной жизни в отечественном искусстве XVI–XX веков. СПб, 2022. С. 148; Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 50.
Судя по станковым композициям, на рубеже 1920–1930-х Шервуду было важно перейти от исторического портрета к композиции на актуальную политическую тему. Именно на этом поприще его ожидал успех, вписавший его в историю советского искусства не только как создателя первого советского памятника, но и как автора образцового скомпонованного портрета-типа. Шервуд получил заказ Реввоенсовета на исполнение композиции для выставки «XV лет РККА». После некоторых поисков подходящей темы скульптор выбрал «Часового» («на страже», «на посту»), который стал главным экспонатом выставки и был установлен перед входом на экспозицию в Москве. Изображение фигуры было напечатано на обложке каталога ленинградской выставки. Успех скульптуры обусловлен не только мастерским изображением воина на страже социалистической стройки, но и точным соответствием духу времени, когда СССР все более превращался в осажденную крепость, окруженную врагами. В этой композиции сказалось обращение Шервуда к конструктивистскому построению фигуры из геометрических форм. В то же время скульптор не отступал и от своих импрессионистических убеждений: работая в гипсе, Шервуд представлял свою работу в камне, поэтому набросал на поверхность «искрящиеся блестки», не только придавшие гипсу вид камня, но и передававшие впечатление морозной погоды. Не было забыто и увлечение передачей разных цветов при помощи разных материалов: винтовку Шервуд предполагал выполнить из стали, и только технические трудности помешали это сделать в экземпляре для выставки (в крупноформатном и в станковом варианте штык и приклад были выкрашены в черный цвет). Образ «Часового» использовался в массовой агитации. «Часовой» был признан «одним из первых произведений социалистического реализма в скульптуре», а его автор на 62-м году жизни стал живым классиком. Павел Бельский. Творчество Леонида Шервуда после октября 1917 года // Скульптор Леонид Шервуд… СПб. 2023. С. 17.
Командир
- Первая половина 1930-х
- Холст на картоне, масло. 25,5 х 18,5
- Государственный Русский музей
- Ж-11524
«Командир» – одно из типичных для живописи Ермолаева первой половины 1930-х годов портретных изображений – своеобразной серии стилизованных под примитив работ небольшого формата, исполненных в темной зелено-коричневой, сближающей цвета гамме. Кто изображен на портрете – неизвестно, но известно, что художник любил работать по памяти или по наброскам, что само по себе – залог приоритета общего над частным. Ермолаев стремился к простоте и лаконизму изобразительного языка; в портретных работах первой половины 1930-х годов это стремление выразилось в ориентации на старую фотографию – с ее торжественным позированием и дотошной детальностью обстановки и костюмов. // Тамара Чудиновская. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 227.
АНТ-20 "Максим Горький"
- 1934
- Холст, масло. 110 х 121
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1057
АНТ-20 „Максим Горький' – советский агитационный самолет, построенный в одном экземпляре в 1934 году, и в этом смысле картина Купцова представляет собой уникальный рекламно-художественный документ эпохи. Самолет, в то время самый большой в мире, поражал своими техническими данными (главный конструктор – А. Н. Туполев) – 8 моторов, размах крыльев 63 м, масса 42 т, вмещал 80 пассажиров и управлялся 8 членами экипажа. „Чудо" советской техники просуществовало недолго – самолет потерпел катастрофу 18 мая 1935 года. Изображен летящим над историческим центром Ленинграда. Алиса Любимова // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 453.
Знак нагрудный "Юный Ворошиловский стрелок"
- 1930-40-е
- Бронза, эмаль. 32 x 26
- Государственный Русский музей
- Мед.А-20815
Подросток воспринимался в этой системе координат как недо-взрослый, который в процессе обучения и воспитания приобретает все необходимые для жизни взрослого полезные качества и переходит на следующую ступень развития. Исходя из этого детство пионера, каким оно виделось авторам коммунистической идеологической модели, было занято исключительно «взрослыми» занятиями с поправкой на возраст. Нельзя, наверное, найти такую сферу деятельности советского человека, у которой не было бы параллельного пионерского мира. Если взрослые готовились к войне и метко стреляли, чтобы получить нагрудный знак «Ворошиловский стрелок», то и дети учились, и лучшим из них вручался значок «Юный Ворошиловский стрелок».
Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С.28-29.
На страже
- 1930-1940
- Холст, масло. 70,1 х 47
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
Ряжский создал несколько глубоко типизированных женских образов, в которых нашли отражение яркие перемены в людях, произошедшие после раскрепощения от всех видов гнета и неравенства. Самые известные среди них ‒ «Делегатка» и «Председательница»).
«На страже» представляет профильное изображение молодой женщины в темно-синей с коричневым воротником кутке и красной косынке. В звучном, наполненном чистотой красок колорите мастер показал представителя нового времени. В правой руке девушка держит штыковую винтовку. Характеристика образа раскрывается его композицией. Все внимание сосредоточено на открытом красивом лице женщины, её глубоко-задумчивом размышлении о предстоящих изменениях, о приближенности к большому всенародному, можно сказать, государственному делу.
Стратостат «Осоавиахим»
- 1935
- Холст, масло. 238 x 156
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1887
Осоавиахим — Общество содействия обороне, авиационному и химическому строительству — массовая добровольная общественная организация граждан Советского Союза, существовавшая с 1927 по 1948 год. Под руководством этой организации по всей стране создавались кружки, учебные пункты, занимавшиеся подготовкой населения к обороне. Уже в 1928 году в состав этого общества входили 2 млн. человек, выпускались специальные значки, марки, плакаты, пропагандировавшие деятельность Осоавиахима.
Запуск стратостата «Осоавиахим-1» состоялся 30 января 1934 года. Стратостат достиг отметки 22 км, превышающей мировой рекорд. Но через несколько часов полет закончился страшной трагедией. Гондола, оборвав стропы, упала с высоты 2 км. Все трое членов экипажа погибли. Подъем на такую высоту был безрассудством, поскольку значительно превосходил технические возможности аппарата. Но запуск происходил в день открытия XVII съезда ВКП(б). Депутатам съезда зачитывались радиограммы экипажа с приветствиями партии и отчетами о пройденной высоте. Однако о трагическом окончании полета было объявлено только на следующий день. Стратонавты были объявлены героями. Их прах был захоронен в кремлевской стене, в церемонии захоронения принимали участие руководители партии и государства. После расследования причин катастрофы многие специалисты, принимавшие участие в подготовке экспедиции, были расстреляны.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 57.
Морской флот - могучий страж водных рубежей
- 1937
- Бумага, хромолитография. 70х100
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-229
На боевом участке
- 1937
- Холст, масло. 39 х 99
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-2197
Произведение одного из организаторов и участника Студии военных художников имени М. Б. Грекова Бориса Васильевича Васильева «Испытание боевой машины» (как и парная к ней картина «На боевом участке») экспонировалось на Всесоюзной художественной выставке «Индустрия социализма» (1939) в зале на тему «Индустрия крепит оборону СССР». В советском государстве искусство контролировалось военным ведомством, поэтому образ Красной армии был не последним в тематическом диапазоне художников, а образ советского солдата являлся составляющим элементом образа Нового человека.
Портрет летчика М. М. Громова
- 1937
- Холст, масло. 216,0 × 110,0
- Самарский областной художественный музей
- Ж-1255
Художник Павел Корин, впечатлённый не только рекордными по дальности и времени перелётами, но и выправкой легендарного советского лётчика, сумел на портрете передать решительный и педантичный характер рыцаря неба.
Герой Советского Союза генерал-полковник Михаил Михайлович Громов (1899–1985) авиацией увлёкся рано: в реальном училище занимался авиамоделизмом. В 1918 году, окончив Московскую летную школу, участвовал в гражданской войне. В конце 1920-х годов Михаил Громов становится ведущим летчиком-испытателем Советского Союза. В плеяде «сталинских лётчиков» занимал особое место, был готовым к любому заданию и мечтал о фантастическом рекорде — беспосадочном перелёте вокруг земного шара.
В 24 года становится чемпионом СССР по тяжёлой атлетике; в 26 – заслуженный лётчик СССР, профессор в 35 – Герой Советского Союза. В конце 1930-х его имя звучало на весь мир: ко времени написания Кориным портрета лётчиком уже был установлен самый знаменитый его рекорд – беспосадочный перелёт Москва — Северный полюс — Сан-Джасинто (Калифорния, США) совместно с ещё двумя членами экипажа. М. М. Громов был награждён орденом Ленина, а Международная авиационная федерация признала этот перелёт лучшим достижением 1937 года. Во время Великой Отечественной войны воевал в действующей армии, после победы над фашизмом занимал высокие должности в Министерстве авиационной промышленности. О признании заслуг М. М. Громова красноречиво свидетельствуют установленные в ряде городов бюсты прославленного лётчика и названные в его честь города, улицы и организации.
Бойцы за учебой
- Серия "Червона Украина"
- 1938
- Бумага, литография. Л. 48,0 х 63,0; И. 31,0 х 40,0
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-4944
«Червона Украина» (ранее «Адмирал Нахимов») — первый советский крейсер Черноморского флота. С 1927 года корабль использовался для учебных походов. В ходе Великой Отечественной войны участвовал в обороне Одессы и Севастополя, где потерпел крушение, став единственным затонувшим в 1941-1945 годах советским крейсером.
Комсомол - шеф над Красным флотом. 75% флота - комсомол
- Первая половина XX века
- Бумага, хромолитография. 70,0х105,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1394
Портрет Героя Советского Союза А. С. Осипенко
- 1940-1941
- Холст, масло. 128,5 х 100,0
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Ж-184
К созданию парадных поколенных портретов летчиков-героев А. Осипенко (участника боев в Испании), А. Юмашева (участника перелета Москва - Северный Полюс ‑ Сан-Джастино (США)) один из признанных живописцев Советского Союза Пётр Кончаловский обратился буквально накануне Великой Отечественной войны, которая уже ощутимо витала в воздухе.
Александр Осипенко был популярной личностью своего времени, хотя в наши дни его фамилия более известна благодаря подвигам его жены, также летчицы Полины Осипенко, одной из первых женщин, удостоенных звания Героя Советского Союза. В те годы мальчишки и юноши буквально бредили Испанией, убегая из домов на войну. Сам Александр Осипенко 8 месяцев провел в «спецкомандировке» в Испании, был командиром эскадрильи, совершал вылеты, известно, что его боевые вылеты всегда были успешными. За участие в боях гражданской войны в Испании 22 февраля 1939 года Осипенко было присвоено Звание Героя Советского Союза с вручением ордена Ленина. Старший лейтенант Осипенко после возвращения из Испании был произведен сразу в полковники – минуя сразу три звания! Впоследствии легендарная личность Александр Осипенко прошел всю войну, закончил ее в чине генерал-лейтенанта авиации.
Кончаловский пишет героя - Осипенко здесь еще молодой, но уже достаточно опытный летчик, что передается уверенной позой. Летчик изображен в повседневной форме, которая была установлена Постановлением Совета народных комиссаров. Погоны на плечах отсутствуют ‑ после революции 1917 года погоны на много лет стали символом контрреволюционного офицерства, в 1924‑1943 годах знаки различия в Рабоче-крестьянской Красной армии существовали в виде петлиц на воротнике и нарукавных шевронах.
Александр Степанович Осипенко (1910—1991) — советский лётчик истребительной авиации и военный деятель, генерал-лейтенант (1943); Герой Советского Союза.
В помощь фронту
- 1941
- Металл. 100,0 х 22,0 х 70,0
- Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
- Инв. № 6213-218-с
Крупнейшим предвоенным народнохозяйственным мероприятием в Советской Киргизии было строительство Большого Чуйского канала, предназначенного для обеспечения водой колхозов долины. Этому строительству посвящены две скульптуры мастера, Народного художника Киргизской ССР Ольги Максимилиановны Мануйловой. Одна из них – «В помощь фронту» (1941) – изображает женщину, которая разбивает кетменем пласт земли. Мастер легко находит форму, в которой нет надрыва, нет агитации, и в трудное, решающее для Родины время в ее работе выразилось стремление создать универсальный образ, сходный с идеалами античности. Явно классическая форма драпировки по рабочему подобранной одежды, застывшая фигура демонстрирует труд, олицетворяет убежденность в победе и стойкость в борьбе. Удачный баланс между злободневностью темы и вневременными понятиями, что всегда и было достоинством подлинного искусства. Работая над конкретной темой, художник остается художником-философом, сохраняя общечеловеческие традиции, за которые идет вечная борьба.
Портрет Героя Советского Союза летчика А. Б. Юмашева
- 1941
- Холст, масло. 140 х 111
- Государственный Русский музей
- Ж-5601
Моделью Кончаловского стал Андрей Борисович Юмашев, легендарный ас-испытатель, участник перелета Москва – Северный полюс – США, в котором поставил мировой рекорд беспосадочного полета по прямой вместе с командиром корабля Михаилом Михайловичем Громовым и Сергеем Алексеевичем Данилиным. За этот перелет летчикам было присвоено звание Героя Советского Союза (1937). Юмашев с юности увлекался искусством, посещал курсы Общества поощрения художников, позднее был близок И. И. Машкову, Р. Р. Фальку и П. П. Кончаловскому. Еще в 1920-е годы он делал зарисовки, писал портреты.
Жизнь военного началась для него в 16 лет, когда он ушел добровольцем в Красную Армию, затем было летное училище, Финская кампания. В Москве во время Великой Отечественной войны командир истребительной эскадрильи урывками навещал Кончаловского, который написал его портрет. Мало того, он дал холст, кисти, краски, и летчик также написал портрет Кончаловского. В дальнейшем Андрей Борисович был заместителем командующего 1-й и 3-й Воздушными армиями Западного фронта. Сражался в Курской битве в 1943 году. Генерал-майор авиации (1943).
По окончании войны ушел в запас; в 1946 стал членом Союза художников. Как и его друзья, он был не только высоким профессионалом, но и широко образованной личностью. Достоинство, энергия, сила, спокойная уверенность есть в его портрете. Выразительно взята крепкая фигура, активно воспринимающаяся на светлом живописном фоне. Энергична манера письма, сама фактура.
Юмашев Андрей Борисович (1902–1988) – летчик-испытатель, генерал-майор авиации (1943).
// Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 273.
Родина-мать зовет
- 1941
- Бумага, хромолитография. 138 х 71,4
- Государственный Русский музей
- Гр.пл.-2299
Бой под слободой Стрелецкой
- 1942
- Холст, масло. 151,0 х 354,0
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Ж-288
Картины московского художника Василия Николаевича Яковлева выделяются широтой композиции, технической завершённостью.
В годы Великой Отечественной войны В. Н. Яковлев активно включился в художественную жизнь страны, им создана галерея парадных портретов полководцев, героев войны. В 1942 году в январе Яковлев выезжал на фронт. Художник видел лично места, где только что шли бои, он побывал возле Иосифо-Волоколамского Успенского монастыря в Московской области. В мужском монастыре после революции был расположен детский дом и школа. В начале Великой Отечественной войны основная часть детдомовцев была эвакуирована.
30 сентября 1941 года группа армий «Центр» начала наступление на Москву (операция «Тайфун»). Им противостояли войска Западного фронта РККА. К середине октября 1941 года Волоколамское направление стало одним из важнейших. Его оборона была возложена на 16-ю армию генерал-лейтенанта К. К. Рокоссовского. Территория монастыря была занята войсками Красной армии. Несмотря на упорное сопротивление советских войск, к концу октября 1941 года немецким войскам удалось постепенно оттеснить их к Москве. В конце октября части вермахта заняли и Теряево, и монастырь, и все окрестные деревни.
После ожесточенных боев 18 декабря 1941 года территория монастыря была освобождена бойцами советской армии. После освобождения в монастырь вернулся детский дом. Все, что увидел художник, он воплотил в большой картине "Бой под слободой Стрелецкой": широкая дорога по обе стороны завалена разбитой техникой ‑ танки, грузовики, пушки, а по дороге стремительно идут в наступление наши войска. Общий мажорный строй картины вселяет надежду на победу, до которой, как казалось тогда, уже очень не далеко.
На Сталинградский фронт
- 1942
- Холст, масло. 140,0 × 250,0
- Самарский областной художественный музей
- Ж-745
В начале 1940-х г. в Куйбышев приехал московский художник Михаил Сидоров. Среди его работ, выставленных в 1942 году, выделяется большая многофигурная композиция «На Сталинградский фронт», посвященная реальному событию. С причала Куйбышевского порта отправляется пароход в Сталинград, где развернулась тяжелая кровопролитная битва, во многом решившая исход Великой Отечественной войны. Садящиеся на пароход солдаты и матросы шутят, смеются, приветствуют друг друга, не догадываясь, что впереди их ждет трагическая гибель: известно, что этот пароход в числе других был потоплен фашистами в августе 1942 года.
Работа недостаточно прописана, заметно, что художник торопился, готовя картину к выставке, но, в любом случае, для нас она является подлинным историческим и мемориальным документом.
Оборона Севастополя
- 1942
- Холст, масло. 200 x 400
- Государственный Русский музей
- ЖБ-954
Картина была написана в 1942 году, самом тяжелом для России. Художник рассказывал: «Я был на войне, видел бои, много тяжелых, героических эпизодов — а почему-то решил написать «Оборону Севастополя», хотя не видел, как обороняли этот город, а только слышал рассказы об этой обороне. Почему я сделал эту вещь? Я люблю Севастополь, до войны там часто бывал, плавал на катерах, на крейсерах… Любил севастопольских моряков. И вот, когда я увидел фотографии разбитого города, я понял, что должен это написать. Когда я работал, я по-настоящему все это переживал, волновался, вложил в эту работу свое сердце». Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 353.
К началу Великой Отечественной войны Дейнека — признанный мастер советского искусства. Главной характеристикой его творчества была современность; созвучность его образов типическому и новому в социалистической действительности. Начало войны художник переживал чрезвычайно остро, одним из первых активно включился в художественную работу над военной темой. Уже в конце 1941 года появляются его первые картины по фронтовым впечатлениям.
Импульсом к созданию картины «Оборона Севастополя» послужили фотографии разрушенного Севастополя, которые Дейнека увидел в начале 1942 года. Снимки потрясли его. При осмотре своих материалов, альбомов и рисунков по Севастополю, где пришлось много работать до войны, у художника родился замысел картины. Дейнека остро почувствовал любовь к городу, к его жителям и морякам, защищавшим любимый город, и непримиримую ненависть к врагам, разрушившим его. В основу композиции была положена яростная схватка, противопоставление человеческих устремлений, в отдельном эпизоде была сфокусирована основная идея борьбы за Отечество. Зимой 1942 года Дейнека привез из фронтовых поездок многочисленные зарисовки, которые были использованы в работе. Но этого было недостаточно: мастер делал в пластилине скульптурные наброски, раз за разом, проверяя правильность ракурсов, писал обнаженную натуру, чтобы избежать неточностей. Ему пришлось пригласить знакомую спортсменку для позирования, так как сильной мужской модели в Москве было не отыскать — все ушли на фронт. Своей «Обороной Севастополя» Дейнека вписал страницу в историю мировой батальной живописи. // Альфия Низамутдинова. Большая картина. СПб., 2006. С. 222-223.
«Памяти героической обороны Севастополя посвящается»
Мультимедийный фильм участников конкурса мультимедийных ресурсов "Герои и победы в русском искусстве"
Участники: Беляев Тимофей, 11 лет, Беляев Андрей Владимирович (папа)
Руководитель: Лучко Ирина Анатольевна
ИОЦ: Школа № 45 Приморского района Санкт-Петербурга
Партизанский отряд (Лесгафтовцы)
- Картина не окончена
- 1942
- Холст, масло. 205 х 340
- Государственный Русский музей
- Ж-5573
Справа с картой на коленях изображен командир отряда Дмитрий Федорович Косицын (1902-1942)–заслуженный Мастер спорта СССР, зав. кафедрой конькобежного спорта ГОЛИФК им. П. Ф. Лесгафта.
Лесгафтовцами называли спортсменов-лыжников, студентов и преподавателей Института физкультуры, названного в честь видного ученого, педагога, основателя научной системы физической культуры в России Петра Францевича Лесгафта (1837–1909). Справа с картой на коленях изображен командир отряда Косицын Дмитрий Федорович (1902–1942), — заслуженный мастер спорта СССР, заведующий кафедрой конькобежного спорта. Помните!. К 80-летию полного освобождения Ленинграда от фашистской блокады. СПб. 2024. С. 115.
В конце января 1942 года из Волхова Серебряный сообщает жене (Е. М. Серебряной): „Я командирован Ленинградским Горкомом и Обкомом партии со специальным творческим заданием. Сама командировка и цели задания являются для меня великой честью и проявлением ко мне большого доверия. Из всех ленинградских художников эта честь выпала пока лишь на мою долю... О такой командировке может мечтать любой советский художник, ибо работа моя сейчас нужная Родине — кладет основу огромнейшей и интереснейшей творческой работе на многие годы“. Спецзадание, упоминаемое художником — это выезды на партизанские базы Ленинградского и Волховского фронтов, по результатам которых было создано немало портретов партизан и картина „Партизаны-лесгафтовцы после боевой операции“.
Произведение портретно, художник был хорошо знаком с командиром Д. Косицыным и комиссаром В. Шапошниковым, возглавлявшими смелый, дерзкий оперативный отряд спортсменов-лыжников из одного из лучших в стране Института физкультуры (названного в честь видного ученого, педагога, основателя научной системы физической культуры в России Петра Францевича Лесгафта (1837-1909). По воспоминаниям автора картины, он писал своих героев с натуры непосредственно в холст по беглому эскизу: «молодые, энергичные, мужественные, обвешанные трофейным оружием, в маскхалатах, в синих лыжных костюмах и лыжных „финских“ шапочках, они на фоне белого снега представляли собой необычайно живописное зрелище». Действительно, крупным планом решенный холст с динамичными фигурами лыжников, их выразительными лицами, словно хранит отзвук успеха очередной трудной боевой операции. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 241.
Картина Иосифа Серебряного «Партизанский отряд» создана в осажденном Ленинграде в 1942 году. Эта работа стала важным этапом не только в творчестве самого художника, но в развитии советского группового портрета-картины. В ней «за счет введения сюжетного начала автору удалось решить сложную задачу достижения композиционной взаимосвязи между многочисленными героями» и передать тот особый дух спортивного братства, который сформировался в среде физкультурников-лесгафтовцев еще в мирные годы и с особой силой проявился в боевых условиях. В феврале 1942 года лесгафтовцы были отправлены в тыл врага на сложное и ответственное задание, выполнение которого было под силу только мужественным, сильным и ловким спортсменам. А. Дмитренко, Р. Бахтияров
Портрет командира партизанского отряда Д. И. Власова
- 1942
- Холст, масло. 101 х 83
- Государственный Русский музей
- Ж-5588
Изображен Власов Дмитрий Иванович — инженер Дубровского деревообрабатывающего комбината, с 1941 командир Всеволожского партизанского отряда № 164. Помните!. К 80-летию полного освобождения Ленинграда от фашистской блокады. СПб. 2024. С. 117.
Созданный в июле 1941 года Всеволожский партизанский отряд №164 под командованием бывшего инженера Дубровского деревообрабатывающего комбината Дмитрия Ивановича Власова был рейдовым, находился в подчинении Ленинградского фронта и штаба партизанского движения и дислоцировался в Ленинграде. Выполнив очередное (второе) боевое задание, он возвратился в Ленинград. В полевых сумках партизан находились донесения, добытые трофейные документы и связка военных карт на русском, финском и немецком языках, имевшие важнейшее значение для командования Ленинградского фронта. Позже он руководил аэродромом, откуда самолеты летали к партизанам.
На запад!
- 1943
- Бумага, хромолитография. 50,7 х 33
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-2359
Портрет товарища Литаврина / Портрет Героя Советского Союза, летчика-истребителя капитана С.Г. Литаврина
- 1943
- Холст, масло. 99,5 х 74,2
- Государственный Русский музей
- Ж-5593
Этот портрет органично входит в портретную галерею живописца, периода героической обороны Ленинграда. Художник неоднократно выезжал на фронт, где им были созданы портреты партизан, снайперов, а в блокированном городе – плакаты, утверждавшие мужество его защитников. В начале февраля 1943 года художник побывал на одном из прифронтовых аэродромов с заданием написать «двух летчиков-героев Отечественной войны» … В письме жене художник пишет: «Я был у партизан, был у фронтовиков-пехотинцев, сейчас я у летчиков. И если раньше я встречал изумительные качества советских людей повсюду – беспредельный героизм и мужество, то у летчиков-истребителей эти качества возведены в наивысшую степень. Это хорошие молодые ребята, все как на подбор здоровые, статные и красивые безгранично смелые и отважные». Портрет написан энергично, выразительно, просто. Он привлекает своей естественностью, точностью психологической характеристики. В лице прославленного аса – спокойная уверенность, открытость. Портрет был написан очень быстро; меж тем образ вполне завершен, сохраняет ощущение встречи с интересной моделью. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 272.
Литаврин Сергей Гаврилович (1921–1957) – летчик-истребитель, капитан, Герой Советского Союза. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 272.
Сергей Гаврилович Литаврин (14 декабря 1921 года — 4 февраля 1957 года) — лётчик-ас, участник обороны Ленинграда, Герой Советского Союза, полковник.
С первых дней Великой Отечественной войны он участвовал в боях на Ленинградском фронте. За время войны Литаврин совершил 462 боевых вылета. В 90 воздушных боях лично сбил 18 самолётов.
"...Сергея Литаврина товарищи зовут "охотником за бомбардировщиками", 14 фашистских самолётов сбил он лично, неизменно выходя победителем из самых ожесточённых воздушных схваток. В биографии лётчика много славных боевых эпизодов. Неизменно хладнокровный и уверенный в своём превосходстве над врагом, советский ас не терялся ни при каких обстоятельствах.
6 июня 1943 года лётчики Ленинградского фронта сбили в крупном воздушном сражении 22 фашистских самолёта. Шестёрка капитана Литаврина сбила 8 фашистских самолётов. ...Немецкие бомбардировщики шли плотным строем под прикрытием многих истребителей. Литаврин пошёл наперехват. Он хорошо видел немецкие самолёты "Хейнкель-111" - они шли тремя группами, свыше 40 машин. Около двух десятков "Фокке-Вульф-190" шли над ними.
Предстояло незаметно подойти к вражеским бомбардировщикам. Это было нелегко сделать: Литаврин с товарищами шли к месту сражения не со стороны солнца, и вести атаку им предстояло снизу или на равных с противником высотах. Когда наши самолёты сблизились с немецкими, по радио прозвучал спокойный голос Литаврина: "В атаку!". Краснозвёздные истребители врезались в строй бомбардировщиков. Запылал подбитый капитаном "Хейнкель". Потеряв порядок, заметались фашисты. От ударов советских лётчиков один за другим, пылая, свалились они в последнее пике, из которого не было выхода. Растерявшиеся истребители прикрытия метались из стороны в сторону, пробовали нападать, но не было никакой уверенности в их беспорядочных атаках. Шестёрка славного Литаврина казалась неуязвимой. Фашисты были рассеяны... (Из альбома портретов и очерков - "Герои Советского Союза Ленинградского фронта".)
28 января 1943 года С. Г. Литаврину было присвоено звание Героя Советского Союза.
Портрет товарища Шишканя / Портрет Героя Советского Союза, летчика-истребителя старшего лейтенанта И.М.Шишканя
- 1943
- Холст, масло. 100 х 75
- Государственный Русский музей
- Ж-4434
Шишкань Илья Минович (1918—1943) — старший лейтенант, летчик-истребитель. Герой Советского Союза.
Художник многократно выезжал на фронт, где им были написаны портреты бойцов, а в блокадном городе созданы плакаты, утверждавшие мужество его защитников. В феврале 1943 художник побывал на одном из прифронтовых аэродромов с заданием написать „двух летчиков — героев Отечественной войны". В письме жене он пишет: „Я был <...> у партизан, был у фронтовиков-пехотинцев, сейчас я у летчиков <...> Это хорошие молодые ребята, все как на подбор здоровые, статные и красивые <...> безгранично смелые и отважные. А эти двое, которых я здесь пишу, кажутся мне лучшими из лучших. Оба сбили по 25 немецких самолетов, их уже знает и любит вся страна, причем одному 21 год, другому 25". Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 426.
Илья Минович Шишкань (1918—1943) — летчик, участник Великой Отечественной войны, Герой Советского Союза (1943). "В воздушных сражениях на Ленинградском фронте молодой 22-летний истребитель Илья Шишкань приобрёл профессиональную зрелость и славу. За время Великой Отечественной войны он совершил более 400 боевых вылетов, 36 раз летал он в тыл немцев. Участвовал почти в 100 воздушных схваток с врагом, сбил 16 немецких самолётов. Однажды к Ленинграду пробиралось 18 бомбардировщиков, несших свой смертоносный груз, а 12 истребителей с чёрными крестами прикрывали их. Пятёрка наших "ястребков", которую вёл Илья Шишкань, смело вылетела навстречу 30 фашистским самолётам. Неравенство сил не смутило героя. Шишкань первым напал на головную машину немцев и сбил её, а вскоре рухнул и второй самолёт врага. "Немецкое благоразумие" взяло верх: 28 фашистских самолётов не решились продолжить схватку с 5 краснозвёздными истребителями и предпочли бегство с поля воздушного сражения... Однажды, только за 3 дня боёв, Илья Шишкань сбил 3 вражеских машины лично, и 3 - в составе своей отважной группы"... (Из альбома портретов и очерков - "Герои Советского Союза Ленинградского фронта".) Указом Президиума Верховного Совета СССР от 28 января 1943 года за «образцовое выполнение боевых заданий командования на фронте и проявленные при этом мужество и героизм» старший лейтенант Илья Шишкань был удостоен высокого звания Героя Советского Союза с вручением ордена Ленина и медали «Золотая Звезда» 21 июня 1943 года его самолёт был подбит противником. Он покинул горящий самолёт при помощи парашюта, который был сильно повреждён. При приземлении получил перелом обеих ног и позвоночника. Через полчаса скончался от перенесённых травм. Похоронен на Братском кладбище в городе Всеволожск Ленинградской области. |
Проводы мобилизованных в 1941 году
- 1943
- Холст, масло. 90 х 161
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- 339
В наивно-реалистической композиции якутского художника Пантелеймона Попова «Проводы мобилизованных в 1941 году» (1942) достоверно изображены высокая патетика и романтическая приподнятость ликующей толпы, провожающей стройную колонну бойцов, отправляющихся на фронт. Вера в боевой дух армии, в ее непобедимость, скорую победу над врагом искренне отображает настроение тех дней.
Внимание останавливают и восторженно вскинутые в приветствии руки людей и призывный плакат с надписью «Наше дело правое. Враг будет разбит. Победа будет за нами». Тогда никто не предполагал, что эта война будет длиться целых четыре года, что наши воины с боями и потерями будут отступать, что почти треть страны будет захвачена противником. Только сейчас известно, какое бесчисленное множество молодых талантливых людей погибло в жестоких сражениях с обученными, отлично вооруженными, численно превосходящими германскими войсками.
Вообще это была одна из поразительных страниц Отечественной войны. Патриотический подъем был так силен, что по всей стране буквально в несколько дней сформировывались дивизии. Там был весь цвет нашей науки, культуры. Потребность разделить историческую судьбу народа, потребность подвига, жертвы была так сильна, что на призывные пункты шли молодежь и старики, годные и негодные к строевой, правдами и неправдами добиваясь только одного – попасть на фронт, на передовую. «За несколько дней в Якутске были сформированы первые эшелоны добровольцев. В 1941 г. из Якутии было отправлено 17179 человек. Всего за годы войны было призвано 62509 чел.». (Якутяне в Великой Отечественной … ( 1941-1945 ) : [фотоальбом / сост. - ред.: К.К. Корякин и др.; фот. В. Павлов]. – Якутск, 1995.)
Прорыв блокады
- 1943
- Холст, масло. 299 х 464
- Государственный Русский музей
- Ж-5563
В картине запечатлен кульминационный эпизод операции под кодовым названием „Искра“, когда в 9 часов 30 минут в районе рабочих поселков № 1 и № 5 у южного побережья Ладожского озера, прорвав глубоко эшелонированную оборону противника, встретились 1-й отдельный стрелковый батальон 123-й стрелковой бригады Ленинградского фронта и 1-й стрелковый батальон 1240-го стрелкового полка 372-й стрелковой дивизии Волховского фронта.
Трудно было переоценить значение этого события для судеб города, его исстрадавшихся жителей, судьбы войны. В этот знаменательный момент прозвучали удивительные слова писателя, драматурга В. В. Вишневского: «...Душа не может вместить всего потока мыслей, чувств, эмоций, переживаний, которые нахлынули на каждого ленинградца: На каждого, где бы он ни был...» Тогда же к горожанам обратилась О. Ф. Берггольц, поэт сражающегося города: «Ленинградцы! Дорогие соратники, друзья! Блокада прорвана! Мы давно-давно ждали этого дня, мы всегда верили, что он будет...».
Спустя год, уже после снятия блокады города в Почетной грамоте Ленинграду с восхищением и благодарностью о дате прорыва вражеского кольца писал горожанам Ф. Д. Рузвельт: „От имени Соединенных Штатов Америки я вручаю эту грамоту городу Ленинграду в память о его доблестных воинах и его верных мужчинах, женщинах и детях, которые будучи изолированными захватчиками от основной части своего народа <...>, несмотря на несказанные страдания, <...> успешно защищали свой город в течение критического периода от 8 сентября 1941 года до 18 января 1943 года...".
За один месяц Серов, Серебряный, Казанцев создали свою картину и показали ее 23 февраля 1943 года на выставке к 25 годовщине Красной Армии. Каждый из авторов имел опыт работы с многофигурными композициями, основанными на развернутом драматургическом сюжете. В данном случае точность факта, достоверность изображенного места действия соединились в историческом полотне с радостью и воодушевлением советских воинов, одержавших трудную, замечательную победу, открывшую путь к полному освобождению города. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 230.
Гость с фронта (Дорогой гость)
- Холст, масло. 120,0 х 183,0
- Смоленский государственный музей-заповедник
Произведение, написанное незадолго до окончания Великой Отечественной войны, во всей полноте иллюстрирует слова Аркадия Пластова о миссии художника: «Какое же искусство мы, художники, должны взрастить сейчас для нашего народа? Мне кажется, искусство радости. Что бы это ни было – прославление ли бессмертных подвигов победителей или картины мирного труда, миновавшее безмерное горе народное или мирная природа нашей Родины, – все равно все должно быть напоено могучим дыханием искренности, правды и оптимизма».
В семейной коллекции Пластовых сохранились многочисленные этюды и зарисовки, ставшие подготовительным материалом художника к картине «Гость с фронта». В их числе – рукотворная открытка с идентичной композицией, отличающейся лишь одной деталью. В ней, рядом с сидящим за столом солдатом (это единственный собирательный образ в картине), стоят костыли – свидетельство полученного на войне тяжелого увечья. Видимо, желая привнести в полотно как можно больше светлого начала, внимательный к деталям Пластов «облегчил» ранение своему герою и уже в картине заменил костыли тростью.
Проводка каравана в Белом море
- 1944
- Бумага, гуашь. 31 х 42,8
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Г-5940 АОМИИ
Штурм Севастополя
- 1944-1947
- Холст, масло. 317 х 494,5
- Государственный Русский музей
- Ж-5577
Картина была показана в 1948 году на «Всесоюзной художественной выставке», посвященной 30-летию Вооруженных сил и открывшейся в Москве в залах Музея им. А. С. Пушкина. Художник получил за нее Государственную премию 3-й степени. Картина являет собой один из образцов батального жанра в советском искусстве, который в данном случае смыкается с жанром историческим, так как изображает исторически достоверное событие. В картине запечатлен решающий момент битвы, пафос одного из ключевых моментов Великой Отечественной войны — освобождения Севастополя от захватчиков.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 109.
Юноши и девушки города Ленина, самоотверженно трудитесь на помощь фронту!
- 1944
- Бумага, автолитография. 72,2 х 47,2
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-643
Военное лихолетье отняло у многих подростков детство — они заменили ушедших на фронт или погибших взрослых на различных видах производства. И эта тема также активно пропагандировалась — плакаты взывали к чувству патриотизма, самоотверженности в оказании помощи родной стране.
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 15
Маршал Советского союза Л.А.Говоров
- 1945
- Гипс. 225 х 67 х 78
- Государственный Русский музей
- СО-91
Леонид Александрович Говоров (1897, Бутырки, Вятская губерния — 1955, Москва) — советский военачальник, Маршал Советского Союза, Герой Советского Союза.
2 января 1942 года Л. А. Говоров за вклад в декабрьское контрнаступление под Москвой награждён орденом Ленина.
8 июня 1942 назначен командующим Ленинградским фронтом.
12 января 1943 года началась наступательная операция войск Ленинградского и Волховского фронтов, а 18 января советские части вышли на соединение, блокада была прорвана. 15 января Л. А. Говорову присвоено звание «генерал-полковник». За операцию по прорыву блокады Ленинграда 28 января Говоров был награждён орденом Суворова I степени.
14 января 1944 года войска Ленинградского фронта приступили к осуществлению Ленинградско-Новгородской операции. В ходе наступления фронт прорвали глубоко эшелонированную оборону противника, разгромив петергофско-стрельнинскую группировку. К 27 января 1944 года войска противника были отброшены на 65—100 км от города. 27 января в Ленинграде состоялся салют в ознаменование окончательного снятия блокады. За успех в проведении операции по снятию блокады Ленинграда Говоров 21 февраля был награждён вторым орденом Суворова 1-й степени.
За достигнутые успехи в Выборгской операции (11, 17 и 19 июня были прорваны 3 полосы обороны восстановленной финнами в 1941—1944 гг. «линии Маннергейма») 18 июня Л. А. Говорову было присвоено звание «Маршал Советского Союза».
С 24 июля по 24 ноября 1944 года части Ленинградского фронта, осуществляя разработанные под руководством Говорова Нарвскую, Таллинскую наступательные и Моонзундскую десантную операции, нанесли поражение немецкой оперативной группе «Нарва» и вытеснили противника с территории Эстонии. Выполняет задачу по координированию действий 2-го и 3-го Прибалтийских фронтов в Рижской операции.
Руководил действиями советских фронтов против Курляндской группировки немецких войск. 8 мая командование группы армий «Курляндия» капитулировало.
Указом Президиума Верховного Совета СССР от 27 января 1945 года Маршалу Советского Союза Леониду Александровичу Говорову было присвоено звание Героя Советского Союза с вручением ордена Ленина и медали «Золотая Звезда» (№ 5370).
Награжденный медалью
- 1945
- Холст, масло. 94,3 х 115
- Государственный Русский музей
- Жб-1984
Девятьсот дней ленинградской блокады были мужественно пережиты взрослыми и детьми, теми самыми ребятишками, которые теперь с увлечением разглядывают награду своего товарища. Все в картине естественно - живые позы ребятишек, их неподдельное любопытство, радостная, теплых тонов живопись, среди которой тревожным напоминанием звучит надпись на синем: „Граждане, при обстреле эта сторона улицы наиболее опасна". Память о пережитом остается даже в светлый день, в год Победы. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 430.
Портрет Г. К. Жукова
- 1945
- Холст, масло. 109 х 90
- Государственный Русский музей
- Ж-6446
Жуков Георгий Константинович (1896–1974), маршал (с 1943), четырежды Герой Советского Союза, министр обороны (1955–1957), самый прославленный полководец Великой Отечественной войны.
Его портрет создан в период, когда Жуков занимал должность главнокомандующего группой советских войск и главы советской военной администрации в Германии. Маршал позировал художнику шесть сеансов по полтора часа. Почти одновременно с Котовым портрет Жукова, находящийся ныне в ГТГ, писал П. Д. Корин. В отличие от последнего, Котов не стремился к обобщенности, а представил конкретный образ, являющийся художественным документом. Портрет Жукова отличают психологическая глубина и особое проникновение в характер. Строгая ясная композиция, сдержанная красивая живопись хорошо передают сосредоточенность и выразительность облика легендарного военачальника. Анатолий Дмитренко // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 460.
Жуков Георгий Константинович (1896–1974) – советский военачальник, Маршал Советского Союза (1943), четырежды Герой Советского Союза (1939, 1944, 1945, 1956). Заместитель Наркома обороны СССР и заместитель Верховного главнокомандующего (с 1942). Главнокомандующий группой советских войск в Германии и главнокомандующий Советской администрацией (1945–1946). Герой Монгольской Народной Республики.
Художник писал портрет выдающегося полководца в период, когда Г. К. Жуков был главнокомандующим группой советских войск и главой советской военной администрации в Германии. В то же время и П. Д. Кориным был написан широко известный портрет маршала, находящийся в Государственной Третьяковской галерее. В отличие от обобщенного по решению портрета Корина, произведение Котова представляет конкретный образ, являющийся своего рода художественным документом. Работа П. И. Котова экспонировалась на многих выставках, в частности на большой выставке в Центральном музее Великой Отечественной войны, посвященной 55-летию Победы. К сожалению, в литературе ничего не говорится об обстоятельствах создания портрета Г. К. Жукова. Возможно, это связано с тем, что с марта 1946 прославленный маршал впал в немилость и был отстранен от должности заместителя министра Вооруженных сил СССР и Главнокомандующего Сухопутными войсками Одесского, а двумя годами спустя – Уральского Военного округа. Анатолий Дмитренко // Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 278.
Портрет героя Советского Союза т. М. П. Чечневой
- 1945
- Холст, масло. 72,0 × 93,0
- Самарский областной художественный музей
- Ж-845
На портрете Владимира Александровича Прибыловского изображена Герой Советского Союза, командир эскадрильи 46-го Гвардейского ночного бомбардировочного авиационного полка Гвардии капитан Марина Павловна Чечнева (1922–1984). В 1939 она закончила московский аэроклуб, работала летчиком-инструктором. Осенью 1941 года, когда стал формироваться женский авиационный полк, она одной из первых подала своё заявление.
Легендарной славой овеян 46-й Гвардейский бомбардировочный Таманский Краснознамённый ордена Суворова женский авиационный полк. Фронтовое крещение лётчицы получили в боях 1942 года в Донбассе. А именоваться Таманским полк стал после успешных боевых действий при прорыве на Таманском полуострове оборонительной полосы. Девушки летали на самолетах У-2. Он не создавался для боевых действий, сделанный из перкаля и фанеры, не имел брони. Девушки свои самолеты любовно называли "ласточки" за послушность в управлении, устойчивость в полёте и за большие возможности в маневрировании. В награду за каждый сбитый самолёт такого типа немецкое командование давало Железный Крест.
Марина Чечнева считалась одной из лучших и бесстрашных лётчиц полка. Ей поручались особо ответственные задания, в том числе дневная воздушная разведка. Всего она совершила 810 боевых вылетов. После окончания Великой Отечественной войны Марина Чечнева вместе с полком вернулась в Москву, участвовала в параде Победы. А вскоре начались новые полёты. Но это были уже мирные полеты в мирном московском небе.
Сталину - спасибо! 1945 г.
- 1946
- Бумага, хромолитография. И.:85,6 х 53,6. Л.:90,0 х 60,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1989
Послевоенный плакат становится более статичным, монументализированным, выхолощенным. Основное его назначение — констатация достижений социализма, с зачастую безличными лозунгами: «Мы за мир», «Любите Родину» и т. д. Детский образ также теряет свою энергичность и самодостаточность, становясь лишь атрибутом в плакатной формуле счастливой советской жизни. Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 15.
Вернулся
- 1947
- Холст, масло. 134 х 175
- Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
- Ж-849
Поколение, к которому принадлежит художник, – целое звено взаимосвязи старинного уклада крестьянской жизни в России с новыми социальными формами. Киселеву было десять лет, когда свершилась Великая Октябрьская социалистическая революция. Он был свидетелем и участником становления Советской власти в деревне, и то, что для более молодых стало историей, для него – личный опыт, который обрел в его искусстве особый смысл. Он нашел своеобразную, лирическую ноту в передаче средствами живописи духовного облика, нравственной сущности тружеников советского села.
Виктором Киселёвым после войны созданы две близкие по тематике картины. Они посвящены трогательной встрече родными вернувшегося домой солдата. Картина «Вернулся» из Краснодарского музея была написана первой. Горница родной избы, куда только что вошел солдат, его бросились встречать родные, соседи. В основе взволнованной сцены – возвращение брата художника Владимира с войны. Киселёв вписывал фигуры родных сразу в холст, сохраняя свежесть первого впечатления. Художник использовал этюдную манеру письма, которую он перенял у своего друга и учителя Аркадия Пластова, что позволило погрузиться зрителям в созданный автором сюжет, почувствовать общую радость встречи после долгой разлуки, она проявляется в каждом жесте.
Картина «Вернулся» привлекла всеобщее внимание в экспозиции Всесоюзной художественной выставки 1947 года своим настроением и добротностью живописного решения: приглушенная гармония красок, наложенных деликатным прикосновением кисти, искренность автора в любовании своими персонажами, каждым изображенным предметом. Полотно было отмечено премией Всесоюзной выставки и почетной грамотой Художественного фонда СССР. В 1948 году оно было утверждено государственной экзаменационной комиссией Московского государственного художественного института имени В. И. Сурикова в качестве дипломной работы, завершившей художественное образование Киселева.
Непокорённые
- 1947
- Холст, масло. 141 × 281
- Луганский художественный музей
Картина «Непокорённые» написана в 1947 году группой луганских художников – М. Л. Вольштейном, Ф. Т. Костенко, А. А. Фильбертом.
Это одно из первых живописных произведений о легендарной подпольной антифашистской молодёжной организации «Молодая гвардия», действовавшей в годы Великой Отечественной войны (сентябрь 1942 – январь 1943 гг.) в городе Краснодоне Ворошиловградской (ныне Луганской) области.
В центре – группа измученных пытками юношей и девушек со связанными руками и в изорванной одежде, которых палачи ведут на казнь. Они идут, гордо подняв голову, ступая босыми ногами по жесткому январскому снегу: Ваня Земнухов, Уля Громова, Тоня Елисеенко, Серёжа Тюленин и другие. Обессиленные, но непокорённые, сильные духом юные герои Краснодона идут в свой последний героический путь.
Художники сумели с яркой выразительностью передать драматизм последних мгновений борьбы с ненавистным врагом, в полной мере раскрыть и донести до зрителя психологию сложной природы подвига.
Он защищал Родину (Подвиг Юрия Смирнова)
- 1947
- Холст, масло. 150 x 168
- Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
- Ж-516
Произведения Алексея Потехина, художника-фронтовика, представляют собой военный дневник, художественный документ очевидца и участника многих событий. И в этом их несомненная ценность. Сюжет картины «Он защищал Родину», созданной в 1947 году, также навеян реальной историей фронтовой жизни, пережитой художником. Живописная работа посвящена памяти 19-летнего солдата Юрия Смирнова. Раненый советский боец так и не выдал врагу важных сведений, за что фашисты распяли его на кресте. За свой подвиг молодой солдат посмертно удостоен звания «Герой Советского Союза». После освобождения территории от фашистских захватчиков, автор вместе с однополчанами побывал в блиндаже, где пытали советского солдата, и своими глазами увидел замученного пытками Юрия Смирнова.
Создавая картину, А. А. Потехин не только показал драматизм конкретного момента, он сумел художественными средствами передать неистребимое чувство гнева и ненависть к врагу. Живописная история построена на цветовых и светотеневых контрастах, выявляющих безмерное напряжение. В центре композиции выделяется светом фигура погибшего солдата Юрия Смирнова, распятого фашистами на кресте. Обращают на себя внимание фигуры и лица советских бойцов, охваченных решимостью отомстить за погибшего товарища.
Наравне с художественным решением образов значимым является и историко-документальный аспект: в общую композицию включается особым образом оформленное реальное памятное место. А. А. Потехин поднимает это материальное свидетельство до уровня высокого символического обобщения. Подлинность деталей, увиденных художником в блиндаже и воспроизведенных им на полотне, создает для зрителя ощущение сопричастности, обусловливает «личностный момент» восприятия.
Картина явилась воплощением темы героизма советских людей, готовых выстоять, остановить напор врага, она взывала к мужеству, прославляла бесстрашие и воинскую отвагу защитников Родины.
Русский солдат
- 1947
- Холст, масло. 205 х 165,5
- Государственный Русский музей
- Ж-5570
Образ русского солдата, который спасает немецкую девочку во время уличных боев в Берлине, стал пропагандистским символом гуманизма Советской армии. Самым известным его воплощением является монумент воину-освободителю в берлинском Трептов-парке (Treptover Рark). Скульптор Евгений Вучетич работал над ним в те же годы, что и Федор Невежин над своей картиной.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 114.
Сталинградцы (Город не сдается)
- 1947
- Холст, масло. 200 х 245
- Государственный Русский музей
- Жб-966
Картина была задумана Самохваловым в Новосибирске, куда он был эвакуирован вместе с Академическим театром драмы им. А. С. Пушкина. На художника большое впечатление произвели рассказы участников боев за Сталинград. В конце 1940-х годов творчество Самохвалова переживало глубинный кризис. Уставший от обвинений в формализме, художник старается привести обобщенный, монументальный „фресковый" стиль прославившей его „Девушки в футболке” в соответствие с требованиями времени. Соцреализм конца 1930-1950-х был ориентирован в основном на русский критический реализм второй половины XIX века с его развернутой повествовательностью, психологизмом, вниманием к жизненной конкретике. Романтик по своему мировосприятию, Самохвалов так и не смог стать настоящим реалистом. В „Сталинградцах" он стремился к наибольшей выразительности образа. Однако для создания ощущения трагизма он использовал чисто внешние средства. Озаряющая лица бойцов вспышка взрыва за окном, развевающаяся, подобно флагу, занавеска, эффектные позы и лица центральных фигур, риторический контраст обломков мирного интерьера и жестокости боевых действий, — эти приемы выдают сочиненный характер композиции. Возможно, сказалась здесь и длительная работа художника в театре. Подобно режиссеру, он расставляет своих персонажей в искусно освещенных декорациях. Выстроенная художником мизансцена выразительна, но в переводе на язык живописи она утрачивает убедительность и достоверность. // Любовь Шакирова. Большая картина. СПб., 2006. С. 226.
Второе название «Город не сдается» предложено автором позднее и вошло в литературу в 1960-е годы.
Самохвалов писал о картине: «… Идет бой за … каждый дом Сталинграда… командир ранен. Над ним склонилась медсестра. Другая… взяла из рук командира автомат и двинулась к окну, чтобы занять его место… Бой будет продолжаться».
Сталинградская битва — одно из важнейших генеральных сражений Второй Мировой и Великой Отечественной войн между Красной армией и Вермахтом. Битва происходила с 17 июля 1942 по 2 февраля 1943 года. Великая битва, закончившаяся окружением, разгромом и пленением отборной вражеской группировки, внесла огромный вклад в достижение коренного перелома в ходе Великой Отечественной войны и оказала серьёзное влияние на дальнейший ход всей 2-й мировой войны.
В ходе Сталинградской битвы были разгромлены 3-я и 4-я румынские армии (22 дивизии), 8-я итальянская армия и итальянский альпийский корпус (10 дивизий), 2-я венгерская армия (10 дивизий), Хорватский полк. Всего Вермахт и союзники потеряли более 1,5 млн человек убитыми, ранеными и пленными. Потери советских войск составили более 480 тысяч человек убитых, 650 тысяч было ранено.
Возвращение героя
- 1948 г.
- Холст, масло. 181 х 222
- Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
- Ж-869
Картину «Возвращение героя» уроженец Баку Микаил Абдуллаев написал в 1948 году, ещё будучи студентом выпускного курса Московского государственного института имени В. И. Сурикова. Однако в ней уже наметилась творческая манера будущего известного азербайджанского живописца: всемерное сохранение этюдной свежести письма даже при создании многосеансной работы, широкая манера письма, зачастую, высветленная «полуденная» палитра.
Художник на фронт не попал, поэтому он не стал выбирать военную тематику. Лапидарная простота композиции, откровенная героизация образа, словно слышится грохот духового оркестра, роднит картину «Возвращение героя» с полотнами Александра Дейнеки и другими художниками-«стахановцами» середины ХХ века. По пластике ей идентичны написанные Абдуллаевым в разные годы картины «Строители счастья» (1951), «Девушки Хачмаса» (1982) и десятки других.
Картина была подготовлена в качестве составной части предполагаемой дипломной работы, но попала на всесоюзную выставку, после которой через систему Росизо была передана в фонды Краснодарского краевого художественного музея имени А. В. Луначарского. С неё начинается раздел «Советская живопись 1930–1980-х годов» в готовящемся к изданию 4 томе генерального каталога.
Краснодонцы
- 1948
- Холст, масло. 200 х 298
- Государственный Русский музей
- Ж-6056
Картину „Краснодонцы“ называли „гимном комсомолу, молодежи“. Она завершала цикл полотен, посвященных Великой Отечественной войне. На ней изображены герои войны подпольщики-молодогвардейцы, слушающие по радио исторический доклад главы Советского государства И. В. Сталина в день ХХV годовщины Октябрьской революции. История борьбы и гибели подпольной комсомольской организации в шахтерском городке Краснодоне была описана А. А. Фадеевым в знаменитой книге „Молодая гвардия" Соколов-Скаля воссоздает героев своего полотна по этой книге и руководствуясь собственной художнической интуицией. В центре молодежной группы он помещает фигуру старого большевика Проценко, на первом плане у рации сидит Любовь Шевцова, правее, во весь рост изображен Иван Туркенич в военной форме, за столом слева записывающий передачу Олег Кошевой, за ним стоят Иван Земнухов и Сергей Тюленин, а правее сидит Ульяна Громова. Художнику удается передать экспрессивные психологические оттенки каждого из своих персонажей, но в целом все они подчинены единой идее. Картина была удостоена Сталинской премии вскоре после демонстрации ее на выставке „30 лет Вооруженных Сил СССР". // Тамара Чудиновская. Большая картина. СПб., 2006. С. 243.
Молодежная подпольная комсомольская организация «Молодая гвардия» действовала в оккупированном немцами украинском шахтерском городке Краснодоне с июля 1942 по февраль 1943 года. Молодогвардейцы распространяли листовки, препятствовали восстановлению шахт, уничтожили биржу труда, спасая людей от угона в Германию, проводили диверсии и готовили вооруженное восстание.
«Молодая гвардия» была выдана предателем, и большинство ее членов после пыток казнили. Основную часть краснодонцев — частью живыми, частью расстрелянными — немцы погребли в шурфе одной из шахт. 13 сентября 1943 года пятерым членам организации — Ульяне Громовой, Ивану Земнухову, Олегу Кошевому, Сергею Тюленину и Любови Шевцовой — было посмертно присвоено звание Героев Советского Союза. Этот подвиг получил отражение в литературе (роман А. А. Фадеева, 1946) и кинематографе (фильм С. А. Герасимова, 1948), а также в изобразительном искусстве.
В картине Соколова-Скаля, написанной в год выхода фильма С. Герасимова, сочетаются жанровая сцена и групповой портрет легендарных подпольщиков. Сюжетную основу полотна составляет эпизод из романа Фадеева, в котором краснодонцы на своем тайном собрании слушают по радио исторический доклад главы Советского государства И. В. Сталина в день XXV годовщины Октябрьской революции и записывают его, чтобы затем распространить с помощью листовок. Второе название картины — «Молодогвардейцы слушают по радио выступление товарища Сталина». Анатолий Дмитренко // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 463.
Соколов-Скаля воссоздает героев своего полотна по этой книге и руководствуясь собственной художнической интуицией. В центре молодежной группы он помещает фигуру старого большевика Проценко, на первом плане у рации сидит Любовь Шевцова, правее, во весь рост изображен Иван Туркенич в военной форме, за столом слева записывающий передачу Олег Кошевой, за ним стоят Иван Земнухов и Сергей Тюленин, а правее сидит Ульяна Громова. Художнику удается передать экспрессивные психологические оттенки каждого из своих персонажей, но в целом все они подчинены единой идее.
Картину „Краснодонцы" называли „гимном комсомолу, молодежи". Она завершала цикл полотен, посвященных Великой Отечественной войне. Картина была удостоена Сталинской премии вскоре после демонстрации ее на выставке „30 лет Вооруженных Сил СССР".
Народ в Великой Отечественной войне
- 1948
- Холст, масло. 200 х 300
- Государственный Русский музей
- Ж-7017
Чтобы дать емкий образ пережитого страной, художник обращается к плакатному композиционному решению, точно выверенному линейному ритму, совмещает несколько разномасштабных сюжетов. Увиденный в действительности эпизод он выстраивает как отражение важного исторического события. Фигура на первом плане наполняется аллегорическим смыслом — Родина-мать, провожающая на фронт своих сыновей. Широкая диагональ дороги, которая разделяет на планы пространство картины, усиливая динамическую выразительность композиции, одновременно является символом движения к победе и будущей мирной жизни.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 110.
Нахимовец на Авроре
- 1948
- Литография. И.:64,5 х 41,5. Л.:84,0 х 60,0
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-6566
Подвиг пяти черноморцев
- 1948
- Холст, масло. 200 х 296
- Симферопольский художественный музей
В основе полотна крымского живописца Юрия Волкова «Подвиг пяти черноморцев», написанной через несколько лет после окончания Великой Отечественной войны, лежит история о подвиге политрука Николая Фильченкова, краснофлотцев Василия Цибулько, Юрия Паршина, Ивана Красносельского и Даниила Одинцова, которые 7 ноября 1941 года ценой своей жизни уничтожили 10 вражеских танков близ Севастополя и посмертно стали Героями Советского Союза.
В центре композиции – группа из трёх черноморцев у умолкшего пулемёта, подсвеченного ярким пламенем огня. Они ранены, один из матросов собирается бросить связку гранат. Их взгляды устремлены на политрука, который обвязавшись гранатами, подползает к приближающемуся танку. Повсюду видны трупы, гильзы от патронов, пустые пулеметные ленты.
Художник несколько раз менял композицию. В ранних эскизах политрук изображен стоящим и только позже появляется фигура пятого, убитого матроса на первом плане, прибавляющая сцене натурализма.
Предметный план и людей художник всегда стремился писать с натуры. Так, известно, что для того, чтобы написать «живой» огонь для этой картины, Ю. В. Волков поджигал на пустыре бочки с мазутом и запечатлевал их на рисунках и этюдах.
Полотно молодого, никому неизвестного тогда художника произвело сильное впечатление на современников. В крымской прессе отмечается, что посетители подолгу простаивали перед этой картиной, что в отличие от «бутафорских» батальных полотен, «Подвиг пяти» – настоящая и правдивая. «Один этот грубый матросский ботинок, право, стоит иной целой картины!» – так пишет Николай Шагурин. Писатель П. А. Павленко в своем отзыве на «Подвиг» называет Ю. В. Волкова «баталистом толстовской школы».
Портрет К. Е. Ворошилова
- 1948
- Холст, масло. 153 х 123
- Государственный Русский музей
- Ж-6047
Ворошилов Климент Ефремович (1881-1969) – советский государственный, партийный и военный деятель. Маршал СССР (с 1935).
Рекомендуем
Климент Ворошилов. Фильм из цикла "Страна советов. Забытые вожди"
Суворовцы на лыжах
- Конец 1940-х
- Цветная литография. И.:33,5х41,4. Л.:42,3х57,7
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-16133
Защитникам морских рубежей Советского Союза - Слава!
- 1949
- Бумага, офсет. 56,2 х 79,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-810
Портрет дважды Героя Советского Союза генерала армии Т. Т. Хрюкина
- Отлив 1949
- Бронза. 187 х 150 х 88
- Государственный Русский музей
- СО-36
Хрюкин Тимофей Тимофеевич (1910–1953) — советский военачальник, летчик, генерал-полковник авиации, дважды Герой Советского Союза (1939, 1945). Участвовал в Гражданской войне в Испании (1936–1939), японо-китайской войне (1937–1945), советско-финской войне (1939–1940), Великой Отечественной войне.
Для парадного портрета Хрюкина автор заимствует классическую форму бюста, известную в искусстве еще со времен Древнего Рима. Военная шинель, наброшенная на плечи генерала, трансформируется скульптором в пышную драпировку, подобную торжественной тоге римского полководца. Варианты бюста, исполненные в разных материалах, были установлены на могиле Хрюкина на Новодевичьем кладбище (Москва) и в городе Ейск — на родине военачальника.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 114.
Кочергин Николай Михайлович
1897, с. Всесвятское (Москва) - 1974, МоскваЖивописец, график, плакатист, иллюстратор, театральный художник. Учился в Строгановском центральном художественно-промышленном училище (1908–1910). В Красной армии (с 1918): в Высшей школе военной маскировки, занимался художественной агитацией при Н. И. Подвойском на Украине, в т. ч. создавал рисованные плакаты. Один из создателей политического плаката. С 1919 жил в Москве, сотрудничал с Литиздатотделом ПУР. Организатор «Окон РОСТА» в городах Кавказа (Баку, Тбилиси, 1920, 1921). В дальнейшем постоянно работал в области журнальной графики и иллюстрации. // Плакат эпохи революции. СПб. 2017. С. 117.
Заслуженный художник РСФСР.
Продолжая занятия в училище, Николай Кочергин увлекся скульптурой из дерева, а через некоторое время был даже назначен помощником заведующего резчицкой деревянной мастерской. Летом 1918 года он вступил добровольцем в Красную Армию и вскоре был направлен в высшую школу военной маскировки (ВШВМ).
Кочергин создавал советский плакат, работал для газет и журналов двадцатых-сороковых годов в карикатуре, в оформлении периодических изданий «Красная панорама», «Огонек», «Вокруг света» и «Мир приключений».
После нападения гитлеровской Германии на Советский Союз, основным делом Кочергина стала агитационно-плакатная тематика. В блокадном Ленинграде принимал участие в создании «Окон ТАСС». Весной 1942 был вывезен в тяжелом состоянии из города «дорогой жизни» по льду Ладожского озера. Кочергин с семьей эвакуировался в город Фрунзе. В конце сороковых годов художником был создан ряд монументальных полотен – «Новгород наш» (1946), «Ленинградцы» (1948), «Штурм Зимнего дворца» (1950).
Послевоенный период отмечен крупными успехами Кочергина в иллюстрировании детской книги. Художник начал выступать с рисунками в детских журналах. Важным этапом в развитии творчества Кочергина стали рисунки к карело-финскому эпосу «Калевала».
Шервуд Леонид Владимирович
1871, Москва — 1954, ЛенинградСкульптор; автор станковых и монументальных произведений, педагог. Учился в МУЖВЗ (1886–1892), в ВХУ при ИАХ (1892–1898) в Петербурге. Участник выставок с 1902. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946). Доктор искусствоведческих наук (1942).
Ермолаев Борис Николаевич
1903, Санкт-Петербург – 1982, ЛенинградЖивописец, график, литограф. Учился в ЛХПТ (1921–1925) у В. Н. Федоровича и М. И. Авилова. Сотрудничал с ленинградскими газетами «Ленинские искры», «Бытовая газета» и журналами «Красная панорама», «Юный пролетарий», «Резец» (1928–1931), иллюстрировал детские книги в издательствах «Радуга», «Детгиз» (1932). Член Общины художников (1928–1930) и «Цеха художников» (1930–1932). Участник выставок с 1928. Член СХ СССР (1941). Работал над портретными композициями (1931–1932), создал серии, посвященные краснофлотцам (1932–1935), и пейзажи Володарского района (1935–1936); пейзажи станицы Аксайской (близ Ростова-на-Дону) и Бердичева (1936–1937). Занимался в Экспериментальной литографской мастерской ЛОССХ (с 1940), создав свою оригинальную декоративно-пластическую систему цветной литографии. Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 224.
Купцов Василий Васильевич
1899, Псков - 1935, ЛенинградЖивописец, график.
Учился в художественно-промышленной школе имени Н. Ф. Фан-дер-Флита в Пскове в 1913—1918, затем — в Свободных художественно-технических мастерских (бывшее училище А. Л. Штиглица) в 1921, во Вхутемасе — Вхутеине в 1922—1926 в Ленинграде. Работал художником в РОСТА в 1918—1921. Член объединения "Круг художников", участник всех его выставок в 1926—1932. Одновременно с 1925 посещал мастерскую "аналитического искусства" П. Н. Филонова.
Бибиков Георгий Николаевич
1903, Полтава — 1976, ЛенинградЖивописец, рисовальщик, иллюстратор книг, художник театра, монументалист. В 1920–1925 учился в омском ХПТ; в 1925–1930 в ленинградском ВХУТЕИН–ИНПИИ. Участник выставок с 1920. Член СХ с 1932.
Васильев (Суходольский) Борис Васильевич
1913, Москва – 1981Родился в Москве. В 1930 году окончил Московское областное художественное училище памяти 1905 года, а в 1932 году – курсы графики при Центральном Доме печати РСФСР. С 1934 по 1939 год работал в Студии военных художников имени М. Б. Грекова, один из первых участников и организаторов Изостудии имени М. Б. Грекова в особой Кавалерийской бригаде. Лауреат премии Государственного издательства (1943).
Воинские награды: медаль «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941–1945 гг.», медаль «За победу над Германией в Великой Отечественной войне 1941–1945 гг.».
Долгоруков Николай Андреевич
1902, Екатеринбург —1980, МоскваСоветский художник-график, иллюстратор, плакатист. Член Союза художников СССР. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1963).
Шиллинговский Павел Александрович
1877, Кишинев — 1960, ЛенинградГравер, рисовальщик, живописец, педагог. Учился в одесском ХУ (1895–1900), в ВХУ при ИАХ (1901–1911) у И. Е. Репина и Д. Н. Кардовского, в граверной мастерской В. В. Матэ (1912–1914). Член-учредитель объединения „Шестнадцать“ (1922). Участник выставок с 1913: графических искусств (1913), „Мир искусства“ (1913), НОХ (1917), Общины художников (1921, 1922), „Шестнадцать“ (1922–1928), „CCХ“ (1931). Специализировался на технике офорта, в 1917 самостоятельно овладел техникой ксилографии. Декан полиграфического факультета ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1921–1929), заведующий кабинетом графики ИЖСА (1934–1937), руководитель графической мастерской ИЖСА (с 1936). Профессор (1939).
Павел Шиллинговский — один из ведущих мастеров в печатной графике. Ключевые темы в его творчестве формировались в русле неоклассицизма — архитектурные пейзажи, руинизированные памятники. Для Шиллинговского были характерны сложные и насыщенные композиции, по примеру европейских мастеров барокко и классицизма, в которых старательно подчеркивалась техническая виртуозность, его гравюры часто сравнивали с архитектурными фантасмагориями прославленного итальянского гравера XVIII в. Д. -Б. Пиранези. Один из ведущих и наиболее авторитетных педагогов Академии художеств, он воспитал целую плеяду художников-графиков, для которых фундаментом творчества было следование и переосмысление классицистической традиции.
Мануйлова Ольга Максимилиановна
1893, Нижний Новгород, Россия –1984, Фрунзе, Киргизская ССРСкульптор. Народный художник Киргизской ССР.
Родилась 30 октября 1893 в Нижнем Новгороде (Россия), в семье военного врача. Скульптурой начала заниматься с 1912 в Мюнхене, в частных студиях скульпторов Хоффштедтера, Швегерле, одновременно посещая в университете лекции анатома, профессора Молье и искусствоведа, профессора Вельфина. В 1914 поступила на скульптурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества, в класс профессора С. М. Волнухина. Ее учителями были также известные художники К. А. Коровин, Л. О. Пастернак, Н. А. Касаткин. Сокурсниками были Н. В. Крандиевская, Б. Д. Королев, А. А. Мануилов, Б. Ю. Сандомирская, А. А. Пластов, А. М. Герасимов, В. В. Мешков и В. Маяковский.
По окончании училища сотрудничала с российскими фарфоровыми заводами, участвовала в осуществлении Ленинского плана монументальной пропаганды (памятник Рылееву). C 1920 участвует в художественных выставках. До 1939 работала в разных городах Советского Союза.
Кыргызстан стал для художницы второй родиной. В 1939 приехала в республику по приглашению правительства для работы над памятником великому народному акыну Токтогулу Сатылганову в городе Фрунзе – столице республики. За 40 лет, прожитых во Фрунзе, создала многочисленные произведения монументального и монументально-декоративного искусства, мелкой пластики и портретов. Создала образы Героев Советского Союза: Даира Асанова, Дуйшенкула Шопокова, Ташмамата Джумабаева, Чолпонбая Тулебердиева, Ивана Панфилова и др.
С 1952 по 1957 преподавала лепку во Фрунзенском художественном училище. Имеет награды: орден Трудового Красного Знамени (1958), «Знак почета», медаль «За доблестный труд», Почетные грамоты Верховного Совета Киргизской ССР. Большинство сохранившихся монументальных и станковых скульптур художницы находится в Бишкеке, лишь малая часть её скульптурных работ – за пределами Киргизии.
Тоидзе Ираклий Моисеевич
1902, Тифлис - 1985, МоскваЖивописец, график; станковист; плакатист; иллюстратор. Закончил тбилисскую АХ (1930). В области политического плаката работал с начала 1930-х. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1951), народный художник Грузинской ССР (1980). Лауреат государственных премий (1941, 1948, 1949, 1951).
Большой эмоциональной силой обладают плакаты, созданные художником в годы Великой Отечественной войны - «Родина-мать зовёт!» (1941), «За Родину-мать!» (1943), «Освободим Европу от цепей фашистского рабства!» (1945).
Сидоров Михаил Иванович
1904–1980В 1920-е учился у Д.Н. Кардовского в Москве. В 1940–1950-е жил в Куйбышеве и активно участвовал в выставках.
Иванов Виктор Семенович
1909–1968График-плакатист и иллюстратор, художник кино, живописец. Учился в московской Изопрофшколе (1926); МХУ памяти 1905 года (1926–1929); в ИЖСА на полиграфическом, затем декоративном факультете (1929–1933, звание художник-постановщик). В 1930-е сотрудничал на „Ленфильме“; с середины 1930-х постоянно работал в области политического плаката. Лауреат Сталинской премии за плакаты военных лет (1946); заслуженный деятель искусств РСФСР (1955).
Попов Пантелеймон Васильевич
1886, с. Арылах Хайахсытского наслега Чурапчинского улуса - 1972, г. АнгарскЖивописец, кандидат богословия, историк-краевед. Член Союза художников с 1941 года. В 1915 году окончил литературное отделение Императорской духовной академии в Казани. В 1915-1957 годах преподавал русский язык и литературу в Якутской духовной семинарии, затем в школах и средних специальных учебных заведениях, в том числе в Якутском художественном училище. В 1931-1932 годах учился в Институте усовершенствования кадров народного образования в Москве. Член научно-исследовательского общества «Саха кэскилэ» в 1925-1930 годах. Работал в Институте языка, литературы и истории ЯФ СОАН СССР. Непродолжительное время работал в Якутском республиканском краеведческом музее им. Ем. Ярославского. Живописи учился у брата И. В. Попова. В 1940-1941 годах - председатель оргбюро Союза художников Якутии. Награжден медалью «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг.» (1946). Участник выставок с 1930-х годов.
Боголюбов Вениамин Яковлевич
1895, Детское Село — 1954, ЛенинградСкульптор; автор монументальных и станковых произведений, портретист. Учился в изостудии Кронштадтского военно-морского флота (1926); в ВХУТЕИН (1926-1930) у В.Л.Симонова, В.В.Лишева, Р.Р.Баха и А.Т.Матвеева. Участник выставок с 1935. Лауреат Государственной премии СССР (1941).
Прибыловский Виктор Александрович
1919, с Приволье (ныне Кузоватовский район Ульяновской области) –1973Родился в селе Приволье (ныне Кузоватовский район Ульяновской области) в семье священника. После смерти отца воспитывался в семье дяди, а в 1932 переезжает в Москву и поступает учиться в ФЗУ (Школа фабрично-заводского ученичества) и одновременно в изостудию ВЦСПС (Всесоюзный центральный совет профессиональных союзов), где ведущими преподавателями были К. Ф. Юон, К. Г. Дорохов, М. Т. Хазанов.
На него обратил внимание И. Э. Грабарь, отбиравший талантливых детей в Московский художественный институт. На младших курсах института прошёл школу А. В. Лентулова, В. В. Почиталова, Н. П. Ульянова, окончил живописное отделение МГАХИ им. В. И. Сурикова в мастерской И. Э. Грабаря. Дипломной работой стала картина «Н. В. Гоголь в мастерской А. А. Иванова», которую защитил с отличием в 1948.
С 1949 участвовал во всесоюзных художественных, тематических и передвижных выставках советских художников. Произведения художника представлены в музейных и частных коллекциях.
Раевская-Рутковская Варвара Аркадьевна
1895, Санкт-Петербург — 1974, ЛенинградЖивописец, график, художник театра, монументалист; автор жанровых, историко-революционных картин, портретов. Училась в ВХУ при АХ (1916-1922) у В.В.Беляева, К.С.Петрова-Водкина, Н.Э.Радпова. Участник выставок с 1923. Во время войны жила и работала в Ленинграде. С бригадой художников была направлена на партизанскую базу в Токсово. На основе полученных впечатлений создала жанровые картины и портреты детей-партизан.
Вольштейн Моисей Львович
1916–2000Живописец, график. Работал в области станковой живописи и графики. Окончил Киевский художественный институт (1945). Член ССХУ (1945).
Костенко Федор Тимофеевич
1910–1987Живописец. Работал в области станковой живописи. Окончил Киевский художественный институт (1939). Член ССХУ (1939).
Фильберт Александр Александрович
1911–1996Живописец, график. Работал в области станковой живописи и графики. Окончил Киевский художественный институт (1939). Член ССХУ (1939).
Киселев Виктор Васильевич
1907, д. Комаровка, Симбирская губерния – 1985, с. Комаровка, Ульяновская областьЗаслуженный художник РСФСР, лауреат Государственной премии им. И. Е. Репина, участник Великой Отечественной войны.
Родился 12 июля 1907 в деревне Комаровка Симбирского уезда Симбирской губернии, ныне Майнского района Ульяновской области. Пятнадцатилетним сельским подростком пришел учиться живописи к Аркадию Пластову и стал его самым близким другом и единомышленником на всю жизнь. Его учителями в разное время были Николай Крымов, Сергей Герасимов, Игорь Грабарь.
Воспринял и сохранил в своем искусстве традицию русской живописной школы, идущую от великих мастеров ХIХ века — И. Репина, В. Сурикова, В. Серова, И. Левитана.
Блестящий рисовальщик и выдающийся колорист, Киселев нашел свой собственный, достойный путь в искусстве. Портреты, пейзажи, станковые картины, рисунки принадлежат к золотому фонду отечественного искусства 1940-х — 1980-х годов.
Невежин Федор Иванович
1902, Бежица Брянского уезда Орловской губернии— 1964, МоскваЖивописец, педагог. Учился в 1921 в изокружке в Брянске; в 1922–1930 в Москве во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН. Преподавал с 1948 в МГХИ им. В. И. Сурикова (доцент, с 1953 — профессор).
Потехин Алексей Александрович
1912, Воронеж – 1981, КировЖивописец и педагог.
Родился в 1912 в Воронеже в рабочей семье. Обучаясь в воронежской профтехшколе, посещал кружок изобразительного искусства. В 1931 окончил Воронежский техникум. В 1939 окончил Всероссийскую Академию художеств в Ленинграде. С 1939 член Союза художников, по направлению работал в Художественно-педагогическом училище в Кирове.
В 1942 был призван на фронт и воевал на Западном и 3-м Белорусском фронтах, был награжден орденами и медалями. В годы войны сделал ряд фронтовых зарисовок. В послевоенные годы художник писал картины на темы войны, из истории Вятского края, современной жизни.
Волков Юрий Васильевич
1921, Севастополь, Таврическая губерния – 1991, Евпатория, Крымская область УССРЖивописец, график. Родился в Севастополе в семье служащего, сына священника и медицинской сестры. Учился в средней школе № 2 г. Евпатории, занимался в изостудии П. А. Алипова, позже – в Крымском художественном училище (1939–1941) у Н. С. Самокиша, занимался в его домашней мастерской. В июне 1941 был принят в Студию военных художников им. М. Б. Грекова (не обучался). С 23 июня 1941 г. – участник Великой Отечественной войны. Мобилизован в 1946. Награждён орденом Красной Звезды, рядом медалей. С 1947 – член Союза художников СССР, участник областных и республиканских выставок. С 1961 прекращает выставочную деятельность, занимается графикой, керамикой, цементом, «лабораторией» искусства.
Вучетич Евгений Викторович
1908, Екатеринослав — 1974, МоскваСкульптор. Учился в ростовской ХШ (1926–1930), в ИЖСА (1931–1933). В 1935 переехал в Москву. Участник выставок с 1937. Золотая медаль Всемирной художественно-промышленной выставки в Париже (1937) за скульптурную группу «Климент Ворошилов верхом» (1936). Военный художник московской Студии военных художников им. М. Б. Грекова (1943–1960). Главный автор двух самых известных советских военных мемориалов: «Воинам Советской армии, павшим в боях с фашизмом» (в берлинском Трептов-парке; 1946–1949; Сталинская премия 1950), а также ансамбля на Мамаевом кургане в Волгограде (1963–1967; Ленинская премия 1970). Лауреат Сталинских премий (1946–1950). Действительный член АХ СССР (с 1953). Народный художник СССР (1959). Герой Социалистического Труда (1967).
Соловьев Михаил Михайлович
1905, Москва —1990, МоскваСоветский художник-график, мастер общественно-политических плакатов.
Родился в 1905 году в Москве. В 1930 году окончил Высшие курсы АХР, где учился у И. И. Машкова, П. П. Соколова-Скаля. Начал свою творческую деятельность как живописец.
В годы войны активно сотрудничал в «Окнах ТАСС». В послевоенное время, работает в жанре общественно-политического плаката. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Сотрудничал с издательствами «Изобразительное искусство», «Изогиз», «Плакат», «Агитплакат». Постоянный участник зарубежных, всесоюзных и региональных художественных выставок. С 1933 года член Союза художников СССР.
Среди произведений на тему освоения космоса можно выделить эскизы М.П.Цыбасова к фильму Павла Клушанцева «Дорога к звёздам», выполненные еще в 1950-е годы, до полета первого человека в космос, портреты Ю.А.Гагарина, написанные А.И.Плотновым, А.М.Шиловым, В.Н.Басовым, В.П.Семисенко, картину А.Н.Мазитова «Чайка (Портрет В.В.Терешковой)», космические пейзажи, созданные советским космонавтом А.А.Леоновым и одним из основоположников жанра космической живописи А.К.Соколовым, композиции на тему космоса Ю.А.Походаева.
Внеземная станция
- 1950-е
- Бумага, акварель, белила, тушь. 29,5 х 38,4
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- Г-3035
В 1950-е годы Михаил Цыбасов работал художником на Ленинградской студии научно-популярных фильмов. Символично, что оформленные им киноленты посвящены искусству и космосу («Эрмитаж», «Вселенная», «Дорога к звездам», «Планета бурь», «Циолковский»).
В 1957 году на Ленинградской киностудии научно-популярных фильмов режиссером Павлом Клушанцевым был поставлен научно-фантастический фильм «Дорога к звездам», в котором художником-постановщиком был Михаил Цыбасов.
Фильм Павла Клушанцева «Дорога к звездам», как и «Планета Бурь» (Леннаучфильм, 1961), вызвал за рубежом больший отклик, чем в СССР. В то время как сам режиссер умер в нищете, его фильм стал культовым в США, прежде всего, благодаря Стэнли Кубрику, который не раз говорил, что если бы не было «Дороги к звездам», не было бы и «Одиссеи 2001».
Фильм «Дорога к звездам» состоит из трёх частей; в первой кратко излагается история жизни основоположника русской космонавтики Константина Эдуардовича Циолковского; во второй описывается развитие ракетной техники; в третьей части авторы фильма пытаются заглянуть в будущее, где они видят первый пилотируемый космический полёт, выход в открытый космос, строительство орбитальной станции и высадку человека на Луне.
В собрании Музея изобразительных искусств Республики Карелия хранится четырнадцать эскизов к фильму Павла Клушанцева «Дорога к звёздам», в которых прослеживаются основные сюжеты трёх частей картины. На многих эскизах – авторские подписи М. Цыбасова, а также интересные для исследования подписи (возможно, самого Клушанцева), придающие им уникальность.
Освоение Луны
- 1950-е
- Бумага, акварель, белила, тушь. 28,9 х 36,3
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- Г-3039
В 1950-е годы Михаил Цыбасов работал художником на Ленинградской студии научно-популярных фильмов. Символично, что оформленные им киноленты посвящены искусству и космосу («Эрмитаж», «Вселенная», «Дорога к звездам», «Планета бурь», «Циолковский»).
В 1957 году на Ленинградской киностудии научно-популярных фильмов режиссером Павлом Клушанцевым был поставлен научно-фантастический фильм «Дорога к звездам», в котором художником-постановщиком был Михаил Цыбасов.
Фильм Павла Клушанцева «Дорога к звездам», как и «Планета Бурь» (Леннаучфильм, 1961), вызвал за рубежом больший отклик, чем в СССР. В то время как сам режиссер умер в нищете, его фильм стал культовым в США, прежде всего, благодаря Стэнли Кубрику, который не раз говорил, что если бы не было «Дороги к звездам», не было бы и «Одиссеи 2001».
Фильм «Дорога к звездам» состоит из трёх частей; в первой кратко излагается история жизни основоположника русской космонавтики Константина Эдуардовича Циолковского; во второй описывается развитие ракетной техники; в третьей части авторы фильма пытаются заглянуть в будущее, где они видят первый пилотируемый космический полёт, выход в открытый космос, строительство орбитальной станции и высадку человека на Луне.
В собрании Музея изобразительных искусств Республики Карелия хранится четырнадцать эскизов к фильму Павла Клушанцева «Дорога к звёздам», в которых прослеживаются основные сюжеты трёх частей картины. На многих эскизах – авторские подписи М. Цыбасова, а также интересные для исследования подписи (возможно, самого Клушанцева), придающие им уникальность.
Здравствуй, Земля
- 1961
- Холст, масло. 150,0 х 343,0 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-1477
В полной мере самобытность московского художника Василия Николаевича Басова проявилась в работе над новой темой, которая возникла благодаря техническому прогрессу. 12 апреля 1961 года состоялся полет Юрия Гагарина в космос на корабле «Восток». Это событие имело важное значение для всего человечества. Оно приблизило к реальности мечты о космических путешествиях, открытии новых пространств и возможностей, исследовании ранее неизведанного. Полет Юрия Гагарина вдохновил многих деятелей искусств. Писатели, художники и кинорежиссеры в то время начали создавать произведения, герои которых действуют в масштабах бескрайней Вселенной. Басов подошёл к этой теме иначе. Вместо освоения неизведанных миров он изобразил момент высадки первого космонавта на родную землю.
Картина «Здравствуй, Земля» почти документально воссоздает обстоятельства приземления Гагарина, но при этом Басову удалось создать художественный образ, сопоставив масштаб события и переживания конкретного участника. Фигура космонавта изображена в таком ракурсе, что кажется зрителю огромной и величественной. Таким образом художник подчеркивает важное историческое значение этого человека. Землю художник изображает широким, кажется, почти бескрайним вспаханным полем — родные просторы, знакомые любому русскому человеку. Полотно отражает атмосферу торжества человека над новой стихией. Первые минуты космонавта после возвращения на Землю исполнены радости от достижения заветной цели и гордости за родную страну, ставшую космической державой.
Чайка (Портрет В.В. Терешковой)
- 1964
- Холст, темпера. 169 × 264,5
- Ярославский художественный музей
- Ж-1033
Татарский живописец Амир Мазитов в 1955–1978 годы жил и работал в Ярославле. Уже первые жанровые произведения художника, созданные в Ярославле, обратили на себя внимание высоким профессиональным мастерством. Поднимая значительные темы современности, он стал одним из первых создателей образа В.Терешковой.
16 июня 1963 года первая женщина-космонавт Валентина Терешкова совершила полет в космос на корабле Восток-6. Портрет Валентины Терешковой написан в 1964 году, через год после ее полета в космос. Будущая «Чайка» предстает перед зрителем в ту пору, когда была еще спортсменкой-парашютисткой Ярославского авиаклуба. После очередного прыжка она мечтательно смотрит в небесную даль. Амир Мазитов смог передать «дух времени», создать образ, наполненный лирико-романтическими интонациями.
Возвращение. Посадка «Восхода-2» на Урале
- 1967
- Холст, масло. 192,0 х 297,0
- Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
- Ж-103
Александр Бурак посвятил большое живописное полотно «Возвращение. Посадка корабля „Восход-2“ на Урале» одной из страниц в истории технических достижений СССР. Настоящим событием для отечественной космонавтики стал полет корабля «Восход-2» под управлением командира Павла Беляева и второго пилота Алексея Леонова.
Длительность полета составляла чуть больше суток. За это время наши космонавты совершили первый выход человека в открытый космос. Полотно А. Бурака рассказывает о финальном этапе космической эпопеи – приземлении.
19 марта 1965 года спускаемый аппарат космического корабля приземлился в глухой уральской тайге в Усольском районе Пермской области. Это произошло в незапланированном месте из-за нештатной ситуации – отказа автоматической системы посадки. Место посадки располагалось в 180 километрах на север от Перми и в 18 километрах от ближайшего жилья. В день приземления температура воздуха в тайге составляла минус 19 градусов. Высота снежного покрова достигала двух метров. Все это представляло угрозу для жизни космонавтов, поэтому наземными службами сразу были организованы спасательные операции. Однако обнаружить героев и вывезти их из тайги получилось только на третьи сутки.
Впечатленный этими историческими событиями, художник создает свое полотно. В трактовке Бурака заснеженный таежный пейзаж дополнен изображением спускаемого аппарата. Космическая капсула зависла над снегом на стропах большого полосатого оранжево-белого парашюта. Бурак побывал на месте приземления, чтобы сделать эскизы будущего полотна. Он также встречался с участниками событий: показывал свои наброски космонавтам. А затем привозил эскизы в Звёздный городок. В 1967 году полотно было завершено.
Человек с планеты «Земля»
- 1970
- Холст, темпера. 185 х 169
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- Ж-721
Одним из наиболее известных произведений Народного художника Казахстана Алексея Степанова является картина «Человек с планеты Земля», написанная им в 1970 году. Тема космоса, освоение человеком неизведанных и загадочных миров была основной в творчестве художника. Картины А. Степанова отличаются условностью пластического языка, сложностью колористического и композиционного решения, актуальностью тематики работ. Картина «Человек с планеты Земля» представляет собой характерный образец творчества А. Степанова, в котором выступающая из тени фигура человека в скафандре звучит символом могущества науки и прогресса, проявленных высокими достижениями советского государства в освоении космического пространства. Данное произведение явлется примером того, как мастера 1970-х годов, преодолев догматику соцреализма, встали на путь освоения модернистских стилей в живописи, соответствующих веяниям и потребностям конца XX века.
Ваза «Космос»
- 1975
- Фаянс, роспись подглазурная. Высота – 45 см.
- Магнитогорская картинная галерея
- ДПИ-791
Ваза «Космос» работы Виктора Жбанова имеет стилизованную форму с глянцевой поверхностью. Темой росписи стал знаменитый экспериментальный полет американского космического корабля «Аполлон» и советского космического корабля «Союз-19», состоявшийся в июле 1975 года, также известный, как «Рукопожатие в космосе». Плавный переход от холодного синей гаммы в теплые зеленые оттенки создает ощущение космического пространства и завораживает своей красотой. На этом фоне автором мастерски написаны космические корабли.
В космос
- 1976
- Холст, темпера. 151 х 151
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-2110
Одна из основных тем творчества Юрия Походаева – космос. Таинство Вселенной, мир звезд и галактик вдохновили живописца на создание серии полотен, где романтика земных деяний возносит образ человека-творца. Часть полотен, посвященная «космической» теме, побывала в международных космических экспедициях с Ю. Малышевым и Шар-Ма (Индия), В. Джанибековым и Жан-Лу Кретьеном (Франция). "Трудно подумать, – сказал французский космонавт, – что мой московский друг не был в космосе, настолько верно и глубоко ощутил он бескрайние просторы Вселенной".
В картине Юрия Походаева «В космос» – концептуальная символическая композиция. В её правой части изображён вертикальный корпус космической ракеты на старте с маленькой стаффажной фигуркой космонавта внутри. В левой части композиции группа – мужчин-конструкторов и два космонавта в скафандрах, обращённых к стартующей ракете. Фоном служит ночное небо, обозначенное цветовыми вертикальными полосами сине-фиолетовых оттенков.
Юность
- Центральная часть триптиха "Земля и Время. Казахстан"
- 1978
- Картон, темпера. 86 х 125
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- Ж-3681(б)
В триптихе «Земля и Время. Казахстан» известный казахстанский живописец Камиль Муллашев лаконичными средствами емко и содержательно создал романтический образ своей эпохи.
В композиции левой части триптиха – «Над белой пустыней» – доминируют сферические объемы нефтеналивных цистерн. На первом плане рядом с этими колоссальными сооружениями видна фигура человека на верблюде – своеобразное сосуществование прошлого и настоящего и их сопоставление.
В центральной части триптиха «Юность», образы неба, земли и космонавта сосуществуют в неразрывном единстве, и каждый усиливает значение остальных. Стремясь передать суть явления, художник как бы освободил форму от второстепенных деталей, преобразив ее вещественность в условность поэтических уподоблений.
В правой части триптиха «Хлебная страда» изображены высыпающие зерно громадные самосвалы на фоне светло-голубого неба с белыми облаками, разлетающиеся в разные стороны голуби, фигурка юной девочки на фоне горы желтого зерна, – всё пронизано оптимизмом, жизнеутверждающей силой.
Возвышенный живописный строй, классическая ясность и убедительная логика композиционного решения в сочетании с реалистической достоверностью характеризуют триптих «Земля и Время. Казахстан». Для создания образа республики Муллашев нашел поэтический ключ, очень точно выразив его в трех важных составляющих компонентах – нефть, космос и целина.
Лаконизм формы, сдержанность образной интонации, умение соединить реальность с романтическим чувством, органично соединились в этом произведении. Масштабное воплощение идеи, гармоничное живописное решение, строгая конструктивность, и главное, убедительное «живописание эпохи» ставят триптих в ряд значительных произведений изобразительного искусства республики. Триптих удостоен Серебряной медали Академии художеств Франции.
Из серии «Астрофизики»
- Лист 1
- 1979
- Бумага, смешанная техника. 75 х 59
- Музейно-выставочный центр (г. Когалым)
- ОФ-95
Свою серию «Астрофизики» график Илларион Некрасов создал конце 1970-х. В 1960–1970-е годы научно-технический прогресс становится ведущим фактором производства и открывает перед человечеством, казалось бы, неограниченные возможности – включая освоение космического пространства. Эта тематика вызывает большой интерес у художников, которые художественно переосмысливают научные проблемы и формируют новое эстетическое направление. В частности, большой вклад в развитие этого направления внёс И. Г. Некрасов, создавший графические серии «Шаги науки», «Звёздное небо», «Астрофизики».
Гагарин — сын Родины
- 1980
- Картон, пастель. 60 х 50
- Государственный Русский музей
- Ж-10850
Гагарин Юрий Алексеевич (1934–1968) стал первым в мировой истории человеком, совершившим полет в космос. Это великое событие состоялось 12 апреля 1961 года, когда на околоземную орбиту был выведен советский космический корабль «Восток». Ставший любимцем миллионов людей в разных концах планеты, Гагарин погиб в 1968 году во время учебно-тренировочного полета на истребителе. Первую известность Шилову принесли портреты космонавтов П. И. Климука, В. И. Севастьянова, В. А. Шаталова и особенно портрет Юрия Гагарина, выполненный в технике пастели. Эта сложная техника позволила создать тонкий и романтичный образ народного героя, каковым являлся Гагарин, взиравший со своей неизменной улыбкой со страниц журналов и газет. С одной стороны — это образ-штамп, а с другой — образ свободного, светлого человека на фоне голубого неба и бескрайних просторов Родины. Тамара Чудиновская // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 490.
В 1977 году художник получил премию Ленинского комсомола за серию портретов советских космонавтов. Данная работа может служить своеобразным послесловием к ней. Если портреты серии решены в парадном ключе: космонавты торжественно предстают перед зрителем в блеске заслуженных наград, —то в портрете Гагарина ничто не говорит о совершенном им подвиге. Поясной срез портрета, простота одежды сокращают расстояние между изображенным и зрителем. Однако само лицо Гагарина, ставшее одной из икон ХХ века, сопоставленное с идеальным пейзажем «русского поля», обеспечивает картине статус культового произведения. // Любовь Большакова. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 302.
Гагарин Юрий Алексеевич (1934–1968) – летчик-космонавт СССР, полковник, Герой Советского Союза (1961). 12 апреля 1961 впервые в истории человечества совершил полет в космос на космическом корабле «Восток». Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 302.
РЕКОМЕНДУЕМ
|
Виртуальная выставка "Я верю, друзья" из собрания музеев России. К 60-летию первого полета человека в космос (на сайте Курской картинной галереи им. А.Дейнеки). PDF-формат - по ссылке Слайдфильм (на ютуб-канале Государственного художественного музея Алтайского края) |
|
![]() |
Миша Most: космические трафареты (мастер-класс на портале Третьяковской галереи "Лаврус") |
Нивы Алтая
- Часть диптиха
- 1981
- Холст, масло. 153 х 182
- Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
- Ж-1186
Алексей Архипович Леонов больше известен как советский космонавт № 11, первый астронавт. Немногие знают, что он был ещё и художником. Им в содружестве с советским художником-фантастом Андреем Константиновичем Соколовым в 1981 году были созданы картины, посвященные освоению человеком космического пространства, космическим пейзажам, будням космонавтов и фантазийным сценам жизни человека на Луне и далеких космических планетах.
Алексей Архипович Леонов 18-19 марта 1965 года совместно с Павлом Беляевым совершил полет в космос в качестве второго пилота на космическом корабле «Восход-2». В ходе этого полета А. Леонов впервые в истории космонавтики совершил выход в открытый космос продолжительностью 12 минут 9 секунд.
А. Леонов с детства любил рисовать, поэтому не случайно, его впечатления от космических полетов переданы в живописи.
Два больших полотна, хранящиеся в Художественном музее Алтайского края – «Нивы Алтая» и «Утро Алтая», рассказывают о том, каким предстает этот край глазам астронавта в ночное время и освещенный первыми лучами солнца. Среди темного космического пространства светятся ночные огни городов и сел Алтая, проглядывают русла рек, вершины гор, очертания засеянных пшеничных полей.
Утро Алтая
- Часть диптиха
- 1981
- Холст, масло. 139,5 х 169,5
- Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
- Ж-1238
Алексей Архипович Леонов больше известен как советский космонавт № 11, первый астронавт. Немногие знают, что он был ещё и художником. Им в содружестве с советским художником-фантастом Андреем Константиновичем Соколовым в 1981 году были созданы картины, посвященные освоению человеком космического пространства, космическим пейзажам, будням космонавтов и фантазийным сценам жизни человека на Луне и далеких космических планетах.
Алексей Архипович Леонов 18-19 марта 1965 года совместно с Павлом Беляевым совершил полет в космос в качестве второго пилота на космическом корабле «Восход-2». В ходе этого полета А. Леонов впервые в истории космонавтики совершил выход в открытый космос продолжительностью 12 минут 9 секунд.
А. Леонов с детства любил рисовать, поэтому не случайно, его впечатления от космических полетов переданы в живописи.
Два больших полотна, хранящиеся в Художественном музее Алтайского края – «Нивы Алтая» и «Утро Алтая», рассказывают о том, каким предстает этот край глазам астронавта в ночное время и освещенный первыми лучами солнца. Среди темного космического пространства светятся ночные огни городов и сел Алтая, проглядывают русла рек, вершины гор, очертания засеянных пшеничных полей.
На Родине Гагарина
- 1982
- Холст, масло. 100,0 х 120,0 см
- Калужский музей изобразительных искусств
- Ж-1282
Всесоюзную известность Андрею Ивановичу Плотнову принесли картины на тему космоса и первых советских космонавтов: триптих о Ю. А. Гагарине «Перед стартом», «На родной земле», «Счастье матери», «Валентина Терешкова».
Творчеству художника присуща верность лучшим традициям русского классического искусства. За период 1948–1990 годов им создан ряд произведений, отобразивших дух и веяния эпохи.
Портрет в творчестве Плотнова занимает сравнительно небольшое место, и это преимущественно композиционные портреты, где художник показывает не только внутренний мир человека, его мужественный характер и глубокое раздумье, но и окружающую его обстановку. Таковым является произведение «На родине Гагарина». На фоне летнего пейзажа изображен улыбающийся Юрий Гагарин. Цветущий луг, высокое синее небо, облака и он, простой советский парень, – первый человек, побывавший в космосе! Фигура Гагарина представлена в динамике, художник изображает его идущим по лугу, через плечо переброшен пиджак, который он придерживает рукой, в другой руке – цветок ромашки. Слева, за его спиной, на горизонте виднеется церковь, справа – корпуса завода, олицетворяя собой прошлое и будущее, а между ними, связующая нить – настоящее, в котором молодой и улыбающийся Гагарин идет смело вперед.
На Родине
- 1983 г.
- Холст, масло. 100,0 х 80,0
- Белгородский государственный художественный музей
- Ж-659
Московский художник Андрей Иванович Плотнов создал целую серию картин, посвященных Юрию Гагарину. В нее вошли работы «До свидания, земляне!», «Встречают космонавта», «На Родине», триптих «На родной земле». Когда Плотнов писал их, он общался с родственниками и друзьями космонавта, не раз ездил в его родной город – Гжатск в Смоленской области.
Картину «На родине» (1983) Плотнов создал на основе эскизов, для которых Юрий Гагарин позировал ему лично.
В живописном полотне «На Родине» из фондов Белгородского художественного музея художник показывает момент возвращения Юрия Гагарина на родную землю по завершении первого в мире полета человека в космос – 12 апреля 1961 года. Космонавт изображен на фоне зеленого поля в оранжевом скафандре и шлеме с надписью «СССР», его правая рука поднята в приветственном жесте, а лицо озаряет знаменитая гагаринская улыбка.
Андрей Плотнов был единственным советским художником, который написал портрет Юрия Гагарина с натуры. «Я на всю жизнь запомнил день 2 февраля 1965 года, мой друг, близко знавший Юрия Гагарина, привёз его ко мне, и я в один сеанс написал портретный этюд этого удивительного человека и, несколько позже, своеобразный натюрморт, на котором изобразил его космические доспехи», – вспоминал позже художник.
Байконур
- 1985
- Холст, масло. 150 х 100
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-2111
Одна из основных тем творчества Юрия Походаева – космос. Таинство Вселенной, мир звезд и галактик вдохновили живописца на создание серии полотен, где романтика земных деяний возносит образ человека-творца. Часть полотен, посвященная «космической» теме, побывала в международных космических экспедициях с Ю. Малышевым и Шар-Ма (Индия), В. Джанибековым и Жан-Лу Кретьеном (Франция). "Трудно подумать, – сказал французский космонавт, – что мой московский друг не был в космосе, настолько верно и глубоко ощутил он бескрайние просторы Вселенной".
В центральной части композиции картины «Байконур» изображены три стоящих рядом друг с другом космонавта в скафандрах. Слева обозначен вертикальный корпус космической ракеты, справа – ночное облачное небо с оранжевым диском луны. Цветовая гамма холодная, усиливающая ощущение встречи с Космосом.
Портрет космонавта В. А. Джанибекова
- 1980-е гг.
- Медь, ковка, сварка. 55 х 53 х 34
- Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
- Ск-159
Кубанский скульптор Владимир Жданов за полвека создал обширную галерею портретов современников.
Портрет космонавта Владимира Джанибекова возник почти случайно, когда он приехал в Краснодар вместе со своим другом кубанцем Виталием Горбатко. У скульптора даже сохранились два шаржа, в 1980 году сделанных Джанибековым в его мастерской. Портрет «почетного гражданина Калуги, Черкесска и Хьюстона», ставшего генерал-майором авиации, самым опытным советским и российским космонавтом, который пять раз побывал на орбите в качестве командира космических кораблей, был виртуозно выкован из медного листа. Получился динамично созданный и пластически запоминающийся образ мужественного лётчика-космонавта, члена Союза художников СССР.
Джанибеков Владимир Александрович (род. 13 мая 1942, посёлок Искандер, Южно-Казахстанская область, Казахская ССР, СССР) — лётчик-космонавт СССР (1978), дважды Герой Советского Союза (1978, 1981), генерал-майор авиации (1985). В 1960 году окончил Ташкентское суворовское военное училище. Через год стал курсантом Ейского высшего военного авиационного училища лётчиков. По окончании училища в 1965 году служил лётчиком-инструктором в ВВС СССР.
С 1970 года — в отряде космонавтов. Самый опытный космонавт СССР, совершивший наибольшее число космических полётов — пять, причём все — в качестве командира корабля.
Первый полёт на корабле «Союз-27» (командир корабля) и орбитальной станции «Салют-6» (10—16 января 1978 года). Пятый полёт в качестве командира на корабле «Союз Т-13» и орбитальной станции «Салют-7» (6 июня — 26 сентября 1985 года). За успешное выполнение задач этого полёта Джанибеков награждён орденом Ленина. Общая продолжительность полётов — более 145 суток, 2 выхода в открытый космос (8 часов 34 минуты). Член Союза художников СССР. Является автором эскизов для советских (№ 5007, 5008, 5109, 5110 по каталогу почтовых марок СССР) и американских почтовых марок.
Стартует Восток. Поехали
- 1985
- Холст, масло. 150 х 100
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-923
Андрей Константинович Соколов считается одним из основоположников жанра космической живописи. Его отец, Константин Михайлович, был одним из руководителей строительства космодрома Байконур. После окончания Московского архитектурного института в 1955 году Андрей Константинович работал по специальности в составе архитектурных групп по проектированию «закрытых» спецгородков, с того же года стал участвовать в художественных выставках. С детства будущий художник любил фантастику Жюля Верна, Александра Беляева, Константина Циолковского, Рэя Брэдбери. С 1965 года после встречи на телепередаче «Звёздная эстафета» постоянным соавтором Соколова становится летчик-космонавт СССР Алексей Леонов.
«Восток-1» (или просто «Восток») – советский космический корабль из одноименной серии; также первый в мире космический аппарат, поднявший на своём борту человека на околоземную орбиту. На корабле «Восток» 12 апреля 1961 года лётчик-космонавт СССР Юрий Алексеевич Гагарин совершил первый в мире пилотируемый полёт в космическое пространство. Старт корабля состоялся с советского космодрома «Байконур» в 9 часов 7 минут по московскому времени. Корабль выполнил один оборот вокруг Земли и совершил посадку в 10 часов 53 минуты в районе деревни Смеловка Саратовской области. Длительность полёта составила 106 минут. Момент, когда корабль запускают с космодрома, со всей красочностью и величественностью изображен на полотне Соколова.
На новые орбиты
- 1986
- Холст, масло. 180 х 248
- Магнитогорская картинная галерея
- Ж-362
Картина московского живописца Бориса Окорокова рассказывает об одной из любимых тем в советском искусстве – освоении космоса, главном достижении Советского Союза. 12 апреля 1961 года было в очередной раз доказано первенство советской науки и техники над мировой. И в дальнейшем художники вдохновлялись образами астронавтов в скафандрах, звездного неба и космическими кораблями. Картина Бориса Окорокова – одно из подобных творений. Ночь. Космодром. Трое мужчин в скафандрах прощаются перед вылетом в космос.
Гобелен «Память прожитых лет»
- 1987
- Шерсть, ручное ткачество. 233 х 142
- Магнитогорская картинная галерея
- ДПИ-1349
Гобелен «Память прожитых лет» работы художника по текстилю Валентины Дмитриевой имеет яркий, передающий праздничную атмосферу колорит. Он усиливается присутствием вверху множества красных стягов. В центре композиции – три фигуры, символизирующие победы и достижения советской эпохи в Великой Отечественной войне, в металлургической промышленности, в космонавтике. Красная надпись на одном из стягов «Продолжается подвиг великий!», фигура ребенка, белые голуби, множество цветов вносят в композицию оптимистическую ноту и веру в светлое коммунистическое будущее.
На мирных орбитах
- 1987
- Холст, масло. 150 х 100
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-924
Андрей Константинович Соколов считается одним из основоположников жанра космической живописи. Его отец, Константин Михайлович, был одним из руководителей строительства космодрома Байконур. После окончания Московского архитектурного института в 1955 году Андрей Константинович работал по специальности в составе архитектурных групп по проектированию «закрытых» спецгородков, с того же года стал участвовать в художественных выставках. С детства будущий художник любил фантастику Жюля Верна, Александра Беляева, Константина Циолковского, Рэя Брэдбери. С 1965 года после встречи на телепередаче «Звёздная эстафета» постоянным соавтором Соколова становится летчик-космонавт СССР Алексей Леонов.
После запуска первого искусственного спутника Земли в 1957 году все творческие устремления Соколова были отданы теме освоения космоса. Рисунки темперой на картоне и полотна, написанные маслом на холсте, отличает подробная пропись деталей конструкции космических кораблей, пейзажей, космических явлений. Некоторые полотна Соколова составляют «мини-сериалы»: мы видим последовательные этапы строительства большой обитаемой космической станции на орбите Земли, наблюдаем за первой высадкой людей на Луне, Венере, Марсе, спутниках планет-гигантов, вместе с экипажами фотонных ракет устремляемся к звездам.
На картине «На мирных орбитах» изображен момент вероятной стыковки пилотируемого космического корабля «Союз» с научно-исследовательской орбитальной станцией «Мир», находившейся в околоземном космическом пространстве с 20 февраля 1986 года по 23 марта 2001 года. «Мир» была первой многомодульной орбитальной станцией в истории. На станции побывали 104 космонавта двенадцати государств в составе 28 экспедиций, из которых в открытый космос вышли 35 человек.
Портрет первого космонавта Юрия Гагарина
- 1987
- Бумага, цветная литография. 48,0 х 36,5
- Художественный музей «Арт-Донбасс», Донецк
Тематика космоса не обошла и Донбасс. Ко дню космонавтики в апреле 2021 г. в Художественном музее «Арт-Донбасс» была представлена серия «Звездные сыны Донбасса», выполненная в технике цветной литографии донецким художником Виктором Семисенко. Литография с ее мягким оттиском привлекала многих художников с момента появления этой печатной техники в XVIII веке. Впоследствии цветная литография широко использовалась художниками для создания книжных иллюстраций, плакатов, открыток.
Донбасс является родиной трёх выдающихся советских космонавтов: Георгия Тимофеевича Берегового, Александра Александровича Волкова и Леонида Денисовича Кизима. Их изображения входят в серию, созданную Виктором Семисенко. Центральным персонажем этой графической серии является Юрий Гагарин как символ советского космоса, человек-легенда, открывший путь к звездам всему человечеству, среди которых есть и уроженцы Донбасса.
Работа «Портрет первого космонавта Юрия Гагарина» датируется 1987 годом. Художник изобразил знаменитую на весь мир открытую улыбку героя, взгляд Гагарина направлен вверх, в космические дали. Работа полна символов: это и летящий в свободном полете человек, и очертания монумента «Покорителям космоса» в виде шлейфа взлетающей ракеты, и сам легендарный корабль «Восток-1», голубой земной шар, впервые увиденный человеком сверху, и приветственно мерцающая Большая медведица. Покорение космоса – славная страница нашей общей советской истории. И сегодня Россия остается лидером в пилотируемой космонавтике, а на родине Георгия Берегового в Енакиево (ДНР) Роскосмос открывает космические классы для подготовки будущих покорителей межзвездного пространства.
До скорой встречи
- 1988
- Холст, масло. 144 х 103
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-74
В творчестве художника Андрея Плотнова совершенно особое место отведено первому советскому космонавту Юрию Гагарину. «Я на всю жизнь запомнил день 2 февраля 1965 года, – вспоминал живописец, – мой друг, близко знавший Юрия Гагарина, привёз его ко мне, и я в один сеанс написал портретный этюд этого удивительного человека и, несколько позже, своеобразный натюрморт, на котором изобразил его космические доспехи». Большое значение в работе художника над образом знаменитого космонавта имели не только личные встречи, но и общение с членами его семьи и поездки в Гжатск – на Родину героя. Работа «До скорой встречи!» перекликается с произведением «До свидания, земляне!», где Юрий Гагарин также изображён перед полётом в космос в своем красном скафандре, ставшим всемирно известным символом победы СССР в освоении космоса.
Портрет Героя Советского Союза, летчика-космонавта Василия Григорьевича Лазарева
- 2000
- Холст, масло. 64 х 46,7
- Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
- Ж-2762
Лазарев Василий Григорьевич - известный алтайский летчик-космонавт, Герой Советского Союза (1973), полковник. Был врачом и летчиком-испытателем. Совершил космический полет в 1973 году на корабле «Союз-12». В 1975 году совершил суборбитальный полет.
Мазитов Амир Нуриахметович
1928, п. Бондюжский (ныне г. Менделеевск), Татарской АССР – 1992, КазаньЖивописец, педагог. Заслуженный художник РСФСР (1970).
Родился в посёлке Бондюжский (ныне г. Менделеевск), Татарской АССР. В 1949 закончил Казанское художественное училище. Его дипломную работу признали в Москве лучшей среди выпускников художественных училищ того года. В 1950-м поступил в Ереванский художественный институт, перевёлся в Московский художественный институт им. В. И. Сурикова на факультет станковой живописи. Учился под руководством прославленного мастера Д. К. Мочальского.
После окончания института в 1955 по распределению уехал в Ярославль. Преподавал в Ярославском художественном училище. Член Союза художников СССР с 1958.
Работал в разнообразных жанрах: это монументальная и станковая живопись, исторические и бытовые темы, пейзажи, портреты и натюрморты. Выставлялся на многих Всесоюзных и зарубежных выставках в Финляндии, Москве (1954, 1957), Вене (1959). В 1957 его картина «Утро на привале» участвовала в международной художественной выставке в Москве, посвящённой VI Всемирному фестивалю молодёжи и студентов.
В 1964–1968 и 1970–1977 — председатель правления Ярославского Союза художников. В Ярославле получил звание "Заслуженный художник РСФСР" в 1970, а в 1968 был удостоен премии Ленинского Комсомола за тематический цикл «Барабанщик», «Сигнал», «Чайка». Лауреат областной премии Ленинского комсомола (1970).
В 1979 вернулся в Казань. С 1988 по 1991 являлся членом Правления художников Татарской АССР. С 1982 председатель правления Союза художников Татарской АССР.
Степанов Алексей Матвеевич
1923, дер. Чемодановка, Бессоновский р-н, Пензенская область – 1989, Алма-АтаРодился 19 января 1923 года в деревне Чемодановка Бессоновского района Пензенской области. В 1943 окончил Пензенское художественное училище, учился у И. Горюшкина-Сорокопудова, А. Постнова, М. Валукина. В 1952 – ЛИЖСА им. И. Е. Репина АХ СССР, учился у Б. Фогеля, М. Авилова. Участник выставок с 1952. Член СХ СССР с 1954. Жил и работал в Алма-Ате с 1952. Народный художник Казахской ССР. Участник ВОВ. Награжден медалями СССР.
Жбанов Виктор Михайлович
1920, г. Старица, Тверская губерния — 1988, г. Раменское, Московская областьЗаслуженный художник РСФСР. Художник декоративно-прикладного искусства. Член Союза художников СССР. Участник Великой Отечественной войны. Родился в 1920 в городе Старица Тверской губернии. С юности обладал природным талантом, который проявлялся в мастерстве и точности рисунка, тонком восприятии цвета и формы. В 1946 году поступил в Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В. И. Мухиной. Был учеником И. П. Степашкина и П. Д. Бучкина.
В 1951 году стал художником Ленинградского фарфорового завода (ЛФЗ) им. Ломоносова, эта работа стала для живописца делом всей его жизни. Обладая уникальным художественным дарованием и авторской фантазией, он создавал свои сказочные образы, рождавшиеся из мира природы. Каждая его работа отличалась оригинальностью и выразительностью рисунка. Декоративная ваза, тарелка, сервиз или живописный пласт – во всем чувствуется талант автора. Художник был мастером подглазурной и надглазурной росписи по формам, созданным коллегами Б. Я. Воробьёвым, С. Е. Яковлевой, А. И. Борисовым, скульптором П. Веселовым. Участник выставок с 1957 года. Персональная выставка (без каталога, совместно с женой, А. Н. Семёновой) в 1988 в «Чайном домике» Летнего сада (Санкт-Петербург).
Награды: Орден Великой Отечественной Войны 2 степени, дипломы и медали ВДНХ.
1960 – диплом за участие в конкурсе 3-го Ленинградского фестиваля молодёжи.
1967 – медаль выставки "50 лет Советской власти".
1970 – медаль выставки, посвященной 100-летию В. И. Ленина.
Работы хранятся в ГРМ, Музее ЛФЗ, ГМК, Кемеровском областном музее изобразительных искусств и других музеях страны.
Походаев Юрий Архипович
1927, ЕссентукиРодился 16 июля 1927 года в г. Ессентуки. Участник Великой Отечественной войны. В 1954 году окончил Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова. Народный художник СССР. Работы Ю. А. Походаева хранятся в Третьяковской галерее, многих музеях России и зарубежья.
Муллашев Камиль
р. 1944Родился 27 октября 1944, в Урумчи в Китае. В 1967 окончил Алматинское художественное училище им. Н. В. Гоголя. В 1978 – МГХИ им. В. И. Сурикова, учился у Т. Салахова. Участник выставок с 1974. Член СХ СССР с 1980. Член Академии художеств китайской живописи СУАР КНР. Работал в Алма-Ате с 1978. Живет и работает в Астане с 2010. Академик Академии художеств РК. Награжден орденом «Знак Почета».
Некрасов Илларион Григорьевич
1929, с. Поротниково, Новосибирская обл. – 2012, Санкт-ПетербургХудожник-график, педагог. Родился в селе Поротниково Новосибирской области. Окончил Казахское художественное училище и графический факультет Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина, затем там же преподавал. Занимался офортом, линогравюрой.
Шилов Александр Максович
1943, Москва - настоящее времяЖивописец, график. Учился в изостудии Дома пионеров (Москва, 1957–1962), в МГХИ им. В. И. Сурикова (1968–1973). Участник выставок с 1971. Народный художник РСФСР
Леонов Алексей Архипович
30 мая 1934 года, Тисульский район, Западно-Сибирский край, РСФСР – 11 октября 2019 года, МоскваЛетчик-космонавт СССР № 11. Дважды Герой Советского Союза (1965, 1975), генерал-майор авиации (1975).
Родился 30 мая 1934 в Листвянке, Западно-Сибирский край. После переезда семьи в Кемерово, увлёкся росписью русских печей, что помогало обеспечивать питание семье, где было девять детей. Этому искусству он научился у переселенцев из Украины. В 1948 семья переехала в Калининград. Окончил среднюю школу в 1953 и хотел поступать в Академию художеств в Риге, Латвия, но решил не поступать из-за высокой стоимости обучения. Поступил в украинскую подготовительную летную школу в Кременчуге.
В 1957 окончил Чугуевское военное авиационное училище лётчиков Украинской ССР. В 1960 году был зачислен в первый отряд советских космонавтов. 18—19 марта 1965 совместно с Павлом Беляевым совершил полёт в космос в качестве второго пилота на космическом корабле «Восход-2». В ходе полёта осуществил первый в истории космонавтики выход в открытый космос, проявив при этом исключительное мужество, особенно в нештатной ситуации, когда раздувшийся космический скафандр препятствовал его возвращению в космический корабль. За успешное осуществление полёта и проявленные при этом мужество и героизм подполковнику Леонову Алексею Архиповичу 23 марта 1965 присвоено звание Героя Советского Союза с вручением ордена Ленина и медали «Золотая Звезда».
Плотнов Андрей Иванович
1916, д. Верхняя Павловка Данковского уезда Рязанской губ. – 1997, г. МоскваЖивописец, график, военный художник Студии при Главном политическом управлении пограничных войск, член Студии военных художников, член Московского Союза художников. Заслуженный художник РСФСР (1968).
Родился в деревне Верхняя Павловка Данковского уезда Рязанской губернии (ныне Данковский район) в семье крестьянина и навсегда сохранил трепетное отношение к родной земле, став впоследствии в том числе инициатором создания Данковской народной картинной галереи (1968).
С 1932 жил в Москве, где с 1933 учился в Художественном техникуме Объединения государственных книжно-журнальных издательств. В 1936 по рекомендации И. Э. Грабаря был принят на живописный факультет Московского художественного института (ныне МГХИ им. В. И. Сурикова), учился у профессора Григория Шегаля, окончил институт в 1942 году. В 1943 году получил диплом и стал военным художником.
Уже в ранних работах показал себя приверженцем психологического портрета и пейзажа. В 1943 стал военным художником при Главном политическом управлении пограничных войск и в составе Художественной студии выезжал на фронт: на Курскую дугу, в Одессу, Севастополь. Он писал этюды, часто выезжал на линию фронта, где делал зарисовки военных эпизодов, бойцов Советской Армии, их героические подвиги. Однако работа художника на войне не ограничивалась сбором изобразительного документального материала. На основе живых наблюдений, набросков создал более двадцати плакатов боевой славы Красной Армии и военных плакатов «Окон ТАСС».
После демобилизации из армии в 1947 году в творческих путешествиях исследовал буквально всю родную страну, а также совершал командировки по миру – в Среднюю Азию и Казахстан, Италию, Сирию, Ливан, Англию, Бразилию, Японию, Индию, ФРГ, Испанию. Многие его этюды и законченные произведения были посвящены Новолипецкому металлургическому комбинату (Липецк); не забывал художник и своих земляков. Много работал над индустриальными пейзажами, портретами.
Всесоюзную известность Андрею Ивановичу Плотнову принесли картины на тему космоса и портреты первых советских космонавтов.
Жданов Владимир Андреевич
1937, Кубань – 2014, КраснодарСоветский и российский скульптор, автор памятников и станковой скульптуры. Заслуженный художник Российской Федерации. Родился на Кубани, окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина в 1967 году, ученик академика Михаила Аникушина, Основные произведения скульптор посвятил родной Кубани. Мастер является автором галереи портретов выдающихся деятелей истории, науки и культуры: П. П. Лукьяненко, М. И. Хаджинова, В. В. Горбатко, В. А. Джанибекова, А. И. Майстренко, В Ф. Резникова, И. Ф. Вараввы и других. Скульптор возвёл памятник великому русскому поэту А. С. Пушкину, открытие которого стало значимым событием в культурной жизни края. Немаловажное место в творчестве скульптора занимала военно-историческая тема. Им были созданы памятник Герою Советского Союза, летчику-испытателю Г. Я. Бахчиванджи и Е. Ф. Степановой, на войнах потерявшей девятерых сыновей, мемориальный комплекс в память об участниках Великой Отечественной войны в с. Павловской.
Являлся доцентом кафедры монументально-декоративного и станкового искусства факультета телерадиовещания, театрального и изобразительных искусств Краснодарского государственного университета культуры и искусств, лауреатом премии администрации Краснодарского края в области науки, образования и культуры.
Среди незаконченных работ скульптора остался образ Аршалуйс Ханджиян, которая девочкой-подростком выхаживала раненых красноармейцев на линии фронта, а потом до конца своих дней ухаживала за их могилами.
Соколов Андрей Константинович
29 сентября 1931, Ленинград – 16 марта 2007 годСоветский и российский художник-фантаст. Народный художник РСФСР (1982).
Отец художника был одним из руководителей строительства космодрома Байконур. После окончания Московского архитектурного института в 1955 году работал по специальности, в том числе в составе архитектурных групп по проектированию «закрытых» спецгородков. С 1955 года участник художественных выставок.
С детства любил фантастику и первые работы в жанре научно-фантастической живописи посвятил роману Рэя Брэдбери «451 градус по Фаренгейту». После запуска первого искусственного спутника Земли в 1957 году всё творчество А. Соколова посвящено теме освоения космоса.
С 1965 года после встречи на телепередаче «Звёздная эстафета» постоянным соавтором Соколова становится летчик-космонавт СССР Алексей Леонов. Художник-космонавт привносит в совместные работы элемент «натурной» достоверности. Отличительной особенностью живописных работ Леонова и Соколова является достоверность в изображении форм, пропорций, деталей космических аппаратов и колорита внеземных пейзажей. Главная задача, которой следовали художники – изобразить космос таким, каким он предстаёт космонавтам. Кроме того, эскизы многих полотен Андрея Константиновича побывали в космосе на борту советских космических кораблей, а затем — на основе замечаний космонавтов — на Земле дорабатывались оригинальные полотна. Произведения Соколова выставлялись в Смитсоновском институте (США), в Дрезденской галерее, в музеях Берлина, Токио, Минска, во многих городах России.
Окороков Борис Владимирович
1933, Москва – 2005Заслуженный художник РСФСР (1982). Родился в Москве. В 1952–1958 гг. учился в Московском Государственном Художественном институте им. В.И. Сурикова в мастерской В.Г. Цыплакова (преподаватели М.Л. Курилко, Ф.П. Решетников).
В 1958–1968 гг. работал в студии военных художников им. М.Б. Грекова. В 1960 г. вступил в Союз Художников СССР. Член правления МОСХ РСФСР (1971-1975).
Всесоюзную известность Борису Окорокову принесли работы на военную тематику.
В 2003 г. состоялась персональная выставка художника в Москве.
Работы хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, ГМИИ им. А.С.Пушкина, Музее русского искусства в Киеве, других крупных музеях бывшего СССР.
Дмитриева Валентина Ивановна
1952, дер. Михайловка, Тамбовская обл.Художник по текстилю. Член СХ РФ (2001). Окончила художественно-графическое отделение Тамбовского педагогического училища (1971), Московское высшее художественно-промышленное училище (1981). Во время учебы участвовала в межвузовском «потоке» (творческие встречи) художников по текстилю И. Я. Бондаря (с. Ворохта, Ивано-Франковской обл., 1977). С 1981 жила в Магнитогорске: художник-прикладник магнитогорских художественно-производственных мастерских. С 2000 работала на художественно-графическом факультете МаГУ: старший преподаватель кафедры рисунка (2000—2001), доцент (с 2001). Совершила несколько поездок в Дом творчества «Горячий Ключ» (Краснодарский край): в 1988 и 1989 в рамках республиканского «потока» художников по текстилю, в 1990 — республиканского «потока» художников-монументалистов.
Работает преимущественно в классической полотняной технике ручного настилочного ткачества, в том числе обогащенного фактурными приемами (жгуты, косы, петельный и разрезной ворс и т. п.). Создает декоративные композиции, обращается к жанрам портрета, натюрморта, пейзажа, ню. С 1978 – активная участница художественных выставок: в т. ч. зональных (Свердловск, 1985; Уфа, 1997; Екатеринбург, 2003, «Голубые просторы России», Ленинград, 1984; «Молодость России», Москва, 1987); всероссийской художественной выставки декоративно-прикладного искусства «На радость вам» (Москва, 2005)в Магнитогорской картинной галерее состоялись две персональные выставки автора (1995, 2000). Награждена дипломом СХ РФ (2005). Произведения находятся во Дворце бракосочетаний Тамбова, в Магнитогорской государственной консерватории, в Магнитогорской картинной галерее, Художественном фонде СХ РФ и частных собраниях России.
Семисенко Виктор Пантелеевич
Р. 1939, п. Бугаевка, Перевальский район, Луганская обл., УССРХудожник, график, живописец.
Родился в 1939 в небольшом поселке Бугаевка Перевальского района Луганской области. Сразу после окончания 9 классов пошел работать на шахту № 5-Бис молотобойцем. Там проявились графические способности. О себе говорит так: «Можно сказать, что мой талант проснулся в кочегарке, где я творил не рисовальным, а самым настоящим, недавно добытым из лавы углем».
Служил в пограничных войсках на границе Азербайджана и Ирана, где принял участие в художественной выставке, посвященной пограничным войскам Советского Союза. Консультантом начинающего художника из Донбасса был Таир Салахов – азербайджанский живописец, академик Академии Художеств СССР, народный художник РФ. Тогда юноша решил, что станет профессиональным художником. Окончил Львовский полиграфический институт им. Ивана Федорова, факультет графики, иллюстрации и конструирования книги. Во время учебы сотрудничал с издательством «Донбасс» и с Перевальской районной газетой «Народная трибуна». С 1968 работал в издательстве «Донбасс», на его счету оформление более 100 книг. Самая памятная – «Молодая гвардия» в поэзии». В творчестве художника преобладает шахтерская тематика. Ему удалось создать не просто масштабный цикл, но и своеобразную антологию шахтерской жизни. А образ шахтера в его творчестве имеет обширный диапазон метафорических прочтений: от символа христианского подвига смирения до достижений современной науки.
Красный флот - защита СССР от врагов
- 1924
- Бумага, хромолитография. Л. 102,5х67,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1171
Чем сильнее будет мощь флота, тем прочнее станет советская власть
- Первая половина XX века
- Бумага, хромолитография. Л. 57,2х58,6
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1164
Молодежь (Матросы)
- 1932
- Холст, масло. 110 х 83
- Государственный Русский музей
- Ж-4418
Серия портретов моряков открывает этап творчества Богородского, в который он вступает после большой отчетной персональной выставки 1931 года. Отныне его главными героями становятся моряки. «После своей выставки я поехал на Черное море. Шесть месяцев я провел на военных кораблях среди краснофлотской молодежи, заражаясь комсомольской бодростью и веселой пенистой отвагой»,— вспоминал он.
«Молодежь» может считаться живописным посвящением художника новым друзьям. Художник косвенно полемизирует с приобретающей все большую популярность фотографией, отстаивая уникальность возможностей искусства живописи в создании художественного образа. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 18.
Композиция картины ставит ее в ряд двойных портретов, выполненных Богородским в 1932 году, прямо воссоздающих ситуацию позирования фотографу или же намекающих на нее.
Композиция картины ставит ее в ряд двойных портретов, выполненных Богородским в 1932 году, прямо воссоздающих ситуацию позирования фотографу или же намекающих на нее. Художник косвенно полемизирует с приобретающей все большую популярность фотографией, отстаивая уникальность возможностей искусства живописи в создании художественного образа. Эта серия портретов открывает новый этап творчества Богородского, в который он вступает после большой отчетной персональной выставки 1931 года. Отныне его главными героями становятся моряки. «После своей выставки я поехал на Черное море. Шесть месяцев я провел на военных кораблях среди краснофлотской молодежи, заражаясь комсомольской бодростью и веселой пенистой отвагой», – вспоминал он. «Молодежь» может считаться живописным посвящением художника новым друзьям. (Л.Б.). Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 229.
Краснофлотцы
- 1934
- Холст, наклеенный на картон, масло. 39 х 35
- Государственный Русский музей
- Ж-11502
В первой половине 1930-х годов Б. Н. Ермолаев создает целую галерею портретных изображений краснофлотцев и морских командиров. «Морская тема» влечет его едва ли не с юности: Ермолаев делил учебу в художественных мастерских с работой матросом в Торговом порту. Будучи первоклассным рисовальщиком, Ермолаев в живописи 1930-х годов стремится следовать традициям наивного искусства, сознательно подчиняя этой задаче свои художественные умения. Работая по натурным зарисовкам в условиях мастерской, он любовно и тщательно выписывает своих персонажей, вместе с тем почти лишая их материальной реальности, создавая сгущенную атмосферу особого мира своей живописи наподобие того, как это делал в своей прозе его современник Андрей Платонов. // Тамара Чудиновская. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 226.
Состоявшаяся в 1930 году в Русском музее выставка Нико Пиросманишвили оказала сильное воздействие на становление живописного языка Ермолаева. Художник и ранее тяготел к формам наивного искусства, вывеске, лубку, к таким профессиональным мастерам, как малые голландцы или А.Венецианов, сохранившие в своих произведениях устойчивый и ясный взгляд на предмет изображения. Работая по натурным зарисовкам в условиях мастерской, он любовно и тщательно выписывает своих персонажей, вместе с тем почти лишая их материальной реальности, создавая сгущенную атмосферу особого мира своей живописи наподобие того, как это делал в своей прозе его современник Андрей Платонов.
Предметы из чайного сервиза «Поход Челюскина»
- 1934
- Фарфор, роспись надглазурная, золочение, цировка;.
- Государственный Русский музей
- СФ-284-289
Сливочник с крышкой 7,5 х 10,2 х 6,5
Сахарница с крышкой 8,4 х 10,2
Чайник с крышкой 12,5 х 18 х 10,8
Чайник с крышкой 9 х 12,9 х 8
Чашка с блюдцем 6,9 х 8,8 х 7,1; дм блюдца — 13,8
Чашка с блюдцем 6,8 х 9,1 х 7,1; дм блюдца — 13,8
Эпопея ледокола «Челюскин», за спасением экипажа которого в начале 1934 года следил весь Советский Союз, нашла широкое отражение в разных видах искусства. В собрании Русского музея она представлена образцами скульптуры (этюд Веры Мухиной к скульптуре «Борей» для проекта памятника челюскинцам), графики (ксилография Федора Смирнова «Встреча челюскинцев» С.Гр.-4090; иллюстрация Василия Кобелева к книге «Как спасали Челюскинцев», С.Гр.-1836), декоративно-прикладного искусства (чайный сервиз «Поход „Челюскина“», выполненный на Ленинградском фарфоровом заводе имени М.В.Ломоносова), а также работами народных мастеров. Руслан Бахтияров. К берегам Антарктиды и Арктики || К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С.7.
Пароход, названный в честь русского мореплавателя и исследователя Севера Семена Челюскина (1700? — 1764/1766?), вышел из Мурманска во Владивосток 2 августа 1933 года. Предполагалось, что пароход откроет регулярную навигацию по Северному морскому пути и тем самым подтвердит приоритет Советского Союза в Арктике. Но 23 сентября он был заблокирован льдами в Чукотском море и дрейфовал почти пять месяцев. 13 февраля 1934 года «Челюскин» был раздавлен льдами и затонул. Люди сошли на окружающие льды, им удалось даже перенести кирпичи и доски, из которых они построили бараки. В результате катастрофы на льду оказались104 человека, в том числе дети. Трагедия в Беринговом проливе всколыхнула всю страну. В Москве был создан штаб по спасению челюскинцев. Эвакуацию решено было осуществлять с помощью авиации. С 5 марта по 13 апреля 24 рейсами челюскинцы были вывезены на материк летчиками Анатолием Ляпидевским, Василем Молоковым, Николаем Каманиным, Маврикием Слепневым, Михаилом Водопьяновым и Иваном Дорониным. 19 июня 1934 года в Москве участники экспедиции были торжественно встречены руководителями государства и жителями столицы. Летчики, снявшие челюскинцев со льдины, стали первыми Героями Советского Союза. К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С. 48.
Ленинградский порт. Лесоэкспортная механизированная гавань
- Правая часть триптиха "Ленинградский порт"
- 1935
- Холст, масло. 200 х 297
- Государственный Русский музей
- Ж-4486
Две части триптиха Дроздова интересны как опыт новаторских исканий в творчестве художника, придерживающегося традиционных форм в искусстве. Новый подход подчеркивается каждой деталью многочастной композиции, форматным решением, светлым и радостным колоритом. Образ кипучей жизни речного порта, с его шумным мощным движением, был созвучен энтузиазму „страны строящегося социализма", оптимизму первых пятилеток. Альфия Низамутдинова // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 314.
Морской флот - могучий страж водных рубежей
- 1937
- Бумага, хромолитография. 70х100
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-229
Бойцы за учебой
- Серия "Червона Украина"
- 1938
- Бумага, литография. Л. 48,0 х 63,0; И. 31,0 х 40,0
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-4944
«Червона Украина» (ранее «Адмирал Нахимов») — первый советский крейсер Черноморского флота. С 1927 года корабль использовался для учебных походов. В ходе Великой Отечественной войны участвовал в обороне Одессы и Севастополя, где потерпел крушение, став единственным затонувшим в 1941-1945 годах советским крейсером.
Красное Сормово
- 1939
- Холст, масло. 100,0 х 150,0
- Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
- Ж-134
В 1931 году Пётр Котов вступил в ряды только что образованного Московского Отделения Союза Советских художников. В годы долгих творческих поездок по стране он создавал этюды и монументальные работы, посвящённые трудовым будням советских людей. Героями его работ становятся труженики полей, заводов, крупных социалистических строек. Как вспоминал сам художник, в этих поездках он не только оттачивал мастерство передачи натуры, но и близко знакомился с жизнью своих современников.
Работа «Красное Сормово» (1939) была написана в годы поездок художника на одноимённый судостроительный и судоремонтный завод Сормовского района Горьковской (ныне Нижегородской) области. Картина является авторским повторением работы «Красное Сормово» (1937), экспонировавшегося на выставке «Индустрия социализма» и ныне хранящегося в Саратовском художественном музее им. А. Н. Радищева. Сам Котов называл эту картину своей «первой довольно серьёзно проработанной живописной вещью». К ней художник собирал материал больше года. Репродукция картины была отпечатана на открытках для Всемирной выставки в Нью-Йорке 1939 года, где Котов демонстрировал написанную по заданию правительства работу «Садоводы в гостях у Мичурина» (ГРМ).
Комсомол - шеф над Красным флотом. 75% флота - комсомол
- Первая половина XX века
- Бумага, хромолитография. 70,0х105,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1394
На Сталинградский фронт
- 1942
- Холст, масло. 140,0 × 250,0
- Самарский областной художественный музей
- Ж-745
В начале 1940-х г. в Куйбышев приехал московский художник Михаил Сидоров. Среди его работ, выставленных в 1942 году, выделяется большая многофигурная композиция «На Сталинградский фронт», посвященная реальному событию. С причала Куйбышевского порта отправляется пароход в Сталинград, где развернулась тяжелая кровопролитная битва, во многом решившая исход Великой Отечественной войны. Садящиеся на пароход солдаты и матросы шутят, смеются, приветствуют друг друга, не догадываясь, что впереди их ждет трагическая гибель: известно, что этот пароход в числе других был потоплен фашистами в августе 1942 года.
Работа недостаточно прописана, заметно, что художник торопился, готовя картину к выставке, но, в любом случае, для нас она является подлинным историческим и мемориальным документом.
Проводка каравана в Белом море
- 1944
- Бумага, гуашь. 31 х 42,8
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Г-5940 АОМИИ
Нахимовец на Авроре
- 1948
- Литография. И.:64,5 х 41,5. Л.:84,0 х 60,0
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-6566
Защитникам морских рубежей Советского Союза - Слава!
- 1949
- Бумага, офсет. 56,2 х 79,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-810
Привезли продукты
- Из серии «Нефтяные камни»
- 1956
- Бумага, автолитография. 49 x 40
- Азербайджанский Национальный Музей Искусств (Баку)
- Q-1292/1 (1)
Азербайджанская художница Марал Рахманзаде на протяжении жизни не раз посещала все уголки Азербайджана, создав многочисленные серии пейзажей родного края. Огромную популярность художнице принесла большая серия акварелей, литографий и линогравюр, посвященных легендарным Нефтяным Камням. Марал Рахманзаде была первым художником, которая поехала работать на Нефтяные Камни. Находясь среди нефтяников, наблюдая их трудовые будни, быт, она рисовала промысловые пейзажи Каспия, строительство эстакад, нефтяные резервуары, вышки, налив нефти. Так появились рисунки, акварели и литографии, изображающие наиболее характерные эпизоды трудовой жизни нефтяников Каспия, и к этой теме художница неоднократно возвращалась. За данную серию М. Рахманзаде была удостоена Государственной премии Азербайджана.
Литография «Привезли продукты» входит в серию «Нефтяные камни» (1956). Повседневная героика простых нефтяников нашла свое воплощение и в данном графическом листе, где изображены люди на катере, подплывающие к эстакаде. Пронзительные лучи солнца, брызги волн, летящие чайки создают определенный ритм, гармонично сочетающийся с жизнеутверждающим колоритом произведения.
На Жигулевском море
- 1957
- Холст, масло. 111 × 182; в раме 128 × 200 × 10
- Самарский областной художественный музей
- Ж-964
К началу 1950-х Олег Карташев сложился как мастер пейзажа. Каждый пейзажист ищет и находит в природе созвучные его душе, таланту, мысли и настроению мотивы. Для Карташева мир природы был необъятным и удивительным в самых обыденных проявлениях. Почти никогда в его произведениях не выражаются настроение тревоги, беспокойства. Ему ближе радость светлых солнечных дней.
С 1955 года О. Н. Карташев несколько лет подряд работает в Жигулях. Он кочует по берегам Волги в Царевщину, на Бахилову Поляну, в село Федоровка, в места, где строилась Куйбышевская ГЭС.
Карташёв показал современную ему Волгу, создал своеобразную «Жигулевскую сюиту» (1957). В ней перед зрителем развертывается картина своеобразной природы и жизни Волги у Жигулей. С завершением создания каскада волжских водохранилищ и каналов (1930–1964) произошли грандиозные перемены, превратившие главную водную магистраль России в Большую Волгу с новыми морями, гидроэлектростанциями, городами и промышленными предприятиями.
Тогда же Карташёвым была задумана серия картин под названием «Волга – главная улица России». Над этим циклом художник работал до последних дней. В него вошел ряд совершенно разных по характеру картин, отображающих современные автору реалии.
В одной из своих статей в журнале «Художник» живописец писал: «Показать огромные изменения, происходящие с необычайной быстротой в жизни нашего края, – интересная и сложная задача. Решить её можно лишь при условии, если художник поймёт и увидит сущность изменений и сумеет отличить эту сущность от случайных примет». И он стремился показать Волгу сегодняшнего дня, показать её как «главную улицу России».
Своеобразную «жигулёвскую сюиту» составляют три произведения, созданные автором к 40-летию Советской власти: «В Жигулях», «У Жигулёвских ворот» и «На Жигулёвском море» (1957). Наиболее глубоко образ Большой Волги тех лет воплощается в последней картине. Необозримый простор нового моря, созданного руками человека. И весь пейзаж наполнен движением. Языки мола вклиниваются в водную гладь, повсюду снуют суда. Теплая колористическая гамма, яркая освещенность вносят радостное чувство.
Погрузка «Оби»
- 1960
- Холст, масло. 170 х 232,4
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-567
Михаил Григорьевич Пясковский, в отличие от многих своих современников, трактовал индустриальную тему скорее эмоционально, чем рационально. Композиция некоторых его индустриальных картин построена на контрасте между миром людей и миром техники – и «Погрузка “Оби”» не исключение. Здесь, среди кранов, машин и судов, энергично течёт будничная жизнь портовых рабочих, занимающихся привычными рутинными делами. На представленной картине зритель видит процесс погрузки различных предметов на известный дизель-электроход «Обь», бывшего флагманом Советских Антарктических экспедиций в 1955-1975 годах. Это транспортное судно ледового класса, спущенное на воду 10 октября 1953 года и имевшее портом приписки Мурманск, долгие годы служило плавучим общежитием для исследователей антарктических вод.
Караван
- 1961
- Холст, темпера. 39 х 41
- Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
- Ж-344
В начале 1960-х годов алтайскими художниками Владимиром Добровольским и Семеном Черновым была создана серия работ «Обь целинная», одна из них – «Караван». Работы, выполненные в «суровом стиле», образно и ярко рассказывают о человеке-труженике.
В плавучем доке
- 1970
- Холст, масло. 85,0 x 120,0
- Мурманский областной художественный музей
- Ж-97
Темы произведений Василия Баранова — Мурманск в военные и послевоенные годы, люди, трудящиеся в тяжелых условиях Севера, море, зарисовки суровой и хрупкой природы Заполярья.
Перед нами морской индустриальный пейзаж. Мы видим судно в так называемом плавучем доке. Плавучий док в современной терминологии является техническим сооружением, предназначенным для проведения осмотра и ремонтных работ подводной части корпуса судна. Это плавучая платформа под дном, в стенках которой находятся шестнадцать резервуаров, которые держат док на плаву. В резервуарах открываются клапаны, и они заполняются водой. Платформа под тяжестью опускается на различную глубину в зависимости от размеров судна. Когда буксиры подводят судно к плавучему доку, он начинает погружение. Каждое судно и корабль буквально втягивается в док тросами, закрепленными к корпусу. Корабль удерживают по центру плавучего дока посредством канатов. Корпус корабля неидеально гладкий, поэтому, когда плавучий док начинает подниматься, судно не стоит ровно на балках. Тут и начинается самая опасная часть постановки. Под воду опускается ныряльщик, который будет проводить осмотр и корректировать действия докеров для точной постановки на кильбалки. Если блоки не будут подогнаны вплотную ко дну, при подъеме корабля из воды корпус может получить серьезные повреждения. Это самый критический момент при подъеме. Когда все закончено, вода откачивается со скоростью 110 куб. метров в минуту. В результате плавучий док поднимает корабль из воды. Процесс занимает около 20 минут.
Новый порт
- 1970
- Холст, масло. 69 x 113
- Мурманский областной художественный музей
Герман Шемякин – автор картин с ярким колоритом и настоящим северным характером. Одна из таких работ – «Новый порт». Прежде чем приступить к работе, художник много времени проводил в порту, напитываясь его атмосферой и образами, которые затем воплощал на холсте. Группа судов в данном произведении умело и пластично соединена в единое целое. Многие свои работы Герман Шемякин посвятил теме порта, который сыграл значительную роль в истории и становлении города.
У истоков возникновения порта на Мурмане лежат рыбацкие становища, которые первые поселенцы основали на Мурманском берегу еще в XV веке. Необходимость оборудования специальных мест, где промысловые суда могли бы пережидать непогоду, сдавать улов, а также получать необходимые орудия лова, соль, пресную воду и продовольствие, стояла достаточно остро. В сентябре 1915 года была возведена временная пристань, куда пришвартовался пароход «Дротт», а через год был заложен город, получивший название Романов-на-Мурмане, который в дальнейшем переименовали в Мурманск. Благодаря Мурманску Россия получила выход в Атлантический океан, а также возможность освоения Арктики и передвижения по Северному Ледовитому океану через Северный морской путь. В военные годы порт стал надежной опорой для обороны Заполярья и основным каналом доставки грузов.
В послевоенное время порты Мурманска стремительно наращивали объемы грузооборота, несколько раз подвергались реконструкции и расширению. Многие работы в портах более эффективно выполнялись с помощью техники. В 1971 году в Мурманском морском рыбном порту было около 140 единиц различного перегрузочного оборудования, из них 62 крана.
Гигантские портальные краны Мурманского морского торгового порта давно стали настоящей визитной карточкой столицы Кольского Заполярья. Эти машины, напоминающие сказочных великанов, многие годы служили источником вдохновения для художников и фотографов, работающих в различных жанрах.
Мурманск во всем мире известен как город рыбаков. Мурманский морской рыбный порт и Мурманский морской торговый порт по праву считаются главными и важнейшими предприятиями города.
В 2016 году к вековому юбилею столицы Заполярья был реализован проект архитектурно-художественного освещения Мурманского морского торгового порта, а портальные краны превратились в новый промышленный арт-объект.
Плавучий док – это инженерное сооружение, предназначенное для ремонта и транспортировки судов, а также их подъема и спуска на воду.
Ремонт колхозных судов
- 1974
- ДВП, масло. 49 х 74
- Сахалинский областной художественный музей
- Ж-573
Именно в 1970-е годы в отечественном искусстве окончательно утверждается дифференцированный процесс творческого освоения действительности, что давало отечественному художнику определенную долю свободы. Однако отстоять своё право на индивидуальное творчество и освободиться от строгой официальной регламентированности было под силу исключительно художнику, способному проявить не только высокий профессионализм, но и огромную творческую волю.
Противоречивость культурных тенденций 1970-х годов явилась для сахалинского художника Вениамина Риделя началом внутреннего мировоззренческого конфликта. Оставив профессию театрального художника, в своей профессиональной деятельности станкового художника он продолжал зависеть от социального заказа.
«Ремонт колхозных судов» (1974) и «Отделочницы» (1972) были представлены на 4-ой зональной выставке 1974 года.
Рыбацкий край
- 1974
- Холст, масло. 145 х 200
- Приморская государственная картинная галерея (Владивосток)
- Ж-1754
Творчество Ивана Рыбачука – плоть от плоти национальной художественной традиции реалистического искусства. В длительных ежегодных морских странствиях от Приморья до Чукотки родилась главная тема творчества художника – Дальний Восток. Картина «Рыбацкий край» – морской пейзаж с плавбазой и сейнерами на промысле возле Охотска – была отреставрирована в 2021 году. Тогда же она экспонировалась в Приморской государственной картинной галерее на юбилейной выставке «Народный художник России Иван Рыбачук. Живопись» к 100-летнему юбилею мастера.
Колхозные рыбаки на Преголе
- 1978
- ДВП, бумага, темпера. 53 х 79
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-1542
На картине «Колхозные рыбаки на Преголе» Михайловский изобразил калининградский дворец спорта «Юность», открывшийся летом 1978 года и ставший одной из главных достопримечательностей города того времени. В особенности полюбился калининградцам фасад, украшенный монументальной композицией с изображением физкультурников, выполненной в технике сграффито с помощью разноцветной штукатурки. Рельефы вдоль набережной были созданы известным калининградским скульптором Израилом Гершбургом. Справа от дворца спорта расположился памятный знак рыбакам-пионерам океанического лова, который также был установлен в 1978 году в память о первых промысловых сельдяных экспедициях, отправившихся с калининградских берегов Балтийского море в Атлантический океан. До сих пор на основании постамента можно найти две надписи, выполненные объемными металлическими буквами: «Пионерам океанического лова» и «Светлой памяти рыбаков, погибших в море».
В Калининградском порту
- 1979
- Холст, масло. 114,4 х 124,8
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-561
Изольда Семёновна Сорочкина и Алексей Николаевич Грачев принадлежали к молодому поколению художников, пришедших в советское искусство в 1970-е годы. Новое поколение художников отказывалось от патетики соцреализма – этот стиль, связанный в первую очередь со сталинской эпохой, отживал свое, уступая место новой искренности в изображении людей труда. Художников завораживала индустриальная культура, ее динамика и образный ряд. Во многом они ориентировались на художественные открытия, сделанные Георгием Нисским, Таиром Салаховым и другими представителями «сурового стиля», которые часто работали в жанре индустриального пейзажа.
Главной фигурой того времени стал механизатор — крановщик, водитель погрузчика, машинист. Именно этим людям и их труду посвящена представленная картина. Грачев и Сорочкина стремились правдиво выразить дух времени, не ориентируясь на живописные каноны предшественников. Часто, работая над тем или иным сюжетом, они жили в рыболовецких колхозах, проводили дни и ночи в рыбном порту и отправлялись с моряками в Атлантику. Правдивость и отсутствие романтизации были главным критерием качества для художников, отсюда и столь скрупулезное изучение быта и повседневной жизни героев их картин. Художники изобразили будни портового города в экспрессивной, динамичной манере. Ее создает и избранный авторами высокий ракурс, и в особенности жесткий геометризм форм. Такая строгая линейность в сочетании со сдержанными цветами была отличительной чертой многих урбанистических пейзажей.
В ремонте
- 1979
- Холст, масло. 163 х 110
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-732
Одна из самых интересных работ Михаила Пясковского, признанного классика калининградского искусства, создателя масштабных тематических картин, пейзажей, – «В ремонте». Она является своего рода символом восстановления нашего региона, известного своими судостроительными и судоремонтными мастерскими. Символизм подчеркивается и названием корабля, стоящего в доке Светловского судоремонтного завода – «Балтика». Корабль здесь называется «Балтика», но раньше он носил имя «Вячеслав Молотов», будучи знаменитым советским океанским лайнером. Картина обращает на себя внимание необычным ракурсом, выбранным художником. Вертикальный разворот судна передает ощущение устремленности ввысь и делает работу масштабной. При этом люди, стоящие рядом, не выглядят незначительными по сравнению с громадой: своей созидательной деятельностью они причастны величию корабля. Примечательно, что Михаил Григорьевич видел море и морские суда не только с берега. Он бывал в творческих командировках в Атлантике, провел на промысле вместе с рыбаками не один месяц. На долгие годы творческую судьбу мастера определило своеобразие прибалтийской природы и возрождающийся из руин город.
Всесоюзный день рыбака
- 1980
- Оргалит, темпера. 120 x 80
- Мурманский областной художественный музей
- КП-2203
Плакат мурманского художника-плакатиста Александра Тарановского посвящен Всесоюзному дню рыбака. В советское время рыболовство активно развивается и становится ведущей отраслью экономики целых регионов. 3 мая 1965 года указом Президиума Верховного Совета СССР был учрежден ежегодный праздник.
День рыбака – один из любимых праздников жителей Кольского Заполярья. Традиционно рыбаки отмечают свой профессиональный день во второе воскресенье июля. Первый «День рыбака» в Мурманске состоялся 21 июня 1964 года. Эта дата была выбрана неслучайно. Советские граждане отмечали годовщину выхода в рейс в 1920 году траулера «Зубатка» под командованием капитана Ф. М. Михова. Этому событию предшествовало освобождение Мурманска и Архангельска от интервентов.
В 1964-м году торжества проводили с размахом. Был организован парад промысловых кораблей на рейде рыбного порта, проведено карнавальное шествие и представление на главном стадионе областного центра. Организаторы заготовили 25 тысяч памятных значков и плакатов, издали брошюры с воспоминаниями ветеранов и описанием работы передовиков – новаторов тралового промысла.
И в наше время «День рыбака» остается одним из главных праздников для жителей города-порта. Ежегодно каждое второе воскресенье июля в Мурманске проводятся концерты, ярмарки и другие праздничные мероприятия.
Резерв
- Из серии «Северный флот»
- 1980
- Бумага, энкаустика. 40 х 60
- Музейно-выставочный центр (г. Когалым)
- ОФ-54
Работа «Резерв», выполненная в техники энкаустики, входит в серию «Северный флот» Леонида Корсакова.
Предположительно, художник изобразил стоянку военных кораблей у пирса Морского вокзала в Североморске. Город Североморск – морской порт на восточном берегу незамерзающего Кольского залива Баренцева моря, главная военно-морская база Северного флота России.
Ритмы Звениговского судостроительного
- 1985
- Холст, масло. 120 х 130
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- Ж-374
Индустриальный пейзаж картины Заслуженного деятеля искусств Марийской АССР Алексея Ивановича Бутова, рассказывает о судостроительно-судоремонтном заводе в городе Звенигово (Республика Марий Эл). В 1980-х годах на заводе строили и ремонтировали буксиры-толкачи, а также баржи для сыпучих грузов. Завод имел собственный приписной флот. Экипажи работали на волжских маршрутах, перевозили древесину, гравий, соль, серу, металлы.
Рахманзаде Марал Юсиф кызы
1916, Баку, Бакинская губерния – 2008, БакуСоветский и азербайджанский художник-график, иллюстратор, плакатист. Народный художник Азербайджанской ССР (1964).
Родилась в Баку. В 1930–1933 училась в Азербайджанском Государственном художественном техникуме. В 1934–1940 продолжила образование в Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова. Первая азербайджанка, получившая профессиональное художественное образование.
В годы Великой Отечественной войны создала большие графические станковые серии патриотического содержания. Одна из них посвящена героизму советских женщин в годы войны («Народное ополчение», «Женщины в строю», «Дочь партизана», «Связистка»); другая – труду людей в тылу («Работа в колхозе», «Общественницы», «Артисты выступают перед фронтовиками»).
В 1940-е работала над иллюстрированием художественной литературы. В 1945 оформила книги «Дахнаме» Хатаи и «Страна огней» А. Зограббекова, также исполнила иллюстрации к произведениям «Девичья башня» и «Гюльзар» Дж. Джаббарлы.
В послевоенные годы продолжала работать в области станковой графики. В 1947 на юбилейной выставке впервые была экспонирована серия автолитографий «Нефть» из 10 листов об истории нефтяного края. Также автор серии автолитографий под названием «У нас на Каспии».
В последующие годы работала в технике линогравюры. В этой технике созданы работы, посвящённые заводам-гигантам двух молодых городов – Сумгаита и Рустави. В 1960-х годах после поездок в отдаленные районы Азербайджана созданы серии цветных линогравюр «Моя родина» и «Азербайджан», посвященных в том числе и природе Нахичевани.
Сотрудничала с издательствами; автор политического плаката «Советская женщина – активный строитель коммунизма!» (1950)
Лауреат Государственной премии Азербайджанской ССР им. М. Ф. Ахундова (1965).
Баранов Василий Григорьевич
1912, д. Поташино Смоленской губернии – 1978, МурманскГрафик, живописец, Заслуженный работник культуры РСФСР. Член Союза Художников с 1961 года.
Родился 12 апреля 1912 года в деревне Поташино Смоленской области. Окончил Ленинградское художественно-педагогическое училище в 1937 году. После окончания училища художника призвали служить на Северный флот в город Полярный. В военные года он служил матросом, а потом младшим командиром в Мурманске.
Ветеран Великой Отечественной войны. Один из известных мастеров изобразительного искусства Кольского Заполярья, инициатор создания отделения Союза художников в Мурманске (1965), впоследствии ставший его первым председателем. Имя Баранова занесено в книгу Почёта Мурманской области.
Именно период службы на севере и участие в Великой Отечественной Войне стали самыми важными в формировании личности Василия Баранова как художника.
Принимал участие в работах по маскировке кораблей, зенитных батарей и других военных объектов, в выпуске сатирических плакатов «Таран» и «Окна, «Полярной правды». В прифронтовом Мурманске, который почти ежедневно подвергался налетам вражеских самолетов и бомбардировкам, художник находил возможность делать зарисовки, писать этюды. Награжден орденом Красного Знамени, орденом Красной Звезды, медалью «За боевые заслуги», медалью «За оборону Советского Заполярья», медалью «За победу над Германией в Великой Отечественной войне 1941–1945 годов».
Темы его работ – Мурманск в военные и послевоенные годы, люди, которые служат в тяжелых условиях севера, море, неяркие зарисовки суровой природы Заполярья.
Судьба и стечение обстоятельств, исторические события, склад характера, наследственность, талант – все это вместе дало ту необыкновенную личность, которая стала одной из ключевых фигур изобразительного искусства, отражающего всю специфику жизни Кольского Севера.
В собрании Мурманского областного художественного музея находится 117 графических и живописных произведений автора. Имя В.Г. Баранова занесено в Книгу Почета Мурманской области.
Шемякин Герман Андреевич
р. 1938, г. МурманскЖивописец, член Союза художников СССР (1971). Родился в 1938 году в г. Мурманске. После окончания Казанского художественного училища вернулся жить и творить в родной город. Художник посвятил малой родине не только прекрасные картины, но и стал автором известных нагрудных значков «Праздник Севера», «Мурманск» и «Север».
Ридель Вениамин Александрович
20.06.1934, Ленинград – 18.07.2000, Южно-СахалинскЖивописец, график. Окончил среднюю художественную школу при институте им. И. Е. Репина (1955); Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (1956–1961; театральное отделение живописного факультета). С 1961 – на Сахалине. 1961–1964 – работа художником в Государственном драматическом театре им. А. П. Чехова. 1961–1990 – работа в Сахалинских художественно-производственных мастерских Южно-Сахалинска. 1967–1968 – работа художником в Областном драматическом театре им. А. П. Чехова. Член Союза художников с 1968. 1960-е – 1970-е – сотрудничество с Дальневосточным и Сахалинским книжными издательствами в области иллюстрации.
Участник областных (1968-2000, Южно-Сахалинск); молодежных (1966, Хабаровск); 2-й, 3-й, 4-й зональных (1967, Владивосток; 1969, Улан-Удэ; 1974, Владивосток); республиканских (1982, Хабаровск); зарубежных (1993, Ямагата; 1996, Ниигата; 1998, Саппоро/Япония) выставок. Персональные выставки экспонировались в Южно-Сахалинске (2000, 2001). В 1960-х – 1970-х сотрудничал с Сахалинским отделением Дальневосточного книжного издательства в области иллюстрации. Работы находятся в собрании Сахалинского областного художественного музея, частных коллекциях России.
Рыбачук Иван Васильевич
1921, село Збараж Казатинского района Киевской области - 2006, ВладивостокЖивописец. Портретист, пейзажист, мастер натюрморта и сюжетно-тематической картины. Заслуженный художник РФ (1996). Народный художник РФ (2003). Учился в Благовещенском художественно-педагогическом училище у П.С.Евстафьева. С 1940 г. жил и работал во Владивостоке.
Участник Великой Отечественной войны. Служил в рядах Военно-морского флота в Первой Краснознамённой бригаде торпедных катеров Тихоокеанского флота, участник войны с Японией (1945). Учился на живописно-педагогическом отделении Владивостокского художественного училища у М.А.Костина (1940–1950). Участник выставок с 1950 г. Награждён Серебряной медалью Российской Академии художеств (2003).
Народный художник РФ (2003), Заслуженный художник РФ (1996), почётный академик Российской Академии художеств (2007), член СХ СССР с 1954 года, один из первооткрывателей темы дальневосточного Севера в советском искусстве,.
Родился 25 июня 1921 на Украине в с. Збараж Киевской области. Учился в Благовещенском художественно-педагогическом училище у П. С. Евстафьева, ученика И. Е. Репина (1937–1939) и во Владивостокском художественном училище (1947–1950) у В. С. Здановича и М. А. Костина. В 1940–1947 служил в рядах ВМФ СССР во Владивостоке. Участник войны с Японией. 1950 – начало выставочной деятельности. С 1954 года почти ежегодно совершенствовал мастерство в Доме творчества «Академическая дача» им. И. Е. Репина. 1960–1990 – председатель шефской комиссии морского и речного флота при СХ СССР, член правления Приморского отделения СХ РСФСР.
Среди многочисленных наград – Серебряная медаль Российской Академии художеств за цикл портретов дальневосточников (2003), Диплом I степени Министерства культуры РСФСР за серии этюдов «На Чукотке» и «На Камчатке» (1954).
Творчество И. В. Рыбачука – плоть от плоти национальной художественной традиции реалистического искусства. В длительных ежегодных морских странствиях от Приморья до Чукотки родилась главная тема творчества художника – Дальний Восток, включающая три основных направления: «Моя земля», «Мой современник», «Граница».
Участник выставок всех рангов. Работы находятся в ГМВЦ «РОСИЗО», ПГКГ, Дальневосточном художественном музее, Сахалинском областном художественном музее Новосибирской картинной галерее и многих других государственных и частных коллекциях в России и за рубежом.
Михайловский Владимир Михайлович
1932, КалининградПриехал в Калининград в 1957, отучившись в легендарном Ленинградском художественно-промышленном училище имени Веры Мухиной. Вскоре вступил в местную организацию Союза художников. В тот период работавшие в Калининграде советские мастера писали передовиков производства, рыбаков и рабочих, вдохновляясь морской эстетикой и трудовыми подвигами. Творчество Михайловского было более чем созвучно этим настроениям. Художник получил образование монументалиста и, окончив учебу, продолжил совершенствовать свои умения в этой области. Ему были близки монументальная и станковая живопись, в особенности связанная с морской тематикой. Наиболее полно Михайловский раскрыл свой талант именно в маринистике. Он писал батальные и исторические полотна, расписывал кают-компании военных кораблей и наблюдал за повседневной жизнью морских портов.
Сорочкина Изольда Семёновна
р. 1946Живописец, Член союза художников СССР. Живёт и работает в Калининграде. Свою творческую индивидуальность в полной мере выразила в жанре натюрморта и индустриального городского пейзажа.
Её произведения в жанре городского пейзажа отличает удивительный контраст экспрессивного и лирического, промышленного и природного. Это объясняется особенностью творческого восприятия художницы, её изысканным вкусом и тонким чувством Калининграда, и огромной любовью к своему городу. Её картины находятся в Калининградском музее изобразительных искусств.
Грачев Алексей Николаевич
1948, г. Калининград – 2005Живописец. Член Союза художников СССР. Жил и работал в Калининграде. Алексей Грачев принадлежит к первому поколению художников, которые родились в Калининграде уже в советскую эпоху. Он профессионально сформировался в 1970-е годы.
Много работал в жанре портрета, а также воспевал в своих произведениях ритм портов, строек и судоремонтных заводов. Его работы находятся в Калининградском музее изобразительных искусств. Скончался Алексей Николаевич в 2005 году.
Корсаков Леонид Михайлович
1934 – 1994График. Член Союза художников СССР. Окончил Московское областное художественное педагогическое училище памяти 1905 года (1961). Занимался станковой и книжной графикой; автор ряда рекламных плакатов.
Тарановский Александр Алексеевич
1943, ст. Казанка Казанковского района Николаевской области – 1992, г. СевероморскМурманский художник-плакатист, член Союза художников СССР (1983). Родился на станции Казанка Казанковского района Николаевской области. Окончил изостудию флотских художников в городе Североморск Мурманской области под руководством заслуженного художника России Анатолия Сергиенко.
Являлся участником областных, региональных, республиканских, всесоюзных, международных выставок плаката с 1976 года. Работы художника хранятся в собраниях Мурманского областного художественного музея и Мурманского областного краеведческого музея.
Бутов Алексей Иванович
1935, с. Черкассы Орловской области –1993Живописец. Заслуженный деятель искусств Марийской АССР, Лауреат премии Союза художников СССР, Лауреат премии ЦК ВЛКСМ.
Родился 22 июня 1935 года в селе Черкассы Орловской области. В 1957 окончил Елецкое художественное училище. Член Союза художников СССР с 1964 года.
Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать!
- Первая половина 1920-х
- Бумага, хромолитография. 100,7 х 71,5
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1305
Плакаты этого времени обладают определенными объединяющими чертами. Характерной особенностью «детских» плакатов является то, что ребенок почти всегда изображен бодрым, крепким, здоровым и активным. Вне зависимости от того, ликвидации какой насущной проблемы посвящен плакат, дети выглядят так, как будто она уже решена. То есть изображение чаще всего формировало образ светлого и радостного будущего, к которому придет общество, искоренив обозначенную проблему. Исключение составляли плакаты, построенные на сравнении с «проклятым прошлым». Яркий пример такого решения — плакат Алексея Комарова (?) «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать», — пропагандирующий новые стандарты в уходе за ребенком. Каждый эпизод композиции состоит из двух клейм, интерпретирующих один сюжет c точки зрения «как было раньше» и «как сейчас».
Провозглашая строительство бесклассового общества, советская власть, тем не менее, сразу же стала создавать строгую иерархическую структуру, в которую были включены и дети. Атрибутов принадлежности к той или иной социальной группе в плакате не имеют, пожалуй, только младенцы. Все остальные наделены отличительными признаками: либо визуально (пионерский галстук, барабан, горн), либо вербально — в сопроводительном тексте (октябрята, пионеры, юные ленинцы, дети Ильича, всеобучники и т. д.). Ребенок, прежде всего, общественная единица: младенец — будущий октябренок, октябренок — будущий пионер, пионер — будущий комсомолец, а в конечном итоге — строитель коммунизма. Тема идейной преемственности поколений проходит красной нитью через все плакаты советского времени. Даже под образцы агитационной продукции, касающиеся вопросов гигиены, здоровья и воспитания детей, подведена идеологическая база.
Лозунг, сопровождающий плакат, как правило, строится по схеме причинно-следственной связи: ребенок должен быть здоров потому, что он будущий строитель коммунизма. Его жизнь и здоровье не самоценны, а рассматриваются с точки зрения социума, вкладывающего в него свои силы, с расчетом на дальнейшую отдачу.
Так, на плакате «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать» изображена шеренга малышей, несущих лозунги, среди которых призывные: «Мы требуем акушерок, а не бабок; сухих и чистых пеленок!..» и тут же мотивирующие: «Мы идем вам на смену», «Чем мы будем крепче, тем вам будет легче».
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-12.
8 марта. День организации яслей в колхозах и совхозах
- 1930
- Бумага, хромолитография. 104,0 х 74,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1421
В первое десятилетие советской власти, наравне с агитацией за создание детских яслей и садов, также велась активная пропаганда этой формы государственной опеки ребенка, так как общество еще с недоверием относилось к ней. Государство в данном случае преследовало несколько целей: с одной стороны — освобождение женщины от домашних обязанностей для труда на производстве; с другой — воспитание подрастающего поколения в духе новых идеологических установок.
Плакаты этой тематики делали акцент, чаще всего, на двух основных принципах: женщина, в первую очередь, труженица, а не домашняя хозяйка; общественное воспитание в детском саду гораздо лучше домашнего индивидуального ухода.
Самые ранние образцы подобной агитации носили абстрактный характер, изображая некий фантазийный, идеальный мир, в котором дети резвятся на цветущих полянах и лугах. Или же были исполнены в аллегорическом ключе.
Но постепенно плакаты становятся более реалистичными, проектируя конкретные ситуации. Например, колхозница передает из рук в руки своего ребенка воспитателю на фоне пасторального колхозного пейзажа, куда пойдет трудиться «освобожденная» мать, и идеального детского сада, где младенец будет окружен заботой и вниманием («8 марта. День организации яслей в колхозах и совхозах»).
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-13.
1919 год. Тревога
- 1934
- Холст, масло. 169 x 138
- Государственный Русский музей
- Ж-1269
«Тревога» Кузьмы Петрова-Водкина — это воспоминание о поре, когда мир представлялся не только яростным, но и прекрасным,— о ней напоминает октябрьский номер «Красной газеты» за 1919 год. О поре написания картины напоминают часы, показывающие девять часов тридцать четыре минуты — 1934 год. Художник видел: «Та страна, что могла быть раем, стала логовищем огня»,— но стоически принимал это как неизбежное испытание. Ничего не разглядеть в окне, которое у Петрова-Водкина всегда было окном в мир, способом объединения внешнего и внутреннего пространства: «вселенная — место глухое». Большое время остановилось. Пространство замкнулось. Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 353.
«Первая демонстрация. Семья рабочих в I годовщину Октября. 1918 год» (1927, ГЦМСИР), «1919 год. Тревога» (1934),«Семья командира» (1936, ТО ИКХМ), «Командиры РККА» (1932) — многословное повествование выдвигается здесь на первый план. Однако это не помешало Петрову-Водкину воплотить востребованные временем сюжеты в формах монументального искусства. Зритель, требовавший правдоподобия в 1930-е годы, все же замечал некоторые «странности» в картинах Петрова-Водкина: и нереальность его персонажей, и некий подтекст, обращенный к думающей аудитории. Ольга Мусакова. Мгновения вечности // Кузьма Сергеевич Петров-Водкин. СПб. 2018. С. 15.
Петров-Водкин писал: «Что касается «Тревоги», то я думаю, ясно по самой трактовке <…>, что это накопление революционной борьбы, это всегдашнее неспокойствие, всегдашняя боязнь за то, чтобы не дрогнули завоевания революции…».
Создавая картину об эпохе Гражданской войны художник так комментировал свой замысел: «…засвистели сирены, которые созывают всех трудящихся на защиту Петрограда. Вот именно этот момент мне и хотелось передать». И дальше Петров-Водкин раскрывает истинный смысл своей «Тревоги»: «Но мне хотелось сделать сюжет не местным, а сделать более широко, передать тревогу исторического масштаба, масштаба больших переживаний…».
Тревога проявлена во множестве деталей: в беззащитной, совсем не героической мещанского вида фигуре рабочего, который напряженно из-за занавески всматривается в окно, в холодной синеватой уличной мгле, в смятой газете, в брошенном на край стола мятом фартуке, в старых и изорванных обоях. Еще более она возрастает при взгляде на спящего безмятежно в своей кровати ребенка. Трагизм происходящего очевиден: тихий домашний мир внезапно застигнут чем-то грандиозным, что надвигается на город, на дома и людей, живущих в них. И это нашествие неотвратимо, как сама судьба.
Портрет стахановки Гладковой с дочерью
- 1936
- Холст, масло. 124,5 х 86,3
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-2195
Работа «Портрет стахановки Гладковой с дочерью» ленинградской художницы Татьяны Купервассер создана в 1936 году. Возникшее в 1935 году стахановское движение воодушевило многих советских художников на создание портретов героев труда – стахановцев. Имя изолировщицы ленинградского завода «Севкабель» Варвары Сергеевны Гладковой (1899–1984) стало известно всей стране: в ноябре 1935 года она выпустила за смену 101,5 км телефонного провода. Гладкова была участницей Первого Всесоюзного совещания стахановцев (1935), награждена орденом Трудового Красного Знамени. В составе делегации Ленинграда участвовала в работе Чрезвычайного VIII Всесоюзного съезда Советов (1936). Ленинградская художница Татьяна Купервассер-Русакова, работая над образом своей героини, отказалась от мажорного пафоса, отличавшего многочисленные портреты героев труда, изобразив уставшую после смены женщину.
Стахановка цеха №5 Гладкова за работой. 1935 г. Ленинградский кабельный завод «Севкабель»
В доме отдыха. Алупка
- 1937
- Холст, масло. 100,7 x 80
- Ярославский художественный музей
- Ж-236
Работа «В доме отдыха. Алупка» написана Петром Котовым в Доме творчества художников в Алупке. Изображены жена автора, художница З. А. Кожевникова-Котова (1894–1961), и дочь Ирина. Несмотря на то, что изображены близкие персонажи, произведение органично вписывается в ряд произведений советского искусства, раскрывающих жизнь советских людей.
Картина посвящена курортному Крыму, став ярким живописным символом советской эпохи. В ней автор достоверно передал не только бытовые подробности, но и неповторимую эмоциональную атмосферу южного отдыха.
Работа экспонировалась на персональной выставке произведений П. И. Котова в 1937.
Искусствовед С. В. Разумовская в отзыве о выставке писала: «В теплом, любовном восприятии жизни. Это честное и искреннее отношение ко всему, на чем останавливается глаз художника, умеющего находить в простом значительное и значительное выражать в простых образах. Его живописный язык – сочные свежие краски, которыми так богата природа. Его живопись пронизана светом и трепетным ощущением реальной жизни».
Мама прилетела
- 1937
- Холст, масло. 130 × 120
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-231
Сюжет картины украинского художника Юрия Харлампиевича Садиленко «Мама прилетела», написанной во второй половине 1930-х годов, характерен для своего времени. Героиня – молодая мама – только что приземлилась после прыжка с парашютом, и ее радостно встречают дети. Молодая женщина в сером летном комбинезоне крепко обнимает маленького золотоволосого мальчика и с улыбкой смотрит на девочку, которая бежит к ней, широко разведя поднятые вверх руки. Большую часть полотна занимает изображение высокого голубого неба с крупными, подсвеченными солнцем, купами облаков.
Премия (Донбасс)
- 1937
- Холст, масло. 229,5 х 190,0
- Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
- Ж-589
В начале 1930-х годов Самуил Адливанкин утвердился в социалистическом реализме, став признанным советским художником. Работа «Премия» – одно из самых известных произведений Адливанкина. В нем в полной мере раскрылось внутреннее мироощущение художника. По воспоминаниям современников, это был добрый и чуткий человек. Его близкие и коллеги по художественному цеху ласково называли его Самошей. Т. М. Крюкова, внучка художника, в своих воспоминаниях рассказывала, что когда её с кем-то знакомили и говорили, кто её дед, то многие изображали руками мотоциклиста, намекая на, безусловно, одну из лучших его работ.
В основе сюжета картины – эпизод из жизни советской семьи. Счастливые лица молодых родителей и ребёнка, совсем недавно принятого в пионеры, придают картине настроение радости, как и ярко-голубое летнее небо. В те годы такой же счастливой была семья самого художника. Он часто писал свою дочь Еву и сына Мишу, погибшего впоследствии на фронте. Однако герои этой картины не имеют портретного сходства с женой и сыном художника. Это в большей степени собирательный образ счастливой семьи молодого советского государства.
Счастливое материнство
- 1938
- Холст, масло. 109,0 х 1154,0
- Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
- 147-146ж
Люди Киргизии, ее величавая и прекрасная природа являлась для Народного художника СССР Семёна Афанасьевича Чуйкова источником той поэзии, без которой немыслимо подлинное искусство. Поэтическое восприятие жизни – главное в творчестве художника. Его герои заняты своими делами – это всегда простые люди, ничем не заметные, живущие в окружающей их природе как дома. Примечательно, что Чуйков чаще всего изображал женщин и детей с присущей им открытостью стихии ощущений – ощущений полноты счастья. В картине «Счастливое материнство» (1938) показан момент отдыха женщин-матерей на хлопковом поле, около них дети. Картина солнечная, вдали поля, за ними – невысокие холмистые горы и большое голубое небо.
Портрет писателя Сергея Владимировича Михалкова с сыном
- 1943
- Холст, масло. 158 х 130,5
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-490
На портрете, созданном живописцем Петром Кончаловским в 1943 году, писатель Сергей Михалков предстает в военной форме, с сыном Андреем на коленях. Картина была написана, когда Андрюше было 5 лет. Он держит в руках фуражку отца с характерным синим околышем летчика. Сергей Михалков во время войны был призван в армию в качестве военного корреспондента от газеты "Сталинский сокол" и действительно носил летную форму, поскольку газета была авиационная. Он писал патриотические очерки и стихи, а также сатиру на фашистов. Написал также сценарии к двум фильмам, за сценарий "Фронтовые подруги" был удостоен Сталинской премии. Кроме того, в 1943 году он принял участие в конкурсе на текст гимна СССР, для чего объединился с Эль-Регистаном. Как известно, именно их текст был призван лучшим. Две последующие редакции текста гимна Михалков уже делал сам.
Михалков Сергей Владимирович (1913–2009) – советский и российский писатель, поэт, драматург, публицист, баснописец, сценарист, общественный деятель, военный корреспондент. Герой Социалистического Труда (1973), заслуженный деятель искусств РСФСР (1967), лауреат Ленинской премии (1970), трёх Сталинских премий второй степени (1941, 1942, 1950), Государственной премии СССР (1978) . кавалер четырёх орденов Ленина (1939, 1963, 1973, 1983). Член ВКП(б) с 1950 года. С 1970 по 1990 год — председатель Союза писателей РСФСР. Отец кинорежиссёров, сценаристов, продюсеров, киноактёров, народных артистов РСФСР Никиты Михалкова и Андрея Кончаловского. Является соавтором текста гимна СССР и автором текста гимна России. Принадлежит к дворянскому роду Миха́лковых, Наибольшую известность писателю принесли его произведения для детей. В 1935 году вышло первое известное произведение, ставшее классикой советской детской литературы — «Дядя Стёпа».
Я другой такой страны не знаю, где так вольно дышит человек!
- 1945
- Бумага, офсет. 84,4 х 57,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-392
Слава Победителям!
- 1946
- Бумага, хромолитография. 88 х 59
- Государственный Русский музей
- ГрПл-2068
Вернулся
- 1947
- Холст, масло. 134 х 175
- Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
- Ж-849
Поколение, к которому принадлежит художник, – целое звено взаимосвязи старинного уклада крестьянской жизни в России с новыми социальными формами. Киселеву было десять лет, когда свершилась Великая Октябрьская социалистическая революция. Он был свидетелем и участником становления Советской власти в деревне, и то, что для более молодых стало историей, для него – личный опыт, который обрел в его искусстве особый смысл. Он нашел своеобразную, лирическую ноту в передаче средствами живописи духовного облика, нравственной сущности тружеников советского села.
Виктором Киселёвым после войны созданы две близкие по тематике картины. Они посвящены трогательной встрече родными вернувшегося домой солдата. Картина «Вернулся» из Краснодарского музея была написана первой. Горница родной избы, куда только что вошел солдат, его бросились встречать родные, соседи. В основе взволнованной сцены – возвращение брата художника Владимира с войны. Киселёв вписывал фигуры родных сразу в холст, сохраняя свежесть первого впечатления. Художник использовал этюдную манеру письма, которую он перенял у своего друга и учителя Аркадия Пластова, что позволило погрузиться зрителям в созданный автором сюжет, почувствовать общую радость встречи после долгой разлуки, она проявляется в каждом жесте.
Картина «Вернулся» привлекла всеобщее внимание в экспозиции Всесоюзной художественной выставки 1947 года своим настроением и добротностью живописного решения: приглушенная гармония красок, наложенных деликатным прикосновением кисти, искренность автора в любовании своими персонажами, каждым изображенным предметом. Полотно было отмечено премией Всесоюзной выставки и почетной грамотой Художественного фонда СССР. В 1948 году оно было утверждено государственной экзаменационной комиссией Московского государственного художественного института имени В. И. Сурикова в качестве дипломной работы, завершившей художественное образование Киселева.
Колхозный быт
- Якутия
- 1947
- Холст, масло. 119 х 99,5
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-214
Рассматривая картину «Колхозный быт» якутского художника Михаила Носова первое ощущение, которое возникает, – уют домашнего очага. Вы как бы входите в дом с гостеприимно раскрытыми дверями. Оглянувшись, замечаете старые традиционные предметы быта: домотканные коврики, старинный комод, на центральной стене – вышитый портрет Сталина в орнаментальном обрамлении.
Но не столько сами эти вещи, сколько светлый, радостный колорит картины – красных, зелёных, голубых, золотистых теплых охристых тонов – привлекает в этом небольшом по размеру, незатейливом по содержанию полотне. Согретое любовным отношением и уважением художника к тому большому и значительному, что подразумевает каждый из нас под словами «отчий дом», произведение получилось душевным. В живописи, соединившей тщательность письма, гармонию и яркость чистых, насыщенных красок, особенно выступает народная любовь к нарядной узорчатости.
Летом
- 1949
- Холст, масло. 66,5 x 51,2. (В раме)
- Государственный Русский музей
- Ж-4406
Первоклассница
- 1949
- Холст, масло. 148,5 × 120,5; в раме 161 × 134 × 9.
- Самарский областной художественный музей
- Ж-844
С возникновением Советского Союза ведущим художественным методом изобразительного искусства стал социалистический реализм. В 1950-е годы он сохраняется, но меняется интонация картин и главные герои. Художники все больше повествуют о буднях и праздниках простых советских людей. Картина Владимира Васильева «Первоклассница» (1949) по композиционному решению близка картине Ф. П. Решетникова «Прибыл на каникулы» (1948). В подобных оптимистичных картинах-рассказах каждая деталь, взгляд, жест красноречиво характеризуют изображенных автором персонажей.
Картина «Первоклассница», написанная в тёплой цветовой гамме, посвящена одному из самых волнительных и запоминающихся событий в жизни каждого человека – первому школьному дню. Здесь отображено не только личное переживание первоклашки. Важность ответственного момента ощущает и вся семья от мала до велика. Заранее куплена школьная форма, приготовлен букет для первой учительницы и, конечно же, предмет зависти для младшего братишки-дошколёнка – новенький портфель. На лице матери читаем разные эмоции – радость за дочь, волнение за её новый жизненный уклад, надежду на хорошее будущее. При этом старшая сестра смотрит снисходительно, у нее уже есть значительный школьный опыт. Нескрываемое восхищение и желание быть причастным к происходящему выражают поза и жесты младшего члена семьи.
Тема художником взята неспроста, картина написана в знаменательное время: первоклассники 1948–1949 годов были детьми, рождёнными в первые годы войны, теперь им под мирным небом открывается путь в светлое будущее.
Быт колхозника
- Середина XX века
- Холст, масло. 110 х 175
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-203
В работах якутского художника Иоакима Избекова заметно тяготение или к жанровой картине, или к пейзажу, при этом в них привлекает скромная задушевность. Произведение «Быт колхозника» является характерным для мастера. Художник отражает реальность бытия родного края – жизнь и быт сельского труженика, его заботы, приверженность своей земле, традиционному укладу, связанному со скотоводством.
В новый дом
- 1950
- Холст, масло. 175 х 174
- Удмуртский республиканский музей изобразительных искусств, Ижевск
- Ж-254
Труд на благо социалистического общества являлся обязательным условием процветания и развития Советского Союза. Именно благодаря постоянному и, подчас, тяжёлому труду, как производственному в крупных промышленных центрах СССР, так и крестьянскому сельскому, связанному, например, с освоением целинных земель, происходит борьба с послевоенной разрухой, и жизнь простого советского человека постепенно налаживается, поддерживаемая неуклонной верой в светлое и полное новых надежд коммунистическое будущее.
Примером этого материализованного будущего может стать типичное соцреалистическое полотно московского художника Якова Соколова «В новый дом» (1950), где на фоне яркого солнечного летнего дня сбывается заветная мечта молодой женщины с двумя детьми – её семья въезжает в только что отстроенный, ещё пахнущий свежим деревом, дом.
В новую квартиру
- 1952
- Холст, масло. 128 × 111
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-333
Народный художник РСФСР Александр Лактионов в основном писал жанровые картины и портреты своих современников. Ему были свойственны высокое мастерство и точность рисунка, редкая способность иллюзорно точно передавать предметный облик реального мира.
Жанровая картина с изображением вселения многодетной семьи в новую квартиру широко известна. В центре композиции в большой светлой комнате анфас, подбоченясь, стоит хозяйка. Левый борт ее пиджака украшает «Медаль материнства» второй степени. Младший сын хозяйки придерживает портрет Сталина. Старшие дети, изображённые на втором плане, с любопытством осматривают комнаты.
Миру мир!
- 1953
- Бумага, офсет. 81,7 х 55,5
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-2100
Послевоенный плакат становится более статичным, монументализированным, выхолощенным. Основное его назначение — констатация достижений социализма, с зачастую безличными лозунгами: «Мы за мир», «Любите Родину» и т. д. Детский образ также теряет свою энергичность и самодостаточность, становясь лишь атрибутом в плакатной формуле счастливой советской жизни. Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 15.
Первенец
- 1953
- Холст, масло. 90,0 x 120,0
- Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
- Ж-139
Широкими, уверенными, жизнеутверждающими мазками Дмитрий Константинович Свешников пишет новую жизнь ненцев, которую привнесла в тундру советская власть. Его картины, посвящённые жизни ненецкого народа, вошли в золотой фонд отечественного изобразительного искусства.
На картине «Первенец» Д. Свешникову удалось передать предощущение движения. У родильного дома спокойно стоит упряжка. Новоиспечённый отец бережно прижимает в себе нарядный конверт с младенцем, рядом с мужем женственная фигурка молодой мамы в нарядной панице. Врач с серьёзным видом даёт последние наставления. Словно чувствуя торжественность момента, замер и пёс, глядя на детей у крылечка. Торопится, бежит с узелком в руках медицинская сестра – нужно успеть передать вещи роженицы. Ещё миг – и помчит домой счастливую семью празднично украшенная упряжка, полетит снег из-под оленьих копыт, со звонким лаем бросится вслед собака. Всё в картине полно радостного ожидания и надежды, предчувствия дороги. Художник поместил своих героев близко к переднему краю картины, отдав второй план пустынному пейзажу, добиваясь этим ощущения необъятного простора, динамичности.
Сбор подписей за мир
- 1953
- Холст, масло. 111 х 147,3
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-1013
Главной темой творчества Виктора Киселева были труд и быт советского крестьянства, герои многих произведений художника – его земляки. Крестьянин по происхождению (будущий художник родился в деревне Комаровка Симбирской губернии), никогда не порывавший кровных связей с родной землей, он нашел своеобразную, очень личностную лирическую ноту в передаче средствами живописи духовной чистоты, красоты и силы тружеников советского села. Пятнадцатилетним сельским подростком пришел Виктор учиться живописи к Аркадию Пластову и стал его самым близким другом и единомышленником на всю жизнь. На протяжении всего творческого пути Киселев создавал художественную летопись жизни родной деревни. Сюжеты его полотен разные, но тема одна — наполненная теплом, сердечностью и радостью жизнь простого человека-труженика. Солнце и весна родных мест, силуэты деревенских изб, человек, уклад его жизни, являются центром внимания Киселева. Художник создает настоящую живописную летопись своих земляков, целые поколения комаровцев, родственников и односельчан — его постоянные натурщики, герои всех произведений. Всему, что происходит в их жизни, художник придает торжественный значительный контекст, будь то незначительный бытовой момент или важный исторический эпизод.
Ярким примером возвышенного отношения к каждому событию является работа «Сбор подписей за мир» 1953 года.
Художник запечатлел знаменательный исторический момент – сбор подписей под Стокгольмским воззванием «О запрете применения атомного оружия».
Многофигурная композиция создана в лучших традициях русской реалистической школы. Внимательно и подробно художник фиксирует мельчайшие детали интерьера комнаты, одежды героев, с подлинной достоверностью изображает их позу, движение, выражение лиц.
Художник символически изображает детей разного возраста. Они являются главными адресатами этого исторического документа, ради их безмятежного светлого будущего, собираются подписи «За мир». Маленькие герои участливо и с интересом разглядывают подписанный документ. Светлый радостный колорит живописи Киселева определяет восприятие богатой гаммы чувств, тонкого психологизма образов.
Сюжет картины лишен поверхностного, ложного пафоса, можно отметить даже некоторую камерность решения. Тем острее в этом незатейливом сюжете ощущается философское мировоззрение художника и подлинное понимание жизни.
Киселев не просто рассказывает сюжет, а стремится через эмоциональное состояние героев дать жизни пролиться из холста. Сам автор при этом как бы остается за его пределами.
В этой мудрой простоте и сердечности отношения к жизни и творчеству заключено откровение искусства Виктора Васильевича Киселева, скромного человека, радостный поэтический талант которого органично вплетается в сложный комплекс тенденций советской живописи первой половины ХХ века.
Уснул
- 1957
- Холст, масло. 92,0 х 100,0
- Вологодская областная картинная галерея
- Ж-412
Картина «Уснул», созданная в 1957 году, – самая известная работа вологодского художника Бориса Александровича Чередина, продолжавшего в своем творчестве опираться на принципы реалистической русской школы живописи. Темы дома, тепла семейного очага, материнской любви, столь важные и дорогие для фронтовика, испытавшего все тяготы и лишения войны, звучат в ней особенно проникновенно и остро. Работа экспонировалась на областной выставке вологодских художников, после чего была передана в фонды Вологодской областной картинной галереи.
Портрет скульптора А. Е. Зелинского с дочерью
- 1958
- Холст, масло. 208,0 × 105,0; в раме 209 × 153 × 5
- Самарский областной художественный музей
- Ж-1105
Дмитрий Жилинский нашел свой собственный, отличный от художников «сурового стиля», путь в искусстве, обратившись к средневековой, ренессансной и древнерусской традициям. Работы Дмитрия Жилинского отличает детальный и точный рисунок. Портретное сходство моделей в работах Жилинского сочетается с глубоким психологизмом. Цветовая гамма многих его произведений восходит к канонам древнерусской живописи. Творческое использование художественных приемов прошлого органично сочетается с современной художнику проблематикой. Герои его произведений – современники, друзья, родные и близкие ему люди: художники, музыканты, ученые. Всё творчество художника – это настоящий гимн советской интеллигенции.
На парном портрете скульптора А. Е. Зеленского с дочерью (1958) представлены не просто родные по крови люди, а единомышленники, зрителем считывается их духовное родство. Жилинский сумел скупо и тонко отобразить творческую натуру не за непосредственной работой скульптора, а через взаимоотношения в семье, через окружающую домашнюю обстановку.
Зеленский Алексей Евгеньевич (настоящее имя – Попов Алексей Федорович) (1903–1974) – советский скульптор, график, сценограф, педагог. Член Союза художников СССР. Окончил Нижегородский художеств, техникум (1926), ВХУТЕИН (1930). Учился у В. Е. Татлина, В. А. Фаворского, Р.Р. Фалька и А.В. Куприна, В.А. Фаворского, В.И. Мухиной Начинал как монументалист и театральный художник. В 1934–1936 годах – художник на Конаковском фаянсовом заводе. Станковая скульптура, мелкая пластика и др. В годы Великой Отечественной войны Зеленский работал в творческой группе оформителей станции метро «Новокузнецкая» в Москве. Впоследствии уделял много внимания жанру портрета. На всемирной выставке «ЭКСПО» в Брюсселе (1958) монументальная композиция А.Е. Зеленского — «Рабочий» и «Колхозница» — были выставлены у входа в Советский павильон. По проекту Зеленского выполнены изображения гербов СССР на зданиях Кремлевского Дворца съездов (1961) и аэропорта «Шереметьево». Зеленский применял в своих работах новые, нетрадиционные материалы – гипс, бронзу, мрамор, дерево, фаянс, перламутр, кованое железо, кость мамонта.
В годы войны
- 1959
- Холст, масло. 130 х 200
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-815 АОМИИ
Борис Михайлович Лавренко был признанным мастером бытового жанра. Его изобразительный язык отличает реалистичная манера и монументальность образов. Особой темой в творчестве художника была Великая Отечественная война, и это не случайно – в 1940 году с пятого курса Лавренко был призван в Красную Армию. Окончив курсы артиллеристов, участвовал в 1941 году в качестве командира орудия в обороне Москвы. Воевал на Центральном и 1-м Белорусском фронтах, в звании старшего сержанта дошел до Берлина.
Пройдя всю войну, испытав на себе все трудности и лишения этих страшных лет, художник не писал героические баталии или трагичные сцены жизни партизан. Он писал человека, чья жизнь была потрясена и расколота войной.
Одной из первых масштабных работ художника, посвященных военной тематике, стала картина «В годы войны», она написана в 1959 году, спустя почти 15 лет после Победы. Многие художники, прошедшие войну, долго не решались браться за эту тему, настолько свежи были раны и сильна боль от пережитого. Но когда такие сюжеты возникали, они были отмечены особым пронзительно-драматическим звучанием.
Молодая женщина, стоит у железнодорожных путей, ее взгляд обращен вдаль, в нем одновременно читается тревога и ожидание. Левая рука женщины инстинктивно прижата сердцу, правой рукой она заботливо обнимает маленькую девочку, беспомощность и отчаяние отразились на ее лице. За ее спиной стоит мальчик лет семи, в его образе ощущается страх и растерянность. Пожилая женщина в горестном жесте закрывает лицо руками. На заднем плане видны проникнутые молчаливым напряжением фигуры мужчин и женщин. Все персонажи картины абсолютно статичны, они как будто замерли в ожидании поезда, который, возможно, станет их единственным спасением.
Основное композиционное действие смещено в левую часть плотна. Справа тонкими линиями тянется за горизонт железная дорога. Безрадостный пейзаж заднего плана создает атмосферу всеобщего бедствия и несчастья.
Мрачный коричнево-серый колорит картины является полноправным героем этого произведения, придавая сюжету еще более тяжелое гнетущее состояние. Единственным красочным акцентом является ярко-красный платок на голове девочки, которая прижимается к своей матери в поисках защиты. Автор неслучайно обращает наше внимание на самую маленькую, беззащитную героиню этого произведения. На первый взгляд ее образ не выражает ярко проявленных эмоций, но сколько в нем сдержанности, осознанности, недетского понимания происходящего момента.
Сюжет картины «В годы войны» лишен излишней патетики и героического пафоса, это общая картина человеческого горя, которое и является сущностью войны.
Семья. 1945 год
- 1957–1964
- Холст, масло. 175 x 254
- Государственный Русский музей
- Ж-8141
Виктор Иванов ‒ советский и российский живописец и педагог, академик, народный художник СССР и лауреат ряда государственных премий. Источником вдохновения для Виктора Иванова всегда служила его историческая родина ‒ Рязанская земля.
«Смысл моего творчества, ‒ говорит Виктор Иванович, ‒ не в отстаивании той личной свободы, которую сейчас объявили приоритетной над всем и вся, а в том, чтобы выразить духовно-нравственные устремления народа. А без этого искусство ‒ пустяк. Я изображаю только то, что хорошо знаю. Ищу положительное в людях. Хотя многие мои картины о тяжелой, изнурительной крестьянской жизни. Но посмотрите, какой в этих условиях рождается человек – сильный, красивый, добрый. Этот человеческий идеал я нашёл на Рязанской земле». Через все творчество художника проходит образ простого русского человека, собирательный образ современной русской крестьянки.
Виктор Иванов, обращаясь к теме послевоенной деревни, пишет картину “Семья. 1945 год”. Дав себе слово рисовать только то, что трогает сердце, то, что волнует душу, художник пишет строгий и лаконичный образ. Здесь нет семейной идиллии, на лицах семьи, собравшейся за трапезой, лежит мрачная тень. Их лица не выражают радости возвращения к мирному быту, ликования по поводу победы. Усталые, тяжелые взгляды членов семьи как будто устремлены вглубь себя, в тяжелые воспоминания последних лет. Волевой профиль матери семейства ‒ бледная маска скорби. Отец семейства ‒ изрытый ранними морщинами ветеран, он смотрит поверх головы собственного сына, устремив взор в прошлое. И даже дети здесь сохраняют неподвижность и торжественное молчание.
Е.Б. Могилевский, В.М. Ахунов. Материалы к аудиогиду по выставке «Память» для платформы Izi.travel. 2020
В послевоенное советское время семья была призвана к общественному служению «большой картиной». В конце 1959 — начале 1960-х художники «сурового стиля» и близких к нему течений намеревались пробить стену официоза, ориентированного на коллективного зрителя-государство, и достучаться до личности. Тематически их работы соответствовали государственному заказу: революция, война, трудовые будни современников. Но представление этих событий в зеркале частных, семейных историй должно было разбудить личную память, личные переживания зрителя. Так, Великая Отечественная война в советском искусстве — протяженная череда проводов, ожиданий, встреч и оплакиваний; великие удаленные стройки — место зарождения отношений, становление молодых семей и их проверка на прочность. Ритуальные моменты семейного быта становятся метафорами чего-то большего, отсылают к бытию. Сельские семейные трапезы — диалог поколений, сопричастность прошлому и планы на будущее, сбор урожая в семейном саду — память предков, преемственность поколений, прозрачно завуалированное подключение к долгому ряду библейских архетипов. Любовь Шакирова. Семейный альбом Русского музея // Портрет семьи. СПб, 2014. С. 14.
С именем Виктора Иванова связано представление об образах значительных, мужественных, мудрых, красивых. Именно такие черты воплощают в себе "крестьянская мадонна", собравшая за столом семью после военного лихолетья. Она, все вынесшая, вытерпевшая, дождавшаяся мужа с фронта, – во главе стола, чинной деревенской трапезы. В подобной рельефу композиции картины, строгости силуэтов есть определенная торжественность. В угловатом, словно рубленом рисунке, жестковатых формах – напряженность. Крупнейший мастер русской живописи Павел Корин писал: "Талантлив Виктор Иванов с его лаконичным и вместе с тем умным и простым видением, с мощным цветовым тоном, колоритом, носящим подчас драматический характер".
Колхозный дом. (Мирные дни)
- 1961
- Холст, масло. 115,0 х 200,0 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-1460
Александр Павлович Бубнов, замечательный советский живописец, окончил московский ВХУТЕИН. Художник является признанным мастером исторической картины, также Бубнов создал большое количество пейзажных и пейзажно-жанровых произведений.
В собрании Тверской картинной галереи находится работа «Колхозный дом (Мирные дни)» (1961) кисти художника. На полотне изображена молодая семья с маленьким ребенком на фоне строящегося собственного бревенчатого дома. Смелым пастозным мазком художник изображает тяжелые желтые бревна сруба – можно на мгновение почувствовать, как пахнет свежим деревом. Но главное, что удалось передать автору в своем произведении, – это атмосфера любви и семейного счастья.
Новоселы
- 1962
- Холст, масло. 200 х 200
- Национальный художественный музей Республики Беларусь, Минск
- КП-8953
Картина минского художника Мая Данцига «Новоселы» стала, пожалуй, одной из первых, где художник открыто заявил о своем творческом кредо.
Тема новоселов разрабатывалась многими мастерами советского искусства. Но именно Данцигу принадлежит новаторское прочтение важного события в жизни молодой семьи. Он сознательно отказался от привычного бытописания, убрав из картины все лишнее и сделав акцент на необжитость нового дома. Прежде всего художник представил себе образ, который рождается у человека, входящего в новый дом, – абсолютно пустые стены, свежевыкрашенный блестящий пол, небогатые пожитки молодой семьи, которая только начинает совместный жизненный путь. Ракурс, выбранный Маем Данцигом, также очень выразителен. Живописец словно находится на одном уровне с сидящими прямо на полу молодыми людьми. Он смещает фигуры из центра в правый верхний угол, уравновешивая композицию чемоданом и сумкой, стоящими внизу слева. Его герои босы, что вызвало недовольство у представителей выставкома. Известно, что Данцигу пришлось дописать лакированные туфельки, чтобы работу приняли на выставку. Однако позднее художник убрал из картины лишнюю деталь.
Мокшанки
- 1965
- Холст, масло. 185×90
- Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
Анатолий Мисюра внес весомый вклад в развитие изобразительного искусства Мордовии. С 1960 года живописец жил в Саранске. В качестве художника-исполнителя Мордовских художественно-производственных мастерских оформлял стенды, выставки, интерьеры и фасады общественных зданий.
Станковая работа Анатолия Мисюры «Мокшанки» 1965 года решена монументально. Его герои как деревья, сильные и могучие, вырастают из земли. Значимость образа тружениц подчеркивается орденом Ленина на груди одной из героинь, которым награждались в том числе за выдающиеся заслуги в трудовой деятельности. В полотне наблюдается контраст больших цветовых плоскостей, строгость силуэтов, лаконичность изображения, точность и немногочисленность деталей. Все эти черты сближают картину плакатом. Палитра художника насыщенная, сочная, яркая. Цветовые акценты, спокойные улыбки женщин, устойчивые позы создают на полотне цельный, оптимистический образ в русле соцреализма. Художник соединяет в произведении дух советского времени и то, как этот дух отражается в культуре и быте отдельного народа.
Новая квартира
- 1960–1970-е
- Холст, масло, двп. 90х119.3
- Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
- Ж-1749
Художник Михаил Юрьевич Кугач (1939 г.р.) в своих полотнах изображал жизнь простых советских людей. Картина «Новая квартира» показывает нам знаковый для эпохи сюжет въезда в хрущевку. Квартиру, где семья сможет начать новую жизнь. Для людей, живших в бараках и коммуналках, хоть и весьма небольшая, но своя квартира была невиданной роскошью, дворцом, в который первый раз входишь с благоговением. Эту атмосферу великолепно передал художник через позы и взгляды героев. Для многих людей старшего поколения это было одно из самых светлых воспоминаний в жизни. Эту радость и составляет сюжет картины.
Автор делит полотно композиционно на две части – левую и правую. В правой нерешительно стоит молодая пара, оглядывая новую квартиру. Муж с туристским рюкзаком и табуреткой, а жена с веником вносят первые штрихи к созданию семейного очага на новом месте. В правой части полотна стремительно бежит малыш по новому паркету. Возможно, за первым «традиционным гостем» нового жилья – кошкой. Ностальгию усиливают типичные для эпохи 1960-х вещи и предметы быта.
Колористика картины подчеркивает ощущение исполнившейся «голубой мечты».
Ужин в деревне. Семья
- 1964–1969
- Холст, масло. 208 x 275
- Государственный Русский музей
- Ж-10877
Шаманов — художник, в творчестве которого реальное не отторгается от идеального, гармония мира, которую он постоянно ищет и утверждает, отнюдь не безмятежна. Живописец бережно прикасается к истокам искусства, определяемым именами В. Э. Борисова-Мусатова, К. С. Петрова Водкина и иным, хронологически более отдаленным, но близким ему ясной соразмерностью, умиротворенностью, скрытой тревогой. Шаманов учился на отделении монументально-декоративной живописи Высшего художественно-промышленного училища имени В. И. Мухиной в Ленинграде. Чертами монументального лиризма отмечена первая большая его картина „Ужин в деревне. Семья“, где он сумел воплотить свои представления о людях земли, основе нравственных устоев. Прошедшие со времени создания годы не только не приглушили, но заставили явственнее зазвучать заложенную в картине ноту философской лирики, утверждающей значение человеческого единства (людей в семье и семьи людей) как непреходящей нравственной ценности.
В сцене деревенской трапезы главное — духовная близость тружеников, собравшихся после нелегких дневных работ. Круговая композиция, ясность силуэтов, строгое ритмичное чередование золотистых охр и теплых по оттенку светлых тонов придают полотну благородство цветового звучания, заставляют вспомнить о величавом строе русских фресок. Образы картины обретают монументальный характер. При внутреннем единении персонажей картины, их духовном родстве, каждое лицо самобытно. Это выражено столь убедительно еще и потому, что образы почти портретны, особенно старика-крестьянина, напоминающего отца художника. Его портрет был написан в год окончания картины. „Гармония природы и человека — содержание моих картин, — говорит художник. — И пусть жизнь не всегда гармонична, но идеал прекрасен. Стремление познать и по возможности выразить гармоническое начало мира, очевидно, и есть цель моего искусства“. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 270.
В послевоенное советское время семья была призвана к общественному служению «большой картиной». В конце 1959 — начале 1960-х художники «сурового стиля» и близких к нему течений намеревались пробить стену официоза, ориентированного на коллективного зрителя-государство, и достучаться до личности. Тематически их работы соответствовали государственному заказу: революция, война, трудовые будни современников. Но представление этих событий в зеркале частных, семейных историй должно было разбудить личную память, личные переживания зрителя. Так, Великая Отечественная война в советском искусстве — протяженная череда проводов, ожиданий, встреч и оплакиваний; великие удаленные стройки — место зарождения отношений, становление молодых семей и их проверка на прочность. Ритуальные моменты семейного быта становятся метафорами чего-то большего, отсылают к бытию. Сельские семейные трапезы — диалог поколений, сопричастность прошлому и планы на будущее, сбор урожая в семейном саду — память предков, преемственность поколений, прозрачно завуалированное подключение к долгому ряду библейских архетипов. Любовь Шакирова. Семейный альбом Русского музея // Портрет семьи. СПб, 2014. С. 14.
Дорогой гость
- 1967
- Холст, масло. 129,0 × 193,0; в раме 142 × 206 × 5.
- Самарский областной художественный музей
- Ж-1099
Картина братьев Сергея и Алексея Ткачёвых «Дорогой гость» написана в 1967 году. Полотно посвящено теме радостного праздника – прихода на побывку домой солдата-срочника. Сюжетно композиция продолжает традиции еще голландских бытовых сцен застолья, если же рассматривать эту работу в свете предшествующей ей советской живописи 1950-х годов, трудно представить себе, что в изображении радостной сцены встречи семьи с прибывшим на побывку солдатом могли бы открыто фигурировать «пол-литра» водки и наполненный граненый стакан. Теплый колорит картины, преобладание охристого цвета бревенчатых стен избы, поддержанного красно-оранжевым цветом одежд, цветные рефлексы на солдатской форме призваны передавать тепло родного дома и теплый настрой встречи.
Но есть у этой работы и скрытый подтекст – противопоставление цветущей, экстравертной молодости и как бы сокращающейся в своих размерах в пространстве жизни старости. Почти бесплотная фигура матери; темно-фиолетовый платок не дает нам возможности разглядеть ее голову, чтобы как-то судить о ней. Хрупкие цветы цикламена на окне наводят на мысль о быстротечности жизни. Неожиданной пронзительной нотой в этом контексте воспринимается и влетевшая в избу бабочка-крапивница, которая бессознательно стремится в тепло дома в преддверии осени.
Год 65-й. Семья
- Эскиз. Из цикла «Рубежи жизни Родины»
- 1969
- Картон, масло. 81 х 74
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-255
Пётр Оссовский – один из создателей «сурового стиля». Характерная особенность его творческого метода – работа над большими сериями, циклами. В этом проявилось его постоянное желание как можно шире и глубже «осмыслить» материал. Серийность позволяла художнику «высказаться», донести свою мысль о связи поколений, о преемственности ценных духовных, моральных качеств народа.
К циклам Оссовского относится и тетралогия «Рубежи жизни Родины» (1960–1969). Влечение к крупной мысли в искусстве, к значительности образов, к широким и цельным живописным построениям отразилось в эпическом повествовании о нерасторжимой связи поколений. Художник утверждает духовное единство советского народа: «Я сделал историю СССР – 20-е, 30-е, 40-е годы, 65-й – «Рубежи жизни Родины». Честно это делали Коржев в триптихе «Коммунисты», Моисеенко писал комиссаров. Но никто не делал историю». Историко-революционная тематика с оттенком легендарности сообщает произведениям современную остроту. Эмоциональный строй определяется оттенками колорита каждой из четырех частей. Стремительные диагонали, рассекающие пространство, определяют его границы и усиливают динамическое восприятие всего цикла.
Произведение «Год 65-й. Семья» решено в лирическом плане. Контраст жестких железобетонных конструкций и «крошечности» маленького человеческого существа, которое держит на коленях молодая мать. Сам художник так говорил об этой работе: «Поднимаются со сказочной быстротой коробки зданий. Красивы ли новые кварталы? Для меня – да. Однообразные линии улиц, параллелепипеды домов, казалось, не создают игру форм, приятную для глаза. Но в этом своя красота. Для меня в этом кажущемся сером однообразии суть нашего беспокойного времени, геометрические фигуры зданий, круги бетонных колец труб, железные конструкции – из всего этого создается эстетика жизни. В этом однообразии форм и красок есть своя сдержанная красота».
Цикл «Рубежи жизни Родины» примечателен монументальным характером образов, подчеркнуто четким рисунком, крупными плоскостями одного цвета, обобщенными изображениями. Автор делает акцент не на деталях, а на формах изображенных предметов, колорите и композиции.
Материнские думы
- 1969
- Холст, масло. 210 x 250
- Государственный Русский музей
- Ж-9814
Моя мама
- 1969
- Холст, масло. 167 x 145
- Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
- Ж-875
Работая на киностудии «Мосфильм» над фильмом по произведению В. П. Катаева «Время, вперед!» (1965), Юрий Ракша погрузился в атмосферу героики и энтузиазма первых пятилеток. Изучил документальный и кинохроникальный материалы, образную структуру довоенных произведений А. А. Дейнеки, Г. Г. Ряжского, А. Н. Самохвалова, Ю. И. Пименова. Подготовительный этап к ленте пробудил глубокий интерес к теме новостроек, позже успешно закрепленный в картине «Моя мама», которая принесла Ю. М. Ракше широкую известность.
Свою маму Юрий Михайлович Ракша молодой не помнил. Она работала на фабрике разнорабочей. Война, послевоенный голод… И к 1950 году, когда отец вернулся домой, мать, по воспоминаниям сына, была уже совсем старухой. Но той её, столь рано окончившейся юности, которую он не застал, не запомнил, но которую сумел прочувствовать, художник посвятил свою картину, которую так и назвал – «Моя мама», где изобразил молодых строительниц Магнитогорска 1930-х годов. Женские образы картины убедительны, они впечатляют благодаря сочетанию творческой интуиции автора и его жизненных наблюдений. На полотне психологически точно и с определенной предметной наглядностью воссоздана атмосфера молодежной новостройки, приметы предвоенного быта. Сюжет построен ясно, графически чеканно.
Это мажорная жанровая сценка с группой девушек, собирающихся после трудового дня на свидание, типичный скромный интерьер женского общежития, индустриальный пейзаж вдали за окном, мягко аккомпанирующий радостному состоянию портретной группы. Часть комнаты девичьего общежития в дощатом бараке-времянке. Одна из железных казённых кроватей покрыта лоскутным, явно деревенским одеялом. За окном видится мужчина, расположившийся в терпеливом ожидании. Он ждёт ту, светловолосую и босоногую, которая в центре комнаты стоит спиной к нам.
Полотно нежно и проникновенно сфокусировало лирическое ощущение времени. Подобное решение вызвано и глубоким чувством автора к матери, бывшей в рядах строителей Магнитки, и последовательным творческим методом художника, основанным на широком поэтическом осмыслении факта действительности. При таком методе не ослабляется историческое напряжение, эмоциональный колорит эпохи. Так, зрители – современники Магнитостроя ‑ отмечали в письмах к автору полотна «Моя мама» высокую психологическую достоверность произведения. Картина принесла Юрию Ракше огромную популярность. Бывая в творческих командировках, художник с удовольствием видел своё произведение то в шофёрской кабине машины, то в рабочих общежитиях, то в вагончиках строителей БАМа… Всё было знакомо в картине, узнаваемо, напоминало каждому зрителю о чём-то своём, памятном и дорогом…
Под старой яблоней
- 1969
- Бумага, уголь, левкас, темпера поливинилацетатная, древесно-стружечная плита, соус. Плита 202 х 140, картина 178 х 98
- Государственный Русский музей
- Ж-11303
Картина «Под старой яблоней» написана в период творческой зрелости мастера. Сложившаяся манера, формальный стиль, излюбленная техника — темпера по левкасу — свидетельствуют о сознательном обращении к эстетическому опыту мастеров раннего Возрождения Италии и Северной Европы. Как и во многих картинах Жилинского, изображены близкие художнику люди — мать и дети. «Под старой яблоней» — своего рода философская элегия. Старая, изогнувшаяся, но плодоносящая яблоня — символ. Старая яблоня и старая женщина согнулись под тяжестью пережитого, о именно они рождают непрерывность жизни, и «древо жизни» продолжает плодоносить, а те, кто ушел, остаются в памяти живых. Так литературная сторона и пластическая соединились воедино в лирическом произведении художника. Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 360.
Творческие устремления художника более всего проявились в жанре портрета и его разновидности портрете-картине. Одна из особенностей искусства Жилинского заключается в том, что он выявляет в конкретном не сиюминутное, а главное, устойчивое, определяющее личность человека. Жилинский тяготеет к образам ясным, собранным, интеллектуальным, опираясь в создании их на искусство старых мастеров, прежде всего раннего итальянского Возрождения и древнерусскую живопись. Открытая обращенность к этому наследию в создании современных образов воспринимается как программа. «В искусстве люблю точность выражения, завершенность формы, в моем, конечно, понимании…» Произведения Жилинского красивы декоративностью чистых цветовых тонов, мелодичностью линий, пластикой силуэтов, гармонией композиции. Не вполне обычна и техника его письма. Художник нередко пишет темперой по левкасу, что придает повышенную колористическую звучность работам. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 297.
Как и многие картины Жилинского — это произведение, посвященное матери художника, автобиографично. В нем автор изобразил два поколения семьи Жилинских. Рядом с матерью Анастасией Федоровной (1898–1987), образ которой запечатлен на переднем плане картины, под яблоней стоят двое детей — ее внуки. Созданная Дмитрием Жилинским рама, использованная художником как дополнительное поле изображения, вносит в произведение трагические ноты. Слева на раме художник пишет фигуру отца, Дмитрия Константиновича (1900–1939), репрессированного, расстрелянного (1939) и посмертно реабилитированного, справа — образ брата, погибшего на фронте (1944). В верхней части рамы надпись: «Посвящаю моей маме». Таким образом, рама становится не только дополнением, завершением живописного полотна, но и его неотъемлемой частью.
Картина «Под старой яблоней» в своей выкрашенной белой краской широкой плоской раме с размещенными на ней двумя изображениями вызывает в памяти древнерусские иконы с клеймами на полях. Техника, в которой выполнено произведение (темперными красками по левкасу) также идет из древнерусской иконописи. Любовь к ней привили Д. Д. Жилинскому его учителя — В. А. Фаворский и Н. М. Чернышев.
Семья художника. Чернышевы
- 1969
- Древесно-стружечная плита, левкас, темпера поливинилацетатная. 80 х 100
- Государственный Русский музей
- Ж-9193
О духовном и земном, слиянии человека с природой, разных поколениях – картина, запечатлевшая одного из учителей художника по Суриковскому институту – Николая Михайловича Чернышева и его жену Антонину Александровну. «Оба они любят Россию, ее обычаи, природу, искусство». Жилинский с особой бережностью пишет портреты этих, проживших долгую совместную жизнь людей. «Он узенький, светлый – воплощение духа; она – широкая, спокойная, красивая – его опора». Изображение и высказывания художника выразительны. Главные фигуры, за которыми проглядывают молодые, словно уходят в медленно разворачивающуюся панораму с тоненькими березками, домиками, зеленеющими холмами, дальнею церквушкою – всем тем, что так дорого героям художника.
Чернышев Николай Михайлович (1885– 1973) – художник, его жена Чернышева Антонина Александровна (род. 1912). // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 294.
Изображен художник Н.М. Чернышев с женой.
Чернышев Николай Михайлович (1885, село Никольское Тамбовской губернии (ныне — Воронежская область) — 1973, Москва). Живописец, график, монументалист; теоретик искусства; педагог. Учился в МУЖВЗ (1901–1911) у Н. А. Касаткина, А. Е. Архипова, В. А. Серова, К. А. Коровина; в ВХУ при ИАХ в Петербурге (1911–1915) у Д. И. Киплика, В. В. Матэ; в Академии Р. Жюльена в Париже (1910). Служил в армии (1916–1917, Румынский фронт). Преподавал в училищах в Москве (1909–1911), в школе военной маскировки (1919–1921), в художественной школе печатного дела ИЗО Наркомпроса при Первой Образцовой типографии (1920-е), во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1920–1930), в МНХИ (1936–1949), ИЖСА (1942–1944, в эвакуации в Самарканде). Член объединений: „Московский салон“ (1911–1921), „Мир искусства“ (1921), „Искусство — жизнь“ (1921, член-учредитель), „Маковец“ (1922–1926), ОМХ (1928–1929). Много занимался графикой. Участвовал в издании литографированных альбомов (1920–1921). Сотрудничал в журналах: „Млечный путь“ (1914–1916), „Маковец“ (1922). Участник выставок с 1910. Научный сотрудник, затем член-корреспондент ГАХН (1927–1930). В 1950–1960-е занимался в основном монументальной живописью. Народный художник РСФСР (1970). Жил и работал в Москве.
Сентябрь на Мезени
- 1969–1970
- Холст, масло. 140 x 220
- Государственный Русский музей
- Ж-9282
В 1965 году Виктор Попков почти месяц прожил в Архангельской области на реке Мезень. Суровая красота этого края поразила художника. Холод Русского Cевера, суровый климат этих мест дополняют его произведения оттенком психологизма, природа и характеры героев слиты воедино.
Каталог выставки в Малаге «Времена года. Произведения из собрания Русского музея». 2015. С. 128.
Весна
- 1971
- Холст, масло. 140×120
- Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
- Ж 1364
Бытовую, на первый взгляд, картину мордовсикй художник Александр Жидков переводит в аллегорическую картину жизни.
В станковой живописи художника рассматривают как представителя сурового стиля. Этот стиль формировался в 1950-х годах и предлагал монументальный показ трудовых будней без оптимистического приукрашивания. В центре внимания – суровая романтика повседневности и люди с их внутренней силой преодоления обстоятельств, энергией и волей к жизни. Произведения А. А. Жидкова несколько отличаются от программных работ сурового стиля. Его работы цвéтные, словно сказочные, часто изобилующие деталями, что «разбавляет» советскую эстетику 1960-х годов национальным колоритом.
Полотно построено на контрастах: грубые сапоги и лиричные веточки герани в окне, крепкие фигуры и нежный росток, яркое лоскутное покрывало и темный колорит одежд, земли и окна. Две центральные фигуры – олицетворение жизни в разных проявлениях. Мужчина – суровые трудовые будни, женщина – традиции (неслучайно художник наряжает ее в национальный мокшанский костюм, бытовавший на территории Мордовии к середине XX века). Вместе с ребенком эти фигуры задают идею преемственности поколений. Таким образом, в работе соединены по смыслу весна как время года, как начало жизни, как время для новых свершений.
День Победы
- 1972–1975
- Холст, масло. 199 x 187
- Государственный Русский музей
- Ж-9536
Глеб Александрович Савинов ‒ известный советский живописец и педагог, заслуженный художник РСФСР. Родившись под Харьковом, уже в семь лет вместе с семьей переезжает в Петроград. Отец художника Александр Иванович Савинов ‒ известный живописец и педагог, профессор в Академии художеств, знакомый со многими художниками того времени, что существенно повлияло на становление дарования Глеба Савинова в будущем.
В 1940 году Глеб Александрович заканчивает Институт имени Репина и в том же году призывается на службу на Балтийский флот, где служил рядовым стрелковой бригады и участвовал в обороне Ленинграда. Даже во время тяжелой службы художнику удавалось реализовать свой талант художника, что скоро было оценено по достоинству командованием ‒ его назначают художником Балтийского экипажа. Опыт службы на фронте, потеря преданного искусству отца в блокадном Ленинграде ‒ эти жизненные вехи навсегда оставят отпечаток на творчестве Глеба Савинова. В его работах ‒ красочных и мастерски выполненных всегда много воздуха, свободы, они полны ощущением мирной жизни.
К тридцатилетнему юбилею Победы Глеб Александрович заканчивает крупную картину “День Победы”. Картина написана в ярких радостных тонах ‒ всюду солнце, цветение и жизнь. Искаженная перспектива отсылает к опытам со сферической перспективой К.П. Петрова-Водкина, дружившего с отцом Глеба Савинова. Здесь изображен не величественный государственный праздник, а семейный личный день памяти о прошлом. Три поколения большой семьи собрались за столом девятого мая, как их многочисленные соседи. Молодые выглядят мирно и беззаботно, и только в фигурах и выражении лиц ещё совсем не старых родителей видны следы тяжелых испытаний, тревожной памяти о прошлых днях.
Е.Б. Могилевский, В.М. Ахунов. Материалы к аудиогиду по выставке «Память» для платформы Izi.travel. 2020
Дорога
- 1972
- Холст, масло. 176 х 200
- Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан (Казань)
- Ж-2988
Окончив на отлично Академию Художеств, Валерий Скобеев имел право на создание полотна по договору. Мастер выбрал для себя сюжет дороги. Интересно, что Валерий Николаевич дважды отправлял багаж с картиной в Академию, но он возвращался. Тогда произведение «Дорога» приобрел Государственный музей изобразительных искусств в Казани. Позже Академия Художеств заявила: «Если картину приобрел музей – значит, она стоящая, верните ее нам».
Основные достижения Валерия Николаевича в 1970-е годы связаны со сложным жанром сюжетно-тематической картины, требующей от художника масштабности мышления, разносторонности дарования. Первым в ряду значительных произведений стало полотно «Дорога» (1972). Интересно, что сюжет дан художником символично. По широкой дороге идут молодые муж и жена, несущие ребенка и деревце-саженец. Сюжет не новый, но достоинство картины – в пластической выразительности и психологической характеристике образов, в мажорном цветовом строе, в панорамном построении пространства, насыщенного сценами человеческой деятельности. «Дорога» сразу привлекла внимание романтической приподнятостью, метафоричностью образного строя, ощущением ликующей радости и счастья жизни.
Молодые. Свадьба
- 1972
- Холст, масло. 133,0 х 219,0 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-2280
Для выдающихся мастеров реалистической школы живописи послевоенных лет Сергея Петровича и Алексея Петровича Ткачевых Тверской край сыграл особую роль в развитии их искусства. В первые послевоенные годы братья Ткачевы учились в Московском художественном институте имени Сурикова у таких признанных классиков отечественного изобразительного искусства, как Игорь Грабарь, Георгий Ряжский и Дмитрий Мочальский. Сами братья Ткачевы отмечали, что на развитие их таланта значительное влияние оказали Сергей Герасимов и Аркадий Пластов, чьи пейзажи и пейзажно-жанровые полотна вдохновляли молодых художников.
Совместную творческую деятельность живописцы начали в начале 1950-х годов, когда однажды Алексей нарисовал эскиз, а Сергей раскрасил его акварелью. Это был этюд к их первой картине. Удивительно, но совместная работа не стерла индивидуальную живописную манеру братьев: каждому из них удалось сохранить свое творческое начало, обогатить и дополнить художественный метод друг друга. Созданию каждой картины предшествует огромная подготовительная работа – большое количество этюдов и рисунков. Работая над композиционным решением полотен, они пробуют разные варианты, особое внимание уделяя точности деталей изображаемого.
К темам, отраженным в картинах художников Ткачевых, относятся: быт русской деревни, военные будни, восстановление села, тяжелый женский труд, но вместе с тем и озорные забавы детворы, деревенские праздники и отдых простых людей. Изображая реальных персонажей, авторы стремятся к типизации образов и ситуаций, раскрывая правду времени, одновременно наполняя свои работы тонким лиризмом, поэтизируя своих героев.
Тема широких деревенских гуляний отражена в жанровой картине «Молодые. Свадьба» (1972). Многофигурная композиция изображает гостей и новобрачных, идущих по расстеленному половику в дом, где их встречают караваем с солью. Картина, повествующая о свадебных обычаях и создании новой семьи, наполнена ярко выраженным национальным колоритом.
Молодые
- 1974
- Холст, масло. 200 х 180
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- Ж-76
Персонажей картины Заслуженного деятеля искусств Марийской АССР Алексея Бутова, жениха и невесту, сопровождает только старушка-мать. Это заставляет задуматься о сиротстве, выпавшем на долю новобрачных, о гибели отцов на фонтах Великой Отечественной войны. Молчаливая клятва верности и преданности, вступающих в новую полосу бытия, усиливается суровым пейзажем.
Семья
- 1974
- Холст, масло. 166 х 144
- Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
- ИНВ 182
Известный казахский художник Кенжебай Дуйсенбаев изобразил на своем полотне семейный портрет. Крупным планом всю переднюю композицию холста занимают мужчина, женщина с младенцем на руках, сидящие в яблоневом саду прямо на земле. Глава семьи одет в темно-розовую майку, коричневые брюки, ботинки. Выраженная мускулатура говорит о его рабочем происхождении. На фоне красного, доминирующего цвета платья женщины, ребенок, завернутый в белое одеяние, хорошо просматривается. Родители склонились над ним, образуя тройственный союз, как символ семейного счастья.
У колыбели
- 1975
- Холст, масло. 120 х 130
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-1985 АОМИИ
Целый ряд советских художников 1960-х — 1970-х годов, опираясь на традиции русского демократического искусства, откликались на запросы своего времени. Одним из таких выдающихся мастеров был известный московский живописец Юрий Петрович Кугач. Как человек прошедший Великую Отечественную войну, как художник-фронтовик, он как никто знал истинную цену мирного неба на своих полотнах. Главной темой в творчестве мастера становится мирная жизнь людей с её простыми каждодневными радостями и заботами.
Немало картин написано художником о современной деревни, которую автор раскрывает прежде всего через семейные отношения. В этом ряду стоит и картина «У колыбели», представляющая вечную в искусстве тему материнства. Запечатленная на полотне сцена звучит современно, поскольку художник идет от самой жизни. Изображена деревянная детская кроватка с наброшенной на неё пеленкой, женщина, держащая на руках младенца – все естественно и по-деревенски просто. Автор осознанно пишет небогатый быт этой семьи, стремясь подчеркнуть главное, а главное – чувство, которым пронизана сцена, – материнская любовь. Эта красивая деревенская женщина в неярком платье и есть настоящая «современная мадонна»: ее поза и обращенный на ребенка взгляд излучают счастье и нежность, тревогу и заботу о своем ребенке. И художник вслед за великими мастерами превозносит и восхищается предназначением женщины на Земле.
Гори ясно
- 1976
- Холст, темпера, масло. 165,0 х 135,0
- Вологодская областная картинная галерея
- Ж-678
Основную тему своего творчества Заслуженный художник РСФСР Джанна Тутунджан находила в жизни вологодской деревни. В образе русской, северной крестьянки, ставшей главной героиней большинства ее живописных полотен, отразились национальные черты характера народа, его традиции и культура, бытовавшие на Русском Севере издавна и ставшие, своего рода, источником, питавшим современное искусство страны второй половины ХХ века.
Эти народные традиции находим мы и в картине «Гори ясно» (1976), обращенной к вечной теме материнства, берущей свое начало из русской иконописи, проходящей по пластам вековой народной культуры и отражающейся в русском искусстве с XVIII вплоть до XX столетия. Яркая символика в колорите, композиции и деталях картины, которую использует Д. Тутунджан, позволяет художнице насытить бытовой мотив полотна монументальным, фресковым звучанием.
Июньская пора
- 1976-1977
- Холст, масло. 203 х 233
- Государственный Русский музей
- Ж-10289
В годы войны
- 1978
- Холст, масло. 128,0 х 104,0
- Вологодская областная картинная галерея
- Ж-1058
Для вологодского живописца Михаила Алексеевича Ларичева, ветерана Великой Отечественной войны, узника фашистских концлагерей, тема пережитых тяжелых военных лет была естественной в творчестве. О тех годах он знал из рассказов родных, оставшихся в тылу. И первоначально в этюдах к будущей картине «В годы войны» (1978) был близок к натурным впечатлениям. Бытовой эпизод, ставший заглавной темой полотна, написанного спустя тридцать лет после военных событий, продуман художником очень серьезно. Ларичев стремился к монументально-скорбной передаче настроения этой военной темы, а не к ее бытовой, пусть и трагической, стороне. Потому он скуп на бытовые подробности, но точен в использовании говорящих деталей. От этого картина становится только правдивей и проникновеннее.
Золотая свадьба, из триптиха «Свадьбы»
- 1974-1983
- Оргалит, масло. 122 х 74
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- Ж-148/3
Триптих «Свадьбы», созданный классиком марийского профессионального изобразительного искусства Зосимом Лаврентьевым в 1974–1983 годы, ‒ философское осмысление событий истории страны на протяжении со времен революции до середины 1970-х годов. Замысел реализуется в показе жизни одной семьи, судьба которой перекликается с судьбой многих их современников. Герои триптиха молодоженами начали свой жизненный путь в боях Гражданской войны, прошли через Великую Отечественную Войну и до старости сохранили в душе преданность Родине, готовность к самопожертвованию и супружескую верность.
Новобрачные, из триптиха "Свадьбы"
Период создания: 1974-1983 гг.
Материал, техника: оргалит, масло
Размер: 122х74
Ж-148/1
Серебряная свадьба, из триптиха "Свадьбы"
Период создания: 1974-1983 гг.
Материал, техника: оргалит, масло
Размер: 122х74
Ж-148/2
Золотая свадьба, из триптиха "Свадьбы"
Период создания: 1974-1983 гг.
Материал, техника: оргалит, масло
Размер: 122х74
Ж-148/3
Новобрачные, из триптиха «Свадьбы»
- 1974-1983
- Оргалит, масло. 122 х 74
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- Ж-148/1
Триптих «Свадьбы», созданный классиком марийского профессионального изобразительного искусства Зосимом Лаврентьевым в 1974–1983 годы, ‒ философское осмысление событий истории страны на протяжении со времен революции до середины 1970-х годов. Замысел реализуется в показе жизни одной семьи, судьба которой перекликается с судьбой многих их современников. Герои триптиха молодоженами начали свой жизненный путь в боях Гражданской войны, прошли через Великую Отечественную Войну и до старости сохранили в душе преданность Родине, готовность к самопожертвованию и супружескую верность.
Новобрачные, из триптиха "Свадьбы"
Период создания: 1974-1983 гг.
Материал, техника: оргалит, масло
Размер: 122х74
Ж-148/1
Серебряная свадьба, из триптиха "Свадьбы"
Период создания: 1974-1983 гг.
Материал, техника: оргалит, масло
Размер: 122х74
Ж-148/2
Золотая свадьба, из триптиха "Свадьбы"
Период создания: 1974-1983 гг.
Материал, техника: оргалит, масло
Размер: 122х74
Ж-148/3
Партизанская мадонна (Минская)
- 1978
- Холст, масло. 207 х 142
- Национальный художественный музей Республики Беларусь, Минск
- КП-16962
Выдающийся белорусский художник второй половины ХХ века, символ своего времени, Михаил Савицкий прошел все ужасы войны – от сражений в боях до концентрационных лагерей Бухенвальд и Миттельбау-Дора – и как никто другой сумел запечатлеть память о фашизме не просто конкретной личности, а народа, способного на героизм и самопожертвование. Созданная в 1967 году картина «Партизанская мадонна» из цикла «Героическая Белоруссия» не только получила серебряную медаль Академии художеств СССР и почетное место в коллекции Государственной Третьяковской галереи, она совершила революцию в советском искусстве и нашла отклик в сердцах миллионов советских граждан. Спустя десятилетие по личной просьбе директора Государственного художественного музея БССР Елены Васильевны Аладовой художник написал авторский вариант произведения.
Образ Родины-матери, нашедшей свое отражение в полотне «Партизанская мадонна» (Минская), в композиционном решении продолжает традиции искусства Высокого Возрождения. В нем явственно проявляются параллели с шедевром мирового искусства – «Сикстинской мадонной» Рафаэля Санти. Савицкий соединяет символический образ женщины-матери с историческими реалиями войны. Одновременно он изображает вооруженных людей, простых крестьянок и символ, способный спасти мир от зла. Образ «возносящейся» матери олицетворяет гуманные жизненные силы, самоотверженность, бескорыстную любовь к своему ребенку, а через него – ко всему человечеству.
Проводы на фронт, из триптиха «Вехи Страны Советов»
- 1978
- Холст, масло. 140 х 140
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- РМИИ КП-4331/1
Триптих «Вехи Страны Советов» создан Заслуженным художником РФ и Республики Марий Эл Измаилом Варсонофьевичем Ефимовым в конце 1970-х годов.
В картине «Проводы на фронт» представлена сцена прощания родных и близких с молодым новобранцем. Деревенский парень привлекает своим обликом, внутренней чистотой и детской беззащитностью. Его молодость в контрасте с прислонившейся к нему пожилой матерью, выступает еще ярче. Момент расставания – кульминация картины. Солдат пойдет в бой, а его близкие примут на свои плечи тяжесть тыловой жизни.
Центральная часть, из триптиха "Вехи Страны Советов"
Период создания: 1978
Материал, техника: холст, масло
Размер: 140 х 220
Номер по КП (ГИК): РМИИ КП-4331/2
Инвентарный номер: —
Красный трактор, из триптиха "Вехи Страны Советов"
Период создания: 1978
Материал, техника: холст, масло
Размер: 140 х 140
Номер по КП (ГИК): РМИИ КП-4331/3
Инвентарный номер: —
Семья художника
- 1978
- Холст, масло. 179 х 151
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- 3243-ж
Художественный образ – это образ-тип. Гульфайрус Исмаилова – художник из Казахстана, который может превратить портрет отдельного человека в образ. Творческий почерк Г. Исмаиловой, пройдя от эмоционального фейерверка первых портретов через сдержанную строгость образов второй половины 1960-х годов, обрел к семидесятым годам новые качества. Эмоциональное восприятие, передача чувств по-прежнему глубоки, но уже не так открыты. Всплеск эмоций уступает место философскому осмыслению человека, его внутренней жизни. И хотя модели Г. Исмаиловой красивы и обаятельны, предпочтение отдается именно духовной красоте, она любуется богатством и цельностью натур своих героев.
Особой теплотой пронизан «Автопортрет с семьей» (1978), раскрывающий любовь и сердечную общность членов маленькой семьи и вместе с тем подчеркнуты индивидуальность каждого характера, своеобразие духовного мира, передана атмосфера творчества. «Автопортрет с семьей» несет в себе высокую человеческую и документальную ценность.
Серебряная свадьба, из триптиха «Свадьбы»
- 1974-1983
- Оргалит, масло. 122 х 74
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- Ж-148/2
Триптих «Свадьбы», созданный классиком марийского профессионального изобразительного искусства Зосимом Лаврентьевым в 1974–1983 годы, ‒ философское осмысление событий истории страны на протяжении со времен революции до середины 1970-х годов. Замысел реализуется в показе жизни одной семьи, судьба которой перекликается с судьбой многих их современников. Герои триптиха молодоженами начали свой жизненный путь в боях Гражданской войны, прошли через Великую Отечественную Войну и до старости сохранили в душе преданность Родине, готовность к самопожертвованию и супружескую верность.
Новобрачные, из триптиха "Свадьбы"
Период создания: 1974-1983 гг.
Материал, техника: оргалит, масло
Размер: 122х74
Ж-148/1
Серебряная свадьба, из триптиха "Свадьбы"
Период создания: 1974-1983 гг.
Материал, техника: оргалит, масло
Размер: 122х74
Ж-148/2
Золотая свадьба, из триптиха "Свадьбы"
Период создания: 1974-1983 гг.
Материал, техника: оргалит, масло
Размер: 122х74
Ж-148/3
Триптих «Свадьбы»
- 1974-1983
- Оргалит, масло. 122 х 74
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- Ж-148
Триптих «Свадьбы», созданный классиком марийского профессионального изобразительного искусства Зосимом Лаврентьевым в 1974–1983 годы, ‒ философское осмысление событий истории страны на протяжении со времен революции до середины 1970-х годов. Замысел реализуется в показе жизни одной семьи, судьба которой перекликается с судьбой многих их современников. Герои триптиха молодоженами начали свой жизненный путь в боях Гражданской войны, прошли через Великую Отечественную Войну и до старости сохранили в душе преданность Родине, готовность к самопожертвованию и супружескую верность.
Новобрачные, из триптиха "Свадьбы"
Период создания: 1974-1983 гг.
Материал, техника: оргалит, масло
Размер: 122х74
Ж-148/1
Серебряная свадьба, из триптиха "Свадьбы"
Период создания: 1974-1983 гг.
Материал, техника: оргалит, масло
Размер: 122х74
Ж-148/2
Золотая свадьба, из триптиха "Свадьбы"
Период создания: 1974-1983 гг.
Материал, техника: оргалит, масло
Размер: 122х74
Ж-148/3
Праздник
- 1980
- Холст, масло. 170 х 150
- Национальный музей им. А.В.Анохина, Горно-Алтайск
- Ж-1425
Нина Сергеева родилась в поселке Юзовка близ Донецка на Украине. Училась в Харьковском художественном институте. После войны (1945–1950 гг.) продолжила обучение в МГХИ им. В. И. Сурикова. В 1960–1970-е годы художница много ездила по стране. Результатом этих поездок стали большие и интересные серии работ, рассказывающие о природе и людях нашей страны, их труде и жизни.
На картине «Праздник» изображена первомайская демонстрация в Горно-Алтайске. На первом плане в центре – молодая семья. Слева – две девушки в алтайской национальной одежде.
Подробнее:
1 мая – День международной солидарности трудящихся (с 1972. В РСФСР первоначально он назывался «День Интернационала» – с 1917 по 1972).
Праздник возник в середине XIX века в рабочем движении, выдвинувшем в качестве одного из основных требований введение восьмичасового рабочего дня. Первыми с требованием восьмичасового рабочего дня выступили рабочие Австралии 21 апреля 1856 года, отмечая с тех пор праздник ежегодно. 1 мая 1886 года в США и Канаде также прошли митинги и демонстрации. При разгоне такой демонстрации в Чикаго 4 мая 1886 года погибли шесть демонстрантов. В результате последовавших массовых выступлений погибли полицейские. Восемь рабочих были казнены по ложному обвинению в организации взрыва.
В память о казнённых Парижский конгресс II Интернационала по предложению американских рабочих объявил эту дату Днём солидарности рабочих всего мира, и предложил отметить его демонстрациями с требованием 8-часового рабочего дня и другими социальными требованиями.
В Российской империи Первое мая как день международной солидарности трудящихся впервые отметили в 1890 году в Варшаве. С 1897 года маёвки стали носить политический характер и сопровождались массовыми демонстрациями.
После Октябрьской революции 1917 года праздник стал официальным. В РСФСР первоначально он назывался «День Интернационала», позднее, с 1972 года, он стал называться «День международной солидарности трудящихся — Первое Мая» и отмечался 1 и 2 мая. 1 мая проводились демонстрации трудящихся и военные парады. На второй день праздника, как правило, во всей стране проходили «маёвки» — массовые празднования на природе.
5 Августа. Первый салют
- Из серии «Белгород – город первого салюта»
- 1981
- Бумага, цветная линогравюра. 79,5 х 57,5; 65,5 х 48,5
- Белгородский государственный художественный музей
- Г-148
В коллекции Белгородского художественного музея произведения заслуженного художника России Станислава Степановича Косенкова (1941–1993) занимают особое место, его мемориальная мастерская является филиалом Белгородского художественного музея. Он стал одним из художников, внесших наибольший вклад в развитие искусства печатной графики на Белгородчине.
В творчестве Станислава Косенкова изображения Белгорода, в котором художник жил с 1976 года до самой смерти, – это вовсе не бытовые образы, не зарисовки из городской жизни. Как правило, город показан в его работах с некоторой дистанции, художник смотрит на него со стороны, извне – либо из мира мастерской, либо с холма, либо показывает вид города за окном. Эти приемы применяет Косенков и в цветных линогравюрах из серии «Белгород – город первого салюта» (1981–1983).
В линогравюре «5 августа. Первый салют» художник изображает мать с ребенком в комнате, перед окном, а центральную площадь города и праздничный салют – отраженными в оконных стеклах. Таким образом, один из самых светлых образов искусства – мать и дитя – неразрывно связаны с важным для Белгорода и всей страны событием. По приказу И. В. Сталина № 2 от 5 августа 1943 года, в этот день в Москве был дан артиллерийский салют войскам, освободившим Орёл и Белгород. Этот салют был первым за время Великой Отечественной войны, поэтому за Орлом и Белгородом закрепилось название «город первого салюта». С 1943 года салют в день освобождения Белгорода стал традицией, а 5 августа белгородцы празднуют День города.
Корень рода (Семья)
- 1981
- Холст, масло. 110,0 х 90,0
- Вологодская областная картинная галерея
- Ж-917
Понятие «род» является одним из исконных понятий русской культуры, объединяющим началом, неотделимым от понятий родина, дом, семья, которые в свою очередь связывают поколения людей друг с другом. Проблема сохранения и возвращения к вечным ценностям является одной из наиболее значимых в творчестве Заслуженного художника РСФСР Джанны Таджатовны Тутунджан. Не случайно символом возрождения русской деревни, а значит и родной земли, в произведениях художника является женщина-мать. Именно она в картине «Корень рода (Семья)» (1981) в образе крестьянки со сложенными на коленях руками и является корнем человеческого рода, его надеждой и опорой. За ее спиной на бревенчатой стене фотографии – портреты мужа, погибшего на войне, двух дочерей, которые вышли замуж и уехали из родительского дома – не одно поколение, выросшее на ее глазах и покинувшее родной очаг. Словно капля крови горит на стене бумажный алый цветок, повторяясь в узоре на черном платке, покрывающем голову старухи.
Первенец
- 1981 г.
- Холст, масло. 103,0 х 135,0
- Белгородский государственный художественный музей
- Ж-274
Тематический диапазон творчества братьев Сергея Петровича и Алексея Петровича Ткачёвых охватывает широкий спектр сюжетов: история страны, подвиг народа в Великой Отечественной войне, внутренний мир русского человека. Одной из ярких тем в их творчестве является деревня с ее заботами, тревогами и радостями. Сами художники говорили, что во всех жизненных ситуациях «отдушиной была деревня», ведь именно там человек «плоть от плоти Земли русской». Они создавали картины деревенской жизни о том, как люди жили, поднимали хозяйство, женились, рожали детей.
Сюжет картины «Первенец» (1981) из фондов Белгородского государственного художественного музея посвящен одному из самых важных и трепетных моментов – появлению новой жизни. Художники подмечают и нерешительность, растерянность молодого отца, еще не сменившего солдатскую форму на гражданскую одежду, и сосредоточенность на ребенке совсем юной матери. В картине много бытовых подробностей – самовар, горящая печь, бутылочка с соской на комоде. Художники говорят со зрителем на языке человеческих чувств и переживаний. Мягкая цветовая палитра художественного произведения, лирико-интимная интонация передают близкие и понятные чувства и эмоции молодых родителей: радость, счастье и надежду на светлое будущее. И оно обязательно будет, ведь рождение ребенка означает продолжения рода и непрерывность традиций.
Бабушка и внучка
- 1983
- Холст, масло. 122,5 х 146,0
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-2374
Одним из тех живописцев, кто навсегда связал свою судьбу с Вышневолоцким краем, стал выпускник МГАХИ им. В.И. Сурикова Юрий Петрович Кугач. Созданные им жанровые картины ярко и образно раскрывают черты национального быта. Произведения, посвященные простым деревенским жителям, подкупают своей правдивостью и душевной проникновенностью. Живописец много, увлеченно и плодотворно работал над пейзажами, воспевающими родную природу, интерес к этому жанру развился у него после знакомства с Тверской землей.
Юрий Петрович Кугач поселился в деревне Малый Городок. Окрестности деревни, её жители, река Мста, озеро Мстино стали источником вдохновения для художника. В коллекции Тверской областной картинной галереи находятся десять работ этого замечательного художника. Среди них известные жанровые полотна, выдержанные в традициях русской реалистической школы живописи, поэтизирующие традиционные черты русского народного быта: «В субботу» (1964), «Бабушка и внучка» (1983), «Подшивает валенки» (1955). В собрании пейзажная живопись Кугача представлена работами «Лунная ночь» (1973), «Зимний вечер» (1956), «Сжатое поле. (Снопы)» (1954), «Весна идет» (1970). Ему милы эти деревенские домики и сарайчики, близка жизнь простых русских крестьян. В своих подготовительных работах он нередко обращался и к деревенскому интерьеру: «Деревенская кухня» (1955), «В избе» (1955).
Очень часто в полотнах художника интерьер играет важную роль, как, например, в картине «Бабушка и внучка» (1983). Жанр этого произведения можно охарактеризовать как парный портрет в интерьере. Характерные детали, наполняющие пространство комнаты: бревенчатые стены с глубокими трещинами, пестрый ковер на стене, алое стеганое одеяло на кровати с белоснежным ажурным подзором, окно с кружевными занавесками и разросшейся цветущей геранью в горшочке, домотканый половик. Через изображение домашнего мира героинь художник раскрывает главные черты их характеров: любовь к традиционному укладу жизни, ведению быта, созданию уюта и, главное, передаче этих ценностей новому поколению. Картина наполнена теплым трогательным настроением, а звучный колорит, свойственный автору, усиливает этот эффект.
Земля и небо Устюрт
- 1983
- Холст, масло. 160 х 100
- Музей Чеченской Республики, Грозный
- 1646
«Земля и небо (на новых землях) Устюрт» второе название картины. Плато Устюрт – каменистая пустыня, поверхность которой сложена известняково-мергельным плащом сарматского возраста, находится в пределах двух стран: Казахстана (западная часть) и Узбекистана (восточная часть).
На полотне изображена семейная пара на фоне выжженной солнцем поляны. Справа – мужчина (летчик) одет в униформу. Слева – женщина в голубом платье, с ребенком на руках. На заднем плане, на фоне ярко-синего неба, – вертолет.
Картина была в числе других произведений, переданных в дар Музею Чеченской Республики в 2020 от Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО» (более 200 произведений искусства: живопись, графика, скульптура и прикладное искусство).
Ранее работы принадлежали расформированному фонду Международной конфедерации союзов художников, все произведения искусств которого распределены среди российских музеев.
Комаров Алексей Иванович
1918–1987Купервассер Татьяна Исидоровна
1903, Санкт-Петербург – 1972, ЛенинградЖивописец, график. Брала уроки рисования у В. Д. Бубновой (1913–1914); училась в ПГСХУМ–ВХУТЕИН (1920–1925) у О. Э. Браза и К. С. Петрова-Водкина. Участник выставок с 1925. Член и экспонент общества «Круг художников» (1927– 1932). Член СХ с 1946 (ранее была исключена из кандидатов в члены СХ). В 1930-е постепенно отходит от выставочной деятельности, пожертвовав своими творческими интересами ради семьи: зарабатывала на жизнь заказами прикладного характера, предоставив возможность заниматься творчеством мужу (с 1923), живописцу А. И. Русакову.
С середины 1920-х работала художником на предприятиях ленинградской текстильной̆ промышленности; с конца 1930-х занималась преимущественно декоративно-оформительской работой (музеи Арктики, Этнографии народов СССР, Истории города и другие, ленинградский̆ павильон на ВСХВ) и прикладной̆ графикой̆ (со второй половины 1920-х: мода, дизайн ткани; после войны — адреса, торговые этикетки и упаковки, товарные знаки). Работала в ЛО ХФ СССР (с 1945); в 1940–1960-е много писала акварелью, чаще пейзажи, сделанные на природе, в последние годы — преимущественно натюрморты. После выставки ГРМ «Круг художников» (2007) творчество Купервассер привлекает все большее внимание.
Садиленко Юрий Харлампиевич
1903, г. Житомир –1967, г. Киев, Украинская ССР1930 – Киевский художественный институт (мастерская монументальной живописи профессора Л. Крамаренко). 1931–-1941 – преподаватель в Харьковском художественном институте. 1944–1967 – преподаватель в Киевском художественном институте, доцент.
Чуйков Семен Афанасьевич
1902, Пишпек (ныне Бишкек, Кыргызстан) –1980, МоскваЖивописец. Народный художник СССР (1963). Лауреат двух Сталинских премий (1949, 1951), Государственной премии Кыргызской Республики премии имени Токтогула Сатылганова (1972) и Международной премии имени Дж. Неру (1967). Действительный член АХ СССР (1958). Один из основоположников современного киргизского изобразительного искусства.
Родился в Пишпеке Семиреченской области Туркестанского края (ныне Бишкек, Киргизия) в семье военного писаря. В 1912 Чуйковы переехали в Верный (ныне Алматы), где мальчик увлекся живописью и брал уроки живописи у художника и педагога Н. Г. Хлудова (1918–1920). Учился в Ташкентской художественной школе (1920–1921), затем во ВХУТЕМАСе (мастерская Р. Р. Фалька, 1924–1930).
Позднее много работал как педагог, в том числе в Институте пролетарских изобразительных искусств (бывший Высший художественно-технический институт, ВХУТЕИН) в Ленинграде (1930–1932). Уже в 1930-е продемонстрировал незаурядное живописное дарование и тонкий эстетический такт, создавая пейзажи и типажные портреты, привлекавшие ярким местным колоритом. Завоевал известность в первую очередь «киргизской колхозной сюитой». Жанровые картины и пейзажи, посвящённые людям и природе Киргизии, Индии (триптих «О простых людях Индии», 1957–1960). После путешествий в Индию, Италию (1956, 1963), создавал прекрасные образы этих стран, редкие по колориту пейзажи. Издал три книги путевых и мемуарных очерков: Образы Индии (1956), Заметки художника (1962), Итальянский дневник (1966).
Был одним из создателей и председателем правления Союза художников Киргизской ССР (1933–1937, 1941–1943). В 1934 по его инициативе в г. Фрунзе (бывший Пишпек, ныне Бишкек) была открыта первая в республике картинная галерея (ныне Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева). Вскоре организовал при ней и школу-студию, в 1939 получившую статус Художественного училища, носящее сегодня его имя. Создал значительные исторические и жанровые композиции, портреты, пейзажи. Выдающиеся творческие достижения С. Чуйкова принесли признание в Кыргызстане и за рубежом.
.
Корецкий Виктор Борисович
1909, Киев – 1998, МоскваПлакатист. Учился в московской средней изо–профшколе (1922–1929). Участвовал в выставках с 1932. Работал в плакате с 1931; один из ведущих мастеров фотомонтажного плаката в 1940–1950–е. Жил в Москве. Лауреат Сталинских премий 1946, 1949 за плакаты военных лет.
Носов Михаил Михайлович
1887, Жабыльский наслег Мегино-Кангаласского улуса – 1960, г. ЯкутскЗаслуженный деятель искусств РСФСР, народный художник Якутской АССР. Родился 3 октября 1887 года в Жабыльском наслеге Мегино-Кангаласского улуса. Учился в Якутской духовной семинарии (около 1897-1901), затем в Вольной рабочей высшей школе в Петербурге (1908-1910). Умер 27 июля 1960 года в Якутске.
Подляский Юрий Станиславович
1923, Хабаровск – 1987, ЛенинградЖивописец. Член Союза художников СССР. Народный художник РСФСР. Родился 5 июня 1923 в Хабаровске. С 1933 жил с семьей в Вышнем Волочке, где учился в средней школе № 6 (1933-1938), занимался рисованием в Доме пионеров под руководством Г.А.Коростелева. Участвовал во всесоюзных конкурсах детского рисунка. В 1942 окончил Среднюю художественную школу при Всероссийской АХ. В 1942 году стал студентом Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры имени Репина, который окончил в 1949 году под руководством Б.В. Иогансона – одного из ведущих представителей социалистического реализма в живописи.
Мастер индустриального пейзажа; с 1953 создавал произведения, посвященные стройкам Сибири, которые, впоследствии, переросли в циклы работ. В 1983 году Юрий Станиславович Подляский был удостоен почетных званий: «Заслуженный деятель искусств РСФСР» и «Народный художник РСФСР». Жил и работал в Ленинграде. Участник всесоюзных, всероссийских, региональных и зарубежных выставок. Сегодня произведения Юрия Подляского можно встретить в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, Белгородском государственном художественном музее, в музеях и частных собраниях в России, ближнего и дальнего зарубежья.
Избеков Иоаким Дмитриевич
1909 – 1996Иоаким Дмитриевич Избеков-Уустаах – заслуженный артист ЯАССР, постановщик народных танцев, один из непревзойденных знатоков якутского фольклора, писатель и живописец. Он окончил фабрично-заводское училище в Якутске, но стал одним из первых артистов Национальной театральной студии, потом в составе первых посланцев республики поехал учиться в Москву в Щепкинское театральное училище. Иоаким Дмитриевич известен как автор ряда драматических произведений, книг, художественных полотен, вошедших в кладезь якутского искусства.
Большим успехом у зрителей пользовались его драма о великой любви «Сыгый Кырынастыыр», а также спектакль для детей «Оотуй и Тоотуй», поставленные на сцене Якутского драмтеатра. Также в собрании Национального художественного музея республики хранятся картины «Колхозное стадо», «Шаман», «Первые шаги», «Из прошлого» и другие, в которых Избеков как художник отобразил красоту родного края, обычаи народа саха, неприхотливый сельский быт.
Соколов Яков Михайлович
1911, с. Ивановское Волоколамского уезда – 1996Советский живописец, педагог, кандидат искусствоведения, доцент.
Окончил Волоколамский педагогический техникум. В 1930–1932 работал воспитателем в Малаховском детском городке и одновременно учился в Художественной студии в Москве. В 1931–1939 обучался в Московском институте изобразительных искусств, закончил его с отличием, получив квалификацию художника-графика. После окончания института оставлен в аспирантуре.
В 1941 вместе с институтом эвакуирован в г. Самарканд, где поступил на работу преподавателем рисунка и живописи в Центральное художественно-промышленное училище.
После возвращения в Москву в 1944 защитил кандидатскую диссертацию и продолжал работать в училище доцентом кафедры рисунка, а затем деканом факультета художественной керамики. Член Союза художников СССР (1944).
В 1952–1974 – работал в Московском государственном художественном училище им. В. И. Сурикова. Преподавательскую деятельность успешно совмещал с творческой работой, был участником ряда всесоюзных и других крупных художественных выставок. Работы художника находятся в ГМИИ им. А. С. Пушкина, Севастопольском художественном музее им. М.П. Крошицкого, Государственном музейно-выставочном центре РОСИЗО, Череповецком музейном объединении.
Иванов Константин Константинович
1921–2003Чередин Борис Александрович
1919, д. Иванкино, Вологодская губерния – 1972, ВологдаСоветский живописец. Родился 1 января 1919 в деревне Иванкино Сокольского района Вологодской губернии. Позже, переехав в Вологду, учился в изостудии при Товариществе вологодских художников (1939–1941) годах. Воевал на фронтах Великой Отечественной войны. По возвращении поступил на работу в Вологодское отделение Художественного фонда РСФСР. С 1951 участник выставок вологодских художников. С 1968 член Союза художников СССР.
Данциг Май Вольфович
1930, МинскЖивописец. Автор тематических картин и индустриальных пейзажей. Народный художник Беларуси. Учился в Минском художественном училище (1947-1952), затем в Московском Государственном художественном институте им. В.И. Сурикова (1952-1958) у М.И. Курилко, П.Д. Покаржевского, В.Г. Цыплакова. Участник выставок с 1958. Персональные выставки неоднократно проходили в Минске и других городах Беларуси. С 1958 преподавал в Белорусском театрально-художественном институте. С 1980 профессор, заведующий кафедрой живописи художественной Академии Беларуси. Произведения художника находятся в Государственном Художественном Музее Белоруссии в Минске, частных коллекциях, национальных музеях Украины, России (в том числе в ГТГ), Азербайджана, а также во многих региональных музеях. Проживает в Минске.
Мисюра Анатолий Антонович
1932, с. Михайловское, Днепропетровская обл. – 1979, Саранск, Мордовская АССРЖивописец. Член Союза художников СССР (с 1964).
Родился 25 июня 1932 в селе Михайловское Томковского района, Днепропетровской области (Украина). В 1958 окончил Одесское художественное училище (учился у М. Д. Тодорова и А. Г. Ацманчука). С 1958 участник областных, республиканских, региональных, всероссийских выставок. С 1960 жил в Саранске и работал в жанрах тематической картины, портрета, пейзажа, натюрморта. С 1961 художник-исполнитель Мордовских художественно-производственных мастерских Художественного фонда РСФСР. Работы художника выставлялись в Русском музее Ленинграда.
Шаманов Борис Иванович
род. 1931, Ленинград - 2008, Санкт-ПетербургЖивописец, преподаватель. Учился на отделении декоративно-монументальной росписи Ленинградского высшего художественно-промышленного училища, далее ЛВХП им. В. И. Мухиной (1948–1956) у П. Д. Бучкина, А. К. Соколова, А. А. Казанцева, С. А. Петрова, К. Л. Иогансона. Участник выставок с 1957. Преподает в ЛВХП им. В. И. Мухиной – Санкт-Петербургской государственной художественно-промышленной академии. Заслуженный художник РСФСР.
Ракша Юрий Михайлович
1937, г. Уфа –1980, г. МоскваЖивописец, художник-постановщик кино.
Родился 2 декабря 1937 в Уфе в рабочей семье. С десяти лет занимался в уфимской изостудии ДК им. Калинина под руководством художника Г. В. Огородова. Учился в средней художественной школе при Московском художественном институте имени В. И. Сурикова. 1957–1963 – учился на художественном факультете ВГИКа. После окончания учёбы на протяжении 15 лет работал художником-постановщиком на киностудии «Мосфильм». Работал с режиссерами М.А. Швейцером, В.В. Монаховым, А. Куросавой. Как живописец автор ряда мастерски выполненных портретов и жанровых композиций. Произведения художника хранятся в собраниях Третьяковской галереи, Башкирского государственного художественного музея им. М. В. Нестерова, частных коллекциях.
С участием художника были созданы такие фильмы как «Время, вперёд!» (1965 г.), «Дерсу Узала» (1975 г., фильм был номинирован на премию «Оскар»), «Восхождение» (1976 г.) и другие.
Автор более двухсот живописных картин, создатель множества графических работ и иллюстраций. К числу наиболее известных его произведений можно отнести такие работы как «Воскресение», «Моя мама», «Подснежники», «Тыл», «Уральские горы», «Писатель Василий Шукшин», «У ручья», «Земляничная поляна». Вершина творчества художника – триптих «Поле Куликово» (1979) к 600-летию Куликовской битвы.
Работы художника экспонировались на девятнадцати выставках в Москве, Ленинграде, Загорске, Иркутске, Париже, Лондоне, Токио, а также в ГДР, Монголии, Польше, Нидерландах.
Жидков Александр Александрович
1935, с. Марьяновка, Мордовская АССР – 2020Заслуженный художник Республики Мордовия (2017), член Союза художников СССР (с 1968). Живописец, работает в области тематической картины, натюрморта, пейзажа, портрета.
Родился 27 ноября 1935 в селе Марьяновка Большеберезниковского района Мордовской АССР. В 1961 окончил Пензенское художественное училище им. К. А. Савицкого (учился у Н. К. Краснова, В. Н. Дубкова). Совершенствовал мастерство на Академической даче им. И. Е. Репина Союза художников РСФСР (1964, 1965), в Доме творчества Союза художников СССР «Сенеж» (1967), в Доме творчества Союза художников РСФСР «Горячий ключ» (1979). С 1963 участник республиканских, региональных, всероссийских выставок. Персональная выставка, к пятидесятилетию художника, состоялась г. Саранске (1985). Награждён медалью «За межнациональное согласие» (2017). Вместе с художниками Виктором Бедновым, Анатолием Мисюрой много ездил по Мордовской АССР и занимался оформительской работой. Произведения художника находятся во многих региональных музеях, в российских и зарубежных частных собраниях.
Скобеев Валерий Николаевич
1938, п. Измайловка, Ульяновская обл. - 1922, КазаньЖивописец. Лауреат премии обкома комсомола ТАССР им. М.Джалиля, Заслуженный деятель искусств Республики Татарстан (РТ), Народный художник РТ. В 1964 окончил Казанское художественное училище, а в 1970 окончил Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина АХ СССР по мастерской Е.Е.Моисеенко. Член СХ СССР с 1974.
Ведущий художник Татарстана в области исторической живописи, является автором большого количества сюжетно-тематических картин об Октябрьской революции, войне, мирном труде, строительстве, жизни рабочего класса и молодёжи. Внёс заметный вклад в лениниану («Совет у В. И. Ленина», 1977), в живописную галерею жизни и творчества Г. Тукая и М. Джалиля, стал автором ряда портретов деятелей татарской культуры, поэзии, литературы, театра.
Дуйсенбаев Кенжебай
р. 1942, с. Абай Южно-Казахстанской области, КазахстанКазахстанский живописец, член СХ РК с 1974 года, заслуженный деятель искусств с 1991 г. Действительный член АХ Кыргызстана с 2006 г., Лауреат платиновой премии «Тарлан» в 2005. Родился в 1942 г. в селе Абай Южно-Казахстанской области. Окончил Ташкентский театрально-художественный институт им. А.Н. Островского в 1972 г.
Преподаватель рисунка, живописи и композиции в художественном училище им. Гоголя с 1972. Преподаватель рисунка и живописи КазНАИ им. Т. Жургенова в 2000-2003. Свой творческий путь начинал с сюжетных композиций. Произведения художника экспонировались на выставках во Франции, Англии, Румынии, России, Казахстане, Киргизии. Работы находятся в Государственной Третьяковской Галерее в Москве, ГМИ Республики Казахстан им. А. Кастеева и в Карагандинском областном музеи изобразительного искусства.
Тутунджан Джанна Таджатовна
1931, Москва – 2011Живописец, график. Училась в Московской средней художественной школе (1944–1950), в Московском художественном институте им. В. И. Сурикова (мастерская М. М. Черемных и Н. А. Пономарёва, 1953–1959). С 1959 жила и работала в Вологде, участник многих художественных выставок в России и за рубежом. Член Союза художников СССР (1964). Заслуженный художник РСФСР (1972), народный художник России (2004).
Родилась в Москве 22 сентября 1931. По материнской линии из семьи потомственных московских дворян. По отцовской линии связана с армянскими корнями, но в самой Армении была всего один раз, в 1955. Окончила среднюю художественную школу, а затем Московский художественный институт имени В. И. Сурикова (1959). Училась в мастерской М. М. Черемных и Н. А. Пономарева, избрав для дипломной работы монументальный образ Родины-Матери в технике флорентийской мозаики.
В 1952 впервые приехала на вологодскую землю, и с 1959 осталась жить и работать в Вологде навсегда. Ее привез на Север муж, художник-живописец Николай Баскаков. В одном из своих интервью Тутунджан отмечала: «Муж – вологжанин. Мы вместе учились в московской художественной школе, в одном классе, в Суриковском институте. Правда, в разное время. От него я услышала первые рассказы о Вологде. Он первым познакомил и поводил меня по этой земле. Научил всегда делать то, к чему лежит душа». В одной из поездок по области присмотрели они себе деревенский дом на берегу Сухоны, и с этих пор деревня Сергиевская, затерянная в лесах Тарногского района, стала источником тем и образов графического и живописного творчества Тутунджан. Именно здесь, на Вологодской земле, нашла она своих героев, определила для себя главную цель творчества – поведать миру о простых и прекрасных людях, сохраняющих в душах и сердцах своих самые лучшие и светлые качества народного характера.
Когда художнице задают вопрос о том, что ближе ей как творцу: живопись или графика – она отвечает: «Графика – мои корни, живопись – крона». В арсенале большого художника все средства гармонично едины и подчинены одной цели – творчеству. У Тутунджан мы можем говорить о графичности живописных произведений и о наполненности живописными ассоциациями ее графических композиций. Графический элемент выразительного силуэта всегда дополнен символикой живописного цветового пятна.
В жанре портрета она обращается к людям хорошо знакомым и любимым, проповедуя и утверждая через них идеал духовной красоты и богатства. Наверное, потому ее портретные образы романтичны и лишены бытовизма, а цвет и изобразительные детали помогают раскрыть главное, что ценит она в их характере: творческий порыв, увлеченность, преданность.
Выставки Джанны Таджатовны обычно собирают самую большую аудиторию. В чем же феномен популярности произведений Тутунджан у публики? Конечно, не только в сюжетной основе ее картин, близкой и понятной людям, живущим в провинции, но и в эстетике их пластического языка, близкого этическим и эстетическим традициям русской народной культуры.
Лаврентьев Зосим Фёдорович
1933, д. Эсяново, Горно-Марийский национальный район, – 2020, г. Йошкар-Ола, Марий Эл, РоссияСоветский и российский живописец, член Союза художников СССР. Народный художник Российской Федерации (2009), заслуженный художник Российской Федерации (1993), заслуженный деятель искусств Марийской АССР (1983). Классик марийского профессионального изобразительного искусства.
Родился 6 апреля 1933 года в деревне Эсяново ныне Горномарийского района Марий Эл в семье крестьянина, участника Первой мировой и Великой Отечественной войн. В 1958 окончил Чебоксарское художественное училище. В 1960-1962 учился в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. А. Е. Репина Академии художеств СССР.
Был сотрудником Марийских мастерских Художественного фонда РСФСР. С 1960 по 1971 был художественным редактором сатирического журнала «Пачемыш» («Оса»). С 1969 - на творческой работе.
Лауреат Государственной премии Марийской АССР (1977) и премии Марийского комсомола им. О. Ипая (1970). Награждён медалью ордена «За заслуги перед Марий Эл» (2013).
Савицкий Михаил Андреевич
1922, д. Звенячи Витебской области – 2010, МинскСоветский и белорусский живописец. Народный художник СССР (1978), Народный художник БССР, заслуженный деятель искусств БССР. Родился в д. Звенячи Витебской области в 1922 году. Окончил Минское художественное училище (1951), Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова (1957). Участник художественных выставок с 1957. Работал в различных жанрах станковой живописи, а также в монументально-декоративном искусстве. Герой Беларуси, академик Академии художеств СССР, академик Национальной академии наук Беларуси.
Произведения находятся в Национальном художественном музее Республики Беларусь, Музее истории города Минска, Государственной Третьяковской галерее, а также в других белорусских и зарубежных музеях, частных коллекциях. Руководил государственным учреждением культуры «Творческие академические мастерские живописи, графики и скульптуры» Министерства культуры Республики Беларусь.
Пашковская Марина Харутюновна
р. 1935, Московская обл.Советский художник кино. Член Союза художников СССР. Родилась в 1935 в Пушкинском районе Московской области. Окончила республиканское художественное училище им. П.П. Бенькова (Ташкент, 1959), Ташкентский театрально-художественный институт им. А. Островского по специальности художник-постановщик театра (1965).
С 1964 работала на киностудии «Узбекфильм». Была художником по костюмам в фильмах «Листок из блокнота», «Одержимый», «Колокол Саята», «Войди в мой дом», художник-постановщик картин «Плюс единица», «Он был не один», «Слепой дождь», «Огненный берег» и других. С 1964 принимала участие во всесоюзных и республиканских выставках. Работы находятся в Картинной галерее г. Красноармейска.
В 1973 году была удостоена серебряной медали ВДНХ за живописные картины «Мир входящему» и «Разные судьбы». Работы находятся в Картинной галерее г. Красноармейска.
Более 150 произведений объединил раздел «Дети». Здесь можно увидеть пионеров и октябрят, юных авиамоделистов и шахматистов, колхозные ясли, детские сады, учебу в школе и летний отдых в пионерских лагерях, помощь фронту, сбор металлолома, занятия в спортивных секциях, посещение филармонии и семейные праздники. Этот раздел включает также ряд плакатов, посвященных заботе о детях, всеобщему обучению и борьбе с беспризорностью, которые были выпущены в первые годы советской власти, хранящиеся в фондах Русского музея и экспонировавшиеся на выставке «Дети Страны Советов».
В Советской республике не должно быть больных и беспризорных детей! Здоровое физическое и духовно молодое поколение - верный проводник идей коммунизма!
- 1923
- Бумага, хромолитография. 61 х 102
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1307
Все в общество рабочий патронат "Друг детей". На борьбу с беспризорностью
- 1923 (?)
- Бумага, хромолитография. 92,5 х 69,5
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-752
Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать!
- Первая половина 1920-х
- Бумага, хромолитография. 100,7 х 71,5
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1305
Плакаты этого времени обладают определенными объединяющими чертами. Характерной особенностью «детских» плакатов является то, что ребенок почти всегда изображен бодрым, крепким, здоровым и активным. Вне зависимости от того, ликвидации какой насущной проблемы посвящен плакат, дети выглядят так, как будто она уже решена. То есть изображение чаще всего формировало образ светлого и радостного будущего, к которому придет общество, искоренив обозначенную проблему. Исключение составляли плакаты, построенные на сравнении с «проклятым прошлым». Яркий пример такого решения — плакат Алексея Комарова (?) «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать», — пропагандирующий новые стандарты в уходе за ребенком. Каждый эпизод композиции состоит из двух клейм, интерпретирующих один сюжет c точки зрения «как было раньше» и «как сейчас».
Провозглашая строительство бесклассового общества, советская власть, тем не менее, сразу же стала создавать строгую иерархическую структуру, в которую были включены и дети. Атрибутов принадлежности к той или иной социальной группе в плакате не имеют, пожалуй, только младенцы. Все остальные наделены отличительными признаками: либо визуально (пионерский галстук, барабан, горн), либо вербально — в сопроводительном тексте (октябрята, пионеры, юные ленинцы, дети Ильича, всеобучники и т. д.). Ребенок, прежде всего, общественная единица: младенец — будущий октябренок, октябренок — будущий пионер, пионер — будущий комсомолец, а в конечном итоге — строитель коммунизма. Тема идейной преемственности поколений проходит красной нитью через все плакаты советского времени. Даже под образцы агитационной продукции, касающиеся вопросов гигиены, здоровья и воспитания детей, подведена идеологическая база.
Лозунг, сопровождающий плакат, как правило, строится по схеме причинно-следственной связи: ребенок должен быть здоров потому, что он будущий строитель коммунизма. Его жизнь и здоровье не самоценны, а рассматриваются с точки зрения социума, вкладывающего в него свои силы, с расчетом на дальнейшую отдачу.
Так, на плакате «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать» изображена шеренга малышей, несущих лозунги, среди которых призывные: «Мы требуем акушерок, а не бабок; сухих и чистых пеленок!..» и тут же мотивирующие: «Мы идем вам на смену», «Чем мы будем крепче, тем вам будет легче».
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-12.
Октябрина
- 1924
- Бронза. 30 x 19 x 17
- Государственный Русский музей
- СО-1237
Юные ленинцы дети Ильича. К 7ой годовщине Октябрьской революции
- 1924
- Бумага, хромолитография. 100 х 66,8
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-2330
Большевики не без оснований полагали, что одним из условий удержания власти было воспитание молодого поколения в коммунистическом духе, что казалось гораздо более простым, чем перевоспитание «испорченных» старым режимом взрослых. Главным инструментом такого воспитания стала молодежная коммунистическая организация, основанная в 1922 году и вошедшая в историю под названием пионерской. В нашем собрании хранятся несколько значков раннего периода пионерского движения в СССР. С самого начала в них используется коммунистическая символика. На одном из значков, сделанном в форме знамени красного цвета на древке, изображены языки пламени костра, обрамленные буквами «ЮП» (юный пионер) и словами приветствия членов организации «Будь готов!»
Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 27.
Мы юные ленинцы
- 1925
- Бумага, хромолитография. 107,3 х 71,5
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-382
Вступай в дошкольный поход. Строй новый быт, организуй детсады, площадки, воспитывай коммунистическую смену
- 1920-е
- Бумага, хромолитография. 102,5 х 70,5
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-862
В первое десятилетие советской власти, наравне с агитацией за создание детских яслей и садов, также велась активная пропаганда этой формы государственной опеки ребенка, так как общество еще с недоверием относилось к ней. Государство в данном случае преследовало несколько целей: с одной стороны — освобождение женщины от домашних обязанностей для труда на производстве; с другой — воспитание подрастающего поколения в духе новых идеологических установок.
Плакаты этой тематики делали акцент, чаще всего, на двух основных принципах: женщина, в первую очередь, труженица, а не домашняя хозяйка; общественное воспитание в детском саду гораздо лучше домашнего индивидуального ухода.
Самые ранние образцы подобной агитации носили абстрактный характер, изображая некий фантазийный, идеальный мир, в котором дети резвятся на цветущих полянах и лугах. Или же были исполнены в аллегорическом ключе.
Но постепенно плакаты становятся более реалистичными, проектируя конкретные ситуации. Композиции содержат не просто призыв к участию в акции, а обозначают конкретные действия, которых ожидает общество от гражданина: «Строй новый быт, организуй детсады и площадки».
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С.11-13
Красный город
- 1928
- Холст, масло. 71 x 44,5
- Государственный Русский музей
- Ж-10326
Передвижные ясли в хлопковом поле
- На обороте: На обороте холста авторская живопись: Женский портрет. Не окончен. Вторая половина 1920-х
- Конец 1920-х
- Холст, масло. 77 x 59. (В раме)
- Государственный Русский музей
- ЖС-2052
Хоровод детей всех наций. [Четвертый фрагмент]
- Эскизы росписи фриза для комнаты игр Дома культуры им. Первой пятилетки в Ленинграде. Второй вариант из трех. Росписи не сохранились
- 1929
- Бумага на фанере, темпера, акварель. 134,4 x 208,5. (В раме)
- Государственный Русский музей
- Ж-8598
8 марта. День организации яслей в колхозах и совхозах
- 1930
- Бумага, хромолитография. 104,0 х 74,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1421
В первое десятилетие советской власти, наравне с агитацией за создание детских яслей и садов, также велась активная пропаганда этой формы государственной опеки ребенка, так как общество еще с недоверием относилось к ней. Государство в данном случае преследовало несколько целей: с одной стороны — освобождение женщины от домашних обязанностей для труда на производстве; с другой — воспитание подрастающего поколения в духе новых идеологических установок.
Плакаты этой тематики делали акцент, чаще всего, на двух основных принципах: женщина, в первую очередь, труженица, а не домашняя хозяйка; общественное воспитание в детском саду гораздо лучше домашнего индивидуального ухода.
Самые ранние образцы подобной агитации носили абстрактный характер, изображая некий фантазийный, идеальный мир, в котором дети резвятся на цветущих полянах и лугах. Или же были исполнены в аллегорическом ключе.
Но постепенно плакаты становятся более реалистичными, проектируя конкретные ситуации. Например, колхозница передает из рук в руки своего ребенка воспитателю на фоне пасторального колхозного пейзажа, куда пойдет трудиться «освобожденная» мать, и идеального детского сада, где младенец будет окружен заботой и вниманием («8 марта. День организации яслей в колхозах и совхозах»).
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-13.
Ёж - лучший журнал для пионеров и школьников. Чиж - журнал для дошкольников и октябрят
- 1930
- Бумага, хромолитография. 62 х 54
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-639
В начальной школе (Всеобуч)
- Начало 1930-х годов
- Холст, масло. 85 × 93
- Самарский областной художественный музей
- Ж-2055
Занимаясь преподаванием живописи в Пензенском художественном училище им. К. Савицкого, Алексей Григорьевич Вавилин проблему обучения молодежи, которая на тот момент остро стояла в стране, можно сказать, хорошо знал «изнутри». Модернизация производства, проводившаяся в стране, требовала все большее число грамотных рабочих. В школах, наряду с общеобразовательными предметами, были обязательными уроки труда, где школьникам прививались начальные навыки столярных, слесарных работ, техники безопасности обращения с элементарными инструментами: рубанком, киянкой, продольной ручной пилой. Девочки постигали основы производства наряду с мальчиками и с не меньшим энтузиазмом.
На картине «В начальной школе (Всеобуч)» лица прописаны художником довольно условно, они практически сливаются по цвету с деревянными верстаками, однако хорошо передана трудовая атмосфера, царящая на уроке, призванном формировать трудовые резервы страны. Перед нами не просто небольшая жанровая картинка, а определенный временной срез истории начальной школы СССР в 1930-е годы.
Всех всеобучников в ряды октябрят. Воспитаем борцов за мировой октябрь
- 1930
- Бумага, хромолитография. 105 х 74,5
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-817
Знай карту, как свои пять пальцев
- 1930
- Бумага, офсет. 85,0 х 59,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-944
Значок пионерский
- 1920-30-е
- Жесть, краска. 20 x 18
- Государственный Русский музей
- Мед.А-9207
Большевики не без оснований полагали, что одним из условий удержания власти было воспитание молодого поколения в коммунистическом духе, что казалось гораздо более простым, чем перевоспитание «испорченных» старым режимом взрослых. Главным инструментом такого воспитания стала молодежная коммунистическая организация, основанная в 1922 году и вошедшая в историю под названием пионерской. В нашем собрании хранятся несколько значков раннего периода пионерского движения в СССР. С самого начала в них используется коммунистическая символика. На одном из значков, сделанном в форме знамени красного цвета на древке, изображены языки пламени костра, обрамленные буквами «ЮП» (юный пионер) и словами приветствия членов организации «Будь готов!»
Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 27.
Лыжная вылазка
- Оригинал
- 1930
- Бумага, хромолитография. 37,2 х 52,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1975
Мне дома скучно! А нам в яслях весело!
- 1930
- Бумага, хромолитография. 51,0 х 68,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1306
В первое десятилетие советской власти, наравне с агитацией за создание детских яслей и садов, также велась активная пропаганда этой формы государственной опеки ребенка, так как общество еще с недоверием относилось к ней. Государство в данном случае преследовало несколько целей: с одной стороны — освобождение женщины от домашних обязанностей для труда на производстве; с другой — воспитание подрастающего поколения в духе новых идеологических установок.
Плакаты этой тематики делали акцент, чаще всего, на двух основных принципах: женщина, в первую очередь, труженица, а не домашняя хозяйка; общественное воспитание в детском саду гораздо лучше домашнего индивидуального ухода.
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-12.
Мы требуем всеобщего обязательного обучения
- 1930
- Бумага, цветная автолитография. 106,7 х 72,5
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-168
Пионерка
- 1930
- Холст на фанере, масло. 80 × 45,5
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-1036
Картина «Пионерка» Заслуженного деятеля искусств Украины, живописца Семена Прохорова – детский портрет-тип. Монументализированное изображение девочки в пионерской форме с красным флагом в руках. Румяное улыбающееся лицо девочки с крупными чертами, большие карие глаза смотрят прямо на зрителя. Портрет выполнен пастозными мазками. Колорит – мажорный.
На учебу
- 1931
- Бумага, хромолитография. 51,5 х 29,3
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1939
Октябрята
- Оригинал
- 1931
- Бумага, хромолитография. 37,5 х 53,6
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1918
Пионеры у единоличника
- 1931
- Холст, масло. 69,5 х 162,5 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-1688
Замысел картины «Пионеры у единоличника» («Вовлечем единоличника в колхоз») пришел к художнику Алексею Пахомову на родине, в деревне Варламово в 1931 году. В это время крестьяне жили ожиданием коллективизации. Большинство из них смотрело в будущее с тревогой, и только самые бедные приветствовали грядущие перемены, поскольку у них не было коров, лошадей и другого имущества, с которым приходилось расставаться. Поддерживали идею создания колхоза и дети, которые, по словам самого художника, «привыкли вместе играть, вместе купаться, вместе ходить в лес, и потому объединение в колхоз им казалось очень заманчивым». Именно через детские образы и решил Алексей Пахомов показать важную исторически и лично для него тему.
У каждого из персонажей картины «Пионеры у единоличника» был определенный прототип – Алексей Пахомов предпочитал писать маленьких героев своих полотен с натуры. В. И. Курдов в «Воспоминаниях об А. Ф. Пахомове» пишет: «Рисование с натуры было его безудержным влечением. Рисовать по памяти, от себя Пахомову было малоинтересно. Я не встречал более приверженного натуре художника». В детях Алексея Пахомова более всего привлекало то, что их эмоции отражаются не только в глазах и на лице, но и в пластике всего тела. Эту эмоциональность Алексей Пахомов в полной мере выразил в своем произведении
Сбор металлолома
- 1931
- Бумага, хромолитография. 35,2 х 51,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1978
Состязание юных моделистов
- 1931
- Холст, масло. 121 x 95
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1862
Идея покорения пространства и времени, ключевая и для других жанров и видов советского искусства, в 1920–1930-е годы становится важнейшей для работ о спорте. Ведущей становится идейно-воспитательная составляющая спорта, связанная с задачей подготовки физически развитого человека, который «готов к труду и обороне» (легендарный значок ГТО появляется в 1930 году, когда тема спорта окончательно утверждается в качестве важного раздела советского искусства). Спорт как неотъемлемая часть подготовки человека к любым трудностям становится лейтмотивом работ многих художников, в том числе и Адливанкина.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 56.
В живописи 1920–1930-х годов изображения детей сопоставляются со знаками грядущего счастья, в котором им предстоит жить. Ребенок и небо, море, даль — образы мечты, начала жизни, ее открытых горизонтов. Они не всегда и не обязательно идеологически обусловлены и зависимы. Скорее они были присвоены государством и поставлены на службу «агитации за счастье», которая щедро и не всегда качественно их тиражировала. Символической территорией счастья, как встарь, становятся небеса. Дети увлечены авиацией, воздухоплаванием, вступают в ОСОАВИАХИМ, играют в летчиков и авиаконструкторов. Юные авиамоделисты на картине Самуила Адливанкина «Состязание юных моделистов» запускают в небо похожие на стрекоз планеры. Кажется, они и сами готовы устремиться в ровную синеву неба.
Любовь Шакирова. Осторожно: детство! // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 6.
Пионерка с горном
- 1933
- Холст, масло. 92 х 92
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-384
Будучи в молодости одним из самых радикальных модернистов, одним из основателей творческого объединения «Бубновый валет», Илья Иванович Машков в зрелые годы оказался хранителем традиций классической живописи, создателем огромной школы.
В предвоенные годы художественный язык Машкова изменился. На смену работам в светлых тонах пришли контрастные сочетания красного, черного и желтого. В жизни самого Машкова в это время начался сложный период. Несмотря на огромное количество усилий, его тщательно разработанный проект по построению «города будущего» в обедневшей станице Михайловской, на родине художника, так и не был осуществлен. В творческом кризисе Машков обратился к социально значимым темам. Герои его работ этого периода статичны, напряжены, суровы.
Советские художники 1930-х годов часто стремились достичь в портретах фотографической точности. Для Машкова в этот период также было важно зафиксировать и передать особенности внешности модели, фактуры тканей, форму предметов, оттенки цветов.
В 1932–1935 года Машков написал серию темных работ, насыщенных светотеневыми и цветовыми контрастами. Среди них было и несколько портретов, в том числе картина «Пионерка с горном». Художник написал ее в станице Михайловской, в здании школы колхозной молодежи. Горн, с которым позирует героиня портрета, приобрел сам художник для Дома социалистической культуры. Для «Пионерки с горном» позировала юная Антонина Крюкова, местная жительница. Машков редко изображал на своих картинах детей, что выделяет эти портреты среди других работ художника.
Авиамоделисты
- 1934
- Холст, масло. 94 х 114
- Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
- Ж-1185
Творчество Бориса Васильевича Миловидова – одно из интересных и значимых явлений в саратовском изобразительном искусстве. Яркий представитель «саратовской живописной школы», ученик Петра Саввича Уткина, он вошёл в искусство в 1920-е годы как мастер тонкого лирического пейзажа и камерных, «воздушных» натюрмортов.
С наступлением эпохи социалистического реализма, в которой тихой лирике не было места, в творчестве художника произошли перемены, объясняемые новыми веяниями. Произведения Б. Миловидова 1930-х годов не стали менее мастерскими, живописная культура не изменила художнику, но стилистика его произведений стала иной. И уже не «голуборозовская» мечтательная дымка, а «плоть земли» начала царить в них. Характерное для советской живописи той поры усиление сюжетного начала сказалось и на искусстве Миловидова.
Картина «Авиамоделисты» написана художником в 1934 году. На полотне изображены юные авиамоделисты, увлечённо работающие над созданием планера. Они стоят около рабочего стола, с лежащим на нём чертежом и корпусом будущего планера. Модель, над которой они трудятся, почти готова. Один из них, в голубой рубашке, склонившись над столом, изучает чертеж, размышляя, куда присоединить находящуюся в руках деталь. Другой – наблюдает за работой товарища. Третий, только что приклеивший деталь к «хвосту» планера, ‑ рассматривает результаты своего труда.
Именно этим полотном Борис Миловидов «входит» в советское искусство. Работу, без сомнения, отличают и красота живописи, и ясная, «культурная» композиция, и искренний интерес автора к главным героям. Являясь характерным художественным документом эпохи, картина прочно вошла в историю саратовской живописи тридцатых годов. Не случайно на Первой краевой выставке в 1934 году она занимала центральное место, а Радищевский музей сразу приобрел ее в свое собрание. В публикациях «Авиамоделистам» были посвящены пространные и восторженные высказывания. Критики утверждали, что Миловидову «удалось не надписью к картине, а средствами художественного мастерства показать, в каком направлении растут наши пионеры…, куда идет наша страна…»
Встречают челюскинцев
- 1934
- Цветной картон, цветной карандаш, сангина. Л.: 68,2 x 100,8; И.: 68,2 x 100,8
- Государственный Русский музей
- РС-586
Пароход, названный в честь русского мореплавателя и исследователя Севера Семена Челюскина (1700? — 1764/1766?), вышел из Мурманска во Владивосток 2 августа 1933 года. Предполагалось, что пароход откроет регулярную навигацию по Северному морскому пути и тем самым подтвердит приоритет Советского Союза в Арктике. Но 23 сентября он был заблокирован льдами в Чукотском море и дрейфовал почти пять месяцев. 13 февраля 1934 года «Челюскин» был раздавлен льдами и затонул. Люди сошли на окружающие льды, им удалось даже перенести кирпичи и доски, из которых они построили бараки. В результате катастрофы на льду оказались 104 человека, в том числе дети. Трагедия в Беринговом проливе всколыхнула всю страну. В Москве был создан штаб по спасению челюскинцев. Эвакуацию решено было осуществлять с помощью авиации. С 5 марта по 13 апреля 24 рейсами челюскинцы были вывезены на материк летчиками Анатолием Ляпидевским, Василем Молоковым, Николаем Каманиным, Маврикием Слепневым, Михаилом Водопьяновым и Иваном Дорониным. 19 июня 1934 года в Москве участники экспедиции были торжественно встречены руководителями государства и жителями столицы. Летчики, снявшие челюскинцев со льдины, стали первыми Героями Советского Союза. К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С. 48.
«... И вот мы спасены! Последний этап челюскинской эпопеи был сплошным радостным праздником. Я никогда не думал, чтобы мне, изведавшему невеселое детство, годы скитаний и горечь одиночества, довелось пережить [439] такие дни, такую теплоту и внимание, какие оказывали нам на пути в Москву. Это была дорога, переполненная теплом, радостью встреч и цветами. Еще во Владивостоке самолеты сбрасывали нам на палубу маленькие пучки душистых ландышей. И вплоть до Москвы вокзалы городов, станций и полустанков утопали в знаменах, плакатах, цветах. Так встречала нас родина, и в ответ на это внимание и любовь мы клятвенно заверяли рабочих, красноармейцев, колхозников, заверяли на митингах и в документах быть мужественными и преданными нашей стране, как и в дни ледяного плена». (Фрагмент главы Федор Решетников. История и география моей жизни из книги «Поход «Челюскина». М. 1934)
Девочка за партой
- 1934
- Холст, масло. 85,0 х 66,0
- Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
- Ж-922
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин – один из крупных и самобытных русских художников первых десятилетий ХХ века. С одинаковым интересом и успехом он писал работы на религиозную тематику и соцреалистические сцены. Его работы, экспонировавшиеся в начале ХХ века на выставках объединений «Мир искусства», «Золотое руно» и в Осеннем парижском салоне, вызывали оживлённый интерес у зрителей и специалистов. «Да, этот художник талантлив!», – как вспоминают очевидцы, произнёс И. Е. Репин, увидев на выставке «Мира искусства» в 1912 году полотно Петрова-Водкина «Купание красного коня». После смерти Петрова-Водкина его имя на несколько десятилетий было незаслуженно забыто. Только после ретроспективной выставки его работ в Русском музее в 1966 году он занял ведущее место среди отечественных мастеров ХХ века.
Работа «Девочка за партой» из собрания Астраханской картинной галереи была написана в 1934 году. В то время Петров-Водкин активно занимался живописью и общественной деятельностью. В 1932 году он был избран первым председателем Ленинградского отделения Союза советских художников. Картина была написана художником в Детском Селе, где у художника была квартира, располагавшаяся в Лицейском флигеле Екатерининского дворца. Моделью для портрета стала дочь художника Елена, неоднократно позировавшая отцу для ряда его знаменитых работ («Дочь художника» (1923, ГРМ), «Ленушка в кровати» (1926, ГРМ) и др.)
В книге воспоминаний Е. К. Дунаева (Петрова-Водкина) (1922–2008) писала: «Когда я пошла в школу, купили парту, за которой я делала уроки (картина «Девочка за партой»). Стены комнат были завешаны картинами. В папиной комнате, в левом углу, где была заделана дверь, картины стояли лицом к стене. Многие работы, которые папа писал в Детском Селе, были большого формата, и повесить все на стены не было возможности. Письменный стол стоял около окна. Сразу же был установлен телефон».
Пионерская линейка
- 1934
- Бумага, цветная автолитография. И.:55,0 х 41,0. Л.:73,0 х 57,0
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-3629
Юные натуралисты
- 1934
- Бумага, цветная литография. И.:58,5 х 44,0. Л.:70,3 х 50,8
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-3626
Юным ленинцам большевистский привет
- 1934
- Бумага, хромолитография. 69,9 х 96,2
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-661
Плакат 1920-х годов представлял собой яркое, харизматичное явление. Диапазон и композиционных, и пластических решений, а также качество исполнения — как художественного, так и технического — был чрезвычайно широк. И в этом многообразии действительно отражались и беды, и надежды, и устремления общества той противоречивой эпохи. Но начиная с 1930-х годов в государственном масштабе проявляется тенденция к лакировке действительности. Акценты в сфере визуальной пропаганды смещаются в сторону достижений при замалчивании проблем. Плакат вообще, и «детский» в том числе, приобретает декларативно-ритуальные черты, нередко сводясь к чистому идеологическому посылу.
Плакат 1920-х годов представлял собой яркое, харизматичное явление. Диапазон и композиционных, и пластических решений, а также качество исполнения — как художественного, так и технического — был чрезвычайно широк. И в этом многообразии действительно отражались и беды, и надежды, и устремления общества той противоречивой эпохи. Но начиная с 1930-х годов в государственном масштабе проявляется тенденция к лакировке действительности. Акценты в сфере визуальной пропаганды смещаются в сторону достижений при замалчивании проблем. Плакат вообще, и «детский» в том числе, приобретает декларативно-ритуальные черты, нередко сводясь к чистому идеологическому посылу.
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С.13.
Пионерка
- ХХ в
- Холст, масло. 55,0 х 37,0
- Национальный музей им. А.В.Анохина, Горно-Алтайск
- Ж-127
Григорий Иванович Чорос-Гуркин – известный алтайский художник. Он также принимал активное участие в развитии национальной культуры – по его инициативе открываются Алтайский музей, национальное издательство, художественная школа для талантливой молодежи. Он иллюстрирует первые учебники, рисует плакаты, пишет пейзажи и тематические картины. В фондах Национального музея Республики Алтай им. А. В. Анохина хранится более 600 живописных картин и множество графических рисунков художника. Среди них – портрет пионерки.
С. М. Киров с детьми
- 1930-е
- Бумага, мягкий лак, цветная акватинта. И.:31х39. Д.:31х39
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-8941
Киров (Костриков) Сергей Миронович (1886–1934) — деятель Коммунистической партии. Член Томского комитета РСДРП (1905–1907), один из организаторов и руководителей обороны Астрахани (1919), первый секретарь Ленинградского губкома ВКП(б) (1926–1934).
После смерти С. М. Кирова (1934) многие советские художники обратились к сюжетам, связанным с его личностью. В Ленинграде Киров при жизни пользовался большим авторитетом, а после своей загадочной смерти обрел черты мифологического героя.
Девочка-планеристка (Девочка с авиамоделями)
- 1936
- Холст, масло. 75 x 64. (В раме)
- Государственный Русский музей
- ЖС-413
Перед экзаменами
- 1936
- Холст, масло. 52,5 х 67,0 см
- Тверская областная картинная галерея
- Ж-2206
Полотно «Перед экзаменами» (1936) кисти тверского художника Фёдора Михайловича Воскресенского из собрания Тверской областной картинной галереи было куплено в 1981 году у наследников Ф. М. Воскресенского. Жанровая сцена повествует о столь знакомом каждому нелегком моменте школьной жизни – времени накануне экзамена. В 1930-е годы советская образовательная система была уже во многом сформирована, высокий статус учителя, уважение к образованию и искренняя тяга к знаниям составляли его основу. Сдержанное колористическое решение, построенное на охристых тонах, реалистическая пластика фигур и идеологически верный сюжет о товарищеской помощи в освоении школьной программы дают возможность зрителю XXI века прикоснуться к правдивой истории предыдущих поколений.
Портрет пионера – отличника учебы Вити Петрова
- 1936
- Холст, масло. 72,0 х 54,4
- Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
- Ж-27
Портрет пионера Вити Петрова принадлежит кисти известного уральского художника и педагога Германа Мелентьева. В творчестве этого автора нашли отражение самые разные жанры: историко-революционный и пейзаж, темы индустриальных строек Урала и сценки из жизни крестьян. Но особое место занимали портреты, в ряде которых художник придерживался основополагающих установок художественного метода под названием «социалистический реализм». Этот метод нацеливал художников на изображение жизни в свете идеалов социализма, в том числе на создание положительного образа советского человека – строителя нового общества.
Жанр портрета также был призван активно участвовать в создании образа «нового» человека, в его героях зритель должен был видеть пример для подражания. Но в то же время это должно было быть изображение простого человека. К таким персонажам следует отнести и Витю Петрова – ученика советской школы. Он, как следует из названия картины, отличник учебы, пионер – «всем ребятам пример».
Герой портрета – юноша, взгляд которого задумчив, поза кажется расслабленной, но, вместе с тем, в его облике читается собранность, он полон серьезности, молодой целеустремленности и уверенности в светлом будущем.
Здесь, как и во многих других портретах Мелентьева, все внимание акцентируется на лице и фигуре изображенного, фон же не прописан или лишен детальности.
Портрет стахановки Гладковой с дочерью
- 1936
- Холст, масло. 124,5 х 86,3
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-2195
Работа «Портрет стахановки Гладковой с дочерью» ленинградской художницы Татьяны Купервассер создана в 1936 году. Возникшее в 1935 году стахановское движение воодушевило многих советских художников на создание портретов героев труда – стахановцев. Имя изолировщицы ленинградского завода «Севкабель» Варвары Сергеевны Гладковой (1899–1984) стало известно всей стране: в ноябре 1935 года она выпустила за смену 101,5 км телефонного провода. Гладкова была участницей Первого Всесоюзного совещания стахановцев (1935), награждена орденом Трудового Красного Знамени. В составе делегации Ленинграда участвовала в работе Чрезвычайного VIII Всесоюзного съезда Советов (1936). Ленинградская художница Татьяна Купервассер-Русакова, работая над образом своей героини, отказалась от мажорного пафоса, отличавшего многочисленные портреты героев труда, изобразив уставшую после смены женщину.
Стахановка цеха №5 Гладкова за работой. 1935 г. Ленинградский кабельный завод «Севкабель»
Премирование
- 1936–1937
- Масло, холст. 200 х 265
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-440
Много времени московский художник Николай Борисович Терпсихоров проводил в поездках по стране, знакомясь с её жизнью, стараясь найти новые темы и образы. В творческих командировках создавались пейзажные и жанровые серии.
Много впечатлений подарили художнику поездки в Узбекистан (1929) и Туркмению (1935–1936). Яркие краски Средней Азии значительно обогатили цветовую гамму его полотен. Незнакомый уклад жизни расширил запас жанровых впечатлений. Как художника соцреализма, Терпсихорова привлекли в первую очередь, черты нового («Книжный базар», «Красный обоз»). Туркменские этюды легли в основу нескольких больших жанровых картин. Их отличает внимание к бытовым деталям, интерес к своеобразности типов красоты, искренняя симпатия к детским и женским образам. К ним относится и работа «Премирование» (1936–1937) – масштабная многофигурная композиция, где молодую девушку награждают швейной машинкой.
Юная натуралистка
- 1935-1937
- Холст, масло. 99,5 x 77,5. (В раме)
- Государственный Русский музей
- ЖБ-1755
Авиамоделисты
- 1937
- Холст, масло. 149 × 115
- Ярославский художественный музей
- Ж-519
Как и большинство картин с «пионерской» тематикой полотно «Авиамоделисты» ленинградской художницы Лидии Тимошенко было создано в процессе работы (в 1935–1937) над оформлением комнаты отдыха Ленинградского Дворца пионеров (бывш. Аничков дворец). Над заказом художница работала вместе с мужем, художником Д. Е. Загоскиным.
Д. А. Шмаринов вспоминал: «Вся мастерская, где она работала […], была заполнена крупными декоративными панно Тимошенко, которые она исполняла для ленинградского Дворца пионеров. […] Там были такие темы: «Авиамоделисты», «Юные гимнасты», «На турнике». Панно были написаны в очень светлой гамме, создавая ощущение приподнятости, жизнерадостности, но судьба их […] слишком эфемерна. В те годы монументальные декоративные росписи обычно жили до первого ремонта здания. Потом все куда-то бесследно исчезало, и дальнейшая судьба этих произведений Тимошенко неизвестна. Говорят, что именно перед ремонтом они были сняты и скатаны в рулоны, может быть, они где-нибудь находятся и сейчас. Лидия Яковлевна пыталась их разыскать для своей персональной выставки в 1961 году, но обнаружить их так и не удалось». [Лидия Тимошенко – художник и личность. М.: Советский художник, 1991. С. 5]. Данное предположение косвенно подтверждается тем, что работа пришла в собрание музея без подрамника и, вероятно, была именно снята и скатана.
В доме отдыха. Алупка
- 1937
- Холст, масло. 100,7 x 80
- Ярославский художественный музей
- Ж-236
Работа «В доме отдыха. Алупка» написана Петром Котовым в Доме творчества художников в Алупке. Изображены жена автора, художница З. А. Кожевникова-Котова (1894–1961), и дочь Ирина. Несмотря на то, что изображены близкие персонажи, произведение органично вписывается в ряд произведений советского искусства, раскрывающих жизнь советских людей.
Картина посвящена курортному Крыму, став ярким живописным символом советской эпохи. В ней автор достоверно передал не только бытовые подробности, но и неповторимую эмоциональную атмосферу южного отдыха.
Работа экспонировалась на персональной выставке произведений П. И. Котова в 1937.
Искусствовед С. В. Разумовская в отзыве о выставке писала: «В теплом, любовном восприятии жизни. Это честное и искреннее отношение ко всему, на чем останавливается глаз художника, умеющего находить в простом значительное и значительное выражать в простых образах. Его живописный язык – сочные свежие краски, которыми так богата природа. Его живопись пронизана светом и трепетным ощущением реальной жизни».
Мама прилетела
- 1937
- Холст, масло. 130 × 120
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-231
Сюжет картины украинского художника Юрия Харлампиевича Садиленко «Мама прилетела», написанной во второй половине 1930-х годов, характерен для своего времени. Героиня – молодая мама – только что приземлилась после прыжка с парашютом, и ее радостно встречают дети. Молодая женщина в сером летном комбинезоне крепко обнимает маленького золотоволосого мальчика и с улыбкой смотрит на девочку, которая бежит к ней, широко разведя поднятые вверх руки. Большую часть полотна занимает изображение высокого голубого неба с крупными, подсвеченными солнцем, купами облаков.
Пионеры на собрании
- 1937
- Холст, масло. 100 х 100
- Тамбовский областной краеведческий музей
- КП №7647
Будёныш
- 1938
- Гипс бронзированный. 119 x 43 x 48
- Государственный Русский музей
- СО-2911
Счастливое материнство
- 1938
- Холст, масло. 109,0 х 1154,0
- Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
- 147-146ж
Люди Киргизии, ее величавая и прекрасная природа являлась для Народного художника СССР Семёна Афанасьевича Чуйкова источником той поэзии, без которой немыслимо подлинное искусство. Поэтическое восприятие жизни – главное в творчестве художника. Его герои заняты своими делами – это всегда простые люди, ничем не заметные, живущие в окружающей их природе как дома. Примечательно, что Чуйков чаще всего изображал женщин и детей с присущей им открытостью стихии ощущений – ощущений полноты счастья. В картине «Счастливое материнство» (1938) показан момент отдыха женщин-матерей на хлопковом поле, около них дети. Картина солнечная, вдали поля, за ними – невысокие холмистые горы и большое голубое небо.
"В школу"
- 1939
- Бумага, цветная литография. И.:42,5х32. Л.:53х39
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-9748
Мамлакат Нахангова – юная стахановка хлопковых полей
- Эскиз
- 1937-1940
- Гипс тонированный, лепка. 44 х 26 х 23
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- С-50
Конец 1920-х – 1930-е годы — время творческого расцвета скульптора. В этот период ее называли монументалистом-лириком, так как в каждый свой масштабный скульптурный портрет, статую она стремилась вдохнуть «теплую струнку теплого человека…».
Характерной в этом отношении является одна из лучших, широко известных работ Марины Давыдовны – «Юная стахановка хлопковых полей» («Мамлакат Нахангова»). Эта монументальная композиция, выполненная в 1937 году в цементе для выставки «Индустрия социализма », в 1940 году была переведена автором в гранит, и в том же году приобретена Государственной Третьяковской галереей.
Фигурка девочки-таджички в национальном костюме торжественна и величава. На раскрытых ладонях она несет хлопок – дар Таджикистана. Движение ее медленно, плавно; оно прекрасно передано в линиях рук, слегка откинувшегося корпуса, замедленном шаге и даже в ритмах линий восточной одежды. В эту монументальную скульптуру Рындзюнская внесла лирическое начало, юная таджичка улыбается нежно и застенчиво.
Сегодня, глядя на величавую фигуру девушки в национальном костюме, трудно представить, что эта работа – итог более чем тридцатилетних творческих поисков, о которых сама скульптор писала так: «Стараюсь и хотела бы соединить всё любимое, вдохнув в монументальность Египта теплую струнку теплого человека, с его темпераментом, бурностью или просто покоем. Пронизать этим с макушки до пяток – всего, всего…».
В собрании Музея изобразительных искусств Республики Карелия хранятся два гипсовых эскиза к знаменитой гранитной статуе – подлинному шедевру Марины Рындзюнской. В этих подготовительных работах четко выражена смысловая, пластическая и композиционная завершенность будущего произведения, а также заметно стремление автора привести замысел к ясно читаемой, хорошо выстроенной законченной форме. Сегодня скульптура «Юная стахановка хлопковых полей Мамлакат Нахангова» воспринимается символом ушедшей эпохи.
Мамлака́т Акбердыевна Наха́нгова (1924–2003) – таджикская пионерка, участница стахановского движения в СССР (Таджикская ССР), в возрасте 11 лет отличилась при сборе урожая хлопка; самый юный и первый среди пионеров кавалер высшего ордена СССР – ордена Ленина (1935 год).
Мамлакат Нахангова участвовала в сборе хлопка в колхозе им. Лахути Шахмансурского сельсовета Сталинабадского района Таджикской ССР. Она стала собирать хлопок двумя руками, принося за день по 70-80 кг, в то время, когда обычный взрослый собирал в среднем 15. Равняясь на Алексея Стаханова, донбасского шахтера, перевыполнившего суточную норму в 14,5 раз и добывшего 102 тонны угля, Мамлакат собрала за день рекордные 102 кг хлопка. Школьница-таджичка перевыполнила норму взрослого человека по сбору хлопка в семь раз!
Указом Президиума Верховного Совета СССР от 4 декабря 1935 года «за трудовой героизм и успехи в поднятии урожайности хлопка», Мамлакат наградили орденом Ленина, и она стала самым юным и первым среди пионеров кавалером этого высшего ордена СССР, получив его из рук Председателя Всероссийского ЦИК Михаила Калинина. Сталин подарил девочке книгу и золотые часы.
Девочка-пионерка из далекого Таджикистана стала известной в одночасье. Фотографии со Сталиным печатались во всех газетах. Она позировала скульпторам и художникам.
В «Букваре» на титульном листе было напечатано стихотворение: «У таджиков звучны имена, Мамлакат – это значит страна». О ней слагали стихи и песни, а дети до войны носили расшитые тюбетейки как у Мамлакат.
Пионерка Азербайджана
- 1939
- Фарфор, авторская роспись. 24 x 8 x 7
- Государственный Русский музей
- СО-1903
Утро испанских пионеров в летнем лагере
- 1939
- Холст, масло. 208 x 331
- Государственный Русский музей
- Ж-9199
Ещё в конце 1910-х годов Кончаловский обратился к теме изображения человека в пейзаже. Художнику с самого начала было важно гармонически соединить обнажённую фигуру и природное окружение. В 1920-е годы он не раз обращался к любимой теме.
В картине «Утро испанских пионеров в летнем лагере» пейзаж уже не просто фон, а фигуры – не только дополнение к нему. Здесь всё пронизано светом, воздух будто струится и движется, играют блики и рефлексы солнечных лучей.
Картина стала своеобразным откликом на события гражданской войны в Испании. Большую группу детей, родители которых погибли, вывезли в Советский Союз и разместили в санаториях Крыма и Подмосковья. Создавая собирательный образ счастливого детства, Кончаловский на обороте холста скрупулезно перечисляет имена подростков в оригинальном написании, тем самым, безусловно, пытаясь сохранить историческую достоверность эпизода. // Алиса Любимова. Большая картина. СПб., 2006. С. 197.
На обороте холста авторская надпись чёрной краской: 1939 // П. Кончаловский // [Vall…] Lejarza // Manuel Rodriguez // Luis Fonturbe // Marcelino Sagarzazu // Jose Gonzales // Fernando Sillero // Juan Elvira // Adrian Aguirre // Eusebio Chirance
Идиллические сцены купания и отдыха детей на открытом воздухе, созданные советскими художниками, еще не растревожены сексуальными подтекстами и словно принадлежат дофрейдовой эпохе. В новом отношении к телу художники видели воплощение неоклассических грез об античном золотом веке. Увлечение пионеров спортом, солнечными ваннами и водными процедурами рождает образы новой Спарты (Петр Кончаловский. «Утро испанских пионеров в летнем лагере»). Любовь Шакирова. Осторожно: детство! // Дети страны Советов. СПб, 2017. С. 6.
Мастера урожаев
- Эскиз панно
- 1940
- Холст, масло. 83 x 278
- Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
- Ж-67
Осенний праздник урожая ведет свою историю со времен языческой Руси. Во времена СССР древнюю традицию не стали искоренять полностью, сделав этот праздник элементом пропаганды советской власти. Деревня в то время перестраивалась на новый лад, проходила коллективизация села. Руководство страны средствами искусства стремилось продемонстрировать счастливую изобильную жизнь колхозника. Тема «Праздник урожая» распространяется после фразы Сталина «Жить стало лучше, жить стало веселее!», произнесенной на Первом всесоюзном совещании рабочих и рабочих-стахановцев в 1935 году.
Эта тема ярко звучит в картине Т. Г. Гапоненко «Мастера урожаев». Полотно в уменьшенном варианте повторяет большое панно «Мастера колхозных урожаев», выполненное Т. Г. Гапоненко совместно с А. П. Бубновым и Д. А. Шмариновым для Главного павильона Всесоюзной сельскохозяйственной выставки в Москве в 1939 году.
Перед художником стояла задача дать групповой портрет людей труда новой советской деревни. Композиционный принцип полотна – это мотив праздничного шествия. Метафора движения олицетворяла целеустремленность советских людей к светлому коммунистическому будущему. Мажорная цветовая гамма символизировала полнокровность жизни. Особо выделена центральная группа людей, объединяющая представителей разных союзных республик, над которыми развевается красное знамя. В руках они несут дары своих земель. Вместе со взрослыми Т. Г. Гапоненко изобразил на полотне множество детей: радостные, счастливые пионеры в красных галстуках идут на первом плане, ребятишки поменьше держат за руки своих мам.
Картина, демонстрирующая единство народов СССР, пышущих счастьем крестьян и плоды сельскохозяйственной деятельности, вселяла в зрителя гордость за величие страны.
Почта пришла
- 1940
- Холст, масло. 123,0 × 98,0
- Самарский областной художественный музей
- Ж-1146
Один из лидеров ОСТа Юрий Пименов, с начала 1930-х отказываясь от экспрессионистической манеры, обращается к импрессионистической, уйдя от индустриальной тематики к созданию лирических новелл. На картине «Почта пришла» изображен эпизод повседневного московского быта – утренний приход почтальона, дверь которому открывает девочка-подросток. Всё здесь располагает к тихому, спокойному созерцанию: голубовато-золотистый колорит, пронизанный светом интерьер подъезда. Женщина-почтальон перебирает письма, девочка ждет, мы видим ее со спины, кто-то поднимается вверх по лестнице. К нам повернуто лишь лицо почтальона, но она трактована, скорее, как плакатный персонаж. Тогда что же здесь особенно привлекает внимание, почему не хочется отходить от этой работы? Дело в том, что в ней незримо присутствуют еще двое – это родители девочки: мы видим на вешалке их шляпы, плащи, на тумбочке – изящные женские перчатки. Если дольше смотреть на картину, начинаешь ощущать, что вещи со своими подчеркнуто гендерными цветами как бы выходят на первый план, подменяя своих владельцев, свидетельствуя как о каждом из них, так и о времени, в котором они живут. Розовая, женственная шляпка с пером, светлый плащ, выглядывающий из-под синего брутального мужского.
Предвоенная Москва: артистизм, изящество, размеренный быт интеллигентной семьи… Всё это скоро сметет неотвратимая военная реальность. В 1940 году Пименов об этом не знал, зато знаем мы, поэтому так трепетно выглядит в наших глазах это тихое, умиротворенное полотно, написанное почти накануне начала Великой Отечественной войны.
Юные судостроители (Флотилия)
- 1940 г.
- Холст, масло. 88,5 х 141
- Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
- Ж-1260
Иван Васильевич Коваленко был среди организаторов в 1938 году, вслед за созданием Краснодарского края, обязательной структуры – краевой организации Союза художников СССР, но предпочитал писать портреты близких, цветочные натюрморты, пейзажи.
Его недавно отреставрированная тематическая композиция «Юные судоводители (Флотилия)», написанная в 1940 году, самая законченная из его сохранившихся работ. Она по особому умиротворению, ей свойственному, – из забытого довоенного времени. Серьёзные, насупленные от нешуточной ответственности мальчишки пускают сделанную ими модель военного корабля. За их спинами готовы к отплытию еще несколько кораблей и подводных лодок.
Юноши и девушки города Ленина, самоотверженно трудитесь на помощь фронту!
- 1944
- Бумага, автолитография. 72,2 х 47,2
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-643
Военное лихолетье отняло у многих подростков детство — они заменили ушедших на фронт или погибших взрослых на различных видах производства. И эта тема также активно пропагандировалась — плакаты взывали к чувству патриотизма, самоотверженности в оказании помощи родной стране.
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 15
Награжденный медалью
- 1945
- Холст, масло. 94,3 х 115
- Государственный Русский музей
- Жб-1984
Девятьсот дней ленинградской блокады были мужественно пережиты взрослыми и детьми, теми самыми ребятишками, которые теперь с увлечением разглядывают награду своего товарища. Все в картине естественно - живые позы ребятишек, их неподдельное любопытство, радостная, теплых тонов живопись, среди которой тревожным напоминанием звучит надпись на синем: „Граждане, при обстреле эта сторона улицы наиболее опасна". Память о пережитом остается даже в светлый день, в год Победы. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 430.
Я другой такой страны не знаю, где так вольно дышит человек!
- 1945
- Бумага, офсет. 84,4 х 57,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-392
Слава Победителям!
- 1946
- Бумага, хромолитография. 88 х 59
- Государственный Русский музей
- ГрПл-2068
Сталину - спасибо! 1945 г.
- 1946
- Бумага, хромолитография. И.:85,6 х 53,6. Л.:90,0 х 60,0
- Государственный Русский музей
- Гр.Пл.-1989
Послевоенный плакат становится более статичным, монументализированным, выхолощенным. Основное его назначение — констатация достижений социализма, с зачастую безличными лозунгами: «Мы за мир», «Любите Родину» и т. д. Детский образ также теряет свою энергичность и самодостаточность, становясь лишь атрибутом в плакатной формуле счастливой советской жизни. Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 15.
"Молодежь - наше будущее, наша надежда"
- 1947
- Гипс тонированный. 71 x 50 x 40
- Государственный Русский музей
- СО-2136
Торжественное обещание
- 1947
- Бумага, литография. И.:70,0 х 49,5. Л.:83,3 х 60,0
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-3656
Сварог Василий Семенович
1883–1946Изенберг Владимир Константинович
1895–1969Харламов Матвей Яковлевич
1870–1930Конашевич Владимир Михайлович
1888, Новочеркасск – 1963, ЛенинградГрафик, акварелист, иллюстратор, педагог. Учился в МУЖВЗ (1906–1914). Преподавал во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1921–1930). Участник выставок с 1922. Профессор, доктор искусствоведения. Заслуженный деятель искусств РСФСР.
В годы войны в осажденном Ленинграде работал в книжной, станковой, журнальной графике, делал плакаты, участвовал в работе над живописными агитпанно к 25–й годовщине Октября (1942), в возобновлении деятельности детского отдела Гослитиздата. Работал над рукописью книги воспоминаний.
Терпсихоров Николай Борисович
1890, Санкт-Петербург – 1960, МоскваЖивописец. Заслуженный деятель искусств РСФСР.
Один из организаторов объединения «Ассоциация художников революционной России» (АХРР). Окончил московское училище живописи, ваяния и зодчества.
Участник Гражданской войны. Работал в Окнах РОСТА с В. В. Маяковским. В начале 1950-х годов совершил творческую поездку в Крым.
Николаев Василий Александрович
1906, Пятигорск – август 1943, ЛенинградЖивописец, график. Учился: 1925–1927 – Ростовская ХШ. Участник выставок с 1927. Член АХРР – 1927–1929. Приехал в Ленинград – 1927. Активно сотрудничал в объединении ленинградских художников «Боевой карандаш», выпускавшем литографированные военные и политические плакаты – 1941–1945. Выезжал на фронт в 1942, где исполнил серию зарисовок.
Львов Евгений Александрович
1892–1983Шубинf Галина
Филиппович Михаил
1896–1984Христофоров Сергей Александрович
1891–1949 ?Миловидов Борис Васильевич
1902, Саратов – 1975, СаратовУчился на живописно-декоративном отделении Саратовских Высших государственных свободных мастерских (1918–1926) у М. В. Кузнецова-Волжского, А. И. Савинова, К. Г. Полякова, П. С. Уткина. Преподавал живопись, рисунок, литографию в Саратовском художественном училище (1925–1941, 1943–1963). Член СОРАБИС (с 1925; член президиума, председатель секции ИЗО – 1935–1937). Сотрудничал с Приволжским книжным издательством (1930–1970-е, художественный редактор), оформил более 150 изданий художественной и научно-популярной литературы. Один из организаторов кооперативного товарищества «Художник» (1930, Саратов). В годы Великой Отечественной войны участвовал в выпуске «Агитокон».
Участник выставок с 1920 г. Член СХ (с 1937). Один из организаторов (1937), председатель Правления, председатель ревизионной комиссии Саратовского отделения СХ (1943–1947). Заслуженный работник культуры РСФСР (с 1973).
Кругликова Елизавета Сергеевна
1865, Москва — 1941, ЛенинградГрафик, живописец, педагог.
Училась в МУЖВЗ (1890–1895) у К. А. Савицкого, И. М. Прянишникова, А. Е. Архипова, в академии Витти (1895–1897) у Л. О. Меерсона, Э. Аман-Жана и в студии Ф. Коларосси в Париже. Член Французского общества оригинальной гравюры в красках (1904), Салона независимых в Париже (с 1904), Осеннего салона в Париже (с 1908), объединения „Мир искусства“ (1915). В 1895–1914 работала в Париже. В 1902 обратилась к гравюре. Преподавала в собственной мастерской (1900–1914) и в академии „La Palette“ (1909) в Париже, в ВИФФ (1921–1922) в Петрограде, на полиграфическом факультете ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1922–1929). Оформляла и иллюстрировала книги для издательств „Радуга“, „Красная Нива“, „Красная панорама“, ГИЗ (1920–1930-е).
Участник выставок с 1891: Салона независимых (Париж, 1897–1914), МТХ (1897, 1904, 1906, 1909, 1911, 1912, 1915), Осеннего салона (Париж, 1905–1914), НОХ (1905–1909), „Мир искусства“ (1900, 1906, 1911–1924), СРХ (1909, 1910), картин художников Петрограда всех направлений (1923); международных в Риме (1911) и Лейпциге (1914); русского искусства в Париже (1906, 1910).
Искусство силуэта, получившее широкое распространение в конце XVIII века, вновь возродилось в начале ХХ столетия в русле неоклассических поисков и благодаря усилиям художников круга „Мир искусства“. Елизавета Кругликова увлеклась этой техникой с 1914 года. А. А. Сидоров отмечал, что ее „силуэтная галерея“ насчитывала около тысячи портретов современников. Неоклассицизм. СПб. 2008.
Чорос-Гуркин Григорий Иванович
1870, с. Улала (ныне г. Горно-Алтайск) – 1937Живописец, график.
Родился 12 января 1870 в с. Улала (ныне г. Горно-Алтайск) в семье кустаря-седельника из древнего рода чорос (впоследствии художник назовет себя Чорос-Гуркиным). В селе располагался главный стан Алтайской духовной миссии, при которой имелась начальная школа с иконописным классом. В дальнейшем около 15 лет проработал иконописцем, сначала в Улале, а затем в Бийске.
В 1896 встретился с А. В. Анохиным, который уговорил поехать в Петербург, в Академию художеств. Сразу поступить в Академию не смог и почти год занимался в мастерской знаменитого русского пейзажиста И. И. Шишкина.
В 1899 был зачислен в пейзажный класс Академии художеств. Организовав в дореволюционный период несколько выставок в Томске, Красноярске и других городах, художник открыл для сибирского зрителя своеобразие Горного Алтая. Выставки принесли ему широкую известность и славу первого пейзажиста Сибири.
В годы революции 1917 и Гражданской войны становится видным политическим деятелем, выступавшим за автономию Горного Алтая, выдвигая такие общедемократические требования как политическое равноправие и самоуправление, свобода языка, культуры и т.д. Дважды был арестован. Из-за нестабильной политической ситуации эмигрировал в Монголию, затем в Танна-Туву. Разлука с родиной длилась почти 6 лет (1919–1925).
Осенью 1925 художник возвращается на родину. В начале 1926 с успехом проводит в Новосибирске свою первую при Советской власти выставку. Становится членом Всесибирского общества художников «Новая Сибирь». Принимает участие в развитии национальной культуры – по его инициативе открываются Алтайский музей, национальное издательство, художественная школа для талантливой молодежи. Иллюстрирует первые учебники, рисует плакаты, пишет пейзажи и тематические картины. Несколько лет преподавал в Ойротской художественной школе. В 1937 был репрессирован (реабилитирован в 1956).
Наиболее полное собрание картин художника находится в фондах Национального музея Республики Алтай им. А. В. Анохина – это более 600 живописных картин и множество графических рисунков.
Воскресенский Фёдор Михайлович
1896 – 1942Сведения о художнике необширны: известно, что он учился в Тверских Государственных Свободных художественных мастерских, а позже преподавал рисование в школах города Калинина (ныне – Тверь). Творчество Воскресенского было сосредоточено на портретном жанре, однако встречаются натюрморты и жанровые сцены его авторства.
Тверские Государственные Свободные художественные мастерские (1919–1922) были созданы под эгидой отдела искусства при Наркомпросе. Идея создания их, по словам замечательного русского живописца В. К. Бялыницкого-Бирули, принадлежала А. В. Моравову. При организации живописных и скульптурных классов основу преподавательского корпуса составили специалисты, прибывшие из Москвы: живописец, график и акварелист А. Ф. Сафронова, живописец М. К. Соколов, известный московский искусствовед, критик и лектор Н. М. Тарабукин, выпускник Московского училища живописи, скульптуры и архитектуры Г. Н. Ермолаев (руководитель скульптурной мастерской), М. Серёгин, Г. В. Федоров, а также уполномоченный по СГХМ скульптор Н. Г. Бонч-Осмоловский, Ф. Н. Захаров. Все годы существования мастерских проводились отчетные выставки работ студентов и педагогов, которые широко освещались тверскими газетами, активно поддерживающими «сплочение молодых художников».
Мелентьев Герман Александрович
1888, с. Орда, Пермская губерния – 1967, СвердловскРодился 17 (29) июня 1888 в селе Орда Осинского уезда Пермской губернии. Поступил в городское училище города Кунгура (класс А. Н. Зеленина), но был исключён за неуплату за обучение. Работал с отцом на кожевенном заводе, затем в различных канцеляриях и конторах.
В 1909 поступил и в 1915 окончил Казанское художественное училище (класс Н. И. Фешина и П. П. Бенькова). С 1915 по 1918 обучался в Академии художеств в Петрограде (класс А. В. Маковского).
В 1919–1935 преподавал в школах и изостудиях г. Кунгура, пединституте и художественном техникуме г. Пермь; в 1935–1953 преподавал в Свердловском художественном училище.
Член Свердловского филиала Ассоциации художников революционной России (1929—1932), член Союза художников СССР (1932).
В 2000 в Кунгуре был открыт выставочный зал имени Г. А. Мелентьева.
Тимошенко Лидия Яковлевна
1903, Петербург –1976Родилась в 1903 году в Петербурге. С 1923 по 1928 годы учится в Государственном художественно-промышленном техникуме на факультете театрально-декоративного искусства у М.П. Бобышева, А.А. Рылова, П.А. Мансурова, а также в Государственном институте художественной культуры (ГИНХУК) в мастерской П.А.Мансурова. В 1928 вступает в общество «Круг художников», участвует в выставках «Круга» в Русском музее в 1929 и в Киеве в 1930. В 1932 году вступает в Союз советских художников, участвует в выставке «Художники РСФСР за 15 лет». С 1932 по 1935 учится на Высших курсах мастерства (в аспирантуре) в Академии художеств в мастерской А.И. Савинова, пишет картину «Купание». В 1935–1937 работает с Д. Е. Загоскиным над панно для комнаты отдыха в Ленинградском дворце пионеров (бывший Аничков дворец). С 1938 по 1941 работает в экспериментальной литографской мастерской ЛОСХа, где создаёт ставший знаменитым эстамп «Катюша». В сентябре 1941 года эвакуируется из Ленинграда в Ярославскую область, затем в Сибирь, Среднюю Азию, Удмуртию. В 1943 году переезжает в Москву, где работает до конца жизни.
Проскуряков Владимир Николаевич
1903, Тамбов – 1983Родился в г. Тамбове. В 1922 году поступил в художественную школу, затем в 1924 году – в высший художественный институт в Москве. Участник Великой Отечественной войны. Основным направлением своего творчества выбрал портреты, но работал и в других жанрах. Его городские пейзажи наполнены особым поэтизмом, в них ощущается рука настоящего мастера и любовь к родной земле. Большую часть творческой жизни прожил в родном Тамбове.
Крыжановская Анна Владимировна
1894 - 1970Рындзюнская Марина Давыдовна (Матильда Давидовна)
1877, Петрозаводск – 1946Русский и советский скульптор, педагог. Крупнейший московский скульптор первой половины ХХ века, одна из основателей «Общества русских скульпторов» (ОРС). Родилась в 1877 году в Петрозаводске, в семье статского советника. В 1892 году семья переехала в Астрахань, где в Мариинской женской гимназии не только продолжила образование, но получила первые навыки изобразительного искусства. Рисунок и живопись в гимназии преподавал Павел Власов.
По совету П.А. Власова в 1898 году приезжает в Москву, чтобы продолжить там художественное образование. С 1898 по 1901 год учится в Строгановском училище, затем в Московском училище живописи, ваяния и зодчества на живописном отделение. Вскоре переходит в мастерскую выдающегося скульптора Сергея Михайловича Волнухина, параллельно занимаясь в студии Елизаветы Званцевой у Валентина Серова, Константина Коровина и Анны Голубкиной.
Закончив учёбу в Москве, осенью 1910 года едет в Париж, где живет и работает полгода. Здесь она познакомилась со скульптурой Огюста Родена и Э. Бурделя, а в парижских музеях с лучшими образцами египетского и восточного искусства.
В 1912 году вернулась в Россию, где много работала творчески, принимала активное участие в выставках «Мира искусства», общества художников «Свободное искусство» и союза русских художников, преподавала лепку в частной женской гимназии.
В 1920-е годы активно включилась в осуществление «ленинского плана монументальной пропаганды». В рамках этой программы она создала ряд произведений, среди которых фигура композитора М.П. Мусоргского для Московской консерватории.
В 1926 году она являлась одним из организаторов Общества русских скульпторов (ОРС), в программе которого стояла задача – выявить в художественных образах смысл современности. В произведениях скульптора этого времени прослеживается поворот к реальности, к осязаемости трехмерной формы, любовь к полновесной массе.
В 1932 году работает в Музее народов СССР, занимается Востоком, уезжает в Среднюю Азию, где создает серию портретов - типов представителей разных национальностей. «В этих образах меня привлекала непосредственная свежесть. В чертах их нетронутых я находила крепость и силу, которые лучше всего сливались с материальным существом моего искусства, с твёрдым материалом».
Шурига Пелагея Николаевна
1900–1980Эвенбах Евгения Константиновна
1889–1981Гапоненко Тарас Гурьевич
1905, д. Старая Заворонь, Смоленская губ. — 1993, МоскваЖивописец, монументалист, график. Народный художник СССР.
Родился в 1905 году в деревне Старая Заворонь Смоленской губернии. В 1924–1930 годах учился во ВХУТЕМАС-ВХУТЕИНе в Москве у П. В. Кузнецова, В. А. Фаворского, Н. М. Чернышёва, К. Н. Истомина. С 1928 – участник выставок. Член ОМАХРР (1928–1929), АХР (1929–1931), Российской ассоциации пролетарских художников (1931–1932), Союза художников СССР (с 1932). Член-корреспондент Академии художеств СССР, лауреат Сталинской премии второй степени.
Яркий представитель искусства социалистического реализма. Писал жанровые и тематические картины на темы колхозной жизни, пейзажи, натюрморты. Свои произведения в основном посвящал колхозной деревне, идеализируя быт советских людей. Работал в области монументальной живописи. Выполнил росписи клуба «Пролетарий» в Москве (1930); в составе коллектива художников работал над созданием панно «Знатные люди Страны Советов» для Советского павильона на Всемирной выставке в Нью-Йорке (1939).
Коваленко Иван Васильевич
1894, г. Славянск, Кубань – 1942Живописец, график, иллюстратор, плакатист. Родился в г. Славянске на Кубани, жил в г. Краснодаре. Выпускник Краснодарского изотехникума, ставшего позже художественным училищем. Создал графические серии «Краснодар» (1925) и «Тщикское водохранилище» (1940–1941), иллюстрировал и оформлял книги. Занимался станковой живописью, написал пейзажи («Осень», 1938) и натюрморты («Осенние цветы», 1939), работал в области политического и рекламного плаката. Автор плакатов: «Мануфактура своих фабрик и трестов «Советский Восток». Широкий ассортимент» (1925), «Все для хлебороба» (1925), «Международная компания жатвенных машин» (1930), «У них у капиталистов экономический кризис и упадок производства. У нас в СССР экономический подъем и рост производства» (1930), «15 лет Адыгейской автономной области» (1935). Летом 1942 был репрессирован, при спешной эвакуации из тюрьмы Краснодара его следы теряются. В 1963 художник был реабилитирован за отсутствием состава преступления.
Крандиевская Надежда Васильевна
1891–1963В. И. Ленин. На Красной площади
- 1924
- Бумага, акварель. 40 х 60,5
- Государственный Русский музей
- РС-19706
Бродский, в отличие от многих своих современников, никогда не искал новый живописный язык. Будучи учеником И. Е. Репина, он в 1910-е годы писал декоративные полотна-гобелены, отвечавшие вкусам буржуазных заказчиков. После Октябрьского переворота Бродский постарался сблизиться с новой властью. На II конгрессе Коминтерна в 1920 году он сделал свой первый карандашный набросок Ленина, который тому не понравился, но, посоветовавшись с товарищами, вождь этот рисунок подписал — с устным комментарием, что первый раз подписывает то, с чем не согласен. Так началась карьера художника, писавшего всех крупнейших деятелей Коминтерна и советского правительства. Бродскому удалось создать безупречную форму официального портрета: клишированное изображение встраивалось в любой желаемый фон, будь то Красная площадь, Смольный, гидроэлектростанция, массовый митинг и т. п. При этом художник широко использовал фотодокументы. На рисунке, созданном в год смерти Ленина, вождь изображен невдалеке от того места, где был воздвигнут его мавзолей. Композиция строится согласно актуальному плакатному принципу фотомонтажа, допускающему совмещение двух точек зрения — высокой, помогающей создать ощущение глубокой панорамы площади, и низкой, делающей фигуру Ленина монументальной. Ирина Арская, Наталья Звенигородская // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 409.
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Исаак Бродский создал обширную галерею изображений В. И. Ленина. В их основу легли воспоминания и натурные зарисовки. Художник видел Ленина выступающим на митингах в 1918 году и рисовал его на заседаниях II конгресса Коминтерна (1920). Многие из выполненных Бродским портретов Ленина многократно копировались и воспроизводились миллионными тиражами.
Портрет В. И. Ленина
- 1924
- Холст, масло. 97,1 х 80,3
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- ЖК-37
Искусствовед и исследователь карельского искусства В. И. Плотников публикует сведения, к сожалению, не указывая источник, о том, что А. Я. Андриянов в 1922 году вместе с В. Н. Поповым исполнял декоративный триптих для Дворца труда – здания Совета профессиональных союзов Карелии (ныне в этом здании располагается Музей изобразительных искусств Карелии).
В 1924 году художник написал портрет В. И. Ленина, который открыл, буквально, «Лениниану» в карельском искусстве. Портрет написан в год смерти Ленина и интересен своей композицией.
Фигура Владимира Ильича изображена художником на фоне колонны полускрытой яркой драпировкой. Эта строгая торжественность фона вступает в некоторое противоречие с задушевностью образа Ленина и пейзажным фоном на втором плане холста. Лицо Владимира Ильича написано художником нежно и трепетно, от него исходит доброта и человеческое обаяние, ощущение живого Ленина. Ленина-человека дополняет сельский пейзаж с домиками за спиной вождя. Этот необычный для ленинских портретов фон дан с большим художественным тактом и имеет вполне определенный северный адрес. Родной художнику пейзаж соединен на холсте с дорогим для него образом вождя.
Владимир Ильич Ульянов (псевдоним Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Портрет В. И. Ленина
- 1920-е
- Картон, масло. 41,5 х 30
- ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
- Ж-1347 АОМИИ
В коллекции музея представлен достаточно редкий портрет В. И. Ленина, написанный при жизни основателя советского государства. В начале 1920-х Коллегия ИЗО Наркомпроса обратилась к Натану Альтману с предложением создать портрет В. И. Ленина. Альтман собирал материал для живописного портрета, дважды видел Ленина во время митинга на Марсовом поле в 1917 и 1918 годах. Хорошо известно, что Ленин не любил и никогда не соглашался позировать. Помог Альтману Луначарский, по просьбе которого Ленин разрешил ему работать в Кремлевском кабинете весной 1920 года. Он работал шесть недель, как впоследствии подсчитал художник, в целом, около 250 часов работы. На основе натурных рисунков и написан данный портрет. Неповторимость его в том, что это не образ, в котором что-то выделено, отредактировано. Он воспринимается с предельно краткой дистанции, точнее ее нет совсем. Нет исторической костюмировки, поверхностных политических ситуаций. Это Ленин, который близок каждому и каждый может почувствовать себя его собеседником, он полон внимания, изображен легко и непринужденно.
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Эскиз плаката «К победе нас привел ленинизм»
- 1926
- Бумага, гуашь. 13,2 x 8,5
- Государственный Русский музей
- РС-6305
Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги":
"В 1925-1926 годах творческий диапазон художника значительно расширяется за счет включения в сферу его художественной деятельности политического плаката, детской книжки, фарфора.
Его плакаты: "Ленин и электрификация", "Смычка", "Вперед, по ленинскому пути!" и, особенно, комсомольский плакат "На смену старшим" (На Парижской международной выставке декоративного искусства - присуждена золотая медаль) были в свое время оценены по достоинствам: высокого художественного качества и идейно-политической целеустремленности…
Работа в области политического плаката и книжно-журнальной графики была для Самохвалова превосходной школой овладения советской тематикой. Плакат поставил перед художником во всей своей сложности и ответственности новые идейные задачи, правильное решение которых невозможно без разрешения новых формально-технических проблем, без определенного перевооружения художника - в области цветовых, композиционных, пространственных средств выражения. Самохвалов применяет объемно-плоскостные принципы построения своих произведений, принципы, истоки которых он устанавливает для себя в русской фреске и в античной живописи".
Ленин на трибуне
- 1927
- Холст, масло. 71,2 x 54
- Государственный Русский музей
- ЖС-729
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Исаак Бродский создал обширную галерею изображений В. И. Ленина. В их основу легли воспоминания и натурные зарисовки. Художник видел Ленина выступающим на митингах в 1918 году и рисовал его на заседаниях II конгресса Коминтерна (1920). Многие из выполненных Бродским портретов Ленина многократно копировались и воспроизводились миллионными тиражами, но данная картина признана неудачной и не была известна широкой публике. Излишне фотографичным казался тогда экспрессивный ракурс фигуры, невыгодным для образа вождя — сопоставление с большим массивом неба со стилизованным узором облаков, напоминающим образы художников-символистов. Однако именно эти «ошибки» художника выводят произведение за рамки канона, придают ему неоднозначность и делают его интересным для нашего времени.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 66.
Первое появление В. И. Ленина на заседании Петросовета в Смольном 25 октября 1917
- 1927
- Холст, масло. 132 x 191
- Государственный Русский музей
- ЖС-1981
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Днем 25 октября в Актовом зале Смольного под председательством Л. Д. Троцкого открылось экстренное заседание Петроградского совета рабочих и солдатских депутатов. На нем был выслушан доклад Троцкого о свержении Временного правительства. С докладом о задачах Советской власти выступил В. И. Ленин, который произнес знаменитую фразу: «Товарищи! Рабочая и крестьянская революция, о необходимости которой все время говорили большевики, совершилась». Картина была написана Юоном по заказу Комиссии Совнаркома и экспонировалась в январе 1928 года на Выставке художественных произведений к десятилетнему юбилею Октябрьской революции. Добиваясь правдивости изображения, художник с большим вниманием отнесся к воссозданию исторической обстановки и подлинного облика участников тех событий. Так, Ленин на картине предстает без бороды и усов, только что снявшим парик и освободившимся от грима. За его спиной в президиуме изображены присутствовавшие на заседании В. А. Антонов-Овсеенко, Л. Б. Каменев, В. П. Милютин, Н. И. Подвойский, Л. Д. Троцкий, Г. И. Ломов (Оппоков), А. И. Рыков, Л. М. Карахан и другие. Почти все они позднее погибли в годы сталинских репрессий. Судьба героев полотна повлияла на его судьбу в 1930-е годы оно было изъято в спецхран.
Картина написана после смерти Ленина (1924) и посвящена теме его популярности в революционно настроенной среде. // Алиса Любимова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 365.
Ленин в Смольном
- Авторское повторение
- 1930-е
- Холст, масло. 84,5 × 126,0; в раме 97 × 139 × 7
- Самарский областной художественный музей
- Ж-453
Каждый, кто вырос в Советском Союзе, непременно помнит знаменитую картину Исаака Бродского «Ленин в Смольном» исполненную художником в 1930 году: в бывшей комнате классной дамы Дворянского института кресла в строгих белых чехлах, столик на резных ножках. И вождь, устало изучающий документы… Передавая абсолютное портретное сходство вождя мирового пролетариата, художник намеренно изображает его в конкретном времени и обстановке, что придает документальность ленинскому образу. Колорит картины выдержан в мягких охристых тонах и создает ощущение цветовой реальности.
Картина написана после смерти Ленина. С момента своего появления она стала одним из самых популярных произведений, посвященных образу вождя революции, неоднократно экспонировалась на выставках, воспроизводилась в печати. Бродский сделал несколько авторских повторений, одно из которых хранится в Самаре.
И. В. Сталин у гроба С. М. Кирова
- 1934
- Холст, масло. 271 x 208
- Государственный Русский музей
- Ж-4490
Киров Сергей Миронович (Костриков; 1886–1934) в 1909 году переехал из Томска во Владикавказ, где активно сотрудничал в газете «Терек», помещая в ней, помимо прочего, литературные и театральные рецензии. В 1912 году одну из своих статей Костриков в первый раз подписал псевдонимом «Киров». В 1921 году стал первым секретарем ЦК Компартии Азербайджана. В 1926 году он был избран первым секретарем Ленинградского обкома и горкома партии, после чего в составе группы ЦК направлен в Ленинград для идеологической борьбы с оппозицией, возглавляемой Г. Е. Зиновьевым. В городе была проведена грандиозная кадровая чистка, а Киров быстро сделался непререкаемым лидером. Будучи великолепным оратором, он активно участвовал в общественной жизни города. Был убит 1 декабря 1934 года в Смольном в результате покушения. Павел Климов, Тамара Чудиновская // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 425.
В 1934 году Рутковский возглавлял бригаду художников по росписи вокзала в Белоострове. На его открытие 4 декабря ждали С. М. Кирова, который интересовался работой и даже помогал доставать необходимые краски, бывшие в дефиците. Но 1 декабря Киров был убит. В тот момент многие советские художники обратились к сюжетам, посвященным его памяти. Работа Рутковского, скорее всего, исполнялась по государственному заказу, однако художник знал Кирова лично и писал картину, возможно, испытывая искренние переживания. Во всяком случае, Рутковскому удалось композиционными и колористическими средствами создать атмосферу торжественности и скорби. Тамара Чудиновская // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 428.
В 1934 году Рутковский возглавлял бригаду художников по росписи вокзала в Белоострове, на открытие которого 4 декабря должен был приехать Киров, с интересом относившийся к работе художников и даже помогавший доставать для росписей дефицитные краски. Но 1 декабря он был убит в коридорах Смольного. На его смерть откликнулись многие советские художники. Рутковский написал свое полотно за короткий срок, отразив в нем миф о прощании вождя советского государства И. В. Сталина с покойным. Художнику вряд ли были известны вскоре появившиеся слухи о возможных политических мотивах убийства Кирова, он выразил ощущение торжественной печали, подчеркнул высокую значительность происходящего. Открытый красный цвет, его контрасты с белым и черным определяют торжественное звучание картины, выдержанной в строгом ритме горизонталей и вертикалей. Она представляет собой как документ эпохи, так и типичное произведение социалистического реализма, в котором миф превращен в реальность мастерством художника. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 79.
В. И. Ленин на II съезде Советов среди делегатов-крестьян
- 1935–1936
- Холст, масло. 236 х 186
- Государственный Русский музей
- Ж-6149
Картина Герасимова изображает исторический съезд, провозгласивший переход всей власти в стране к Советам рабочих и крестьянских депутатов, утвердивший декреты о мире и земле. Ленин беседует с делегатами о передаче помещичьей земли крестьянам. Значительность происходящего выражена в глубокой серьезности, с какой слушают Ленина крестьяне. Скупые краски овчинных тулупов, солдатских шинелей, матросских бушлатов в огромном светлом зале Смольного звучат своеобразной мужественной гармонией.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 68.
II Всероссийский съезд Советов рабочих и солдатских депутатов состоялся 25—27 октября (7—9 ноября) 1917 года в Смольном, Петроград.
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Портрет И. В. Сталина
- Не окончен (?)
- 1936
- Холст, масло. 99 х 67
- Государственный Русский музей
- Ж-9590
Вторая половина и конец 1930-х годов были временем, крайне трудным для художника, чье творчество не соответствовало узаконенным нормам и требованиям по отношению к искусству. Одной из немногих возможностей заработать деньги было участие в оформлении города к революционным праздникам. По всей видимости, «Портрет И. В. Сталина» является эскизом к большому панно, которое предназначалось для украшения фасада Клуба моряков в Ленинграде. Об этой работе Филонов упоминает в своем дневнике. Портрет написан в обобщенной манере и вполне соответствует известным канонам. Однако есть в нем и скрытый подтекст, который придает облику вождя зловещий характер. // Ольга Мусакова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 435.
Иосиф Виссарионович Сталин (Джугашвили) (1879-1953) – советский государственный и политический деятель. С апреля 1922 Генеральный секретарь ЦК ВКП (б). С 1934 – секретарь ЦК КПСС, глава Советского правительства (председатель Совета Народных Комиссаров и Совета Министров СССР).
Вождь, учитель и друг (И. В. Сталин в президиуме II Съезда колхозников-ударников в феврале 1935 года)
- 1936–1937
- Холст, масло. 340 x 260
- Государственный Русский музей
- Ж-5613
Картина впервые экспонировалась на грандиозной выставке «Индустрия социализма», приуроченной к XVIII съезду ВКП(б). Второй съезд колхозников-ударников, которому она посвящена, проходил в феврале 1935 года. Съезд принял устав сельскохозяйственной артели и знаменовал собой «полную победу социализма в деревне». Художник изобразил реальный эпизод работы съезда, выбранный по газетным публикациям. Как первый среди равных, Сталин общается с простой колхозницей Евдокией Федотовой, заведующей машинно-тракторной станцией колхоза «Возрождение» Ленинградской области, портрет которой делала также Софья Дымшиц-Толстая. В этот день она председательствовала на заседании. На трибуне — ударница хлопковых полей Узбекистана Ташланова. Ее фигура в колоритной национальной одежде, а также обрамляющие композицию изображения молодой туркменки в белом платке и узбека Ага-Юсуп-Али,— дань художника излюбленной теме.
Шегаль много и увлеченно работал в творческих командировках в азиатских республиках Советского Союза. Таким образом, содержание полотна обогащается темой дружбы народов. Не случайно и столь акцентированы в картине женские образы. Среди делегатов II съезда отмечался рекордный процент женщин-ударниц колхозного труда. Так художник констатирует успехи страны в укреплении женского равноправия.
Критика отмечала некоторое однообразие в решении верхней части композиции, которую занимает плоскость стены. Однако именно там помещается скульптурное изображение Ленина, осеняющее происходящее в нижнем ярусе картины. Особенности убранства зала позволили художнику реалистическими средствами выявить незримое присутствие на съезде основоположника советского государства. Значительность места, которое фигура Ленина занимает в этой крупномасштабной картине, давала современникам почву для рассуждений о распределении ролей в троичной формуле «вождь, учитель, друг».
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 82.
В. И. Ленин и И. В. Сталин в Горках в 1923 году
- 1938
- Холст, масло. 101 x 75,5
- Государственный Русский музей
- Ж-6144
30 августа 1918 года на Ленина было совершено покушение: он был тяжело ранен несколькими выстрелами, произведенными, по сомнительной официальной версии, эсеркой Фанни Каплан. Это дало начало кампании массового «красного террора». И это же в будущем роковым образом отразилось на здоровье вождя. В мае 1922 года Ленина настиг первый тяжелый приступ болезни, а через год он был вынужден из-за резкого ухудшения здоровья переехать в подмосковное имение Горки. Там он диктовал свои последние статьи, и там его навещали товарищи по партии, ряду которых он дал нелицеприятную характеристику в своем знаменитом «Письме к съезду» (есть версия, что это «надиктованное» письмо сочинила сама Крупская). В основе композиции Сварога лежат известные фотографии, сделанные в Горках. Художник изображает встречу двух вождей в традициях русского пленэра, близкой к умеренному импрессионизму: терраса с плетеными креслами, мирный усадебный пейзаж. Последние прогулки Ленина и передача эстафеты власти происходят в декорациях, достойных сентиментальных пейзажистов СРХ. Блики солнца танцуют на белом френче Сталина и обходят стороной фигуру Ленина, готовую отойти в тень. Как и в большинстве аналогичных сюжетов, Сталин воплощает собой деятельность, активность, напор. В Ленине же представлен тип мыслителя и наставника.
Слева внизу: В. Сварог 1938. // Любовь Шакирова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 407.
Портрет В. И. Ленина
- 1939
- Литография. 44 х 29
- Государственный Русский музей
- С.Гр.-1015
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
И. В. Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремле
- Копия с одноименной картины А. М. Герасимова (1938, ГТГ)
- 1940
- Холст, масло. 147 x 190
- Государственный Русский музей
- ЖБ-2072
Произведение представляет собой яркий пример культа личности вождя в советском искусстве. Изображение прогулки Сталина и народного комиссара обороны Ворошилова у стен Кремля символизировало готовность армии и государства к обороне страны. Вожди возвышаются над широкой панорамой Москвы, они уподоблены богатырям из русских сказок и былин. Первоначально картина называлась «На страже мира». Она получила широкую известность, многократно копировалась и репродуцировалась. Копия, выполненная Юрием Васильевым с одноименной картины Александра Герасимова (1938, ГТГ), имеет более скромные размеры по сравнению с оригиналом, но на ее обороте есть заверяющая и одобряющая подпись Александра Герасимова.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 75.
Появление В. И. Ленина на II Всероссийском съезде Советов
- 1940
- Холст, масло. 385 х 355
- Государственный Русский музей
- Жб-1947
Созданная накануне войны картина Самохвалова явилась выражением духа сталинской эпохи, образным воплощением новой коммунистической мифологии.
Впечатляющее своей масштабностью произведение изображает исторический момент: вскоре В. И. Ленин произнесет: совершилась рабочая и крестьянская революция, о которой долго мечтал народ. Ликующая толпа людей приветствует Вождя, стремительно направляющегося к президиуму зала Смольного. В свое время художник видел Ленина в коридоре Штаба Революции - это было в 1917 году, в разгар октябрьских событий. По словам самого художника, позднее „эпизод превратился в событие“, а образ Великого вождя и Спасителя народов в соответствии с идеологическими требованиями приобрел определенно мессианский характер.
В противоположность юным годам, когда Самохвалов проявил склонность к экспериментам в живописи, в 1930-е он становится все большим поклонником искусства Возрождения и античности, а среди его кумиров оказываются А. А. Иванов, В. И. Суриков и И. Е. Репин. Вряд ли есть сомнение, что знаменитое полотно „Явление Христа народу" А. А. Иванова подсказало художнику образное и композиционное решение картины „Появление В. И. Ленина на II Всероссийском съезде Советов“, в итоге явившее собой пример художественного воплощения „религии“ своего времени. // Ольга Мусакова. Большая картина. СПб., 2006. С. 237.
Вечером 25 октября 1917 года, когда отряды Красной гвардии еще продолжали методично занимать стратегические объекты столицы, в Смольном открылся II Всероссийский съезд Советов, на котором большевики имели подавляющее число делегатов. Среди важнейших документов, утвержденных съездом, были Декреты о мире, земле и «Декларация прав народов России». Съезд также сформировал высшие органы власти — ВЦИК и СНК, которые возглавили соответственно Я. М. Свердлов и В. И. Ленин. Масштабное произведение Самохвалова изображает ликующую толпу, которая приветствует своего вождя, стремительно направляющегося к президиуму. Вскоре с трибуны съезда Ленин произнесет исторические слова о победе социалистической революции.
В 1930-е годы Самохвалов, ранее проявлявший склонность к живописным экспериментам, постепенно становится все большим поклонником классического искусства. Среди его кумиров оказываются А. А. Иванов, В. И. Суриков и И. Е. Репин. «Появление В. И. Ленина…», представляющее собой пример художественного воплощения «религии» своего времени, сегодня можно рассматривать как своего рода советскую аналогию «Явлению Христа народу» Иванова. // Ольга Мусакова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 367.
В. И. Ленин и М. А. Горький в Горках
- 1942
- Холст, масло. 72,0 × 90,0
- Самарский областной художественный музей
- Ж-470
Исходный вариант картины народного художника СССР Василия Ефанова – грандиозное по размерам полотно – было написано в 1938. Четыре года спустя создано уменьшенное авторское повторение, изображающее две знаковые фигуры советской истории: Владимира Ильича Ульянова (Ленина) – создателя первого в мире социалистического государства, приверженца теории марксизма, идейного вдохновителя Октябрьских событий в России, – и главного советского писателя Максима Горького, известного в начале ХХ века не только в России, но и широко за ее пределами, как классика «социалистического реализма».
Обстановка весьма минималистична: плетеные кресла, оставшиеся от прежних хозяев (крупных предпринимателей Морозовых), белоснежная скатерть на столе, лаконичный парковый пейзаж за балясинами террасы – заполняют пространство картины и как бы подчеркивают простоту и аскетизм новой элиты. Не случайно и палитра картины почти монохромна. По сюжету, Горький навещает Ленина, находящегося на восстановительном лечении после покушения 1918 года, предпринятого Фанни Каплан. Несмотря на пошатнувшееся здоровье, вождь продолжает руководить страной.
Собеседники сидят за чаем на террасе подмосковной усадьбы Горки. В позах отсутствует напряженность – их связывали не только давнее знакомство, дружеские отношения, но и расхождение во взглядах, непримиримая полемика, жёсткая взаимная критика. Тем не менее, наряду с другими деятелями культуры и искусства, Горький внес большую лепту в процесс идеализации ленинской личности. И ещё одна интересная деталь: свои последние дни и Ленин, и Горький доживали именно в Горках.
Сталин у постели больного М. Горького
- Эскиз картины «И. В. Сталин, К. Е. Ворошилов и В. М. Молотов у постели больного М. Горького» (1940–1944, ГТГ)
- 1943
- Холст, масло. 71,5 х 90
- Государственный Русский музей
- Ж-5607
Впервые Ефанов обратился к этой теме в 1939 году, исполнив одноименный рисунок. «Идея картины, — писал художник в мемуарах, — возникла у меня в канун 60-летия товарища Сталина. В газете я прочел большую статью товарища Поскребышева. В ней было рассказано о том, как Иосиф Виссарионович накануне смерти Горького посетил его <…>. В этой картине я хотел передать психологическое состояние вождя и его товарищей и их отношение к больному Горькому, последняя фраза которого была: „Как хочется жить“…».
Писатель умер 18 июня 1936 года. Обстоятельства его смерти – это часто бывало в те годы — остались до конца неясными. Но, как бы то ни было, Сталин, подобно случаю с Кировым, использовал кончину писателя в своих политических целях. Его смерть была объявлена насильственной, а Г. Г. Ягода, бывший нарком внутренних дел, на Третьем Московском процессе в 1938 году признал, что Горький был отравлен врачами по приказу Троцкого. // Тамара Чудиновская. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 444.
Портрет И. В. Сталина
- 1944
- Холст, масло. 139,7 х 102,0
- Нижнетагильский музей изобразительных искусств
- Ж-144
Следуя словам своего учителя К. К. Костанди, уверенного в том, что «настоящий художник должен быть летописцем истории своего народа», Петр Васильев писал «историю в лицах», видя в этом высокую миссию искусства. Спокойная внушительность осанки, глубокая уверенность придают облику Сталина монументальное величие, а естественная простота ‑ человечность. Но главным в портрете остается стремление художника создать такой образ вождя, с которым, по представлению людей того времени, связывались категории родины, отечества, нации, земли. Сама же живописная система полотна, отличающаяся фотографической точностью, строгостью композиции, сдержанностью общей цветовой гаммы и гладкостью письма, полностью определяется языком академического классицизма, ставшего с середины 1940–х годов официальным языком искусства социалистического реализма.
Крымская конференция / На Крымской конференции руководителей трех великих держав
- 1945
- Бронза. 24,5 х 29,5 х 59
- Государственный Русский музей
- СО/ПФ-69
Композиция, выполненная Александром Грубе по одной из многочисленных фотографий тех лет и изображающая сидящих в кресле союзников, является эскизом к так и не осуществленному памятнику. Картины военной жизни в отечественном искусстве XVI–XX веков. СПб, 2022. С. 175.
Ялтинская (Крымская) конференция союзных держав — вторая по счёту (после встречи в Тегеране в 1943 г.) многосторонняя встреча лидеров трёх стран антигитлеровской коалиции — СССР, США и Великобритании — во время Второй мировой войны, посвящённая установлению послевоенного мирового порядка.
Конференция проходила 4–11 февраля 1945 г. в Ливадийском (Белом) дворце в посёлке Ливадия недалеко от Ялты (Крым) и стала последней конференцией лидеров антигитлеровской коалиции «большой тройки» в доядерную эпоху. Союзники понимали, что у них уникальный шанс распорядиться историей Европы по-своему, поскольку впервые в истории практически вся Европа находилась в руках всего трёх государств. Требовалось провести новые государственные границы на территории, ещё недавно оккупированной Третьим рейхом. Одновременно нужно было установить неофициальные, но общепризнанные всеми сторонами демаркационные линии между сферами влияния союзников. Рузвельт, Черчилль и Сталин, пойдя на взаимные уступки, пришли к соглашению практически по всем пунктам. В результате конфигурация политической карты мира претерпела существенные территориальные изменения.
Подробнее об итогах конференции см. на сайте Википедии.
На Крымской конференции
- 1945
- Холст, масло. 74,5 x 120
- Государственный Русский музей
- Ж-5962
Картина Налбандяна представляет эпизод встречи глав трех великих держав — Великобритании, СССР и США, состоявшейся 4–11 февраля 1945 года в Ливадийском дворце города Ялты и получившей название Крымской конференции. Она проходила в период, когда военные действия уже велись на территории Германии и на повестку дня стал вопрос о послевоенном устройстве мира. В неформальной обстановке перерыва между заседаниями изображены: в центре группы — председатель СНК СССР И. В. Сталин и премьер-министр Англии У. Черчилль. Слева, вполоборота к зрителю, сидит президент США Ф. Рузвельт. Рядом с ним по левую руку стоят народный комиссар иностранных дел СССР В. М. Молотов и посол СССР в Англии И. М. Майский. Справа изображены (слева направо) министр иностранных дел Англии А. Иден, государственный секретарь США Э. Стеттиниус и посол США в СССР А. Гарриман. Тамара Чудиновская // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 470.
4–11 февраля 1945 года в Крыму проходила встреча глав трех стран антигитлеровской коалиции – Великобритании, СССР и США. Она состоялась в Ливадийском дворце города Ялты и получила название Крымской (Ялтинской) конференции. Она проходила в период, когда военные действия уже велись на территории Германии и на повестку дня стал вопрос о послевоенном устройстве мира. В конференции участвовали председатель СНК СССР Иосиф Сталин, премьер-министр Англии Уинстон Черчилль и президент США Франклин Рузвельт. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 113.
В неформальной обстановке перерыва между заседаниями изображены: в центре группы — председатель СНК СССР Иосиф Виссарионович Сталин (1879–1953) и премьер-министр Англии Уинстон Черчилль (1874–1965). Слева, вполоборота к зрителю, сидит президент США Франклин Делано Рузвельт (1882–1945). Рядом с ним по левую руку стоят народный комиссар иностранных дел СССР Вячеслав Михайлович Молотов (1890–1986) и посол СССР в Англии Иван Михайлович Майский (1884–1975). Справа изображены (слева направо) министр иностранных дел Англии Энтони Иден (1897–1977), государственный секретарь США Эдвард Стеттиниус (1900–1949) и посол США в СССР Уильям Аверелл Гарриман (1891–1986).
"Молодежь - наше будущее, наша надежда"
- 1947
- Гипс тонированный. 71 x 50 x 40
- Государственный Русский музей
- СО-2136
Ленин на Ямале
- 1947–1948
- Холст, масло. 72,0 х 110,0
- Ямало-Ненецкий окружной музейно-выставочный комплекс им. И. С. Шемановского, Салехард
- ЖВ-95
Иван Григорьевич Истомин – создатель первых живописных холстов на тему истории Ямало-Ненецкого округа. Живописное полотно «Ленин на Ямале» написано в жанре исторической картины. Художник хорошо знал историю Ямала, изучал мифотворчество местных народов. Картина «Ленин на Ямале» написана Истоминым по мотивам ненецкой легенды, гласившей, что вождь мирового пролетариата лично приезжал на ямальскую землю, чтобы принести свет в жизнь коренных народов.
На холсте Ленин изображен в зимней национальной одежде народов Севера, на стойбище, в окружении оленеводов, оленей, собак. Все внимательно слушают, что говорит им «сюдбя–богатырь, у Великой реки выросший». Это же сказание легло в основу рассказа «Легенды» Истомина-писателя, который был впервые опубликован в 1955 году в сборнике «Утро Ямала». Действие рассказа происходит в зимней тундре. Проводник Ларко Сусой рассказывает журналистке предание о завистливом людоеде Пюнегуссе, похитившем у ненцев солнце. Сотни лет в ямальской тундре царили мрак, холод и голод, стали вымирать ненцы. И вот однажды из-за Уральских гор показались белые упряжки: это сюдбя, богатырь Ленин, со своими товарищами-коммунистами приехал, чтобы вернуть народу солнце.
На картине, как можно предположить, изображена сцена из будущего рассказа, в которой Ленин дает оленеводам наставление: «Теперь хорошо живите, дружно: вместе пасите оленей, вместе рыбу, пушнину промышляйте. Стройте новую жизнь!».
Образ Ленина монументализирован, близок к сложившимся в советском искусстве скульптурным характеристикам. Полотно является любительским вариантом складывающегося языка социалистического реализма.
Владимир Ильич Ленин
- 1948
- Гранит. 109 x 45 x 45
- Государственный Русский музей
- СО-263
Сергей Меркуров известен в истории советской скульптуры как непревзойденный мастер образа Ленина, он стал одним из первых скульпторов-монументалистов, регулярно получавших государственные заказы на статуи Ленина и Сталина, многие из которых не сохранились. Он создал огромное количество этих монументов. Искусствоведы эпохи с почтением отмечали «ассиро-вавилонскую» мощь этих памятников.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 40.
Владимир Ильич Ульянов (псевдоним Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Орденская коробочка
- Ломоносовская артель. Архангельская обл., Холмогорский р-н
- 1948
- Кость, бархат, резьба. 4,5 х 7,7 (диам.)
- Государственный Русский музей
- Рк-189/аб
Портрет И. В. Сталина
- 1947–1948
- Холст, масло. 114,5 x 92
- Государственный Русский музей
- Ж-5599
Еще в 1930-х официально была поставлена идейно-творческая задача создания образов «гениальных творцов» социализма Ленина и Сталина и их ближайших соратников. Отвечая этим требованиям, тоталитарное искусство превратилось в один из главных инструментов режима по созданию культа вождя. По своей разработанности иконография образов Ленина и Сталина в советском изобразительном искусстве может поспорить только с иконографией Христа и главных христианских святых, и строилась она приблизительно по той же схеме: начиная с детства и заканчиваясь загробным существованием в веках и воплощением в различных ипостасях. Сакрализация власти происходила незаметно, но стремительно и своего апогея достигла в 1949 году, когда специально к юбилею И. В. Сталина было создано немало безудержно льстивых произведений, собранных вместе на выставке «Иосиф Виссарионович Сталин в изобразительном искусстве».
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 77.
Великая клятва (Речь И. В. Сталина на II Всесоюзном съезде Советов 26 января 1924 года)
- 1949
- Холст, масло. 235 x 175
- Государственный Русский музей
- Ж-4407
Сталин (Джугашвили) Иосиф Виссарионович (1879–1953) — один из ведущих деятелей Коммунистической партии и Советского государства. Член Политбюро ВКП(б) (1919–1952), Генеральный секретарь ЦК КПСС (1922–1953), член Президиума ЦК КПСС (1952–1953), председатель Совета Народных Комиссаров (1941–1953). Герой Социалистического Труда (1939), Герой Советского Союза (1945), Маршал Советского Союза (1943), Генералиссимус Советского Союза (1945).
Картина Решетникова впервые была показана на выставке «Иосиф Виссарионович Сталин в изобразительном искусстве». Обращение к подобному сюжету — преемственность идей Сталина идеям Ленина — весьма характерно для «советского мифотворчества», когда нередко миф обретал значение исторического источника. В данном случае событие происходило в действительности.
II съезд Советов СССР проходил 26–31 января 1924 года в Большом театре в Москве. Съезд знаменит тем, что на нем была принята Конституция СССР. На съезде выступил И. В. Сталин с докладом по поводу смерти В. И. Ленина, этот доклад и вошел в историю как «Клятва вождя». Именно с этого события начинается становление культа личности, и, безусловно, не случайно то, что в 1949 году этот факт биографии Сталина воплощается в столь грандиозном полотне. Провозглашая себя преемником В. И. Ленина вопреки его политическому завещанию 1922 года, что само по себе было уже кощунственным, Сталин старался любыми средствами закрепить свое право на это звание. И подобно тому, как в 1920–1930-е это осуществлялось в жизни, так в 1940-е это право реализуется в искусстве. Торжественный колорит, золотое сияние «льющихся с небес» лучей света, противопоставление возвышающейся фигуры толпе на заднем плане способствуют передаче исключительности и монументального величия образа человека, в жизни не отличавшегося ни ростом, ни атлетической фигурой, ни красотой. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 73, 78.
Горький читает Иосифу Сталину, Клименту Ворошилову и Вячеславу Молотову свою сказку «Девушка и смерть»
- 1949
- Холст, масло. 194 x 220
- Государственный Русский музей
- Ж-5609
Вскоре после Октябрьского переворота выявились разногласия между большевиками и М. Горьким, считавшим революцию преждевременной, а методы ее осуществления — варварскими. В 1917 году, не пройдя партийную регистрацию, он фактически выбыл из РСДРП(б). В следующем году вышла его книга очерков «Несвоевременные мысли», в которой Горький подверг резкой критике революционную действительность и революционные иллюзии. В 1921 году под предлогом лечения писатель выехал за границу, где жил до 1931 года. После возвращения в Советский Союз Горький был обласкан властью, объявлен основоположником «социалистического реализма» и наделен для проживания в Москве роскошным особняком. Проявил большую энергию как организатор: основал несколько газет, журналов и издательств, а также провел работу по подготовке I Всесоюзного съезда советских писателей (1934). Находясь под личным покровительством Сталина, Горький стал экспортной маркой режима, его музой и духовником. В основе картины лежит реальный эпизод: посещение Сталиным вернувшегося из эмиграции Горького 11 сентября 1931 года на даче в Горках. Выслушав в авторской декламации раннюю поэму «Девушка и Смерть», Сталин начертал на последней странице книги восторженную резолюцию: «Эта вещь посильнее, чем „Фауст“ Гете (любовь побеждает смерть)». Картина Яр-Кравченко получила в 1947 году Сталинскую премию II степени. В современном восприятии она приобретает значение как изображение акта языкотворчества: сталинская фраза стала крылатой и не вышла из употребления до сих пор. Павел Климов, Любовь Шакирова // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 443.
Основная мысль философской сказки Максима Горького — любовь сильнее смерти, но любовь и смерть неразлучны.
Картина неоднократно повторялась художником (ГТГ, Военно-морская академия им. К. Е. Ворошилова; Музей А. М. Горького АН СССР). Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 90.
Для счастья народа (Заседание Политбюро ЦК ВКП(б))
- 1949
- Холст, масло. 280 х 380
- Государственный Русский музей
- Ж-4408
Картина создана в юбилейный для руководителя партии Иосифа Сталина и правительства 1949 год и была показана на двух главных выставках — Всесоюзной художественной выставке и «Иосиф Виссарионович Сталин в изобразительном искусстве», но характер изображения вождя здесь принципиально отличается от парадных картин эпохи.
Над картой будущих лесонасаждений, обсуждая план преобразования природы («для счастья народа»), склонились ближайшие соратники Сталина: Вячеслав Молотов, Николай Шверник, Николай Булганин, Анастас Микоян, Никита Хрущев, Андрей Андреев, Алексей Косыгин, Климент Ворошилов, Георгий Маленков, Лазарь Каганович. Сам вождь показан «таким, как все», «простым и доступным», хотя и в маршальском мундире, но без всех его многочисленных орденов, только со звездой Героя Советского Союза. «Простота» вождя также была принципиальной и существенной для формируемой иконографии Сталина. Примечательно и то, что, как и властная верхушка приспосабливала искусство для своих идеологических целей, так и искусство научилось приспосабливаться к обстоятельствам. После развенчания культа личности Сталина и смерти Лаврентия Берии фигура последнего была автором картины благополучно закрашена, образовав вполне логичную композиционную паузу между Андреевым и Косыгиным. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 86.
Картина была создана в год 70-летия руководителя партии и правительства и показана на двух главных выставках — Всесоюзной художественной выставке и выставке «Иосиф Виссарионович Сталин в изобразительном искусстве». Над картой будущих лесонасаждений, обсуждая план преобразования природы, склонились Сталин и его ближайшие соратники (слева направо): В. М. Молотов (министр иностранных дел), Н. М. Шверник (Председатель президиума Верховного совета), Н. А. Булганин (министр Вооруженных сил), А. И. Микоян (министр внешней торговли), Н. С. Хрущев (Первый секретарь ЦК КП Украинской ССР), И. В. Сталин (Председатель Совета министров), А. А. Андреев (заместитель Председателя Совета министров), А. Н. Косыгин (министр легкой промышленности) и три заместителя Председателя Совета министров — К. Е. Ворошилов, Г. М. Маленков и Л. М. Каганович. Сам вождь показан «таким, как все» — «простым и доступным», хотя в маршальском мундире и со звездой Героя Советского Союза. Интересно, что между Андреевым и Косыгиным ранее помещалась фигура Л. П. Берии, члена Политбюро ЦК, руководителя «атомного проекта» и бывшего наркома внутренних дел. Однако после развенчания культа личности Сталина и расстрела Берии (1953), признанного вначале иностранным шпионом и контрреволюционером, а затем и главным виновником массовых репрессий, фигура последнего была автором картины закрашена в соответствии с секретным циркуляром 2-го Главного управления МВД СССР, которым предписывалось повсеместное изъятие любых художественных бериевских изображений. Павел Климов, Алиса Любимова // // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 473.
И. В. Сталин с пионерами
- Группа из серии скульптур "Спасибо товарищу Сталину за счастливое детство"
- 1949
- Бисквит. В.-41,5; Дл.-25,0; Ш.-18,0
- Государственный Русский музей
- СФ-341
1949 год. Многонациональная Страна Советов отмечает 70-летие «отца всех народов» И. В. Сталина. К этой дате Ленинградский фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова изготовил довольно высокую многофигурную композицию «Спасибо товарищу Сталину за счастливое детство». Задание было чрезвычайно ответственным. По понятным причинам авторы композиции Владимир Богатырев и Галина Столбова обратились к опыту скульпторов Императорского завода XVIII столетия, прославлявших своих монархов.
Прославляющая Сталина композиция выстроена по правилам искусства эпохи классицизма. Каждой фигуре или группе отведено определенное место, ни одна из них не может быть передвинута или изъята. В центре над всеми возвышается моложавая, стройных пропорций фигура вождя. Сталин по-отечески разговаривает с пионерами. По обе стороны от них — скрипачка и горнист, затем следуют юные мичуринцы и мальчик-животновод. Целая картина интересных дел и занятий детей Страны Советов. Фигуры исполнены из неглазурованного фарфора (бисквита) и создают впечатление мраморных изваяний. Елена Иванова. Фарфоровая скульптура малых форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 23.
Фраза «Спасибо товарищу Сталину за наше счастливое детство!» впервые возникла на плакате, который в 1936 году несли участники физкультурного парада на Красной площади. Тогда же она была использована в виде подписи под сделанной на приеме в Кремле фотографии Сталина и бурятской девочки Гели Маркизовой. В следующем году в газете «Правда» за 23 сентября в передовице «Счастливые дети сталинской эпохи» эта фраза появилась без местоимения «наше»: «Спасибо товарищу Сталину за счастливое детство!» В дальнейшем ее широко использовали при изготовлении плакатов, лозунгов, транспарантов, стенгазет и другой пропагандистской продукции. Композиция «Спасибо товарищу Сталину за счастливое детство» была создана на ЛФЗ скульпторами Богатыревым и Столбовой к 70-летнему юбилею вождя. Павел Климов, Ирина Попова // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 479.
Композиция «Спасибо товарищу Сталину за счастливое детство» (1949, ЛФЗ) состоит из 5 частей: Фигура «Юное дарование» (Бисквит. 29,8 х 15 х 11,2), фигура «Юный животновод» (Бисквит. 29,7 х 18 х 14), группа Сталин с пионерами (Бисквит. 41,5 х 25 Х 18), группа «Юные мичуринцы» (Бисквит. 27 х 18 х 14), Фигура «Горнист – пионер» (Бисквит. 29,7 х 18 х 14).
Портрет И. В. Сталина
- 1949
- Холст, масло. 200,7 х 103,5
- Государственный Русский музей
- Ж-5881
Бубнов с неизменным успехом работал в различных жанрах: историческом, бытовом, портретном. В конце 1940-х годов он создал серию портретов политических деятелей Советского государства, в том числе несколько портретов Сталина. На портрете 1949 года Бубнов строит в присущей его позднему творчеству широкой живописной манере монументальный и, одновременно, неформальный образ генералиссимуса, стоящего в непринужденной, естественной позе. Сталин изображен в маршальском белом кителе и брюках с лампасами — форме, учрежденной к 1943 году, когда ему было присвоено звание маршала. (Т. Ч.) Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 482.
Сталин (Джугашвили) Иосиф Виссарионович (1879–1953) — один из ведущих деятелей Коммунистической партии и Советского государства. Член Политбюро ВКП(б) (1919–1952), Генеральный секретарь ЦК КПСС (1922–1953), член Президиума ЦК КПСС (1952–1953), председатель Совета Народных Комиссаров (1941–1953). Герой Социалистического Труда (1939), Герой Советского Союза (1945), Маршал Советского Союза (1943), Генералиссимус Советского Союза (1945).
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 73.
У портрета вождя
- 1949
- Холст, масло. 141 х 149
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
В картине «У портрета вождя» художница представила обыденную сценку с дочкой, в мастерской, где работала над портретом вождя. Кукольная фигурка девочки, поднявшись на табурет, чтобы оказаться и ближе, завороженно смотрит на портрет Сталина. Автор сумела передать в картине теплую обстановку комнаты с характерным для того времени атрибутами: тяжелым красным ковром, накрытым белым чехлом креслом с красной подушечкой, картинами на стенах, окрасив её эмоциональным настроением.
«Великому Сталину слава!»
- 1950
- Холст, масло. 351 х 525
- Государственный Русский музей
- Ж-5872
Композиционно-колористический строй картины, созданной коллективом авторов (Ю. П. Кугач, В. К. Нечитайло, В. Г. Цыплаков) к Всесоюзной художественной выставке 1950 года, целиком и полностью подчинен идее представления вождя государства как вдохновителя и организатора величайших побед. Парадная лестница, ведущая вверх, руки аплодирующей толпы, распахнутые двери, символизирующие прорыв в бесконечность, и удачно срежиссированное освещение как нельзя лучше передают ликующее настроение присутствующих. Сталин предстает в сияющем ореоле, подобно небожителю, спустившемуся к толпе, близкий и недоступный одновременно.
В непосредственном окружении вождя находятся видные члены партии и правительства (Н. А. Булганин, А. И. Микоян, А. А. Андреев, Л. П. Берия, В. М. Молотов, А. Н. Косыгин и другие), знаменитые военачальники и летчики (К. Е. Ворошилов, И. Н. Кожедуб, А. И. Покрышкин), передовики производства (А. Г. Стаханов), а также видные ученые — президент Академии наук СССР физик С. И. Вавилов и директор Института генетики АН СССР Т. Д. Лысенко. Эта «встреча» академиков Вавилова и Лысенко (изображены слева, за перилами лестницы) — один из многочисленных парадоксов сталинского времени. Известно, что родной брат Сергея Вавилова Николай, виднейший генетик, основатель и директор Института генетики, был в 1940 году не без помощи Трофима Лысенко, начавшего борьбу против классической генетики, арестован и в 1943 году умер в тюрьме. Лысенко же после его ареста возглавил Институт и довершил разгром генетики. Далее на полотне следуют представители многочисленных народов, населяющих Советский Союз, дети и типические представители народных масс. Таким образом, идеологема «человек — толпа — вождь» находит здесь каноническое воплощение. // Алиса Любимова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 476.
Во имя мира (Подписание договора о дружбе, союзе и взаимопомощи между Советским Союзом и Китайской Народной Республикой)
- Картина выполнена группой художников: В. И. Вихтинский (руководитель), Б. В. Жуков, Е. Н. Левин, Л. И. Чернов, Л. А. Шматько
- 1950
- Холст, масло. 271 x 400
- Государственный Русский музей
- Ж-5952
СССР был первым государством, установившим официальные дипломатические отношения с провозглашенной в 1949 году Китайской Народной Республикой. 14 февраля 1950 года в Москве был подписан договор о дружбе, союзе и взаимопомощи между СССР и КНР сроком на 30 лет. Проявив беспрецедентную лояльность, отказываясь от многих притязаний СССР на территории Китая, Сталин действовал в стратегических интересах укрепления „вечной и нерушимой дружбы“ с дальневосточным соседом. Среди изображенных на картине: Н. А. Булганин, А. М. Василевский, К. Е. Ворошилов, А. Я. Вышинский, Л. М. Каганович, Го Можо, Г. М. Маленков, Н. Г. Кузнецов, Мао Цзедун, А. И. Микоян, В. М. Молотов, И. В. Сталин, Н. С. Хрущев, Чжоу Эньлай. // Любовь Шакирова. Большая картина. СПб., 2006. С. 253.
Советский Союз был первым государством, установившим официальные дипломатические отношения с провозглашенной в 1949 году Китайской Народной Республикой. 14 февраля 1950 года в Москве был подписан договор о дружбе, союзе и взаимопомощи между СССР и КНР сроком на 30 лет. Проявив беспрецедентную лояльность к КНР, отказываясь от многих притязаний СССР на территории Китая, Сталин действовал в стратегических интересах укрепления «вечной и нерушимой дружбы» с дальневосточным соседом. На картине изображены советские и китайские государственные деятели, в том числе Го Можо, Мао Цзедун и Чжоу Эньлай.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 84.
И. В. Сталин на крейсере «Молотов»
- 1950
- Холст, масло. 148 × 280
- Луганский художественный музей
На картине советского и украинского живописца Виктора Пузырькова изображено историческое пребывание И. В. Сталина на корабле черноморцев, состоявшееся в августе 1947 года. Хотя поначалу оно и носило засекреченный характер, впоследствии нашло свое отражение в творчестве советских деятелей искусства. На корабле установился гражданский порядок: необходимо было создать все условия для отдыха вождя, избегать малейшего шума. В путешествии от Ялты к Сочи Иосиф Виссарионович общался с экипажем, взволнованным от столь близкого нахождения рядом с тем, кого прежде мог видеть только на торжественных портретах. Это был последний морской круиз генералиссимуса.
На картине, во втором ряду, слева направо: председатель Совета министров СССР А. Н. Косыгин, главнокомандующий Военно-морским флотом адмирал И. С. Юмашев и командующий Черноморским флотом адмирал Ф. С. Октябрьский.
Виктор Григорьевич Пузырьков в 1950 году за эту картину получил Сталинскую премию 3-й степени.
Молотов в Якутске
- 1950
- Холст, масло. 139,5 х 198,5
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-338
Сюжетно-тематическое полотно Петра Романова «Молотов в Якутске» (1950) посвящено знаковому историческому событию: в 1945 году делегация Советского Союза во главе с Вячеславом Молотовым летела в Сан-Франциско на учредительский съезд по созданию Организации Объединенных Наций. Путь проходил через территорию республики, и советская делегация остановилась в Якутске на несколько дней для отдыха.
В картине художник изобразил первого секретаря Якутского областного комитета ВКП (б) Илью Винокурова вместе с Вячеславом Молотовым. И. Е. Винокуров – государственный, политический деятель Якутии, оставивший о себе добрую память в народе. Несмотря на то, что художник очень серьезно работал над картиной, сделав много предварительных зарисовок и эскизов, полотно, однако, не стало творческой удачей художника.
Картина написана в принятых традициях парадного полотна своего времени, призванного увековечить значительность исторического момента. Низкая линия горизонта и почти игрушечный миниатюрный город на дальнем плане придают группе членов ВКП(б) монументальность. Фигура В. М. Молотова, ближайшего человека из окружения Сталина, возвышается над всеми гигантскими размерами. И. Е. Винокуров изображен в профиль. Жест его напоминает всем хорошо знакомый, неоднократно запечатленный в художественных произведениях, кинематографе и памятниках, жест партийного и государственного деятеля.
СССР — оплот мира во всем мире
- Фрагмент композиции «Борьба за мир»
- 1950
- Бронза. 117 х 116 х 55
- Государственный Русский музей
- СО-ПФ-109
В первые послевоенные годы, когда Манизер совместно с бригадой создавал эту большую семичастную композицию "Борьба за мир", тема борьбы за мир, расколовшийся на две социальные системы, была особенно актуальна. Выполненная в присущей духу времени четкой, детально проработанной реалистической манере, эта композиция пластическими средствами подробно «рассказывает» о различных проявлениях мирной жизни и борьбы против войны. Каждая часть, снабженная развернутым литературным названием (например, «Американские снаряды — в воду» или «Он пишет слово „Мир“»), несет идеологическую нагрузку, являясь, по сути, скульптурным плакатом на антивоенную тему. Представленный фрагмент — центральная часть композиции, где фигура Сталина в окружении народа символизирует «оплот мира во всем мире».
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 112.
Скульптура В. И. Ленина в парке клуба имени Г. Конина
- 1950
- Холст, масло. 70,0 х 90,0
- Егорьевский историко-художественный музей
- Ж 319
Парк клуба им. Г. Конина расположился в завершении главной улицы города Егорьевска на месте, где в 1879 году был разбит Нескучный сад с березовой рощей и ручьем. Роща сохраняла свой первозданный вид, лишь опушка была засажена акациями. У посетителей создавалось впечатление, что они находятся не в парке, а в лесу. Парк клуба текстильщиков стал значительно меньшего размера за счет постройки на окраине города в 1927–1929 годах здания Дворца культуры и спортивного комплекса. На главной аллее парка стояла гипсовая скульптура В. И. Ленина работы егорьевского художника Якова Дмитриевича Трофимова.
И. В. Сталин и Мао Цзэдун
- 1952
- Холст, масло. 168 х 240
- Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
Работа Евгения Чарского является дипломным проектом по окончанию обучения в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина. Картина «И. В. Сталин и Мао Дзе Дун» посвящена теме вождя, этот мотив становится в 1940-1950-е годы основным для того времени. На картине изображены И. В. Сталин и китайский лидер Мао Дзе Дун на фоне кремлевской архитектуры и русского зимнего пейзажа, что придает особую задушевность беседе. В живописном плане работа выполнена безукоризненно. Прекрасно передан зимний пейзаж, ставший важным элементом, композиционного и живописного построения картины. Именно он придает особый пафос величественному образу Московского кремля, одновременно подчеркивая лиризм и душевность в образах вождей.
Последнее выступление В. И. Ленина на Пленуме Московского совета 20 ноября 1922 год
- До 1953
- Холст, масло. 160 х 205
- Государственный Русский музей
- ЖБ-2012
Живописец, график, иллюстратор, педагог, Непринцев был автором многих историко-революционных полотен, графических произведений и картин, связанных с блокадой Ленинграда, событиями на фронте, в которых он участвовал, командуя взводом морской пехоты. Он написал широко известную картину „Отдых после боя (Василий Теркин)“ (1952), продолжая неоднократно обращаться к солдатскому подвигу в Великой Отечественной войне. Одновременно он работал над историко-биографическими произведениями в широком временном диапазоне. Среди них акварели и живописные произведения о В. И. Ленине, созданные в 1930‒1940-е годы. Рассматриваемой картине предшествовал ряд эскизов разного размера, в которых определились композиционная структура и цветовое решение холста. Художник, видимо, стремился к тому, что позднее стали называть „эффектом присутствия“. Вождь, выступающий на сцене Большого театра, где происходил Пленум Моссовета, увиден со стороны слушающих речь, посвященную вопросам осуществления новой экономической политики. Художнику удалось передать впечатляющее пространство центра зала, заполненное светом, особенно в контрасте с несколько затемненными ложами, балконом, добиться выразительного звучания характерных для театрального интерьера золотистых и красных тонов. Однако цельности решения отдельных частей холста автору достичь не удалось. Несколько „постановочно" выглядит наиболее близкая к выступающему группа людей, что снижает психологическую выразительность сюжетной драматургии холста. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 240.
Сталин среди народа в Кремле (Наш мудрый вождь, учитель дорогой)
- 1952
- Холст, масло. 410 х 530
- Государственный Русский музей
- Ж-7469
В создании картины принимали участие художники А. А. Хоменко, Л. 3. Танклевский.
В произведении господствует идея единства и согласия. Грандиозное полотно написано в пору, когда культ И. В. Сталина, кажется, достиг своего апогея. Ему предшествовали „хоральные", одические формы — во всех видах искусства. Даже размер холста в известной степени был принят для обожествления главы государства. Это ощутимо в пафосных строках названия (взятых из стихотворения, положенного на торжественную музыку) и в огромности Георгиевского зала со сверкающими люстрами и тающего в серебристой перспективе пространства. Понятно желание авторов показать теплоту этой встречи, однако нарочитость облика персонажей (представляющих разные поколения, социальные слои, национальности) входит в противоречие с авторским замыслом. Сочетать установку почти что на обожествление с естественностью вряд ли возможно. Это и предопределило официозный образный строй произведения. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 252.
Это грандиозное полотно стоит в ряду официозных произведений, превозносящих культ Сталина. Как и в песне на стихи Алексея Суркова, откуда взяты слова названия, в картине воспевается единение вождя со своим народом — со всеми и с каждым в отдельности. Ведь не зря люди, собравшиеся в огромном Георгиевском зале Кремля, представлены художниками многонациональной, пестрой, но не обезличенной толпой. И пусть Сталин не возвышен здесь в буквальном смысле над окружающими (очевидно, что художники желали показать его первым среди равных), но, безусловно, идеализирован самим пафосом проходящей встречи. (Е. Коз.)
Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 477.
Ленин в Третьяковской галерее
- 1957
- Холст, масло. 97 х 88
- Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
- ЖК-46
Карельский художник А. В. Семяшкин работал над картиной «В. И. Ленин в Третьяковской галерее» в течение 1957 года. В том же году картина экспонировалась на Всероссийской художественной выставке в Москве. В 1959 году художник был награждён медалью «За трудовое отличие» в том числе и за это произведение. Интересна композиция полотна. В. И. Ленин стоит у картины Репина «Отказ от исповеди» и внимательно ее разглядывает. Слева, за его спиной, картина Репина «Вернулся». Вдали, у картины Сурикова «Боярыня Морозова» стоят посетители галереи – пожилой, опирающийся на костыль мужчина и старушка.
Картина «В. И. Ленин в Третьяковской галерее» многократно тиражировалась в тысячах экземпляров в виде почтовой открытки.
Владимир Ильич Ульянов (псевдоним Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
В. И. Ленин с крестьянами
- 1960
- Холст, масло. 198,5 x 299
- Государственный Русский музей
- Ж-8045
Характер решения картины с акцентом лирического начала характерен именно для этого времени, когда во многих видах искусства, в том числе и живописи, стала подчеркиваться не пафосная героизация, а более доверительная интонация в изображении вождя.
Она и звучит в беседе Ленина с крестьянами, в непритязательности обстановки, естественности сюжета. Цветовой решение с доминирующими светлыми тонами, словно напоминающими о близкой весне, весь пейзаж, его состояние как бы вторят атмосфере беседы. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 259.
«Ленин — личность великая и сложная. Он очень прост, человечен, может легко найти общий язык с обыкновенным крестьянином, деревенским мальчишкой, и вместе с тем он гениален, он может не только предвидеть ход событий, но и направить движение истории». Так описывал свое понимание образа Ленина Цыплаков, в творчестве которого лениниана занимала главное место.
В гипотетическом эпизоде посещения Лениным безымянного села художник традиционными живописными средствами воплощает эту всечеловеческую сущность вождя. Спокойная черная фигура Ленина четко выделяется среди ярких красок ясного мартовского дня и пестроты крестьянских одежд. К ней устремлены эмоциональные порывы селян, бросивших повседневные дела, чтобы увидеть простого и великого человека. Работая над пейзажем, над обаятельно простодушными образами крестьян, Цыплаков вспоминал родное рязанское село. // Любовь Шакирова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 415.
Владимир Ильич Ульянов (псевдоним Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
23 января 1924. Горки
- 1964
- Холст, масло. 315 х 224
- Государственный Русский музей
- Ж-8289
Художник неоднократно обращался в своем творчестве к историко-революционным темам, ленинской в частности. Данная картина с опорой на известные фотодокументы воспроизводит вынос гроба с телом В. И. Ленина из дома в Горках перед тем, как траурный поезд доставил его на Павелецкий вокзал Москвы. В сравнении с документальными изображениями, автор акцентировал лица людей, их состояние во время скорбного шествия. Передал стынь морозного дня, торжественную значимость происходящего. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 257.
Солдаты революции
- 1964–1965
- Холст, масло. 291 х 592
- Государственный Русский музей
- Ж-8134
В традициях многофигурной композиции, характерной для русской и советской исторической живописи, исполнена картина Холуева. Используя известный документальный кадр „В. И. Ленин обходит фронт войск Всеобуча на Красной площади в Москве 25 мая 1919 года“, автор усиливает динамичность композиции за счет развернутого диагонального построения, словно подчеркивающего энергию движения вождя, пристально всматривающегося в строй бойцов. «Наш лозунг должен быть один — учиться военному делу настоящим образом», — эти ленинские слова реализовывались в создании Всеобуча.
Укрупненный фрагмент вытянутого по горизонтали холста позволяет акцентировать лица людей, ощутить их состояние. Художник так представлял свою задачу, подчеркивая стремление к документальности: „Постепенно память о прошлом становится как бы документом. А мне, как, наверное, каждому, хотелось самому проникнуть в живую напряженную жизнь славной эпохи. Увидеть людей, для которых революция была такой же каждодневной работой, как сегодня наш мирный труд". // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 262.
Художник, размышляя над замыслом картины, говорил: «Постепенно память о прошлом становится как бы документом. А мне, как, наверное, каждому хотелось самому проникнуть в живую напряженную жизнь славной эпохи. Увидеть людей, для которых революция была такой же каждодневной работой, как сегодня наш мирный труд». При создании полотна был использован известный документальный кадр «В. И. Ленин обходит фронт войск Всеобуча на Красной площади в Москве 25 мая 1919 года». Автор усилил динамичность композиции за счет развернутого диагонального построения, которое подчеркивает энергию движения вождя, пристально всматривающегося в строй бойцов. // Анатолий Дмитренко. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 392.
Солдаты революции
Кровавое время Гражданской войны нуждалось в своих героях, и они явились в сиянии героико-романтического ореола. О них слагались стихи и песни, писались романы и поэмы. Художники, особенно профессионалы исторического и батального жанра, делегировались в самые горячие точки, чтобы писать портреты «комиссаров в пыльных шлемах» (Б. Ш. Окуджава) и картины, увековечивающие их подвиги. Но основное бремя текущих революционных тягот ложилось на плечи простых людей — рабочих, солдат, матросов, крестьян — и они воспевались как исполненная доблести народная масса, составляющая единое целое со своими вождями и командирами. // Тамара Чудиновская. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 392.
Значок пионерский
- 1960-70-е
- Алюминий, эмаль. 24 x 21
- Государственный Русский музей
- Мед.А-9209
Большевики не без оснований полагали, что одним из условий удержания власти было воспитание молодого поколения в коммунистическом духе, что казалось гораздо более простым, чем перевоспитание «испорченных» старым режимом взрослых. Главным инструментом такого воспитания стала молодежная коммунистическая организация, основанная в 1922 году и вошедшая в историю под названием пионерской. В собрании Русского музея хранятся несколько значков раннего периода пионерского движения в СССР. С самого начала в них используется коммунистическая символика. После смерти Владимира Ильича Ленина пионерской организации было присвоено его имя, поэтому не удивительно появление образа вождя на значке.
В 1960-е годы была установлена новая форма значка, наиболее известная последним поколениям советских детей, в которой были скомпонованы находки предшествующего периода. В результате на груди пионера на фоне стилизованных языков костра и красной звезды вырисовывался профиль Ленина, заимствованный со знаменитого рисунка Николая Андреева, с лозунгом «Всегда готов!»
Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 27-28.
Иллюстрация к поэме В. Маяковского «В. И. Ленин», л.3.
- 1966-1967
- Бумага, ксилография. 26.8 х 25.4; 21.8 х 21.8
- Удмуртский республиканский музей изобразительных искусств, Ижевск
- Г-1067
Союз Советских Социалистических Республик (СССР) – государство, основанное партией большевиков в 1922 году согласно идеологии марксизма-ленинизма, провозглашавшей своей целью построение коммунистического общества. Создателем советского государства стал основатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков), главный организатор и руководитель Октябрьской революции 1917 года в России Владимир Ульянов-Ленин. Поэтому в советском изобразительном искусстве именно образ Владимира Ленина – как некого «бессмертного вождя» становится символом эпохи. Так, в гравюрах на дереве известного московского графика Дмитрия Бисти, Владимир Ленин – это сверхчеловек сильный и целеустремленный, ведущий за собой миллионы. Это некий монумент славы вождю, чей образ обобщён и лишен каких-либо человеческих проявлений.
Работа «Ленин с нами» является иллюстрацией к поэме В. В. Маяковского «Владимир Ильич Ленин».
Ленин в Горках
- 1971
- Холст, масло. 124,0 х 116,0
- Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
- Ж-92
«Ленин в Горках» – портрет-картина кисти уральского художника Геннадия Петровича Гаева, написанный в 1971 году.
Социалистический реализм в советском искусстве был неразрывно связан с темами революции. Особое место в историко-революционном жанре занимал образ вождя – Владимира Ильича Ленина. Уральские живописцы тоже были вовлечены в процесс создания таких работ.
Согласно одной из принятых живописных схем жанра, на полотне идеолог и основатель советского государства изображен за работой. Ленин занят телефонными переговорами в помещении усадьбы Горки, ныне входящей в комплекс Государственного исторического музея-заповедника «Горки Ленинские».
Последней владелицей усадьбы в Горках была Зинаида Григорьевна Морозова, вдова известного русского фабриканта и мецената Саввы Тимофеевича Морозова. Усадьба избежала разорения и уничтожения именно потому, что в ней жил В. И. Ленин.
Художник воспроизводит обстановку рабочего кабинета со стульями в красных полосатых чехлах и настенными телефонными аппаратами. Наличие телефона сыграло не последнюю роль в выборе Горок в качестве резиденции Ленина. Из усадьбы можно было отправлять телеграммы и звонить, хотя качество связи было плохое. В интерьере этой комнаты Геннадий Гаев и изобразил Ленина. Рука вождя на перевязи напоминает о его ранении в августе 1918 года. В Горках Владимир Ильич восстанавливал здоровье после ранения.
Со временем Ленин все чаще стал бывать в Горках, пока не переехал в усадьбу окончательно. Там он и скончался 21 января 1924 года.
Ленин с нами
- 1971
- Бумага, линогравюра. 57,0 х 72,0
- Ямало-Ненецкий окружной музейно-выставочный комплекс им. И. С. Шемановского, Салехард
- ГР-347
С 1960-х Дмитрий Бисти известен как иллюстратор и оформитель книг. Значительная часть его творчества посвящена дизайну книги, работе со шрифтами, конструированию макетов, оформлению титульных листов, переплетов и суперобложек. Излюбленная техника – гравюра на дереве.
Работа «Ленин с нами» является иллюстрацией к поэме В. В. Маяковского «Владимир Ильич Ленин».
Президиум Советов
- 1970–1972
- Холст, масло. 201 × 262
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-1149
Народный художник УССР Александр Лопухов в своем творчестве обращается к образу В. И. Ленина. В картине «Президиум Советов» он изображает Ленина, направляющегося к трибуне, чтобы выступить с речью, содержание которой запомнится потомкам емкой фразой «Есть такая партия!». Эта фраза якобы была произнесена В. И. Лениным 4 (17) июня 1917 года на I Всероссийском съезде Советов в ответ на тезис министра Временного правительства И. Г. Церетели.
В изложении биографа Ленина, Р. Сервиса, ситуация развивалась таким образом. В первый день съезда, 3 июня, в речи председателя Петросовета И. Г. Церетели прозвучал вопрос: «Может ли кто-то из делегатов назвать партию, которая бы рискнула взять в свои руки власть и принять на себя ответственность за все происходящее в России?». Присутствовавший в зале Ленин «невозмутимо слушал».
На следующий день, 4 июня, Ленину предоставили слово для 15-минутного выступления, в котором и прозвучало слово «есть!» (без слов «такая партия»), а также отсылка к речи И. Г. Церетели. Ленин сказал буквально следующее: «Сейчас же целый ряд стран накануне гибели, и те практические меры, которые будто бы так сложны, что их трудно ввести, что их надо особо разрабатывать, как говорил предыдущий оратор, гражданин министр почт и телеграфов, – эти меры вполне ясны. Он говорил, что нет в России политической партии, которая выразила бы готовность взять власть целиком на себя. Я отвечаю: «есть!» Ни одна партия от этого отказаться не может, и наша партия от этого не отказывается: каждую минуту она готова взять власть целиком». (Аплодисменты, смех.) Вы можете смеяться, сколько угодно, но если гражданин министр поставит нас перед этим вопросом рядом с правой партией, то он получит надлежащий ответ».
Согласно Р. Сервису, слова Ленина вызвали бурные аплодисменты среди большевиков, но подавляющее большинство участников съезда отнеслись к ним несерьёзно.
Дни Октября
- 1970-е
- Цветная линогравюра. 70 х 58
- Музейно-выставочный центр (г. Когалым)
- ОФ-28
Ю. Ф. Рязанов за время своей творческой деятельности создал множество графических и живописных работ, объединённых в тематические серии. Линогравюра «Дни Октября» входит в одну из наиболее известных графических серий художника – «Ленин, армия, революция», в которой он обращается к событиям Великой Октябрьской социалистической революции 1917 года.
Беседа
- 1980–1985
- Холст, масло. 150 x 200
- Государственный Русский музей
- Ж-11601
В картине нет обычных для большинства произведений «Ленинианы» готовых суждений, высказанных то ли с трибуны, то ли в беседе с ходоками, которых Председатель Совнаркома принимал часто и внимательно выслушивал. Это диалог вождя со слепым старцем-странником (с автопортретными чертами) у одного из московских храмов. Незрячий старец воспринимается провидцем, мудрецом, философом из народа. Его фигура величественна и значительна. Найти истинное, сокровенное — таково содержание диалога. Фрагментарная композиция, оставляющая в тесном пространстве двоих, концентрирует внимание на облике персонажей, их состоянии, которое, при внешнем спокойствии, проникнуто драматическим напряжением. Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 359.
Картина была написана как историко-революционное произведение, посвященное героическому прошлому пролетарского государства. Однако серьезность подхода автора к своей творческой задаче, его обостренная правдивость подняли произведение до уровня высокого обобщения. В «Беседе» звучит трагедия столкновения непримиримых сил. С одной стороны Ленин — вождь революции, живое правдоподобное лицо в рабочей кепке, а с другой — символ старой России, слепой старик с отрешенным, словно мраморное надгробие, ликом. Формально картина представляет собой двойной портрет, но образы, связанные композиционно, абсолютно несовместимы идейно и нравственно. Беседа-диалог словно скрывает за собой трагедию отрыва новой России от ее исторических и духовных корней. Альфия Низамутдинова // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 413.
Справа внизу: Коржев 80.85.
Рутковский Николай Христофорович
1892, Шенберг, Латвия – 1968, ЛенинградЖивописец, график, художник театра, монументалист; автор жанровых картин, портретов, пейзажей, натюрмортов. Учился в РШ ОПХ (1911–1913) у Н.К.Рериха, И.Я.Билибина, А.А.Рылова, Г.М.Бобровского, в АХ (1913–1917, 1921–1922) у В.В.Беляева. Участник выставок с 1923. В годы войны жил и работал в Ленинграде. Сотрудничал в газете "На страже Родины", в ТАСС.
Сварог (Корочкин) Василий Семенович
1883, Старая Русса, Новгородская губ. – 1946, МоскваЖивописец, акварелист. 1896–1900 гг. – учился в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица у П. И. Долгова, Н. А. Кошелева, А. Н. Новосокольцева, В. Е. Савинского. С 1918 г. – член Товарищества передвижных художественных выставок. С 1918 г. – член Общества русских акварелистов. 1922–1923 гг. – член Товарищества художников. С 1924 г. – преподаватель Рисовальной школы Общества поощрения художеств в Ленинграде. 1925 г. – серебряная медаль на Всемирной выставке в Париже.
1927–1928 гг. – член Общества им. А. И. Куинджи.
Васильев Юрий С.
Даты жизни и биографические сведения не известны.Васильев Петр Васильевич
1899, дер. Стайки, Калужская губерния – 1975, МоскваГрафик, живописец. Член Союза художников. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Народный художник РСФСР. Лауреат Сталинской премии первой степени. Награждён орденом Ленина. Учился в 1914–1919 в художественном училище Одессы у К.К.Костанди, в 1921-1926 – в Одесском художественном институте у П.В.Волокидина, К.К.Костанди, Д.К.Крайнева. В 1920-х годах работал художником-оформителем в Красной Армии, художником-иллюстратором. С 1930 года сотрудничал с газетами «Правда», «Известия», «Комсомольская правда» и др. Создал ряд рисунков и картин, посвящённых В.И.Ленину и И.В.Сталину. Автор почтовых марок. Участник художественных выставок с 1922 года.
Истомин Иван Григорьевич
1917, с. Мужи Брезовского уезда Тобольской губернии – 1988, ТюменьЖивописец, график, писатель, журналист, член Союза писателей СССР. Окончил Салехардское национальное педагогическое училище (1938), учился в рисовальном кружке в Салехарде (1946–1950). Преподавал рисунок в Салехардской политико-просветительской школе. Участник художественных выставок (1939, 1941), один из организаторов окружных художественных выставок (1947 и 1948), участник областных художественных выставок в Тюмени (1948, 1949, 1951, 1953, 1957). Создатель первых живописных холстов на тему истории Ямало-Ненецкого округа. Активно занимался журналистской работой, литературной деятельностью, издал более 20 книг. Графика и живопись художника вошли в собрания Ямало-Ненецкого окружного музейно-выставочного комплекса имени И. С. Шемановского (Салехард), Шурышкарского районного музейного комплекса имени Г. С. Пузырева (село Мужи, Шурышкарского района ЯНАО).
Меркуров Сергей Дмитриевич
1881, Александрополь Эриванской губернии — 1952, МоскваСкульптор-монументалист; автор многочисленных монументов В. И. Ленину и И. В. Сталину; довел до высокого искусства технику посмертной маски. Учился у швейцарского скульптора Адольфа Мейера, в мюнхенской АХ (до 1905) у профессора Вильгельма Рюмана. В 1905–1907 жил в Париже. В 1907 вернулся в Россию, жил в Тифлисе и Ялте. Осенью 1910 переехал в Москву. Народный художник СССР (1943). Действительный член АХ СССР (1947). Директор ГМИИ им. А. С. Пушкина (1944–1949). Лауреат Сталинской премии 1-й степени (1941, 1951).
Холмогоры
Деревни на Курострове близ Холмогор Архангельской губернии уже в XVI веке были известным костерезным промыслом. Добыча моржовых клыков составляла исконный промысел поморов и жителей северных рек Пинеги, Мезени, Печоры. Зверя били у острова Вайгач и у берегов Новой Земли. В тундре добывали ископаемую кость — „голубую“, то есть бивни мамонтов, ценившиеся наравне с клыками моржей. Но более простые предметы холмогорцы резали из так называемой «цевки» – кости домашних животных.
Самые ранние сохранившиеся произведения холмогорских резчиков в собрании ГРМ относятся к концу XVII века.
Пышное травное узорочье характерно для предметов из кости, как и для всего стиля искусства этой эпохи.
XVIII век – период расцвета холмогорского промысла, чему способствовали не только внешняя и внутренняя торговля, но и мода на костяные изделия. К традиционным гребням, ларцам и шахматам прибавились многочисленные шкатулки, бюро, секретеры, коробочки, табакерки, игольницы, в которых нашли отражение стили барокко и рококо. Холмогорцы в совершенстве владели искусством ажурной и рельефной резьбы, техникой гравировки — тонкого рисунка, процарапанного на поверхности пластины и подцвеченного краской. В богатом и разнообразном орнаменте изделий — ряды концентрических кругов (так называемый «глазковый орнамент»), цветы и травы, сцены охоты.
Одна из важных художественных традиций холмогорской резьбы – использование символов и аллегорий. В течение многих десятилетий настольной книгой костерезов служили изданные в России в 1705 году по велению Петра „Символы и эмблемы“. В конце XVIII века упростились формы ларцов и шкатулок. Их граненые и прямоугольные очертания отвечали строгости и ясности нового стиля – классицизма. Строже стал и орнамент: более мелких размеров, геометрических форм, симметричного расположения. С середины XIX столетия в произведениях костерезов все более проступают черты эклектики, постепенно снижается художественный уровень изделий. С изменением моды сократился спрос на костяные вещи, приведший к упадку промысла.
Возрождение холмогорского промысла началось после Октябрьской революции. В 1921 году в Архангельске были созданы курсы резьбы по кости. В 1929 году в Холмогорах был организован учебный пункт костерезного искусства, преобразованный через год в Художественную школу резьбы по кости. Первые выпускники школы в 1933 году создали в селе Ломоносово артель – ныне прославленную фабрику художественной резьбы по кости им. М. В. Ломоносова, мастера которой и сегодня сохраняют традиционно высокое мастерство резьбы по кости.
Богатырев Владимир Федорович
1903, Тамбов – 1990, Ленинград
Скульптор. Народный художник Узбекской ССР (1962).
Учился в студии ОМАХР (1927) у М. Г. Манизера, ИЖСА (1928–1936) у Р. Р. Баха и А. Т. Матвева. Участник выставок с 1932. Супруга - скульптор Г.С.Столбова.
Столбова Галина Сергеевна
1908, село Глазово Вятской губернии – 1996, Санкт-ПетербургОкончила Промышленно-экономический техникум в Вятке (1926), училась во ВХУТЕИН–ИЖСА (1926–1937) у А. Т. Матвеева, В. А. Синайского по специальности «художник-скульптор». Работала на ЛФЗ (1949–1964). Член СХ СССР. Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 229.
Гайваненко Анна Платоновна
1916 – 1998Живописец, пейзажист, автор сюжетно-тематических композиций.
Решетников Федор Павлович
1906, село Сурско-Литовское Екатеринославской губернии—1988, МоскваЖивописец. В 1926–1929 учился в Москве на рабфаке искусств, в 1929 на графическом факультете ВХУТЕИН, в 1929–1935 в МИИИ. Участник выставок с 1930. Член Президиума АХ СССР (1953–1958, 1962–1966, 1970–1974), вице-президент АХ СССР (с 1974). Народный художник СССР, действительный член АХ СССР (1953). Лауреат Сталинских премий (1949, 1951). Бронзовая медаль Всемирной выставки в Брюсселе (1958). Серебряная медаль АХ СССР (1959).
Манизер Матвей Генрихович
1891, Санкт-Петербург — 1966, МоскваСкульптор; автор книг и статей по изобразительному искусству. Учился на математическом факультете Петербургского университета (окончил в 1914); в ЦУТР барона А. Л. Штиглица (1908–1909); в РШ ОПХ (1909–1911) у И. И. Андреолетти; в ВХУ при ИАХ (1911–1916) у Г. Р. Залемана и В. А. Беклемишева. Участник выставок с 1916. Член АХР-АХРР (с 1926). Руководил творческой мастерской скульптуры в АХ (1947–1952), персональной мастерской в МГХИ им. В. И. Сурикова (с 1952).
Выполнил ряд скульптурных портретов для ЛФЗ. Народный художник СССР (1958). Вице-президент АХ СССР (1947–1966). Лауреат Сталинских премий (1941, 1943, 1950). Заслуженный деятель искусств Белорусской и Украинской ССР. Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 227.
Непринцев Юрий Михайлович
1909, Тифлис – 1996, Санкт-ПетербургСоветский живописец, график, педагог. Член-корреспондент Академии художеств СССР (1953). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1956). Народный художник РСФСР (1963). Лауреат серебряной медали Академии художеств СССР (1963). Действительный член Академии Художеств СССР (1970). Занимался в студии Бориса Фогеля при тбилисском Доме Красной Армии. В 1926 г. приезжает в Ленинград. В 1926–1930 занимается в студии академика В.Е.Савинского. В 1934–1938 учился на отделении живописи ленинградского Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина у П.С.Наумова, А.М.Любимова, Вл.А.Серова, И.И.Бродского. После защиты диплома был принят в аспирантуру Академии художеств, где занимался под руководством Р.Р.Френца и Б.В.Иогансона. В 1948–1996 преподавал в Институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е.Репина, профессор (1954), руководитель мастерской. Член Ленинградского Союза художников с 1940. Участник выставок с 1928, в том числе выставки Общества им. А.И.Куинджи, ВХУТЕИНа (1929–1930). Персональные выставки были показаны в Москве, Свердловске, Горьком, Саратове (1959) и Ленинграде (1959, 1979,1989). Произведения находятся в собраниях Государственного Русского музея, Государственной Третьяковской галереи, в многочисленных музеях и частных собраниях в России, КНР, Японии, США, Франции, Германии, Италии и других странах.
Чарский Евгений Гаврилович
1919 – 1993Живописец, автор сюжетно-тематических композиций и натюрмортов, пейзажист.
Семяшкин Александр Васильевич
1925, с. Краснобор Ижемского района Коми АССР – 1998График, акварелист, иллюстратор, живописец. Работал жанре пейзажа и тематической картины. Родился 28 сентября 1925г. в селе Краснобор Ижемского района Коми АССР. Учился в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина на графическом факультете. (1954-1956). Члены Союза художников СССР (1954).
Бисти Дмитрий Спиридонович
1925, Севастополь – 1990, МоскваСоветский график, народный художник РСФСР (1984), член-корреспондент (1979), действительный член и вице-президент Академии художеств СССР (с 1988).
Родился 27 июня 1925 в г. Севастополе. Учился в 1939–1941 в средней художественной школе при Московском областном художественном педагогическом училище памяти восстания 1905. В 1952 окончил Московский полиграфический институт. Ученик московских графиков А. Д. Гончарова и П. Г. Захарова.
С 1947 начал работать в издательствах «Художественная литература», «Детская литература», «Современник». С 1960-х известен как иллюстратор и оформитель книг. Принимал участие в оформлении собраний сочинений Лопе де Вега, Проспера Мериме, произведений Бертольда Брехта, Акутагавы Рюноскэ, А. С. Грибоедова, С. Маршака, В. Маяковского, Вергилия, Гомера, Апулея и других.
Значительная часть творчества посвящена дизайну книги, работе со шрифтами, конструированию макетов, оформлению титульных листов, переплетов и суперобложек. Излюбленная техника – гравюра на дереве. Работал также в технике офорта («Песнь о Роланде», 1976), цветной ксилографии. Участвовал в оформлении двухсоттомной серии «Библиотека всемирной литературы».
Работы находятся в Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, многочисленных государственных и частных собраниях в России и за рубежом.
Гаев Геннадий Петрович
1918, Екатеринбург – 1990, СвердловскРодился 11 октября 1918 в Екатеринбурге. В 1934–1940 учился в Свердловском художественном училище у Г. А. Мелентьева и Ф. К. Шмелёва. В июле 1941 ушел на фронт Великой Отечественной войны. В 1942 окончил 3-е Ленинградское пехотное училище, получив звание лейтенанта, был командиром пулеметного взвода. Воевал на Воронежском и Сталинградском фронтах. В 1946 демобилизовался в звании старшего лейтенанта. Вернулся в Свердловск.
В 1949–1960 преподавал живопись в Свердловском художественном училище. Работал в Свердловской картинной галерее. Занимался общественной деятельностью. Избирался делегатом IV Всесоюзного и III Съезда художников РСФСР, многие годы был членом правления Свердловской организации Союза художников.
Лопухов Александр Михайлович
1925, г. Городня, Украинская ССР–2009, г. КиевВ 1953 году окончил Киевский государственный художественный институт. Ученик А.А. Шовкуненко. В 1957 окончил аспирантуру при институте. Народный художник УССР (1964). Член-корреспондент АХ СССР (1975). Действительный член Национальной академии искусств Украины (1997).
Рязанов Юрий Филиппович
1936, Коломна, Московская обл. – 1985Живописец, график. Заслуженный художник РСФСР (1982). Родился в 1936 в Коломне (Московская область).
Окончил Рязанское художественное училище и Московский государственный художественный институт имени В. И. Сурикова. С 1964 принимал участие в художественных выставках. Работал в Студии военных художников имени М. Б. Грекова.
Днепрострой
- 1931–1932
- Холст, масло. 49 × 111
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-216
Индустриальный пейзаж «Днепрострой» работы Константина Федоровича Богаевского из коллекции Донецкого республиканского художественного музея выполнен на основе натурных зарисовок 1930–1931 (акварелей и рисунков карандашом). Художником был собран огромный документальный материал, пользуясь которым он выполнил серию картин, изображавших строительство Днепрогэса. На картине «Днепрострой» изображен один из этапов грандиозной стройки: панорама пейзажа связана со строящейся плотиной. Удачен выбор точки зрения, позволяющий охватить взглядом оба берега с развернутым на них строительством. Пространство насыщено действием, вертикальный ритм строек, башенных кранов вносит в картину активное динамическое начало. Картина цельна по колориту. Красочная гамма выдержана в светлых тонах, построенных на сочетании охристых и серо-сиреневых оттенков. Индустриальный пейзаж Богаевского доносит до зрителя дыхание первых пятилеток. За цикл картин о Днепрострое в 1933 году художник получил звание Заслуженного деятеля искусств РСФСР.
Магнитострой
- 1931
- Холст, масло. 72 х 101
- Магнитогорская картинная галерея
- Ж-120
На картине советского живописца Фёдора Модорова изображён индустриальный пейзаж со строящейся домной (шахтной печью для выплавки чугуна из железной руды) в окружении техники. Присутствие на Магнитострое в начале 1930-х годов башенных кранов и экскаваторов служило доказательством преодоления разрухи гражданской войны, подъема промышленности.
Строительство новой улицы в Ереване
- 1931
- Холст, масло, темпера. 99 х 120
- Государственный Русский музей
- Ж-9339
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
* В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
В метро
- 1935
- Холст, масло. 72,7 × 55
- Ярославский художественный музей
- Ж-1488
Как и прочих ОСТовцев, Лабаса привлекали новейшие достижения науки и техники. Среди мастеров, увлеченных темой прогресса, Александр Аркадьевич выделялся стремлением показать движение новых машин – паровозов, самолётов, дирижаблей, пренебрегая техническими подробностями, но фиксируя незабываемое первое впечатление от увиденной машины.
Когда в 1935 году вступила в строй линия Московского метрополитена, Александр Лабас стал одним из первых художников, запечатлевших бесконечно струящиеся вверх и вниз сквозь гигантскую трубу полосы эскалаторов... Несмотря на то, что на полотне «В метро» 1935 года фигуры горожан кажутся безликими, незначительными в соотношении с огромным пространством, в центре внимания именно человек. Перед зрителем открывается общее движение людей, отрекшихся от буржуазного индивидуализма в пользу великих свершений, таких, как новый рукотворный локус – «вторая Москва». В работе нет тесноты подземного пространства, напротив, она полна воздуха, ощущения свободного, нестесненного движения. Вестибюли станций на картинах мастера разных лет – это почти космическое пространство. Тонкость линий, прозрачность красок, наэлектризованность света – всё помогает художнику не просто продемонстрировать новое достижение, но запечатлеть острое радостное чувство: будущее наступает прямо сейчас!
Москва. Советская площадь
- 1935
- Холст, масло. 105,5 × 137,5
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-21
Картина «Москва. Советская площадь» кисти смоленского художника Бориса Рыбченкова – пример развивающегося в 1930-е годы жанра городского пейзажа. На картине автор изображает Советскую площадь (до 1918 года – Тверскую), акцентируя внимание зрителя на мотивах нового в жизни города. Слева мы видим здание Института марксизма-ленинизма, построенное по проекту архитектора А. Чернышева в 1927 году в лаконичном стиле конструктивизма. Справа – обелиск «Советская конструкция», созданный скульптором Н. Андреевым и архитектором Д. Осиповым в 1919 году по Ленинскому плану монументальной пропаганды. Обелиск является важной образной доминантой композиции. Площадь наполнена людьми. Художник прекрасно передал пульсацию толпы, превращающую город в живой организм. Пейзаж написан широким подвижным мазком. Хорошо передана световоздушная среда. Изображение города после дождя вносит мотив своеобразного очищения и обновления жизни.
Новые улицы
- 1935
- Холст, масло. 55 × 65
- Донецкий республиканский художественный музей
- Ж-1602
Молодой московский живописец Константин Гаврилович Дорохов в 1935 году побывал в творческой командировке в Донбассе. В собрании музея хранится более 20 выразительных живописных этюдов Сталино (ныне – Донецк), ставших результатом этой поездки. Наиболее выразительный из них – написанный легко и свободно этюд «Новые улицы»: укладка асфальта на улице Артема (тогда – 1-й линии) около недавно возведённых корпусов Политехнического института.
Строительство школы
- 1936
- Холст, масло. 60,5 х 86,5
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-1010
В 1930-е годы якутский художник Иван Попов приступил к новому этапу своей творческой деятельности. Творческий метод художника не подвергся существенному изменению, автор, в основном, продолжал оставаться на позициях просветительного документализма. Но разнообразие сюжетов его работ и, особенно, замыслов поразительно. С большим энтузиазмом приняв советскую власть, он наряду с историко-этнографическими работами пишет произведения на историко-революционную тему. Он был человеком своего времени и в своем творчестве не мог обойти проблему нового и старого в жизни. При этом в тематическом отношении его замыслы порою простираются далеко за пределы конкретно наблюдаемого им быта.
Реализованы эти замыслы далеко не полностью. Но и то, что предпринято – отдельные композиции, этюды, эскизы и наброски – дают достаточное представление о работе художника над общей тематикой, посвященной социалистической нови в якутской деревне тридцатых годов.
В картине «Строительство школы» следует отметить обогащение и «высветление» палитры художника, отличающие многие его работы этих лет от более ранних, выдержанных, как правило, в аскетически сдержанной цветовой гамме. Живопись Попова тональная и основана она на гладкой, «классической» технике письма со строгим наблюдением всех подробностей рисунка.
Чемальская гидростанция
- Этюд
- 1936
- Холст, масло. 49,0 х 62,0
- Национальный музей им. А.В.Анохина, Горно-Алтайск
- Ж-194
В фондах Национального музея Республики Алтай им. А. В. Анохина находится более 600 живописных картин и множество графических рисунков известного алтайского художника Григория Ивановича Чорос-Гуркина.
На картине Гуркина изображена Чемальская гидростанция Горного Алтая. На переднем, центральном плане – бурная река Чемал и каменистый берег с зеленью. Справа по берегу – здание станции, за ними гидростанция.
Чемальская ГЭС – гидроэлектростанция на реке Чемал в селе Чемал Республики Алтай (Россия). Построена в 1935 году, выведена из эксплуатации в 2011 году; на станции ведутся работы по капитальному ремонту.
В нескольких сотнях метров от места впадения реки Чемал в реку Катунь расположена электростанция. Мощность станции была менее 460 кВт (2 генератора с мощностью 220 кВт и 240 кВт).
Москва. 1937 год.
- 1937
- Холст, масло. 70,0 х 90,0
- Смоленский государственный музей-заповедник
События на картине Александра Лабаса «Москва. 1937 год» разворачиваются с кинематографической быстротой. Самый центр столицы – фасад гостиницы «Москва» – в строительных лесах, за Историческим музеем угадывается пространство Красной площади. Пестрый людской поток, стремительно несущиеся синие, черные, красные лимузины, сочное зеленое пятно огромного троллейбуса. Экспрессивные мазки созидают и разрушают форму, каждый из них вбирает едва ли не половину всей цветовой палитры.
Магия картины такова, что чем дольше вглядываешься в нее, тем тебя больше затягивает в этот шумный водоворот столичной жизни, и ты уже поневоле ускоряешь шаг, чувствуешь запах разогретого асфальта, в ушах начинает звучать какофония автомобильных клаксонов…
Егорьевский клуб имени Г. Конина
- 1955
- Холст, масло. 50,0 х 100,0
- Егорьевский историко-художественный музей
- Ж 221
Основная часть творчества художника и преподавателя Якова Дмитриевича Трофимова приходится на период его жизни в городе Егорьевске. В 1950 году им написана картина «Егорьевский клуб имени Г. Конина». Изображенный на ней Дворец культуры, позже получивший имя егорьевского революционера Григория Конина, был построен в 1927–1929 годах как профсоюзный клуб для рабочих фабрики «Вождь пролетариата». Здание проектировал академик архитектуры Владимир Алексеевич Щуко. Строительством руководил выпускник Егорьевского механико-электротехнического училища Федор Панкин. Постройка рабочих клубов с середины 1920-х годов финансировалась за счет профсоюзных взносов.
В здании фабричного клуба размещались библиотека, оркестр музыкальных инструментов, выставлялась коллекция предметов декоративно-прикладного искусства М. Н. Бардыгина, которая легла в основу Егорьевского музея.
Главным декоративным элементом стала клубная лестница с угловым оконным остеклением.
Архитектурная загадка клуба заключается в контрасте между небольшими внешними объемами здания и огромным внутреннем пространством его интерьеров.
Конструктивистский метод предлагал разложить все необходимые помещения на участке в свободной асимметричной компоновке и облечь их в простые геометрические формы. По фасаду здания были установлены гипсовые памятники И. В. Сталину и В. И. Ленину.
Москва строится
- 1950-е
- Холст, масло. 100 × 200
- Луганский художественный музей
На монументальном полотне художника К. Ф. Юона «Москва строится» изображен только что построенный Олимпийский стадион им. В. Ленина. Стадион, ныне известный как Олимпийский комплекс «Лужники», был торжественно открыт 31 июля 1956 года, а на строительство ушло всего 450 дней. Именно в нем проводились всем известные Олимпийские игры 1980 года.
Композиция картины не совсем обычна и напоминает сцену в театре: на первом плане – зрительный зал – видовая площадка со зрителями, а на втором плане – сам герой сцены – красавец стадион!
На катке
- 1950
- Холст, масло. 118 х 131,5
- Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
- Ж-497
Обращаясь к теме спорта, досуга, живописец Анатолий Никич-Крилический находит новые, более яркие черты своих молодых современников. На картине «На катке», написанной в 1950 году, фигуры катающихся даны крупным планом. Вся атмосфера и воздух картины буквально пропитаны духом 1950-х. Вытянутая по вертикали композиция, совмещение крупного первого плана с панорамным показом места, цветовое решение картины, позволили показать автору атмосферу зимнего городского пейзажа.
Работа полна светлого восприятия бытия. Воскресный город, яркие транспаранты и общий мажорный колористический строй – все это сообщает картине оптимистичность и жизнерадостность. Художник заставляет нас не только видеть, но и слышать свое полотно. Мастер включает зрителя в стремительное движение снующих по льду людей, в шумный ритм катка. Стальные лезвия с визгом режут лед под звучащую бравурную музыку. Аромат мандаринов в руках девушки смешивается с морозным воздухом и создает праздничное настроение. Живописец любуется красотой, силой и азартом своих героев, разрумянившейся девушкой, ее улыбкой... Вот сейчас она вздохнет поглубже и понесут ее коньки под звуки музыки сквозь снежинки навстречу счастью, любви и молодости!
Москва
- 1952
- Холст, масло. 130 х 200
- Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
- СЖ-22
Новостройки Алма-Аты
- 1953
- Холст, масло. 71 х 91
- Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
- 4713-гр
Картина Абылхана Кастеева «Новостройки Алма-Аты» (1953), написанная в год смерти И. Сталина, проникнута предчувствием грядущих больших перемен в жизни советской страны. В этой работе присутствует органическое сочетание лирического живого переживания природы и показа начала масштабного инициированного Никитой Хрущевым жилищного городского строительства в СССР, благодаря которому миллионы советских людей переселялись в отдельные квартиры. Силуэт возводимого в центре Алма-Аты (столицы Казахской ССР) величественного здания Дома правительства, тонкая ажурная стрела подъемного крана, ковер ярких цветов на клумбах, создают образ социалистического «города-сада», в котором на смену сталинскому ампиру приходит архитектура, соизмеримая по своему масштабу с живущим в нем человеком.
Утренний Баку
- 1956
- Холст, масло. 97 х 92
- Сахалинский областной художественный музей
- Ж-80
Лейтмотивом творчества азербайджанского художника Тогрула Нариманбекова стала его самая большая и незабвенная любовь к родной стране, родному городу – «Утренний Баку» (1956).
Главные особенности, определявшие индивидуальный стиль художника, были тесно связаны с присущей национальному декоративному искусству гармонией красок и новыми направлениями современного мирового искусства.
«Мастер кисти всегда считал необходимым для искусства (в частности, живописи) возвращение к истокам национальной культуры. Своё творчество описывал как сочетание абстрактного и фигуративного искусства».
Красный дом (г.Нарьян-Мар)
- 1959
- Картон, масло. 33,5 х 39,0
- Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
- Ж-27
Александр Николаевич Безумов оставил после себя большое количество живописных полотен, основной темой которых был Север. В художественной коллекции Музейного объединения г. Нарьян-Мара хранится 37 произведений автора, которые он лично подарил в 1979 году.
Нарьян-Мар привлекал художников всегда: и тогда, когда был «невысоким-нешироким», и сегодня, когда на наших глазах исчезают старые деревяшки, а на их месте вырастают современные многоэтажные здания. Карандашами и красками, на холсте, картоне или просто на бумаге художники во все времена спешили запечатлеть свой город, чтобы мы могли увидеть каким был Нарьян-Мар в прошлом.
Картина «Красный дом» построена на контрасте белого и тёмно-коричневого, красного и синего. Именно контраст придаёт динамику и энергию статичным строениям. Очарованный слепящим весенним солнцем, художник рисует поверхность сугроба с боков словно отполированной, а верхушку рыхлой. Комки снега бросает наверх рабочий, который, стоя между двумя сугробами в человеческий рост, расчищает после метели дорожку у Окружной библиотеки. Акцентируя на красном, Безумов как бы продолжает традицию советской живописи, идущую от художников-единомышленников Петрова-Водкина, с их колористическими и пространственными опытами, за рамки социалистического реализма.
Уголок Караганды
- 1960
- Холст, масло. 40,8 х 84
- Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
- ИНВ 1348
Автор работы известный казахский художник Гилярий Гилевский является «летописцем» города Караганды. По его произведениям можно проследить историю становления города, почувствовать ее душу. Летнее солнечное утро. Художник изобразил один из уголков молодого города. На переднем плане картины пустырь, по которому едут машины, идут люди. На дальнем плане этажные дома, выкрашенные в охристый тон. Небо синее, безоблачное. Работа отличается тщательным мелким письмом, тонкой нюансировкой цвета, вниманием к свето-воздушной перспективе.
Мурманск обновляется
- 1963
- Холст, масло. 60 x 80
- Мурманский областной художественный музей
Валентин Алексеев, работавший художником-постановщиком Мурманского областного драматического театра, много работал в жанре городского пейзажа, одним из которых является полотно «Мурманск обновляется». В нем художник практически с фотографической точностью отобразил процесс послевоенного восстановления столицы Заполярья. Валентин Алексеев как никто другой знал и любил Мурманск, ему удавалось находить красоту в обыденном и неприметном. На своих полотнах художник выразительно, но при этом деликатно изображал городские виды, суровую природу Заполярья и мужественных людей, преобразующих край.
В годы Великой Отечественной войны Мурманск значительно пострадал от многочисленных воздушных и сухопутных атак немецких войск. В общей сложности на город было сброшено более ста восьмидесяти тысяч бомб. По количеству и плотности бомбардировок Мурманск уступает только Сталинграду. В результате воздушных атак было уничтожено более трех четвертей всех городских построек, однако город так и не сдался захватчикам.
Новостройки Егорьевска
- 1963
- Холст, масло. 47,0 х 63,0
- Егорьевский историко-художественный музей
- Ж 519
На картине егорьевского художника Александра Крюкова изображены новостройки на улице Гагарина начала 1960-х гг.
У кольца шинного завода
- 1963
- Холст, масло. 85 × 100
- Ярославский художественный музей
- Ж-1014
Среди наиболее ярких произведений ярославского художника Федора Новотельнова периода «сурового стиля» – полотно «У кольца шинного завода» (1963). Художник стремится к ясной конструктивной организации полотна. Наряженный четкий ритм вертикалей и горизонталей промышленных сооружений, лаконизм и сдержанность цвета точно передают деловую атмосферу, его трудовые будни. Художник точно строит композицию пейзажа, показывая реальный вид у Ярославского шинного завода. Он пишет его как бы сверху, подчеркивая объёмы, перспективы и мощь индустриального пейзажа.
Строительство школы в г. Горно-Алтайске
- 1964
- Картон, масло. 34,0 х 49,0
- Национальный музей им. А.В.Анохина, Горно-Алтайск
- Гр-837
Алтайский художник Мирослав Павлович Чевалков, работая в школе, пединституте, книжном издательстве, газете «Звезда Алтая», не забывал своё любимое и ставшее делом жизни занятие живописью. Картину «Строительство школы в г. Горно-Алтайске» художник написал в середине 1960-х годов.
Старое и новое. Южно-Сахалинск строится
- 1960-е
- ДВП, масло. 60 х 160
- Сахалинский областной художественный музей
- Ж/дв-1155
Работа сахалинского художника Вениамина Риделя «Старое и новое. Южно-Сахалинск строится» создана в 1960-е годы. Её большая живописно-графическая композиция фрагментарно-этюдного характера обладает специфическими картинными характеристиками. Фронтально-композиционная протяжённость насыщает историко-островной по характеру сюжет колоритным жанровым содержанием, определяющим его тематическую значимость.
Улица Металлургов в Череповце
- 1965
- Холст, масло. 57,5 × 92
- Череповецкое музейное объединение
- ЧерМО-4271
Новая Калуга
- 1968
- Холст, масло. 124,0 х 100,0 см
- Калужский музей изобразительных искусств
- Ж-1286
Георгий (Юрий) Дмитриевич Абрамов переехал в Калугу в 1947 году и, по сути, стал документалистом строящегося города. В его произведениях нашли отображения новые быстрорастущие микрорайоны Калуги, которые стали появляться в 60–70-е годы XX столетия, преображая старинный город. На месте деревянных построек выросли многоэтажки. Городские районы Черёмушки и Маяковка были возведены практически за три года. Унылый, почти сельский пейзаж изменился до неузнаваемости.
Произведение «Новая Калуга» (1968) иллюстрирует преобразования тихого провинциального города в современный и индустриальный. Живописными приемами художник вносит яркие цветовые акценты на дальнем плане работы наравне со сдержанными нотами серого цвета фундаментов домов на фоне белого снега в центральной части картины, что дополняет, создает гармонию и не вносит противоречий в общий колорит произведения.
Маленькие домики рядом с будущими новостройками выглядят более чем скромно, уступая место быстрорастущим высоткам. Из бывших когда-то городских окраин поднимается современный и красивый город.
Омск. Первомай
- 1971 г.
- Бумага, темпера, пастель. 73 х 102
- Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
- Ж-882
В 1971 году омский пейзажист-лирик Валентин Васильевич Кукуйцев написал праздничную картину, увиденную им из окна мастерской в Доме художника: красочное шествие первомайских колонн под алыми флагами. Эта работа – уникальный пример обращения художника к событиям из жизни города. В тот год Омск был награжден орденом Трудового Красного знамени, а четыре омских завода, Омский сельскохозяйственный институт имени С. М. Кирова и ряд предприятий были удостоены ордена В. И. Ленина.
Вологда послевоенная
- 1972
- Холст, масло. 116,0 х 88,0
- Вологодская областная картинная галерея
- Ж-1708
Наверное, никто кроме фронтовиков не ценил так открыто и эмоционально мирную жизнь страны во всех ее, даже малых проявлениях. Именно этот внутренний подтекст делает такими мажорно-радостными или, напротив, умиротворенно-спокойными мотивы городского пейзажа Вологды, какими их изобразил вологодский художник Константин Анатольевич Воробьев.
Пейзаж «Вологда послевоенная» (1972) он писал с натуры, из окон новой художественной мастерской, наблюдая любимый вологжанами стадион «Динамо», где не только проходили футбольные матчи, но и отмечались важнейшие в жизни города события. Одним из них стала памятная встреча 1965 года вологжан со знаменитым космическим экипажем корабля «Восток» Павла Беляева и Алексея Леонова. Художник-реалист, любящий свою родную землю, К. А. Воробьев изображает весеннюю Вологду, радующуюся солнцу, спешащую вперед и обновляющую свой древний облик.
Нижневартовск
- Эскиз
- 1972
- Картон, масло. 39,5 х 46,5
- Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
- Ж-508
В 1960–1970-х годах «будни великих строек» советского государства обращают на себя внимание многих художников. Изображение монументально-героического строительства новых городов, современных промышленных комплексов, освоение новых территорий – всё это стало благодатной почвой для создания полотен, проникнутых суровой и величественной романтикой.
Одним из объектов внимания для художников стал Нижневартовск – административный центр Нижневартовского района Ханты-Мансийского автономного округа. Расположен на берегу Оби и является одним из крупнейших центров российской нефтяной промышленности.
1965 год стал знаковым в истории будущего города – открытие Самотлорского нефтяного месторождения предопределило дальнейшую судьбу этой местности. Стройка была объявлена комсомольской и привлекла много молодых людей со всех концов огромной страны. Село Нижневартовское буквально на глазах становится посёлком, а затем и городом.
Гидонас Барилкис, тюменский художник литовского происхождения, не мог пройти мимо такого события, как строительство Нижневартовска. На его эскизе 1972 года «Нижневартовск» мы видим, как сходятся дороги и мосты дорожных магистралей растущего города. На первом плане на зрителя движется молодая пара на мотоцикле, по тротуарам вереницами идут люди в рабочей одежде. На заднем плане между многоэтажными домами видны нефтяные вышки и горящие газовые факелы.
При создании этого эскиза художник несколько отходит от ранее свойственной его живописи цветовой активности, использует холодные тона и силуэтную активность фигур и предметов.
Москва праздничная
- 1974-1975
- Холст, масло. 338 x 400
- Государственный Русский музей
- Ж-10397
Никонов никогда не повторял раз найденных приемов. В любой своей картине он находит уникальное живописно-образное воплощение, разрабатывает новую стилистику. „Москва праздничная“ была подготовлена и экспонирована на выставке московских художников и Пятой республиканской выставке „Советская Россия“, посвященных очередному ХХV съезду партии. Картина была написана как парная к картине „Москва трудовая" Э. Г. Браговского и прекрасно живописно-композиционно передавала праздничную атмосферу столичного утра, песенную широту московских просторов; приподнятость и свежесть интонаций звучали гимном любимому городу. // Альфия Низамутдинова. Большая картина. СПб., 2006. С. 282.
Парная к картине Э.Г.Браговского "Москва трудовая". 1974-1975 (ГРМ).
Москва трудовая
- 1974-1975
- Холст, масло. 348,5 x 397,5
- Государственный Русский музей
- Ж-10311
„Москва трудовая“ явилась итогом увлечения признанного пейзажиста Браговского востребованной в 1970-е годы индустриальной темой. Картина была задумана как часть диптиха. В пару к ней П. Ф. Никонов создал панно такого же размера „Москва праздничная". Не найдя в реальной Москве промышленные зоны нужного размаха и выразительности, Браговский должен был сочинить свой город, — грандиозный массив заводов и стройплощадок. Перед нами индустриальная феерия, пейзаж-фантазия, где о Москве напоминают лишь масштаб полотна, да характерные силуэты высоток на горизонте. Для Браговского, учившегося у мастеров ОСТ, было естественным декоративное видение индустриальной темы. Ритм чередования пространственных планов, отчеркнутый рядами облаков, освежающий контраст теплых тонов и оттенков синего, всегда столь выразительного в работах мастера, композиционно запрограммированный полет взгляда зрителя над гладью реки, — множество живописных достоинств сообщают этому гиперболизированно индустриальному пейзажу неожиданный эстетизм. Художнику удалось наполнить свой образ такой вдохновляющей силой, что он способен заразить романтикой трудовых будней и далекого от этой проблематики современного зрителя. // Любовь Шакирова. Большая картина. СПб., 2006. С. 283.
«Москва трудовая» явилась итогом увлечения признанного пейзажиста Эдуарда Браговского востребованной в 1970-е годы индустриальной темой. Картина была задумана как часть диптиха. В пару к ней Павел Никонов создал панно такого же размера «Москва праздничная». Не найдя в реальной Москве промышленные зоны нужного размаха и выразительности, Браговский должен был сочинить свой город, — из грандиозного массива заводов и стройплощадок создав индустриальную феерию, пейзаж-фантазию, где о Москве напоминают лишь масштаб полотна, да характерные силуэты высоток на горизонте. От Москвы до самых до окраин... СПб. 2011. С. 158.
Пейзажи Браговского отличает сложное единство строгой композиции, живой и беспокойной фактуры и мастерски продуманного, насыщенного цветового решения.
Мурманск слушает
- 1976
- Бумага, литография. 49,0 х 63,0. 59,5 х 75,0
- Мурманский областной художественный музей
- КП-3793
Литография известного ленинградского графика Владимира Ветрогонского «Мурманск слушает» посвящена развитию телевизионной и радиовещательной сети в условиях Крайнего Севера. Строительство здания телецентра и 180-метровой телебашни в Мурманске началось в 1956 году. Всего за 18 месяцев возвели комплекс зданий, а бригада специалистов из Ленинграда смонтировала аппаратуру, привезенную из Северной столицы.
Первая передача Мурманской студии телевидения – «Край, рожденный Октябрем» – вышла в эфир 6 ноября 1957 года. Первое время создавалось всего по две передачи в неделю, они длились всего час и всегда шли только в прямом эфире. Спустя год вещание стало ежедневным, при этом по воскресеньям в эфир выходило по две передачи. Целых 10 лет «Мурман» был единственным телевизионным каналом в регионе. И только в 1967 году, когда ввели в строй станцию космической связи «Орбита», в Мурманск пришло Центральное телевидение.
Пришахтный поселок
- 1976
- Холст, масло. 56 х 119
- Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
- ИНВ 5
На картине казахского художника Гилярия Гилевского изображен индустриальный пейзаж, характерный для Караганды. Линия горизонта проходит посередине холста. На горизонте, чуть левее от центра, стоит высокий холм, состоящий из насыпи грунта, высвобождаемого от раскопки шахт. Слева стоят три двухэтажных белых дома с серыми треугольными крышами. Справа от холма - кирпичное здание завода. Из трубы на его крыше выходит черный дым. Перед заводом два шахтных копра – это конструкции, установленные на поверхности над шахтой для размещения подъемной установки. На всем пространстве картины изображены деревянные и металлические столбы, на которых протянуты линии электропередач.
На переднем плане картины – асфальтированная дорога. Огибая поселок слева, она уходит в сторону холма. По дороге едет желтый автобус и два светло-зеленых легковых автомобиля. На втором плане, за дорогой, рядами стоят одноэтажные частные домики пришахтного поселка. Большинство из них имеют плоскую крышу. Справа у дома на лавочке сидит бабушка в белом кимешеке, рядом с ней стоит мальчик. Перед домиками – детская площадка. На ней играют дети.
Детская площадка расположена за железнодорожными путями, которые пересекают автомобильную дорогу в левой части композиции. Перед рельсами вдоль дороги стоят черно-белые столбики, светофоры, железнодорожные знаки, предупреждающие водителей об опасном промежутке пути.
Картина написана в теплой цветовой гамме, передающей предзакатное настроение. Земля в оранжево-коричневых, зеленых оттенках. Состояние в картине такое, словно после сильного ливня вышло солнце - свежо и светло. Объемные серо-белые тучи удлиненными, причудливыми формами расходятся по прояснившемуся небу.
Колхозные рыбаки на Преголе
- 1978
- ДВП, бумага, темпера. 53 х 79
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-1542
На картине «Колхозные рыбаки на Преголе» Михайловский изобразил калининградский дворец спорта «Юность», открывшийся летом 1978 года и ставший одной из главных достопримечательностей города того времени. В особенности полюбился калининградцам фасад, украшенный монументальной композицией с изображением физкультурников, выполненной в технике сграффито с помощью разноцветной штукатурки. Рельефы вдоль набережной были созданы известным калининградским скульптором Израилом Гершбургом. Справа от дворца спорта расположился памятный знак рыбакам-пионерам океанического лова, который также был установлен в 1978 году в память о первых промысловых сельдяных экспедициях, отправившихся с калининградских берегов Балтийского море в Атлантический океан. До сих пор на основании постамента можно найти две надписи, выполненные объемными металлическими буквами: «Пионерам океанического лова» и «Светлой памяти рыбаков, погибших в море».
Улица Мира
- 1978 г.
- Бумага на картоне, масло. 45 х 59,5
- Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
- Ж-1629
Будучи серьёзным сибирским живописцем–педагогом, Г. В. Анциферов, видимо, часто вспоминал предвоенные годы учёбы в Краснодарском художественном училище, где выпускник Императорской академии художеств Николай Данилович Шариков и его творческий антипод Гайк Аветисян, учившийся в парижской академии Лоранса, оба щедро передавали накопленные знания и приучали к художественной культуре, которой они обладали. Один из отпусков Анциферов потратил на серию пленэрных работ, посвящённых улицам Краснодара, расположившегося на 45 параллели, по утверждению французских импрессионистов, самой удачной для занятий пейзажной живописью. Его пейзаж «Улица Мира. Краснодар» запечатлел одну из старейших городских магистралей, через триумфальную арку которой когда-то проезжал император Николай II. Написанный пейзаж он подарил Краснодарскому художественному музею.
В Калининградском порту
- 1979
- Холст, масло. 114,4 х 124,8
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Ж-561
Изольда Семёновна Сорочкина и Алексей Николаевич Грачев принадлежали к молодому поколению художников, пришедших в советское искусство в 1970-е годы. Новое поколение художников отказывалось от патетики соцреализма – этот стиль, связанный в первую очередь со сталинской эпохой, отживал свое, уступая место новой искренности в изображении людей труда. Художников завораживала индустриальная культура, ее динамика и образный ряд. Во многом они ориентировались на художественные открытия, сделанные Георгием Нисским, Таиром Салаховым и другими представителями «сурового стиля», которые часто работали в жанре индустриального пейзажа.
Главной фигурой того времени стал механизатор — крановщик, водитель погрузчика, машинист. Именно этим людям и их труду посвящена представленная картина. Грачев и Сорочкина стремились правдиво выразить дух времени, не ориентируясь на живописные каноны предшественников. Часто, работая над тем или иным сюжетом, они жили в рыболовецких колхозах, проводили дни и ночи в рыбном порту и отправлялись с моряками в Атлантику. Правдивость и отсутствие романтизации были главным критерием качества для художников, отсюда и столь скрупулезное изучение быта и повседневной жизни героев их картин. Художники изобразили будни портового города в экспрессивной, динамичной манере. Ее создает и избранный авторами высокий ракурс, и в особенности жесткий геометризм форм. Такая строгая линейность в сочетании со сдержанными цветами была отличительной чертой многих урбанистических пейзажей.
Новостройка Хакасии – ТЭЦ
- 1980
- Холст, масло. 70 х 110
- Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
- ХНКМ КП-5130/23
На переднем плане картины Василия Новосёлова, много лет прожившего в Абакане, изображена степь, заросшая густой растительностью. Посреди степи – курганы с каменными плитами. На заднем плане запечатлен процесс строительства ТЭЦ. Изображены строительные вышки, краны и другая техника на фоне голубого неба.
Строительство Абаканской ТЭЦ началось в 1972 году с сооружения производственного корпуса котельной. В 1982 году ТЭЦ была введена в эксплуатацию.
Происхождение: Документы и подарки трудящимся Хакасии в честь 50-летия Хакасской автономной области.
Новый микрорайон
- 1980
- Холст, масло. 92,5х119
- Национальная галерея Республики Коми, Сыктывкар
- Ж972
Жизнь Александра Безумова была связана с Севером, с Сыктывкаром, куда он приехал по окончании Ленинградского Высшего художественно-промышленного училища им. В. И. Мухиной в 1959, и где окончательно определился круг его интересов и художественный почерк. Работал в основном в жанрах пейзажа и портрета. Наибольшую известность приобрел как пейзажист. В его творчестве сильно монументально-эпическое начало, воспевающее мощь и стихийную силу природы с характерными для него обобщенностью и лаконизмом форм, декоративностью колорита. Ряд пейзажей отличается лирико-поэтическим характером. Излюбленный мотив – необозримые дали, данные в панорамном обзоре, изображенные с высоты птичьего полета.
Художник изобразил вид из окна пятого этажа дома № 38 по ул. Димитрова в г. Сыктывкаре, где он жил с конца 1970-х гг. Это так называемый 6-й микрорайон, активно застраивавшийся в эти годы. Открывается вид на стадион перед школой № 36. На первом плане гаражи возле дома № 44 и детский садик.
Первенец Алтая (Чемальская ГЭС)
- 1980
- Холст, масло. 58,0 х 72,0
- Национальный музей им. А.В.Анохина, Горно-Алтайск
- Ж-565
Николай Шагаев родился в 1913 году в с. Улала (с 1948 – Горно-Алтайск). Учился в Ленинграде. В послевоенные годы становится ведущим мастером алтайского изобразительного искусства. Его пейзажи – подлинный гимн алтайской природе. Радость, оптимизм, редкостная чистота – суть натуры художника и основной творческий стержень.
Его картина, написанная в 1980 году, посвящена первой алтайской гидроэлектростанции.
Чемальская ГЭС – гидроэлектростанция на реке Чемал в селе Чемал Республики Алтай (Россия). Построена в 1935 году, выведена из эксплуатации в 2011 году; на станции ведутся работы по капитальному ремонту.
В нескольких сотнях метров от места впадения реки Чемал в реку Катунь расположена электростанция. Мощность станции была менее 460 кВт (2 генератора с мощностью 220 кВт и 240 кВт).
Улица Коммунистическая
- 1980
- Холст, масло. 180×120
- Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
- Ж 1279
Пейзаж мордовского художника Владимира Якутрова выглядит как архитектурный макет, окинутый сверху взором советского зодчего. Начиная с 1960-х годов советские градостроители любили подавать свои проекты в виде громадных макетов. Пластиковый город коммунистического будущего не имел подробностей, но поражал масштабностью. В такой же манере выполнена и картина Якутрова, посвященная столице Мордовской АССР. Центр Саранска показан художником в условной манере: сверху вниз прочерчена мощная перспектива прямой улицы, ее застройка разбита на три группы, каждая из которых изображена со своей точки. Городская перспектива показана как традиционный символ коллективной надежды на будущее, жизненного шанса общества, об этом говорила и топонимика города (улица, ведущая к коммунизму).
На рубеже 1970–1980-х годов столица национальной автономии активно развивалась экономически, строилась, беспрепятственно расширялась пространственно. Типовые пятиэтажные жилые дома привлекательного телесного цвета уходят к горизонту, где видны телевизионная вышка (символ современной техники) и многоэтажный силуэт – такими микрорайонами город ежегодно прирастал во всех направлениях. Разрывы между типовыми зданиями заполнены осенними деревьями с огненными кронами, живо напоминающими море кумачовых стягов на демонстрации трудящихся. На тротуарах толпятся пешеходы, по проезжей части мчится общественный и легковой транспорт. Хаотичную городскую жизнь приводит к порядку стоящий на перекрестке регулировщик – знак власти, передающей полномочия от проектировщика к управленцам.
На первом плане пейзажа показаны здания Совета министров, гостиницы, госбанка и телеграфа, далее Музея им. С. Д. Эрьзи и ДК профсоюзов. Эти общественные здания были построены на месте деревянных кварталов во второй половине 1970-х годов по типовым проектам и образовали общегородской общественный центр на Коммунистической улице. Среди зданий с пилонами и плоскими крышами выделяется единственный элемент городского дизайна – фонтан «Одуванчик» на Коммунистической площади. Картина Якутрова важна и как исторический документ: все показанные на ней здания в 2010-е гг. были внешне реконструированы и приобрели более декоративный облик.
Эстакадный мост
- 1981
- Бумага, линогравюра. 41,9 х 48,9
- Калининградский музей изобразительных искусств
- Г-2411
Особую роль в творчестве мастера играла сложная в исполнении и трудоемкая техника линогравюры. В представленной работе художник запечатлел один из самых узнаваемых современных символов Калининграда – Дом Советов. После того, как был произведен демонтаж Кёнигсбергского замка, начали разрабатывать концепцию главной площади города – на ней доложен был выситься Дом советов и рядом с ним – библиотеки, филармония, Дом телекоммуникаций и другие общественные здания. Выиграл проект московских архитекторов под руководством Юлиана Львовича Шварцбрейма, и в 1970 году началась стройка здания в стиле советского брутализма, предназначавшегося для обкома и облисполкома. Вскоре после начала строительства Дома Советов на месте старых мостов, соединявших два рукава реки Преголи, был проложен новый эстакадный мост, ставший ещё одним символом молодого советского города. Именно его диагональ динамично пересекает плоскость всего изображения.
Индустриальный пейзаж
- 1984
- Холст, масло. 103 х 142
- Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
- ИНВ 310
Город Нарьян-Мар
- 1985
- Холст, масло. 54,8 x 147,3
- Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
- Ж-52
Нина Васильевна Валейская, уроженка посёлка Нельмин Нос, после окончания института им. В. И. Сурикова живёт в Москве, но часто приезжает в округ работать. Эта ненецкая художница считает себя последователем Ильи Константиновича Тыко Вылки в живописи. Действительно, у них есть общее в манере письма, в настроении, исходящем от картин.
Молодой северный город Нарьян-Мар («Красный город»), основанный в начале 1930-х годов – предстаёт перед нами в летний день. В линейной перспективе и яркой колористике выполнены здания Дома Советов и «визитной карточки» Ненецкого округа – Главпочтамта, а также жилые дома, расположенные по центральной улице Смидовича. С высоты птичьего полёта мы можем любоваться крышами и очертаниями домов, подъёмными великанами-кранами морского порта и главной рекой – Печорой. Неспешно передвигается по улицам автотранспорт, спокойно прогуливаются по тротуарам редкие прохожие. Жизнь здесь тиха и размеренна, но время неумолимо движется вперёд. Многое из того, что изображено в этой работе, уже ушло безвозвратно. Расположенный за полярным кругом маленький город со временем растёт, меняется его облик: сносятся старые деревянные дома, а на их месте вырастают монолиты, созданные из стекла и бетона. Сегодня облик советского Нарьян-Мара можно наблюдать только на старых, выцветших фотографиях или полотнах местных художников.
Мирная Москва
- 1985
- Холст, масло. 107,5 х 57,5
- Егорьевский историко-художественный музей
- Ж 496
В своих живописных произведениях егорьевский художник Анатолий Матвеевич Коровкин использует собственный жизненный опыт.
Ребенок войны, воспитанник детского дома, он всегда со слезами на глазах вспоминает о голодных послевоенных годах, о том, сколько всего пришлось пережить на пути к заветной мечте – стать художником. Недосыпать, недоедать. Из детского дома пошел в ремесленное училище, затем была Целина, потом – навигация по Оби в качестве помощника капитана и 12 лет службы стрелком в дальней авиации. Таковы были основные вехи на пути к мечте. И, наконец, наступил момент, когда молодой человек окончил художественно-промышленное училище в Миргороде. Анатолий стал мастером-керамистом.
Произведения Анатолия Коровкина рассказывают о человеке труда, о созидании, о важных этапах жизни страны. Картина «Мирная Москва» написана художником в 1985 году, в год 40-летия Победы в Великой Отечественной войне.
Трудовой Саранск
- 1987
- Холст, масло. 85×147
- Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
- Ж 1812
Пейзаж народного художника Республики Мордовия Виктора Петряшова показывает городской индустриальный ландшафт середины 1980-х годов. Живописец показывает не конкретно место, а собирает характерные приметы советского промышленного центра, каким Саранск являлся в конце прошлого века.
Пейзаж решен не традиционными силуэтами промышленных объектов, а как простор, заполненный объемами. В этой избыточности видится плотность искусственного мира, причем, количественные характеристики среды явно превышают качественные. При этом взгляд художника сверху создает ощущение бескрайности и громадного масштаба. Панорама состоит из трех сближенных планов, как бы увиденных с помощью телеобъектива. Два башенных крана и трубы задают ритм пространства. Передний план занимает плоская крыша только что выстроенного жилого здания. На ней как на сцене стоят пять рабочих-монтажников. На втором плане высятся типовые кирпичные дома – их достраивают, на перекрытиях лежат штабеля кирпича. Между девятиэтажными зданиями группа окруженных густой зеленью пятиэтажных домов, которые кажутся маленькими. Далее видные крыши заводских цехов. А за горизонт уходят микрорайоны, где также высятся башенные краны.
Индустриальный мир, демонстрирующий материальную базу коммунизма, заключен между его созидателями, тружениками, и широким небом, откуда на город пробиваются золотые лучи полуденного солнца. В эпоху позднего социализма в кардинальном преобразовании природы, земли и жизни виделась цель советского бытия. Произведение отражает громадные масштабы индустриального развития и редуцированное представление о гармонии, характеризующие последнее десятилетие советской власти.
Панно «Когалым»
- 1990
- Кедр, резьба. 88 х 41 х 7,5
- Музейно-выставочный центр (г. Когалым)
- ОФ-30
Одной из главных тем в творчестве Александра Логвиненко на протяжении всей его жизни была архитектура городского пространства. В серии работ «Города» он воплотил образы Риги, Тюмени, Тобольска, Омска, Сургута и, конечно же, Когалыма. Когалым возник в 1976 году как посёлок транспортных строителей, которые занимались строительством железной дороги Сургут – Уренгой. С 1978 года жизнь будущего города Когалыма становится всё более тесно связанной с нефтяниками, начинается промышленная разработка близлежащих нефтяных месторождений, для которых Когалым становится базовым.
Проектированием Когалыма с учётом новейших градостроительных разработок занимался институт «Ленгипрогор». Непосредственно для строительства города были выбраны строительные организации Литвы, Латвии и Эстонии, позже к ним присоединился Азербайджан. Прибалтийские строители высадились в Когалыме весной 1981 года. Это были ПМК-177 Латвийской ССР, СУ-7 Эстонской ССР, СМП-1 и ДСУ-12 Литовской ССР. Строительной площадкой нового нефтяного города стала территория на правом берегу реки Ингу-Ягун, в семи километрах от первоначального посёлка. С 1982 по 1992 гг. строители союзных республик построили и ввели в эксплуатацию жилые дома и социальные объекты в семи микрорайонах, создали городскую инфраструктуру.
На первом плане панно «Когалым» изображены железнодорожный вокзал и посёлок прибалтийских строителей. Далее, за лесным массивом, видна типовая застройка микрорайонов нового города, среди которой выделяются киноконцертный комплекс «Янтарь» и административное здание Производственного объединения «Когалымнефтегаз». Панорама города подчинена творческому замыслу художника и имеет условный, обобщённый характер.
Дорохов Константин Гаврилович
1906, Смоленск - 1960, МоскваЖивописец. Первоначальное художественное образование получил в Смоленске, в студии Пролеткульта у В. Штраниха, Н. Яблонского, Б. Рыбченкова. По путевке комсомола в 1923 продолжил образование в Москве во ВХУТЕИНе. В годы Великой Отечественной войны был фронтовым художником. Образы "тружеников" войны, их будни и героические подвиги - содержание сотен произведений художника. Участник художественных выставок с 1933 года. Основная часть наследия художника (свыше 300 произведений) находится в Смоленском государственном историческом и архитектурно-художественном музее-заповеднике.
Рыбченков Борис Федорович
1899, г. Смоленск, Российская империя–1994, г. МоскваХудожник-пейзажист, мастер камерных, лирических произведений. Художественное образование получил в петроградском ВХУТЕМАСе у Н.И. Альтмана и А.Т. Матвеева и в московском ВХУТЕМАСе у Л.С. Поповой, А.Д. Древина и А.В. Шевченко.
Неоднократно совершал творческие поездки по Уралу, Северу, Украине, Крыму, рекам Волга и Кама. Занимался книжной иллюстрацией. Руководил в Смоленске изостудией.
Нариманбеков, Тогрул Фарман оглы
1930, Баку — 2013Азербайджанский живописец, сценограф, певец. Народный художник СССР (1989).
Родился 7 августа 1930 года в Баку в семье инженера Фармана Нариманбекова, женившегося на француженке во время обучения во Франции на энергетическом факультете г. Тулузы, куда был направлен правительством Азербайджанской Демократической Республики. Отец работал на строительстве Мингечаурской ГЭС.
Учился в Азербайджанском художественном училище им. А. Азимзаде, затем, с 1950 по 1955 год — в Государственном художественном институте Литовской ССР в Вильнюсе. С 1952 года был участником художественных выставок. С 1955 года — член Союза художников СССР.
Произведения художника — декоративно-праздничные, построенные на напряжённом, восходящем к национальным традициям азербайджанского искусства цветовом ритме. Они отличаются энергичностью мазка, напряжённостью форм, звучностью колорита, а порой примитивистской характерностью.
Считал необходимым для искусства (в частности, живописи) возвращение к истокам национальной культуры. Своё творчество описывал как сочетание абстрактного и фигуративного искусства.
Также работал над театральными декорациями.
Подробнее см. статью в википедии
Алексеев Валентин Алексеевич
1923, с. Русское Куйбышевского района Ростовской области – 2015Живописец, художник театра, член Союза художников РСФСР (1961). Родился в 1923 году в семье кузнеца в селе Русское Куйбышевского района Ростовской области. Обучался художественному мастерству в Ростовском художественном училище им. М. Б. Грекова и окончил его с отличием. Высшее образование получил в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина.
С 1941 по 1947 года проходил службу в рядах советской армии, участвовал в Великой Отечественной войне и освобождении Орловщины от немецко-фашистских захватчиков.
В 1957 году был приглашен в Мурманск, где работал художником-постановщиком Мурманского областного драматического театра и художником-декоратором Мурманской студии телевидения. Оформил более двадцати спектаклей, среди которых «Друзья и годы» Леонида Зорина, «Два клена» Евгения Шварца, «В поисках радости» Виктора Розова, «Так и будет» Константина Симонова, «Интервенция» Льва Славина, «Потерянный сын» Алексея Арбузова, «Волки и овцы» Александра Островского и другие.
С 1966 года работал в Мурманских художественно-производственных мастерских, а в 1968–1978 годах являлся главным художником Мурманска. Принимал участие в областных, зональных, республиканских и всесоюзных художественных выставках, выставках в Норвегии, Финляндии, Швеции, Канаде. Персональные выставки художника устраивались в Мурманске и странах Скандинавии. В конце 1980-х годов переехал на постоянное место жительства в город Орел.
Крюков Александр Григорьевич
1923, г. Москва (?) – 2000Родился в Москве (по некоторым данным – в Егорьевске). Окончил художественное училище инвалидов Отечественной войны. Жил и работал в Егорьевске. Участник Великой Отечественной войны, которую прошел в пехоте и разведке. Один из художников студии Э. Белютина. Один из основоположников группы «Новая реальность». Участвовал в неразрешенных правительством Абрамцевских выставках. Участник Международных биеннале станковой графики в Калининграде, Польском культурном центре в Москве и ЦДРИ в Москве. Работы находятся в музеях и частных собраниях России.
Художник широкого творческого диапазона. В своих работах он постоянно возвращается к теме войны. Образы художника поражают своим внутренним трагизмом и соотнесенностью со всем человеческим. Есть элементы образного обобщения, характерные для белютинской школы.
Новотельнов Федор Вячеславович
1928, Великий Устюг, Вологодская обл. –2013, ЯрославльЖивописец. Заслуженный художник Российской Федерации (1997). Член Союза художников с 1960. Дипломант Союза художников России (1997). Медаль «Достойному» Российской Академии художеств (2003).
Родился в Великом Устюге Вологодской области. Окончил Ярославское художественное училище (1950). В 1951 начал работать в производственных мастерских Художественного фонда РСФСР. С 1953 постоянный участник всесоюзных и республиканских выставок, в том числе выставки «Большая Волга». Участвовал в международных выставках, в том числе, в Международном «Арт-салоне» в Великобритании (1973).
Чевалков Мирослав Павлович
1929, с. Шебалино, Алтайский край – 2006, Горно-Алтайск ?Живописец, график.
Родился 6 июня 1929 в селе Шебалино Алтайского края, в семье сельских интеллигентов. В 1930 вместе с семьёй переехал в Горно-Алтайск. После окончания школы учился в Горно-Алтайском педагогическом институте. Затем поступил в художественное училище г. Костромы и закончил его с отличием.
Работая в школе, пединституте, книжном издательстве, газете «Звезда Алтая», не забывал своё любимое и ставшее делом жизни занятие рисованием. Его творчество отличается от работ других художников тем, что главной темой его произведений является историческое прошлое Алтая, мир Древней Эллады и мир Древней Руси, её предания, легенды, сказки; но Алтай с его богатым эпосом, безусловно, доминирует.
В 1998 был принят в Союз художников России.
Попов Иван Васильевич
Художник середины XX века (Вологда)Биографические данные не обнаружены.
Абрамов Юрий (Георгий) Дмитриевич
1913, Тула – 1974, КалугаРодился 2 декабря 1913 в Туле в семье рабочего. Учился на рабфаке ИЗО при Институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина (1931–1933). Служил в Красной Армии (1935–1937). Участник Великой Отечественной войны. Член Союза художников СССР (с 1944).
В 1947 переехал в Калугу для участия в создании Калужского отделения Союза художников. Занимался живописью, писал исторические картины и портреты. Под руководством Н. А. Ращектаева вместе с Ф. Ф. Кадобновым участвовал в создании диорамы «Освобождение Калуги 30 декабря 1941 года» для Краеведческого музея Калуги (1961–1962).
До 1941 участвовал в областных и городских выставках в Туле, с 1948 – в Калуге, принимал участие в выставках произведений художников РСФСР (1941, 1951, 1953, 1957). В 1975 состоялась посмертная выставка художника. Произведения находятся в Калужском, Тульском, Ярославском и других художественных музеях России.
Барилкис Гидонас Лейбович
1931, Каунас – 2007, ТюменьРодился 15 марта 1931 в городе Каунасе, Литва.
В 1950–1957 учился в художественном институте Литовской ССР в Вильнюсе. В 1957 переезжает из Литвы в Тюмень. В 1970-е преподавал на художественном отделении Тюменского училища искусств.
С 1970 член Союза художников СССР. Участник областных, зональных и всероссийских выставок. Первая персональная выставка состоялась в 1981 в Тюмени.
Его картины находятся в музеях и частных коллекциях в России, Германии, Израиле, Канаде, Франции.
В творчестве художника преобладают пейзажи, портреты и тематические картины.
Воробьев Константин Анатольевич
1919, д. Раево, Вологодская губерния – 1999, ВологдаВологодский живописец и рисовальщик. Родился 16 марта 1919 в деревне Раево Вологодской губернии. С 1934 жил и работал в Вологде. В 1937 пришел в Вологодское Товарищество художников, где два года проходил обучении в вечерней студии. Потом была служба в армии, в 1941 началась фронтовая флотская жизнь будущего мастера. После войны вернулся в родной город и посвятил всю оставшуюся жизнь творчеству. С 1939 участвовал в выставках. В 1967 был принят в Союз художников СССР.
Браговский Эдуард Георгиевич
1923, Тбилиси - 2010, МоскваЖивописец. Учился в Государственном художественном институте Литовской ССР (1946–1947) у А. М. Гудайтиса в Вильнюсе, в МГХИ (1947–1953) у П. И. Котова, В. Г. Цыплакова. Участник выставок с 1954. Член СХ с 1955. Заслуженный художник РСФСР (1989), лауреат Государственной премии РФ (1999), член-корреспондент РАХ (2001).
Пейзажи Браговского отличает сложное единство строгой композиции, живой и беспокойной фактуры и мастерски продуманного, насыщенного цветового решения.
Анциферов Георгий Васильевич
1923, с.Шало (Шалинское), Красноярского края – 1989, ИркутскИркутский живописец, педагог. Заслуженный деятель искусств (1986). Родился в селе Шало Красноярского края. В 15-летнем возрасте по рекомендации своего школьного учителя рисования поступил в Краснодарское художественное училище, где учился с 1938 по 1941. Во время Великой Отечественной войны был призван в действующую в армию. После демобилизации в 1947 переезжает на Украину и продолжает свое образование во Львове, где окончил художественное училище, затем – Институт прикладного и декоративного искусства. С 1960 преподавал во Львовском художественном училище им. И. Труша. В 1963 вернулся в Иркутск, где жили его родители. Проработал на художественном отделении Иркутского училища искусств 26 лет. Один из первых педагогов, начавших обучать студентов овладению техникой сграффито и витража, фрески и мозаики.
Педагогический стаж Анциферова насчитывает около сорока лет, из которых более двадцати пяти лет им было отдано воспитанию и становлению иркутских художников. Деятельно участвовал в создании иркутской школы живописи.
Новосёлов Василий Михайлович
1924, с. Б. Хабык Идринского района Красноярского края — 2006Родился 25 февраля 1924 в селе Б. Хабык Идринского района Красноярского края. Живописец, член Союза художников СССР (1975), ветеран Великой Отечественной войны, ветеран труда, заслуженный деятель искусств Хакасии (2003). С 1943 по 2006 работал в Абаканских художественных мастерских. Участник более 70 областных, республиканских, краевых, зональных, всероссийских выставок. Организованы персональные выставки. Работал в жанре портрета, тематической картины, пейзажа. Для художника характерна приверженность так называемому «суровому» стилю, в основе которого лежал социалистический реализм.
Шагаев Николай Васильевич
1913–1998Живописец, график. Учился в художественной школе-студии в Горно-Алтайске (1932–1933); в Таврическом художественном училище в Ленинграде (1935–1938) у М.А.Асламазян. В 1946–1955 –внештатный художник Горно-Алтайского книжного издательства. С 1960 работал в Новосибирске. Участник выставок с 1934. Член Союза художников с 1947. Участник Великой Отечественной войны. Призван в армию в 1939, демобилизован в 1946. Младший сержант. Находился в лагере военнопленных в Гомеле (1941–1943). Будучи в частях зенитной артиллерии, принимал участие в освобождении Смоленска и Белоруссии, а также в штурме Кенигсберга. Награжден Орденом Отечественной войны II степени, медалями «За отвагу», «За взятие Кенигсберга», «За победу над Германией в Великой Отечественной войне 1941–1945 гг.».
Якуторов Владимир Фёдорович
1946, Саранск, Мордовская АССР – 2015, г. Саранск, МордовияЗаслуженный художник Мордовской АССР (1987), член Союза художников СССР (1974), живописец, график. Окончил Пензенское художественное училище им. К. А. Савицкого (1967). Участник республиканских, региональных и всероссийских выставок (с 1967). Персональная выставка прошла в Саранске (1987). Работал в жанрах тематической картины, портрета, пейзажа, натюрморта.
Шевченко Адольф Александрович
1930, г. Иваново – 2018, г. КалининградНа становление творческой манеры оказали влияние традиции российской и литовской художественных школ. Пройдя обучение в Ивановском художественном училище и в Государственном художественном институте Литовской ССР в г. Вильнюсе, получил навыки крепкого реалистического рисунка и оригинального композиционного мышления. В 1957 приехал в Калининград, стал одним из первых членов Калининградской организации Союза художников России, избирался председателем правления и председателем ревизионной комиссии. Много работал как художник-монументалист, украшая молодой Калининград.
Есиркеев Куаныш Раймкулович
р. 1947, г. Балхаш Карагандинской области, КазахстанКазахский советский художник-живописец. Член Союза художников СССР с 1976. Родился в г. Балхаш Карагандинской области. Окончил художественное училище им. Гоголя, Алматы, 1963-1968. С 1968-1969 учился в государственном художественном институте им. В. Сурикова, Москва.
1971-2009 — художник Карагандинских художественно-производственных мастерских Союза художников Караганды. С 1971 участвовал в выставках. Относится к тому поколению художников Казахстана, которые в 1960-е годы создавали новое национальное искусство. В своем творчестве он отказывается от повествования и изобразительных приемов, свойственных советским станковым произведениям.
Валейская Нина Васильевна
1945, д. Кареговка Ненецкого автономного округаЧлен Союза художников СССР (1983 г.). Родилась 28 ноября 1945 в Кареговке, маленькой деревушке на берегу реки Печоры. Позже вместе с мамой и бабушкой переехала в пос. Нельмин Нос. После окончания Ненецкой школы-интерната в Нарьян-Маре, поступила учиться в Ярославское художественное училище на отделение рисования и черчения (1969). Затем были учеба в Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова, аспирантура, мастерская станковой живописи.
Участник всероссийских, зональных («Советский Север»), зарубежных (Норвегия) выставок. Полотна хранятся в фондах Ненецкого окружного краеведческого музея (15 произведений). Манера писания картин Н. В. Валейской схожа со стилем первого ненецкого художника Тыко Вылко, которого она считает своим учителем и кумиром.
Художник широкого профиля – с одинаковым мастерством владеет всеми видами живописи: карандашом, гуашью, акварелью, маслом. Тема родной тундры – главная в творчестве. Все лично увиденное, пережитое, услышанное из уст матери и родных находит своё отражение в работах.
Коровкин Анатолий Матвеевич
Р. 1937, г. Егорьевск, Московской обл.Заслуженный работник культуры РСФСР. Родился в 1937 в городе Егорьевске, Московской области. В 1953 окончил ремесленное училище. В 1972 окончил Миргородский керамический техникум им. Н. В. Гоголя (художественный факультет). Член Московского Союза художников с 1968. В 1983 окончил с отличием Заочный народный университет искусств (ЗНУИ), живописец. Участник московских и республиканских выставок. Член МОСХ с 2003.
Участник многих городских московских выставок, а также выставок республиканского и международного уровня, лауреат нескольких Всесоюзных фестивалей и смотров самодеятельного художественного творчества. Работы художника хранятся в частных собраниях России, США, Германии, а также в музее г. Тампере (Финляндия).
Художник относится к поколению, «чье сознание разорвано между близким, но безвозвратно ушедшим прошлым и чуждым, но реальным настоящим».
Анатолий Матвеевич, несмотря на свой возраст, продолжает и сейчас активно заниматься творчеством и видит в нем смысл своей жизни.
Петряшов Виктор Иванович
Р. 1942, с. Лемдяйский Майдан, Мордовская АССРЖивописец, график, педагог. Член Союза художников СССР (с 1975). Народный художник Республики Мордовия (2013), Заслуженный деятель искусств Республики Мордовия (1994). Живописец, график, педагог.
В 1964 окончил Чебоксарское художественное училище (учился у В. С. Гурина, Р. М. Ермолаевой, В. С. Семенова, И. Т. Григорьева). Совершенствовал мастерство на Творческой даче Союза художников РСФСР «Горячий ключ» (1969), на Академической даче им. И. Е. Репина (1976). Преподавал в ДХШ № 1 им. П. Ф. Рябова г. Саранска (1964–2014). С 1965 активно участвовал в республиканских, региональных, межрегиональных, всероссийских, международных выставках. Работы хранятся в государственных собраниях и частных коллекциях: Межрегиональной картинной галерее «Промиарт» (Рязань), Удмуртском республиканском музее изобразительных искусств, Марийском республиканском музее изобразительных искусств, Дирекции художественных выставок Союза художников Российской Федерации, частных коллекциях России.
Логвиненко Александр Юрьевич
1952, Омск – 2021Родился в Омске, окончил художественную школу, занимался в изостудии под руководством известного омского художника Г. С. Катилло-Ратмирова, впоследствии некоторое время учился в Латвийской академии художеств на отделении дизайна.
С 1978 работал на Севере, где увлёкся резьбой по дереву. С 1987 жизнь связана с Когалымом. Работая художником-оформителем на производстве, он не бросал резьбу по дереву и являлся активным участником творческой жизни города.
На его счету около 30 выставок городского, окружного и всероссийского уровня, в том числе несколько персональных. Неоднократно был членом жюри городских художественных конкурсов, долгие годы являлся председателем клуба когалымских художников «Слияние пространств».
Одной из главных тем в творчестве мастера на протяжении всей его жизни была архитектура городского пространства. В серии работ «Города» он воплотил образы Риги, Тюмени, Тобольска, Омска, Сургута и, конечно же, Когалыма. В своих декоративных панно стремился не просто изобразить очертания зданий, но и передать особую, эмоционально насыщенную атмосферу города.
Сервиз с супрематической росписью
- Государственный фарфоровый завод
- 1923
- Форма цилиндрическая, фарфор, роспись надглазурная.
- Государственный Русский музей
- СФ-13-18
Значительная часть творческой жизни Н. М. Суетина, одного из верных учеников и соратников Малевича, последовательного супрематиста, была связана с промышленным производством фарфора. В этой области художественного труда он оставил наследие, которое получило название „Супрематический фарфор“. В фарфоре супрематисты мечтали материализовать одну из романтических идей своей теории – идею преображения современного предметного мира и тем самым вывести супрематизм в объемно-пространственную среду.
На фарфоровый завод в Петрограде Суетин пришел вместе с Малевичем и Чашником. С декабря 1922 года, с перерывами, оставался там до последних дней жизни, работал художником-композитором, а в 1932 году занял пост художественного руководителя.
К моменту прихода группы Малевича на заводе сложилась благоприятная творческая атмосфера. По словам одного из современников, завод играл роль „опытного поля“ для всех, кто хотел перейти от „чистого“ искусства к производству, „деланию вещей“.
В сервизе 1923 года художник делает попытку связать в единую пластическую систему сразу несколько живописных композиций. В этом случае объединяющим началом становится движение, передаваемое, как по эстафете, от композиции к композиции. При демонстрации сервиза художник определил местонахождение каждого предмета, нарисовав на обороте круглого подноса план расстановки.
Черным: роспись 1923 Суетин; черный в рамке квадрат (знак УНОВИСа). На обороте дна подноса начертан план расстановки сервиза.
Марка подглазурная синяя от руки: серп и молот. ГФЗ
Поднос: Дм – 31
Чайник с крышкой. 14,7 х 18 х 10,3
Молочник с крышкой. 11,3 х 14 х 9,2
Сахарница с крышкой. 10,7 х 14,7 х 9,5
Две чашки с блюдцами. 6,6 х 8,6 х 6,4.
Дм блюдца – 14,4
Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 154
Чайник с крышкой
- 1923
- Фарфор. 16 х 22,2 х 8,8
- Государственный Русский музей
- Сф-1344 а,б
Супрематический чайник - первая работа Малевича в фарфоре. По сути это пример объемного супрематизма в творческой практике художника. Одновременно Малевич воплощает здесь идею создания совершенно новых предметных форм, которые должны преобразить материальное окружение современного общества. Скомпанованный из контрастных геометрических объемов (цилиндр, куб, прямоугольники, шар) по принципу "динамического покоя", предмет получился пластически очень сложным для функционального сосуда. Открывший эпоху супрематизма в фарфоре, чайник Малевича остался олицетворением одной из романтических идей великого мастера.
Чашка (получашка) «Супрематизм»
- Форма Казимира Малевича
- 1923
- Фарфор, роспись надглазурная. 7,2 х 12,5 (с ручкой) х 6
- Государственный Русский музей
- СФ-27
В творческом наследии Ильи Чашника фарфор занимает не последнее место. На ГФЗ художник проработал недолго, всего год (1923–1924), и по количеству созданных композиций уступает Николаю Суетину. Тем не менее обращение Чашника к фарфору нельзя рассматривать как случай или эпизод. Вхождение в этот материал, связанный с массовым производством, для него было органичным и естественным. Известно, что проблема изменения предметного мира была одной из актуальных в теории супрематизма.
„Получашку“ Малевича Чашник расписывал одновременно с Николаем Суетиным. Сопоставляя обе росписи, близкие по компоновке геометрических элементов и цвету, нетрудно увидеть разницу. Суетинская композиция пронизана движением, в то время как роспись Чашника, более статичная, как бы „зажимает“ форму предмета. Вообще композиции Чашника на фарфоре выглядят несколько тяжеловато. Всем краскам художник предпочитал черную, отсюда – резкая броскость его росписей на фарфоре. Более того, элементы его супрематических композиций всегда крупны, а черные широкие ленты по краю сосудов замыкают и так тесное пространство.
Марка черная, по бисквиту, от руки — серп, молот, часть шестерни и дата: 1923. На обороте черным по бисквиту: Супрематизм, изображение черного квадрата в рамке, По рис. Чашника и 474/587.
Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 200.
Чернильница с крышкой «Супрематизм с „планитом“»
- 1923-1924
- Фарфор, роспись надглазурная. 12,7 х 16 х 14,1
- Государственный Русский музей
- СФ-29
Не исключено, что стремление хотя бы в миниатюре реализовать проекты супрематической архитектуры руководило Суетиным, когда он работал над фарфоровой чернильницей. Она представляет собою комбинацию разновеликих фарфоровых брусков, куба и вертикального диска, укрепленных на черном основании в форме сегмента.
Архитектура предмета восходит к графическим изображениям „домов будущего“, так называемым планитам, над проектами которых Суетин работал в ГИНХУКе. Описание планита, сделанное Малевичем на одном из рисунков, совпадает с тем, что представил Суетин в фарфоровом предмете.
„Планиты <дома> землянитов <людей> … Планит должен быть осязаем для землянита всесторонне, он может быть всюду на верху и внутри дома… Каждый его этаж низкорослый, по нем можно ходить и сходить как по лестнице“ (Казимир Малевич в Русском музее. СПб., 2000).
В чернильнице-планите последовательно проведен супрематический принцип сопряжения вертикали и горизонтали, крупных и малых, прямоугольных и круглых форм. В росписи использованы три основных супрематических цвета: черный, красный, белый, как и предполагалось раскрашивать „дома будущего“. Важной пластической и смысловой фигурой является крупный, по отношении к другим формам, вертикально поставленный диск, на который планит, собственно, и спроецирован. Его изображение уже в виде красной планеты повторяется в росписи.
Настольный прибор (чернильница), приняв облик планита, как бы приобретает статус архитектурной модели. Эту мысль подтверждает нераскрашенный экземпляр аналогичной композиции, поступившей в 1931 году в Русский музей от Суетина. Желая выявить приоритет архитектурного начала над функциональным, художник напрочь соединил крышку чернильницы с кубом, лишив тем самым предмет его изначального предназначения.
Без марки. на обороте черная надпись: Супрематизм форма и роспись Суетина 1923–1924 г. и изображение черного квадрата в рамке (эмблема УНОВИС).
Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 155.
Курорт
- Проект плаката
- 1924
- Холст, гуашь. 107 x 71
- Государственный Русский музей
- ЖС-1836
Орден Боевого Красного Знамени
- (учрежден в 1924)
- 1924
- Серебро, эмаль, лента. 4,5 х 3,6 (с ушком, кольцом и колодкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-4434
Проект убранства площади Урицкого к 1-й годовщине Октябрьской Революции
- Образец подноса (мастер-исполнитель – Софья Шульман)
- 1924–1925
- Фанера, масло. 60,5 x 84,1 х 1
- Государственный Русский музей
- ЖС-576
Натан Альтман, замечательно проявивший себя в разных видах изобразительного искусства, создал впечатляющие своей выразительностью, романтической энергией эскизы празднества. Натиск авангардных форм не „сминал" знаменитые памятники. Художник мастерски использовал их для решения задачи (как, например, торжественную вертикаль Александровской колонны, словно вырастающей из будоражаще красного подиума). В оформлении пространства торжества Альтман сумел соединить державную строгость архитектурной планировки с логикой супрематической конструкции и эмоционально-содержательным звучанием цвета. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 446.
Город, чей образ революция изменила неузнаваемо, – важная тема в искусстве 1917–1920-х годов.
С одной стороны – голод, война, тяготы быта, смена сословных приоритетов разрушали привычную панораму площадей и улиц, как в обеих столицах, так и в провинции.
С другой стороны – город нового мира приобретал новое лицо и говорил на ином языке иного искусства. Городское пространство первого послереволюционного десятилетия превратилось в театр, на сценических подмостках которого разыгрывалась великая праздничная мистерия, горя кумачами знамен и транспарантов, оглушаемая раскатами рыков Владимира Маяковского:
Довольно грошовых истин.
Из сердца старое вытри.
Улицы – наши кисти.
Площади – наши палитры.
Книгой времени
тысячелистой
революции дни не воспеты.
На улицы, футуристы,
барабанщики и поэты!
Натан Альтман, которому поручили создать эскизы оформления площади Урицкого (Дворцовая) к 1-ой годовщине Октябрьской революции, напишет в своих мемуарах: «Я поставил себе задачу изменить исторически создавшийся облик площади. Превратить ее в место, куда революционный народ пришел праздновать свою победу. Я не стал украшать ее. Творения Растрелли и Росси не нуждались в украшениях. Красоте императорской России я хотел противопоставить новую красоту победившего города. Не гармонии со старым я искал, а контраст ему».
Представленный на выставке проект убранства дает представление о том, что Альтман взглянул на весь знаменитый архитектурный комплекс как на определенную пространственно-пластическую среду, которая должна «сыграть» задуманное праздничное «действо о революции». На окружающих площадь зданиях Зимнего дворца и Генерального штаба располагалась целая система транспарантов и полотнищ красного цвета. Огромные геометрические щиты, полыхающие яркими, чистыми цветами, создавали ощущение победно звучащих праздничных фанфар.
Но самой авангардной по формам была четырехугольная платформа-трибуна в центре у основания Александровской колонны. По углам двухъярусной конструкции находились кубы, скрывающие прожекторы. Вплотную к колонне прижимались полотнища сложных форм, которые и днем и вечером резко освещались изнутри. Футуристическая композиция брала творение Монферрана в тиски, превращала его в тающий, сумеречный призрак. Броско сопоставленные геометрически плоскости с энергичной красно-розово-желтой расцветкой напоминали влетающее к небесам пламя костра, охватившее своим жаром основу столпа самодержавия.
Эскиз мозаичной плиты с изображением серпа и молота
- 1924
- Бумага, акварель, тушь, бронза. 19,7 x 17,3
- Государственный Русский музей
- РС-6306
«Поднимай производство!»
- Проект плаката
- Февраль 1924 - январь 1925
- Фанера, темпера, аппликация. 73 x 103
- Государственный Русский музей
- ЖС-1837
Фигура милиционерки
- Государственный фарфоровый завод (г. Петроград)
- 1925 (модель — 1918)
- Фарфор, роспись надглазурная. В.-19,8; Дл.-7,5; Ш.-7,0
- Государственный Русский музей
- СФ-118
Группа «10 лет Красной Армии»
- Государственный фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова (г. Ленинград). Автор модели — Н.Я.Данько, автор росписи — М.П.Кириллова
- 1936 (модель — 1928)
- Фарфор, роспись надглазурная. В.-25,5; Дл.-13,5; Ш.-10,0
- Государственный Русский музей
- СФ-137
Орден Красной Звезды
- (учрежден в 1930)
- 1930
- Серебро, эмаль. Дм — 4,76 (с винтом и гайкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-3766
Орден Ленина
- (учрежден в 1930)
- 1930
- Платина, золото, серебро, эмаль, лента. 4,35 х 3,9 (с ушком, кольцом и колодкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-4566
Сервиз «Тракторный»
- Форма «Наркомпрос» 1923 С. В. Чехонина
- 1932
- Фарфор, роспись надглазурная.
- Государственный Русский музей
- СФ-19-24
В одном из наиболее известных своих произведений – сервизе „Тракторный“ 1932 года, сохраняя орнаментальный характер росписи, Суетин довел ее до уровня образного истолкования. Чередующиеся в горизонтальном направлении красно-оранжевые, черные и зеленые полосы несут в себе заряд энергии. Монументальная абстрагированность росписи позволяет соотнести ее с полотном Казимира Малевича „Красная конница“. Белые силуэты крохотных тракторов, обозреваемые как бы с космической высоты, цепочкой движутся друг за другом, внося в роспись элемент предметной конкретности. Согласно схеме-расстановке, начертанной на обороте подноса, части сервиза должны занять в этой композиции отведенные им места (подобный прием, как говорилось ранее, Суетиным был выработан еще в начале 20-х годов). В росписи каждого предмета сохранена цветовая индивидуальность. Декор сервиза „Тракторный“ занимает почти всю поверхность предметов. Оставленные не записанными полосы белого фарфора включаются в канву орнаментального ряда. Суетина попрежнему занимает проблема движения орнаментальных композиций. По сравнению с ранними росписями движение, охватывающее орнамент, здесь однородно, развивается вокруг предметной формы. Во власти кругового движения оказался и план расстановки сервиза: все его составляющие экспонируются по кругу, центр которого образует большое блюдо-поднос.
Черным: Суетин 1932; черный в рамке квадрат (знак УНОВИСа). На подносе – схема расстановки предметов ЛФЗ. Марки синие подглазурные от руки и зеленые: серп, молот, часть шестерни.
Поднос. Дм – 34,5
Чайник с крышкой. 18 х 15,3 х 10,6
Сливочник с крышкой. 13,3 х 10,4 х 7,7
Сахарница с крышкой. 10,1 х 13 х 10,6
Две чашки с блюдцами. 5,3 х 10,7 х 9.
Дм блюдца – 14,4
Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 157.
Предметы из чайного сервиза «Поход Челюскина»
- 1934
- Фарфор, роспись надглазурная, золочение, цировка;.
- Государственный Русский музей
- СФ-284-289
Сливочник с крышкой 7,5 х 10,2 х 6,5
Сахарница с крышкой 8,4 х 10,2
Чайник с крышкой 12,5 х 18 х 10,8
Чайник с крышкой 9 х 12,9 х 8
Чашка с блюдцем 6,9 х 8,8 х 7,1; дм блюдца — 13,8
Чашка с блюдцем 6,8 х 9,1 х 7,1; дм блюдца — 13,8
Эпопея ледокола «Челюскин», за спасением экипажа которого в начале 1934 года следил весь Советский Союз, нашла широкое отражение в разных видах искусства. В собрании Русского музея она представлена образцами скульптуры (этюд Веры Мухиной к скульптуре «Борей» для проекта памятника челюскинцам), графики (ксилография Федора Смирнова «Встреча челюскинцев» С.Гр.-4090; иллюстрация Василия Кобелева к книге «Как спасали Челюскинцев», С.Гр.-1836), декоративно-прикладного искусства (чайный сервиз «Поход „Челюскина“», выполненный на Ленинградском фарфоровом заводе имени М.В.Ломоносова), а также работами народных мастеров. Руслан Бахтияров. К берегам Антарктиды и Арктики || К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С.7.
Пароход, названный в честь русского мореплавателя и исследователя Севера Семена Челюскина (1700? — 1764/1766?), вышел из Мурманска во Владивосток 2 августа 1933 года. Предполагалось, что пароход откроет регулярную навигацию по Северному морскому пути и тем самым подтвердит приоритет Советского Союза в Арктике. Но 23 сентября он был заблокирован льдами в Чукотском море и дрейфовал почти пять месяцев. 13 февраля 1934 года «Челюскин» был раздавлен льдами и затонул. Люди сошли на окружающие льды, им удалось даже перенести кирпичи и доски, из которых они построили бараки. В результате катастрофы на льду оказались104 человека, в том числе дети. Трагедия в Беринговом проливе всколыхнула всю страну. В Москве был создан штаб по спасению челюскинцев. Эвакуацию решено было осуществлять с помощью авиации. С 5 марта по 13 апреля 24 рейсами челюскинцы были вывезены на материк летчиками Анатолием Ляпидевским, Василем Молоковым, Николаем Каманиным, Маврикием Слепневым, Михаилом Водопьяновым и Иваном Дорониным. 19 июня 1934 года в Москве участники экспедиции были торжественно встречены руководителями государства и жителями столицы. Летчики, снявшие челюскинцев со льдины, стали первыми Героями Советского Союза. К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С. 48.
Знак нагрудный "Юный Ворошиловский стрелок"
- 1930-40-е
- Бронза, эмаль. 32 x 26
- Государственный Русский музей
- Мед.А-20815
Подросток воспринимался в этой системе координат как недо-взрослый, который в процессе обучения и воспитания приобретает все необходимые для жизни взрослого полезные качества и переходит на следующую ступень развития. Исходя из этого детство пионера, каким оно виделось авторам коммунистической идеологической модели, было занято исключительно «взрослыми» занятиями с поправкой на возраст. Нельзя, наверное, найти такую сферу деятельности советского человека, у которой не было бы параллельного пионерского мира. Если взрослые готовились к войне и метко стреляли, чтобы получить нагрудный знак «Ворошиловский стрелок», то и дети учились, и лучшим из них вручался значок «Юный Ворошиловский стрелок».
Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С.28-29.
Чернильница «Учеба»
- 1935
- Фарфор, роспись надглазурная, золочение, цировка;. В.-14,5; Дл.-21,3; Ш.-11,5
- Государственный Русский музей
- СФ-60/а,б,в
Билет Государственного Банка СССР, достоинством в 1 червонец
- 1937
- .
- Государственный Русский музей
- Бум.А-6988
Билет Государственного Банка СССР, достоинством в 10 червонцев
- 1937
- .
- Государственный Русский музей
- Бум.А-3286
Билет Государственного Банка СССР, достоинством в 3 червонца
- 1937
- .
- Государственный Русский музей
- Бум.А-6989
Билет Государственного Банка СССР, достоинством в 5 червонцев
- 1937
- .
- Государственный Русский музей
- Бум.А-6990
Государственный казначейский билет СССР, достоинством в 3 рубля. 1938
- 1938
- .
- Государственный Русский музей
- Бум.А-3289
Государственный казначейский билет СССР, достоинством в 5 рублей
- 1938
- .
- Государственный Русский музей
- Бум.А-3290
Государственный казначейский билет, достоинством в 1 рубль
- 1938
- .
- Государственный Русский музей
- Бум.А-262
Медаль «За боевые заслуги»
- (учреждена в 1938)
- 1938
- Серебро, эмаль, лента. Дм — 3,2 (с ушком, кольцом и колодкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-3392
Медаль «За отвагу»
- (учреждена в 1938)
- 1938
- Серебро, эмаль, лента. Дм — 3,85 (с ушком, кольцом и колодкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-4430
Знак нагрудный «Отличник РККА»
- (учрежден в 1939)
- 1939
- Бронза, эмаль. 3,75 х 2,85 (с винтом)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-3624
Медаль «Золотая Звезда» Героя Советского Союза
- Звание Героя Советского Союза установлено в 1934; медаль учреждена в 1939
- 1939
- Золото, лента. 3,3 х 3 (с ушком, кольцом и колодкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-20890
Знак нагрудный «Гвардия»
- (учрежден в 1942)
- 1942
- Бронза, эмаль. 4,7 х 3,8 (с винтом)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-4457
Знак нагрудный «Отличный артиллерист»
- (учрежден в 1942)
- 1942
- Латунь, эмаль. 4,6 х 3,65 (с винтом)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-3807
Знак нагрудный «Отличный танкист»
- (учрежден в 1942)
- 1942
- Латунь, эмаль. 4,45 х 3,8 (с винтом)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-4589
Знак нагрудный «Снайпер»
- (учрежден в 1942)
- 1942
- Латунь, эмаль. 4,4 х 3,6 (с винтом)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-4591
Медаль наградная «За оборону Ленинграда»
- (учреждена в 1942)
- 1942
- Бронза, лента. Дм — 3,2 (с ушком, кольцом и колодкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-3750
Облигация на сумму 500 рублей Государственного военного займа
- Лицевая и оборотная стороны
- 1942
- Бумага. 23,9 х 18
- Государственный Русский музей
- Бум.А-16336
Орден Александра Невского
- (учрежден в 1942)
- 1942
- Серебро, эмаль. Дм — 5 (с винтом и гайкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-5294
Орден Отечественной войны I степени
- (учрежден в 1942)
- 1942
- Золото, серебро, эмаль. 4,5 х 4,3 (с винтом и гайкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-3973
Знак нагрудный «Отличный связист»
- (учрежден в 1943)
- 1943
- Латунь, эмаль. 4,6 х 3,75 (с винтом)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-4594
Медаль партизану Отечественной войны I степени
- Москалев Н. И. (учреждена в 1943)
- 1943
- Серебро, лента. Дм — 3,2 (с ушком, кольцом и колодкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-12666
Облигация на сумму 100 рублей Второго Государственного военного займа
- Лицевая и оборотная стороны
- 1943
- Бумага. 20 х 16
- Государственный Русский музей
- Бум.А-16355
Орден Славы III степени
- (учрежден в 1943)
- 1943
- Серебро, эмаль, лента. 4,6 х 4,2 (с ушком, кольцом и колодкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-3764
Медаль Ушакова
- Диодоров А. Л., Хомич Б. М. (учреждена в 1944)
- 1944
- Серебро, лента. Дм — 3,6 (с ушком, кольцом, колодкой и цепочкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-3762
Медаль наградная Нахимова
- (учреждена в 1944)
- 1944
- Бронза, лента. Дм — 3,6 (с ушком, кольцом и колодкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-12668
Облигация на сумму 200 рублей Третьего Государственного военного займа (Выигрышный выпуск)
- Лицевая и оборотная стороны
- 1944
- Бумага. 19,8 х 15
- Государственный Русский музей
- Бум.А-16432
Медаль наградная «За взятие Берлина», 1945 г.
- 1945
- Бронза, лента. Дм — 3,25 (с ушком, кольцом и колодкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-3394
Медаль наградная «За освобождение Варшавы»
- Кузнецов А. И. (учреждена в 1945)
- 1945
- Бронза, лента. Дм — 3,2 (с ушком, кольцом и колодкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-3971
Медаль наградная «За победу над Японией»
- (учреждена в 1945)
- 1945
- Бронза, лента. Дм — 3,2 (с ушком, кольцом и колодкой)
- Государственный Русский музей
- Мед.А-3781
Облигация на сумму 500 рублей Четвертого Государственного военного займа
- Лицевая и оборотная стороны
- 1945
- Бумага. 24,4 х 18,6
- Государственный Русский музей
- Бум.А-16437
Ваза «Выборы в Верховный Совет СССР»
- 1950
- Фарфор, роспись. 28 х 14 х 30
- Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
- ДПИ-51
Ваза марийского художника-керамиста Павла Кожина с двух сторон декорирована рельефами, изображающими выборы в Верховный Совет СССР в разных районах СССР: в Азии и далекой Чукотке, в деревне и в городе.
Ваза «Слава»
- 1950-1951
- Стекло рубиновое, алмазная грань.
- Государственный Русский музей
- СТ-2790/а-н
а) 44,0 х 33,0; б) 11,0 х 36,5; в) 11,0 х 28,2; г) 8,5 х 25,5;е) 6,5 х 9,0; ж) 7,0 х 13,5; з) 4,5 х 13,5; и) 6,0 х 43,0; к) 28,0 х 29,0; л) 7,0 х 36,5; м) 18,0 х 27,0; н) 18,0 х 27,0
Ваза, выполненная в начале 1950-х годов на Ленинградском заводе художественного стекла и посвященная XIX съезду Коммунистической партии Советского Союза, состоит из 15 частей.
Яйцевидное тулово выполнено из двухслойного (бесцветного и рубинового) стекла. На нем – 2 гравированные композиции: двойной портрет В.И.Ленина и И.В.Сталина и надпись «XIX съезду КПСС (ВКП (б)), обрамлённые оливковой и дубовой ветвями. Между ними – букеты из цветов, фруктов и колосьев, перевитые лентами. На венце, выполненном из бесцветного стекла в виде венка из дубовых листьев, размещены 4 герба СССР. На основании - золоченая надпись «Партии Ленина-Сталина слава!».
XIX съезд Всесоюзной Коммунистической партии (большевиков) / Коммунистической партии Советского Союза проходил с 5 по 14 октября 1952 года в Москве.
XIX съезд КПСС был первым съездом партии после 13-летнего перерыва, вызванного Великой Отечественной войной, и последним съездом, прошедшим в период руководства партией И. В. Сталиным. Съезд принял новый Устав, в котором содержались решения о переименовании ВКП(б) в Коммунистическую партию Советского Союза (КПСС). Подробнее о съезде (статья в Википедии)
Ваза «Строительство»
- 1961
- Керамика, роспись подглазурная. Высота - 57 см.
- Магнитогорская картинная галерея
- ДПИ-258
Ваза «Строительство» Антонины Ладур выполнена в бирюзовой гамме и имеет стилизованную форму с глазурованной поверхностью. Роспись отличается особым ритмом, созданным резким пересечением черных стрел башенных кранов, рельефно проработанных по керамической форме, и висящих на крюках коричневых квадратов-панелей. Сквозь них видны плотные ряды деревьев с пышными кронами, благодаря чему стилизованный вид стройки выглядит весьма романтично.
Значок октябрятский
- 1960-70-е
- Алюминий, эмаль. 29 x 28
- Государственный Русский музей
- Мед.А-4405
Большевики не без оснований полагали, что одним из условий удержания власти было воспитание молодого поколения в коммунистическом духе, что казалось гораздо более простым, чем перевоспитание «испорченных» старым режимом взрослых.
Поскольку октябрята были детьми, только готовившимися к приему в пионеры, почти неизбежным стало обращение к образу лидера большевиков в начальный период его жизни. Уже в 1920-е годы был разработан дизайн октябрятской звездочки, в центре которой располагался портрет Володи Ульянова в детстве, почти в неизменном виде просуществовавший до распада СССР в 1991 году.
Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 28.
Значок пионерский
- 1960-70-е
- Алюминий, эмаль. 24 x 21
- Государственный Русский музей
- Мед.А-9209
Большевики не без оснований полагали, что одним из условий удержания власти было воспитание молодого поколения в коммунистическом духе, что казалось гораздо более простым, чем перевоспитание «испорченных» старым режимом взрослых. Главным инструментом такого воспитания стала молодежная коммунистическая организация, основанная в 1922 году и вошедшая в историю под названием пионерской. В собрании Русского музея хранятся несколько значков раннего периода пионерского движения в СССР. С самого начала в них используется коммунистическая символика. После смерти Владимира Ильича Ленина пионерской организации было присвоено его имя, поэтому не удивительно появление образа вождя на значке.
В 1960-е годы была установлена новая форма значка, наиболее известная последним поколениям советских детей, в которой были скомпонованы находки предшествующего периода. В результате на груди пионера на фоне стилизованных языков костра и красной звезды вырисовывался профиль Ленина, заимствованный со знаменитого рисунка Николая Андреева, с лозунгом «Всегда готов!»
Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 27-28.
Блюдо «Наши стройки»
- Керамика
- 1970-е
- Фарфор, роспись. диаметр – 45 см
- Магнитогорская картинная галерея
- ДПИ–741
Блюдо «Наши стройки» создано художником по росписи фарфора Ларисой Григорьевой. Оно имеет дисковидную форму с поднятыми бортами. В центре – роспись с символом эпохи советского времени серпом и молотом, по борту – декоративная полоса из фрагментов строительства крупных и значимых объектов эпохи. Эти детали росписи выполнены в стиле абсолютно нового вида искусства 1920-х годов – известного агитационного фарфора советского времени. Присутствуют традиционный красный цвет, позолота и элементы индустриализации, но присущая автору элегантность языка росписи смягчает откровенно пропагандистский характер и придает блюду особую изящность.
Ваза «Юбилейная»
- Полтавский фарфоровый завод
- 1972
- Фарфор, роспись, золочение. Высота – 37,0 см, диаметр верха – 9,5 см, диаметр основания – 17,0 см
- Егорьевский историко-художественный музей
- КС 192
В своих произведениях Анатолий Матвеевич Коровкин использует собственный жизненный опыт. Его произведения рассказывают о человеке труда, о созидании, о важных этапах жизни страны.
Ваза «Юбилейная» создана на Полтавском фарфоровом заводе (г. Полтава, УССР) в 1972 году и посвящена 50-летию создания СССР.
Надпись на плечиках золотом: «Дружбе крепнуть – Отчизне цвести». Под надписью – флаги 15 советских республик. На основании по кругу черным маркером: «Дипломная работа Коровкина А. М. Полтавский фарфоровый з-д».
Полтавский фарфоровый завод основан в 1964 году в г. Полтава УССР. Первоначально носил имя XXV съезда КПСС. Работает в настоящее время, выпуская хозяйственно-бытовой фарфор и фаянс.
Ваза «Юбилейная»
- Полтавский фарфоровый завод
- 1972
- Фарфор, роспись, золочение. Высота – 37,0 см диаметр верха – 9,5 см диаметр основания – 17,0 см
- Егорьевский историко-художественный музей
- КС 193
В своих произведениях Анатолий Матвеевич Коровкин использует собственный жизненный опыт. Его произведения рассказывают о человеке труда, о созидании, о важных этапах жизни страны.
Ваза «Юбилейная» создана на Полтавском фарфоровом заводе (г. Полтава, УССР) в 1972 году и посвящена 50-летию создания СССР.
Надпись на плечиках золотом: «Дружбе крепнуть – Отчизне цвести». Под надписью – флаги 15 советских республик. На основании черным маркером «Коровкин А.М.»
Полтавский фарфоровый завод основан в 1964 году в г. Полтава УССР. Первоначально носил имя XXV съезда КПСС. Работает в настоящее время, выпуская хозяйственно-бытовой фарфор и фаянс.
Ваза «Космос»
- 1975
- Фаянс, роспись подглазурная. Высота – 45 см.
- Магнитогорская картинная галерея
- ДПИ-791
Ваза «Космос» работы Виктора Жбанова имеет стилизованную форму с глянцевой поверхностью. Темой росписи стал знаменитый экспериментальный полет американского космического корабля «Аполлон» и советского космического корабля «Союз-19», состоявшийся в июле 1975 года, также известный, как «Рукопожатие в космосе». Плавный переход от холодного синей гаммы в теплые зеленые оттенки создает ощущение космического пространства и завораживает своей красотой. На этом фоне автором мастерски написаны космические корабли.
Значок пионерского лагеря «Артек»
- 1970-е
- Алюминий, эмаль. 34 x 17
- Государственный Русский музей
- Мед.А-5913
Пионер должен заниматься физической культурой и спортом, поскольку важно готовить себя к войне с вероятным противником из враждебного капиталистического окружения. Однако в те же годы пионеры стали заниматься спортом и просто так.
Даже такое, казалось бы, классическое времяпровождение пионеров, как поездка в летний лагерь, подчас лишалось коммунистических ассоциаций.
Даже значки, сохранившие детали традиционной пионерской атрибутики, открыто порывали со стилистикой социалистического реализма, тем самым подрывая и идеологические основы движения. Например, на значке того же «Артека» 1970-х годов был изображен пионер, голова которого была исполнена в стиле «точка-точка-огуречик», напоминая современный «смайлик», а тело было образовано из человеческих рук белого, черного и красного цветов, символизировавших международный характер этой «мекки» детей стран социалистического лагеря (кстати, очевидно заимствование этого символа у VI Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве). О коммунистическом характере этого аллегорического персонажа напоминал только пионерский галстук.
Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 29-30
Ваза «Юбилейная»
- Рождественская Д. П. (портрет Ленина) Леонова П. В. (форма вазы)
- 1977
- Фарфор, роспись, золочение. Высота – 39,5 см, диаметр – 17,0 см
- Егорьевский историко-художественный музей
- КС. 191
Ваза «Юбилейная» из собрания Егорьевского краеведческого музея изготовлена в Гжели в 1977 году к 60-летию Октябрьской революции 1917 года. На тулове вазы надпись кобальтом с позолотой: «Коллективу-победителю Соцсоревнования в честь 60-летия Великого Октября среди предприятий Егорьевского района». На основании подпись кобальтом «Роспись Дунашовой Т.С. 1977г.».
Татьяна Сергеевна Дунашова — советский и российский художник народных промыслов, скульптор-керамист, специалист по гжельскому фарфору, стоявшая у истоков возрождения гжельского промысла. Член Союза художников СССР.
Ваза
- Рождественская Д. П. (портрет Ленина) Леонова П. В. (форма вазы)
- 1978
- Фарфор, роспись, золочение. Высота – 44,5 см диаметр – 25,0 см высота основания – 14,0 см
- Егорьевский историко-художественный музей
- КП 5969
Ваза (1978) из собрания Егорьевского краеведческого музея изготовлена на Дулевском фарфоровом заводе в честь 200-летия г. Егорьевск. На тулове вазы надпись золотом «В честь 200-летия Егорьевска от трудящихся Орехово-Зуевского района 1978 г.». В оформлении вазы использован рисунок «Ленин говорящий» (1960) московского художника П. В. Васильева. На основании ножки черной ручкой: «Форма вазы П. В. Леонова. Портрет х. Рождественской Д.П. ноябрь 1978».
Дулёвский фарфоровый завод был основан в 1832 году купцом Терентием Кузнецовым в пустоши Дулево, которая с 1937 года называется Ликино-Дулево и находится в Московской области.
Фарфоровый завод с 1889 по 1917 год принадлежал Товариществу М. С. Кузнецова. Завод приобрел популярность в начале XX века благодаря своим крупным ярким расписным кружкам и чайникам, которые пользовались спросом среди купечества и мещанства.
Ваза
- 1978
- Фарфор, роспись, золочение. Высота – 29,0 см диаметр – 15,5 см
- Егорьевский историко-художественный музей
- КП 5970 КС
Ваза из собрания Егорьевского краеведческого музея изготовлена на Дулевском фарфоровом заводе к 200-летию Егорьевска и 60-летию комсомола в 1978 году.
На вазе изображен комсомольский значок, под ним надпись золотом «60 лет», алые стяги, на них надпись «1918—1978». На нарисованной на вазе алой ленте надпись: «ГК КПСС, исполкому Горсовета от ГК ВЛКСМ в честь 200-летия г. Егорьевска»
На основании красная марка Дулевского фарфорового завода.
Суетин Николай Михайлович
1897, п. Мятлевская (Калужская губерния) –1954, ЛенинградЖивописец, график, художник по фарфору, дизайнер. Ученик К. Малевича по Витебскому художественно-практическому институту (1918—1922), член УНОВИСа (с 1920). Участвовал в работе по праздничному украшению Витебска, создавал проекты вывесок, оформления кафе, столовых, магазинов.
В 1922 году вместе с К. С. Малевичем переехал в Петроград. В 1923—1926 гг. участвовал в работе МХК и ГИНХУКа. В 1925 году возглавил Отдел материальной культуры ГИНХУКа. Занимался разработкой супрематизма, анализировал новые формы искусства. В 1925 — 26 гг. работал также в экспериментальной лаборатории Декоративного института (эскизы рисунков для тканей, оформление выставок, реклама), разрабатывая дизайн, основанный на методе супрематизма. С 1923 года работал на Петроградском фарфоровом заводе. В 1937 спроектировал (с соавторами) интерьеры павильона СССР на Международной выставке «Искусство и техника в современной жизни» в Париже (1937, архитектор Б. М. Иофан), получивший Гран-при выставки. В 1939 г. оформлял павильон СССР на Всемирной выставке «Мир завтрашнего дня» в Нью-Йорке.
Чашник Илья Григорьевич
1902, Люцин Витебской губернии (ныне – Лудза, Латвия) – 1929, ЛенинградЖивописец, дизайнер. Учился в Витебске у И.М. Пэна, в Художественно-практическом иституте (1919-1922) у К. С. Малевича. Член группы УНОВИС (1920). Работал в ГИНХУК (1923-1926, Петроград-Ленинград), в экспериментальной лаборатории ДИ (1925-1926), Комитете художественной промышленности ГИИИ (1926-1927). Художник-композитор ГФЗ (1922-1924).
Векслер Михаил (Монаш) Соломонович (Шлемович)
1898-1976Клетенберг Артур Петрович
1907, Ревель — ?Биографические сведения пока не обнаружены. Известна его деятельность в Декоративном институте (Петроград–Ленинград), где он в 1921–1925 последовательно работал учеником художника, подмастерьем, практикантом в агитплакатной мастерской, руководимой Р. Р. Френцем.
Чехонин Сергей Васильевич
1878, село Лыкошино Новгородской губернии — 1936, Лорры, ШвейцарияГрафик, мастер ДПИ, миниатюрист. Учился в ЦУТР барона А. Л. Штиглица (1893–1896), в РШ ИОПХ (1896–1897) у Я. Ф. Ционглинского, В. П. Шрайбера, в ХШ княгини М. К. Тенишевой (1897–1900) у И. Е. Репина. Член общества „Мир искусства“(с 1913). Участник выставок с 1903: „Венок“ (1908), СРХ (1908/1909), Салон „Золотого руна“ (1909/1910), „Мир искусства“ (1913–1924), членов „Дома искусств“ (1920–1921), „Община художников“ (1921–1925); международных в Лейпциге (1914), Париже (1925) и других.
Работал под руководством П. К. Ваулина на гончарном заводе „Абрамцево“ С. И. Мамонтова в Москве (1902–1907), в мастерской „Гольдвейн и Ваулин“ под Петербургом (1907–1915). С 1902 участвовал в монументально-декоративных работах (в 1912–1915 — в Юсуповском дворце). С 1905 сотрудничал в журналах и книжных издательствах. Руководил мастерской финифти в Ростове Великом и мастерской по изготовлению старинной мебели в Ефремове Тульской губернии (1913–1915). В 1918 принимал участие в разработке советской эмблематики. В 1918 возглавил художественный отдел ГФЗ в Петрограде, в 1923 — художественную часть „Новгубфарфора“. С 1918 входил в состав отдела ИЗО Наркомпроса. Преподавал в ЦУТР–ВКДПИ–ВДПИМ (1917–1920-е). С 1928 жил во Франции и Германии, сотрудничал с театром Н. Ф. Балиева „Летучая мышь“, балетной труппой Н. Ф. Немчиновой и другими.
Многообразное творчество Чехонина, охватывавшее станковые формы и сферу прикладного искусства, развивалось в русле неоклассики. Ранние произведения художника отражают его интерес к русскому и европейскому ампиру. Постепенно произошла „активизация художественных форм с сохранением декоративной сущности“. Собственно декоративное начало ампира как имперского стиля оказалось особенно востребованным послереволюционным десятилетием, а Чехонин, по словам А. М. Эфроса, стал „мастером советского ампира“.
Кубарская Елена Петровна
1905, Санкт-Петербург – 1986, ЛенинградХудожник по фарфору. Училась в РШ ОПХ–ЛГХПТ (1922–1927 ) у П. В. Кузнецова. Работала на Бронницкой фарфоро-фаянсовой фабрике «Пролетарий» (1927), на стекольном заводе имени III КДО в Малой Вишере (1928–1929), художником по росписи фарфора на ЛФЗ (1929–1941, 1943–1945); по договорам в области промышленной графики (в том числе по созданию обоев, с 1946). Преподавала в Художественно-ремесленном училище № 38 (с 1949). Член СХ СССР. Медаль «За оборону Ленинграда» и орден Красной Звезды (1944). Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 225.
Ленинградский завод художественного стекла (г. Ленинград)
Кожин Павел Михайлович
1904, деревня Быковка Нижегородской губернии – 1975Скульптор. Окончил нижегородскую школу-коммуну (1924), вольнослушатель Нижегородского художественного техникума, учился в полиграфической школе при Первой Образцовой типографии (1924–1925) в Москве, на керамическом факультете ВХУТЕИН (1926–1931) по специальности «художник-конструктор, керамист». Проходил производственную практику в первой художественно-керамической лаборатории при Музее керамики (ГМК «Кусково»). Заведовал лабораторией Института кустарной промышленности (1932–1933).
Сотрудничал с КФЗ (1927–1928, 1935–1937, 1951–1952, 1957), заводом «Всекохудожник» (1930-е); работал на ДФЗ (1938–1971), выполнил ряд произведений на РФФЗ (1950-е). Преподавал в МВХПУ (1962–1974). Золотая медаль Всемирной Парижской выставки (1937) и серебряная Всемирной выставки в Брюсселе (1958). Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 225.
Матесьянов А. А.
Биографические данные отсутствуютГригорьева Лариса Ивановна
1920, г. Тверь — 1997, г. Санкт-ПетербургХудожник по росписи фарфора. В 1945 становится ученицей на Ленинградском фарфоровом заводе у Николая Суетина, Ивана Ризнича, Тамары Беспаловой-Михалевой. Н. М. Суетин – видный советский художник-супрематист, верный ученик и последователь Казимира Малевича. Он первым разглядел талант в молодой художнице и принял в команду ЛФЗ. С 1951 работает художником в лаборатории ЛФЗ. Большинство её изделий были рассчитаны на массовое производство в живописном цехе, часть из них до сих пор выпускаются.
С 1952 года – участница многочисленных выставок, в том числе Всемирной выставки в Брюсселе, в 1958 (награждена Бронзовой медалью за роспись вазы «Фестивальная») Всемирной выставки в Монреале в 1967. С 1961 – член Союза художников СССР. Обладала уникальным почерком и оставила заметный след в создании фарфоровой коллекции легендарного ЛФЗ. Расписанные ею предметы были любимы многими поколениями советских людей. Элегантный стиль росписи Ларисы Ивановны легко узнаваем. Она посвятила творчеству более сорока лет, а её работы стали отражением оттепели 1950–1980-х.
Дулёвский фарфоровый завод
1832Дулёвский фарфоровый завод был основан в 1832 купцом Терентием Кузнецовым в пустоши Дулево, которая с 1937 называется Ликино-Дулево и находится в Московской области.
Фарфоровый завод с 1889 по 1917 принадлежал Товариществу М. С. Кузнецова. Завод приобрел популярность в начале XX века благодаря своим крупным ярким расписным кружкам и чайникам, которые пользовались спросом среди купечества и мещанства. В 1902 М. С. Кузнецов был включен в почетный список поставщиков императорского двора.
В 1918 году завод был национализирован. В послевоенное время помимо массового фарфора, на заводе создавались шедевры русского фарфора. В эту эпоху в уникальной мастерской завода, художественной лаборатории, работали такие известные художники как П. В. Леонов, И. Г. Коньков, А. И. Прохоров, Ф. Ф. Маслов, В. К. Яснецов, С. Г. Аникин, С. Е. Медведев, скульпторы А. Г. Сотников, П. М. Кожин, А. Д. Бржезицкая, О. М. Богданова, Н. А. Малышева, Г. Д. Чечулина, Е. И. Гатилова. Работы заводских скульпторов и художников украшают музеи и картинные галереи страны, пользуются спросом у коллекционеров всего мира. Изделия мастеров завода были отмечены многочисленными премиями и наградами. Скульптура А. Г. Сотникова «Сокол», получившая в 1958-м медаль «Гран-при» на Всемирной выставке в Брюсселе, стала символом Дулевского фарфорового завода, а ее графическое изображение – торговой маркой предприятия. В 1976 за выдающиеся достижения в развитии фарфоровой отрасли завод был награжден орденом Ленина.
Источник https://dfz.ru/about/
Гжель, Московская губерния/область
В последней трети XVIII века среди центров народного гончарства выделился подмосковный район Гжели, обладавший залежами высококачественной глины. Здесь во многих деревнях крестьяне делали майолику – посуду с росписью по сырой эмали. Гжельские квасники, кувшины, кружки, фигурные сосуды, тарелки, рукомои отличаются своеобразной пластикой форм и неповторимой росписью в пять красок нежных оттенков. Темы росписи мастера черпали из жизни и природы, подчиняя изображения условному характеру декора. Виртуозный лаконичный рисунок в сочетании с мягкими мазками краски передавали образы птиц, зверей, деревенских пейзажей с дымящимися трубами домиков. Живописный декор нередко дополняли небольшие скульптурки, помещенные на плечиках сосудов: музыканты, целующиеся парочки, стреляющие из пушек военные, крестьянки в характерных костюмах. Гжельская майолика была модной и пользовалась большим спросом. Поэтому на некоторых изделиях, служивших подарками, мастера писали даты создания и делали авторские надписи.
В начале XIX века, в ответ на появившийся в России в большом количестве модный английский фаянс с синей кобальтовой росписью на белом фоне, гжельцы придумали свой уникальный материал – полуфаянс с аналогичным декором. Долгое время сохраняя формы посуды, они украшали их растительным орнаментом в традиционных приемах подглазурной росписи кобальтом. Полуфаянсовые изделия бытовали на протяжении всего XIX века, пока не были вытеснены получившим распространение фарфором мелких частных заводиков.
В 1945-1949 годах исследователь русской керамики А. Б. Салтыков и московская художница Н. И. Бессарабова с помощью местных мастеров возродили как народный промысел знаменитую в прошлом Гжель. Они обратились к художественным традициям гжельского полуфаянса XIX века и наладили производство фарфора с ручной подглазурной росписью кобальтом.
Строгий стиль гжельского сине-белого фарфора находит индивидуальную интерпретацию в авторских манерах каждого из местных художников. Она проявляется в избирательном отношении к формам и назначению предметов, особенностях их пластики, приемах и характере росписи, даже манере наложения краски. Все это можно видеть в работах Т. С. Дунашовой, Л. П. Азаровой, Н. и В. Бидаков и других художников, внесших весомый вклад в достижения гжельского искусства.
|
Онлайн-презентация международной межмузейной виртуальной выставки состоялась 9 февраля 2023 года. |
|
![]() |
Виртуальный тур по выставке Русского музея «Для счастья народа» (Искусство соцреализма) |
|
|
||
![]() |